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En la oscuridad de aquellos cines de barrio, hoy desaparecidos, descubrimos- hace una eternidad y un día- a Tarzán, que pronto se convirtió en símbolo de la libertad anhelada por tantos niños y jóvenes inquietos que crecían en la larga noche de piedra franquista.  Otros héroes más digitales quieren cuestionar hoy el reinado del Rey de los monos, anciano centenario que aún está muy vivo. La prueba es que en 2014 y 2015, se estrenarán en España dos nuevos filmes sobre el personaje creado por Edgar Rice Burroughs en 1912.   Tarzán está presente en cada rincón de nuestra vida, con el rostro de Johnny Weissmuller y quizá también con el de Lex Barker o Gordon Scott. Si alguien duda de su pervivencia, seguramente dejará de hacerlo con la lectura de estas páginas, repletas de anécdotas y curiosidades, traídas desde todos los rincones por tarzanes de Turquía, Italia, la India...Sin olvidar a los tarzanes españoles...  Con humor y amor cinéfilo- y con algo de melancolía- éste quiere ser un repaso al Tarzán de las películas, las novelas, los cómics y la televisión. Sin prescindir de otros ámbitos artísticos, desde el teatro hasta la música.  Jane y las venus de las pieles de la jungla tarzánida, Boy y otros muchos niños huérfanos, Chita, Timba, esa Africa improbable escondida tras el monte Mutia, la casa del árbol, el cuchillo, las lianas y los cocodrilos...todos esos confortables lugares comunes se dan cita, de nuevo, en este ecléctico Universo de Tarzán...  Sólo hay que dejarse llevar por ese famoso grito que es como una magdalena proustiana: "Aaahhh...Eeeeee...Aaahhh...Eeeeee...Aaaahhh...E ee...Aaahhh!ö

Tarzán. Heroe de celuloide y papel

Aunque el cine puede ser considerada una fábrica de sueños y la mayoría de los espectadores entra en una sala para evadirse de la realidad y pasar un buen rato, también existen en el panorama cinematográfico una serie de obras que provocan miedo, horror, demencia, desesperación, malos ratos, cine canalla, repugnancia, caos, sangre, vísceras, padecimientos, sadismo, pavor y locura ideadas por mentes sucias, corruptas, masoquistas, paranoicas, indignas, denigrantes y perversas. En definitiva, "cine insano". A través de más de 400 películas, algunas célebres como La naranja mecánica e Irreversible y la mayoría poco conocidas para el gran público pero que son todo un descubrimiento en este tipo de cine de "mal rollo", se irán analizando, y en ocasiones pormenorizando, los títulos más relevantes de unas obras que provocan y hacen reflexionar al espectador sobre la crudeza del mundo en que nos desenvolvemos diariamente. Desde el expresionismo alemán de los años 20 con cineastas como Murnau y Fritz Lang, a la depresión que llevaron los nazis en los años siguientes reflejada en títulos agobiantes como La zona gris; las películas prohibidas de exploitation, gore y LSD en los 50 y 60; la aportación italiana de los documentales salvajes iniciados por Este perro mundo, así como el cine de caníbales en películas tan célebres como Holocausto caníbal; el mundo desasosegante de las torturas, violaciones y asesinatos reales, todo bajo la influencia del Marqués de Sade; las perniciosas producciones norteamericanas sadomasoquistas para adultos de la década de los 70; las películas extremas realizadas en Japón como la infame saga Guinea Pig en los 80... así hasta llegar al sufrimiento supremo de los últimos y polémicos títulos como A Serbian Film y Martyrs. En consecuencia, todo un catálogo de calvarios físicos y mentales que han convertido en mitos de lo enfermizo a cineastas como David Cronenberg y Michael Haneke. Se podría decir "que lo disfruten", pero quizá se trate de todo lo contrario.

