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Desde la película: Las plantas (2016), Roberto Doveris asume la tarea de interrogar los modos de representación de las comunidades LGBTQ+. En &quot;Ficción marica&quot;, sin distanciarse de su rol de creador, examina el cine chileno contemporáneo y su creciente interés por incluir, interpelar y visibilizar a una comunidad que históricamente no tuvo cabida en los relatos audiovisuales y que, sin embargo, en la actualidad da cuenta del creciente protagonismo en el rubro cinematográfico. &quot;Ficción marica&quot; intentará responder a las preguntas ¿por qué este cine aparece hoy en Chile?, ¿por qué no apareció antes? Movilizando diversas teorías del cine, feminismos, estudios de género y queer studies, el autor examina decenas de películas estrenadas en la última década, y engloba las representaciones LGBTQ+ en el campo amplio de las artes. &quot;Ficción marica&quot; es así una valiosa sistematización en torno a películas de cineastas como Marialy Rivas, Sebastián Lelio, Camila José Donoso y José Luis Torres Leiva, que intercala películas reconocidas con el rescate de proyectos pequeños o experimentales con m

Ediciones Metales Pesados

Ficcion marica

Aborda la vinculación de José María Arguedas con el cine en diversos aspectos: su relación con la Escuela del Cusco, conjunto pionero a la hora de filmar el mundo andino, su propia afición al cine y la influencia narrativa de este en su obra.

José maría arguedas y el cine

En este curso, dictado en la Universidad de Vincennes entre fines de 1983 y mediados de 1984, Gilles Deleuze cuenta una historia, la historia del encuentro entre la Verdad y el Tiempo. Pero como en esas narraciones falsificantes de las que habla el curso, es una historia que se duplica, que contiene varios relatos y personajes que se cruzan. Es primero la historia de la crisis de la verdad cuando se enfrenta con la fuerza del tiempo, una historia que comienza en la Antigua Grecia con Cleantes y Crisipo, que pasa por Leibniz y por Borges, y en la que se cruzan los personajes de Melville con los de Nietzsche. Esta primera historia confluye con la historia misma de esa fuerza del tiempo, que es la historia de su relación con el movimiento: su estado salvaje en la mitología griega, su subordinación al movimiento en la filosofía platónica y en el neoplatonismo, su emergencia como aberración en la astronomía, en la física, en la economía