Cine insano : Las películas más perturbadoras de la historia del cine

- ¿Tendría tanta emoción el final de la película de Steven Spielberg E.T, el extraterrestre sin la música de John Williams?  - Y qué decir si Audrey Hepburn pasease por la 5ª Avenida de Nueva York mirando el escaparate de Tiffany en la comedia de Blake Edwards Desayuno con diamantes sin la canción "Moon River" escrita por el genio incomparable de Henry Mancini.  - Alfred Hitchcock tuvo que claudicar para que la terrorífica escena de la ducha de Psicosis acabase teniendo música en forma de violines asesinos y nunca perdonó a Bernard Herrmann por ello.  Estos son algunos ejemplos de cómo hay directores que necesitan, se apoyan y cultivan la unión con un compositor concreto. Cineastas que consideran la banda sonora como una de las partes claves en el resultado final del film, notándose el cariño procesado a sus músicos, en realidad sus "alter egos" en la creación de melodías que logran que sus imágenes salgan favorecidas. En este libro se comentan 100 colaboraciones entre otros tantos directores y sus compositores favoritos. Aquí, el lector encontrará cómo se conocieron David Lynch y Angelo Badalamenti, declaraciones del porqué Danny Elfman necesita y comprende a Tim Burton, las películas que hicieron a lo largo del tiempo Billy Wilder y Miklós Rózsa, o los encuentros y desencuentros entre James Horner y Ron Howard. En suma, un completo y ameno recorrido por la música y el cine, repleto de anécdotas e historias desconocidas hasta el momento, que ayudará a conocer mejor la visión que los directores tienen de las bandas sonoras que ambientan sus películas.

Música & cine

Las adaptaciones cinematográficas son, desde hace mucho tiempo, el principal soporte de la industria de Hollywood y de las cadenas de televisión norteamericanas. Además, la mayoría de las cintas que han ganado el Oscar a la mejor película han sido adaptaciones de novelas, obras de teatro o historias reales. Linda Seger, autora de varios libros ya clásicos sobre escritura de guiones, ofrece ahora un manual valioso y completo para guionistas, productores y realizadores que quieran adaptar obras y acontecimientos a la pantalla.Junto a cómo analizar este material ?y evaluar su potencial como película?, Seger proporciona un método práctico para trasladar al cine la historia, los personajes, los temas y el estilo. La última parte aborda también las cuestiones legales de toda adaptación, las posibilidades de opción sobre una obra y la protección de los derechos como guionista o productor.Crítica:«Linda Seger disecciona al milímetro en sus 10 capítulos los pormenores sobre las cuestiones relativas a las adaptaciones literarias con honestidad y claridad meridiana.»José Luis Panero, COPE«Cuando era niño, leí su libro Making a good script great (como convertir un buen guion en un guion excelente) que cambió mi vida para siempre. Hace tres años terminé mi primer largometraje ?Havanastation?, que fue la Entrada Oficial de Cuba a los premios Oscar. Gracias por tu gran trabajo todos estos años. Cambiaste las películas en todo el mundo.»Ian Padron, Cineasta y Productor

Ediciones Rialp S.a.

Rialp

El arte de la adaptacion

Aprender a ver cine invita a la contemplación crítica de grandes películas de diversos géneros cinematográficos: Gladiator, Braveheart, La vida es bella, Casablanca, Salvar al soldado Ryan, Matar a un ruiseñor, El club de los poetas muertos, Los miserables, El Señor de los Anillos, Star Wars, etc.Ofrece una sinopsis del argumento, apuntes históricos y sociológicos, estilo del director, estructura dramática, tipos de planos..., y se completa con un análisis de los sentimientos de los personajes. Incluye cuestionarios que servirán de guía para organizar cinefórum.Un libro de interés para todos los amantes del séptimo arte, especialmente para profesores y alumnos de Cine, Ciencia y Humanidades.

Aprender a ver cine

Todas las épocas tienen sus historias. A veces se cuentan mediante relatos de carácter religioso, mitos, leyendas, cuentos, novelas, obras de teatro... y también películas. Esa transmisión de historias constituye un pilar de la cultura, y es además un vehículo para adquirir sentido crítico y hacerse preguntas que tal vez nos mejoren como personas.¿Qué hace que una historia brille con luz propia? Es determinante la fuerza narrativa, pero también, y de un modo determinante, el personaje. Como espectadores o lectores, vivimos las historias a través de los ojos de sus personajes. Por eso, un buen actor, escritor o director es aquel que logra personajes que enamoren, fascinen, y queden impresos en la memoria.

Libros De Cine

Marlon brando tenia un bulldog

Indaga en el cine español, desde los comienzos de la industria hasta la actualidad, combinando algunos de los más prometedores enfoques de los estudios sobre cine con algunas de las cuestiones más apremiantes que han preocupado a la España del siglo XX.

Una historia del cine español

Desde el cambio del milenio los avances tecnológicos han provocado una reacción en cadena que ha transformado radicalmente todos los aspectos de la producción y difusión cinematográficas. Con la (r)evolución digital el cortometraje ha ganado una nueva visibilidad: Internet lo ha sacado de los inaccesibles archivos de filmotecas y festivales. La nueva era no solo ha aumentado las posibilidades para los profesionales, sino que invita también a principiantes y aficionados a rodar y estrenar sus cortometrajes a golpe de ratón.  Este libro nace de la necesidad de detenerse un momento para dar espacio a la reflexión sobre el statu quo del cortometraje español contemporáneo. Con este fin se han reunido especialistas de diversos ámbitos que aportan su punto de vista a la obra. Esta, sin embargo, no pretende quedarse solo en la reflexión, pues acerca aún más los contenidos al lector mediante un DVD con siete cortometrajes ejemplares producidos desde el año 2000 y acompañados de un material didáctico que permite su uso en la enseñanza.

Iberoamericana - Vervuert

El cortometraje español (2000-2015)

España

Esta antología del cine mexicano presenta 31 películas emblemáticas de todos los momentos del cine sonoro, desde la llamada Época de Oro de los años treinta y cuarenta hasta el cine actual, e incluye tanto obras canónicas de Sergej Eisenstein, Fernando de Fuentes, Alejandro Galindo, Luis Buñuel y Arturo Ripstein, como trabajos de realizadores más actuales como Jorge Fons, Alejandro González Iñárritu, Jorge Fons, Alfonso Cuarón y Fernando Eimbcke.

Clásicos del cine mexicano. 31 películas emblemáticas desde la época de oro hast

Tras superar un período de crisis en los años noventa, el cine argentino se ha convertido en el más potente y creativo de América Latina. Con el nuevo profesionalismo, la nueva generación de cineastas ha marcado un nuevo camino, desligándose tanto del cine popular comercial como del cine político antindustrial. El presente volumen reúne contribuciones de investigadores argentinos, europeos y estadounidenses, además de un ensayo de la cineasta Albertina Carri, que abarcan un amplio y representativo panorama de varias áreas temáticas.

Cine argentino contemporáneo

La eficacia visual del cine, su alcance y su capacidad para mostrar como real lo que no lo es, lo erigió como el medio de comunicación más poderoso del siglo XX. En este sentido, el papel de la cinematografía producida durante el franquismo fue crucial en el proceso español de construcción nacional. Su estudio, siguiendo la idea de nación como comunidad imaginada, nos permitirá poner fecha a su origen, rostro a sus fundadores y héroes, nombre a sus enemigos, carácter a los habitantes y límite a su territorio. Durante el período 1939-1975 España estuvo gobernada por una dictadura nacionalista que controló y orientó la producción cinematográfica, sobre todo hasta 1963. El estudio de la imagen de España en los largometrajes de ficción realizados entre estos años nos mostrará el dibujo de esa comunidad imaginada, vigilada y dirigida por el régimen, que se proyectó en las pantallas de nuestros cines, contribuyendo a la construcción y reconstrucción de la identidad nacional española: una imagen donde se entrecruzan, entre otras, la España belicista e imperial, la España católica, el folclorismo, la España taurina y los conflictos entre la tradición y modernidad que surgieron a partir de los años sesenta.

Marcial Pons Ediciones De Historia, S.a.

El cine al servicio de la nación (1939-1975)

La presentación en salas del western Django desencadenado devuelve a la primera línea cinematográfica a Quentin Tarantino, sin lugar a dudas, uno de los cineastas más sobresalientes, y personales, del panorama estadounidense contemporáneo. Firmante de una de las películas clave del cine norteamericano de las últimas décadas, Pulp Fiction, y autor de una obra, en conjunto, apasionante y rabiosamente cohesionada, continúa, filme tras filme, sin dejar indiferente a ningún espectador. Adorado y detestado con vehemencia a partes iguales e imitado con insistencia desde el sonado triunfo de su segundo largometraje, este precoz cinéfago, convencido autodidacta, educado en innumerables salas de cine y graduado en los pasillos del mítico Video Archives, construye, armado de una feroz y desprejuiciada cinefilia, ajeno a cualquier tipo de moda o transformación artística, y flanqueado por una pandilla de fieles colaboradores, una filmografía, en esencia, fabricada a partir de innumerables retales sustraídos, con descaro, de las más diversas obras. Virulento maestro del collage fílmico light, fascinado por el spaghetti western, el wusia, el exploit a la mediterránea, la obra de Godard, Fuller o John Woo, niño mimado del todopoderoso productor Harvey Weinstein y del Festival de Cannes, y realizador de la poliédrica Malditos bastardos, una de las reescrituras de la historia más alucinantes exhibidas en el cinematógrafo, o la, todavía hoy, injustamente poco valorada, Jackie Brown, una de sus piezas mayores, después de sobrevivir a la caída del cine indie USA de los noventa, autoimpuesto movimiento inmejorablemente encarnado en la Generación Sundance del noventa y dos, se transforma, definitivamente, en una de las individualidades artísticas más marcadas, reconocibles y deslumbrantes de los últimos años.

Otro

Quentin tarantino

Yokakis, samurais, yakuza, geishas, monstruos gigantes, sexualidad malsana, surrrealismo historico, leyendas ancestrales, honorabilidad... Estos son solo algunos de los elementos que pueblan una cinematografía japonesa, que, al igual que el país que lo contiene, se debate en una lucha eterna entre la tradición y la modernidad. Poseedor de una rica y extensa filmografía que, pese a ser hoy bastante más conocidad de lo que lo era hace no muchos años, sigue siwendo una gran desconocida para un amplio espectro del público occidental; espectadores que tienden a catalogar el cine japonés bajo unos parámetro erróneos y derivados de equivocadas ideas preconcebidas, extrapoladas de películas estereotipadas que en absoluto dan una visión fidedigna de la realaidad. La cinematografía japonesa guarda dentro de sí muchas y variadas propuestas que nos hacen mirar con esepranza hacia oriente, ya que Japón es dueña de una cultura audiovisual envidiable y lo sificientemente diferente a la nuestra, la occidental, como para detenerse sobre ella y descubrir verdaderas joyas fílmicas. Sirvan puess estas páginas como una guía iniciática que fomente la curiosidad en el lector y le anime a bucear libremente en el profundo, rico, variado y hermoso mas de sensaciones y emociones que es el cine japonés

Tokyo connection

En este ya clásico de la literatura cinematográfica, "Las estrellas de Hollywood por Peter Bogdanovich", el autor, reputado periodista primero y cineasta después, plasma la experiencia acumulada a lo largo de su vida como observador y entendedor en el arte de escribir sobre actores; actores a los que admira desde hace mucho tiempo, actores con los que ha trabajado, a los que ha dirigido y a los que ha ayudado.  Marlon Brando, Cary Grant, Humphrey Bogart, John Wayne, James Cagney, John Cassavetes, Charlie Chaplin, Montgomery Clift, Marlene Dietrich, Henry Fonda, Ben Gazzara, Audrey Hepburn, Boris Karloff, Dean Martin, Marilyn Monroe, Sidney Poitier, Frank Sinatra, James Stewart, Jerry Lewis...  Bogdanovich capta -en palabras de los actores y las suyas propias- sus trabajos, sus estilos individuales, qué se hizo de ellos a partir de lo que eran, qué les aportó su atractivo y por qué acabaron siendo símbolos de América.

Las estrellas de hollywood. Retratos y conversaciones

Hitler en el cine es la aproximación más completa a los gustos cinéfilos de Adolf Hitler jamás editada en castellano.  Es además la primera obra que analiza el tratamiento que el Séptimo Arte ha dedicado al dictador alemán y al trabajo de los intérpretes que le han dado vida en la gran pantalla.  Todo ello en un ameno recorrido por más de cien títulos pertenecientes a todos los géneros cinematográficos y con Hitler como protagonista, secundario o cameo memorable.

Hitler en el cine

Sobre Peter Cushing, un crítico señaló una vez que gracias a su insistencia a la hora de interpretar cualquier papel desde una perspectiva teatral, evocando los sones vislumbrados en las obras de Shakespeare, todos sus largometrajes conseguían al instante un bagaje sofisticado, fuera cual fuese su presupuesto.  Más tarde, cuando la mítica productora Hammer Films decidió transformar el género de Terror presentando La maldición de Frankenstein, donde el plan consistía en proponer al Barón como el "monstruo" de la función, no se pensó en otro actor que no fuera Peter Cushing para liderar tan arriesgado proyecto. A partir de aquí, el astro no sólo dio rostro para siempre al Barón Frankenstein, sino que también se convirtió en el perfecto Van Helsing, el eterno rival de Drácula, o en el Sherlock Holmes ideado por Conan Doyle, en el Doctor Who más entrañable, o en otro sinfín de personajes afines al cine de género. Ahora que se cumple en este año el 100 aniversario de su nacimiento, "Peter Cushing. El Barón de la interpretación", ha sido escrito por Juan M. Corral para unirse a la conmemoración de este evento, a la par que con la misión de descubrir a las nuevas generaciones un actor que fue en su día una de las estrellas más amadas por el aficionado al cine Fantástico y al cine en general. Sumérgete en las páginas de la obra y descubre tanto los entresijos de las producciones que protagonizó, como las intimidades de su vida más privada.

Peter cushing

Profundidad de campo

¿Fue Walt Disney el auténtico creador de Mickey Mouse? ¿Conoces la teoría de su supuesto origen andaluz? ¿Sabías que hipotecó su casa para la construcción de Disneyland? ¿Que falsificó su fecha de nacimiento para poder ir a la guerra? ¿Que durante la producción de Blancanieves y los siete enanitosácasi se fue a quiebra? ¿Que, tras su muerte, la compañía estuvo a punto de cerrar? ¿Que el estudio intentó adaptar el Quijoteáhasta en cuatro ocasiones?Todos conocemos al pato Donald, Cenicienta, Pinocho y el mágico castillo que aparece antes de cada película producida por Walt Disney Pictures. Pero ¿qué sabemos realmente del hombre que dio origen a ese universo encantado? Eso no estaba en mi libro de historia de Disney te invita a sondear el lado menos conocido ùy más sorprendenteù de Walt Disney y su legendario estudio de animación, que pasaría a la historia como la fábrica de los sueños, donde, más allá del relato oficial, lo verdaderamente fascinante está en lo que no nos contaron.Este libro recopila las curiosidades más insólitas, las anécdotas ocultas y los momentos decisivos que marcaron la vida del apodadoáMago de Burbank, desde sus primeros pasos como dibujante hasta la creación de un imperio audiovisual sin precedentes. Entre sus páginas, descubrirás los sueños, fracasos, obsesiones y genialidades de un hombre que transformó para siempre el cine y la cultura popular. Además, en su labor de investigación, el autor explora la relación del animador con España y se adentra entre los bastidores de su estudio para revelar cómo nacieron los clásicos animados, qué secretos esconden sus personajes y cómo la tecnología, la política y hasta la Segunda Guerra Mundial influyeron en su evolución. Con un enfoque ágil, entretenido y lleno de datos inesperados, esta obra no solo sorprenderá a los fans de Disney, sino también a los amantes del cine y la historia.

Hipatia Ediciones

Eso no estaba...hist. De disney

Con más de cuarenta y cinco películas dirigidas y una larga carrera como actor, cómico, escritor y músico de jazz, Woody Allen es uno de los artistas más polifacéticos de nuestro tiempo. Desde sus inicios con El dormilón, hasta su último estreno Café Society, todas las películas de Woody Allen tienen una inconfundible sensibilidad que es solo suya. En esta biografía nueva y completa, David Evanier analiza sus principales obras en paralelo con la agitada vida personal de Allen. Para ello ha entrevistado largamente a sus colaboradores, familia y amigos, entre ellos a la primera esposa de Woody, Harlene Rosen, que nunca había hablado de él desde su divorcio en la década de 1960.   El sexo, el amor, la suerte, la moral, el judaísmo, la eterna lucha entre la cabeza y el corazón son los temas que han obsesionado a Woody Allen y que permean toda su obra y muchos episodios de su vida. David Evanier habla de todo ello, y no elude el relato completo y objetivo del largo litigio que le enfrenta desde hace décadas con su expareja Mia Farrow tras emprender una relación con la hija adoptiva de esta y ser acusado de abusos a la pequeña que adoptaron en común.   Esta es la biografía definitiva, la más actualizada y personal: con todos ustedes, la vida y la obra de Woody Allen.

Turner Libros

Woody. La biografía

Manual breve y práctico sobre el cortometraje, que reúne los mejores secretos, recomendaciones y consejos de la autora, fruto de su larga experiencia entre guiones, actores y grandes festivales de cine. Muestra cómo aprovechar los recursos y herramientas disponibles en la red, logrando un texto de enorme utilidad tanto para el que empieza como para el cineasta más experimentado. Kim Adelman ha producido 19 cortometrajes para el canal FXM, de Fox, con los que ha logrado más de 30 premios y participado en más de 150 festivales de cine en todo el mundo, incluido el Festival de Cine de Sundance durante cuatro años consecutivos. También ha producido Short and International Release, famosas compilaciones de cortometrajes editadas en DVD por Warner Home Video. Actualmente da clases de cine de bajo presupuesto en UCLA Extension. Sus libros han sido traducidos al español, al japonés y al mandarín.

Cómo se hace un cortometraje

En "Cine de lo posible", el cineasta y teórico francés Érik Bullot entrelaza las promesas, virtualidades y potencias del cine, cumplidas y por cumplir. Haciendo gala de un estilo a la vez sintético y erudito, proclive a entrecruzamientos y conexiones insospechados, el autor aborda aquí un universo fílmico variopinto, de referencias múltiples, que va del cine burlesco de los Hermanos Marx a las más recientes iniciativas del cine expandido y experimental, pasando también por algunos de los hitos de la cinefilia tradicional. De proveniencia diversa (artículos, ponencias, intervenciones), los ensayos reunidos en este volumen se adentran en los avatares de la creación contemporánea, siempre próxima al palimpsesto, entre performance y forma de vida, bajo la premisa de un "futuro-en-marcha-atrás". De tal suerte, Bullot explora con agudeza y arte de ingenio el rescate de ciertas figuras históricas pretéritas como el proyeccionista y el animador, la sobrevivencia por procuración de películas inacabadas, el resurgimiento oblicuo de formatos analógicos y la persistencia de ciertas trayectorias memoriales ligadas al p

Cine de lo posible

Cine y capitalismo es un análisis riguroso sobre cómo se representa el sistema económico de empresa privada y mercado libre en las películas de cine comercial, así como sus implicaciones ideológicas, políticas, culturales, etc. Por consiguiente, el libro repasa de forma ilustrativa la representación de la figura del empresario, las trayectorias vitales desde la pobreza a la riqueza, el poder de las empresas sobre la sociedad, las consecuencias del liberalismo, etc. En este sentido, la propuesta rellena un hueco en el mercado editorial hispanoparlante, ya que supone una propuesta que se suma a los libros que estudian el cine desde diversos puntos de vista, aportando una mirada innovadora.

Editorial Tecnos

Ventana Abierta

Cine y capitalismo

¿Qué representa Neo en Matrix? ¿Es Star Trek una especie de visión optimista, liberal y cosmopolita de lo que podría ser el futuro de la globalización? ¿Por qué nos da tanta rabia que en Star Wars se repita siempre la misma batalla entre el bien y el mal? Es evidente que Independence Day es una película patriótica y nacionalista, pero ¿seríamos capaces de explicar exactamente por qué es así? ¿Qué ideologías políticas y ansiedades sociales se exponen en Terminator? Las películas de ciencia ficción se nutren a partes iguales de una trama argumental y de reflexión filosófico-política. La ciencia ficción pretende entretener al espectador, pero también pretende activar su intuición crítica y creativa, su pulsión por saber y por pensar el mundo. Luis Miguel Ariza, divulgador científico y gran experto en cine, abre una ventana al gran público para comprender mejor los principales mensajes filosóficos de veintidós grandes películas de todos los tiempos. A la vez que profundizamos en el significado de cada una de estas maravillosas narraciones visuales, el conjunto de estas reflexiones nos da las claves de lo que es y ha sido a lo largo de la historia este género fílmico, sin duda el que más mella hace en nuestro entendimiento y en nuestra imaginación.

Arpa

¡Vigilen los cielos!

Fritz Lang fue uno de los mayores visionarios de la historia del cine, un director que conjuró un mundo mítico en Los nibelungos y construyó un futuro fantástico en Metrópolis. Su Dr. Mabuse representó al loco emblemático de la Alemania de Hitler.  En M, el vampiro de Düsseldorf exploró los abismos de la depravación humana.  Tras rechazar un pacto fáustico con Joseph Goebbels para convertirse en el cineasta oficial del Tercer Reich, se fue a Hollywood, donde encontró una segunda vida profesional explorando el lado oscuro de América, y sus propios demonios internos, en películas magistrales como Furia, Sólo se vive una vez, La mujer del cuadro, Perversidad y Los sobornados, todas ellas indiscutibles clásicos del cine negro. También dejó su huella en el western, con La venganza de Frank James, Espíritu de conquista y Encubridora, así como en el cine de aventuras, con Los contrabandistas de Moonfleet. Lang tenía una bien ganada fama de sádico y obsesivo en el plató. Su comportamiento recordaba a muchos de los que trabajaron con él al mismísimo Adolf Hitler. Pero el director vienés fue, por encima de todo, un rebelde. Adoptando el punto de vista de los personajes marginales y desfavorecidos, todas sus películas tratan sobre la lucha del hombre contra un universo hostil, unas fuerzas ajenas a nosotros que determinan nuestra vida y nuestro destino en formas que no podemos predecir ni modificar.

T&B Editores

El cine de fritz lang

Tarzán. Heroe de celuloide y papel (2014)

Cine insano : Las películas más perturbadoras de la historia del cine (2012)

Música & cine (2012)

El arte de la adaptacion (2021)

Aprender a ver cine (2021)

Marlon brando tenia un bulldog (2021)

Una historia del cine español (2017)

El cortometraje español (2000-2015) (2016)

Clásicos del cine mexicano. 31 películas emblemáticas desde la época de oro hast (2016)

Cine argentino contemporáneo (2017)

El cine al servicio de la nación (1939-1975) (2016)

Quentin tarantino (2013)

Tokyo connection (2014)

Las estrellas de hollywood. Retratos y conversaciones (2013)

Hitler en el cine (2014)

Peter cushing (2013)

Profundidad de campo (2016)

Eso no estaba...hist. De disney (2025)

Woody. La biografía (2016)

Cómo se hace un cortometraje (2019)

Cine de lo posible (2021)

Cine y capitalismo (2024)

¡Vigilen los cielos! (2018)

El cine de fritz lang (2013)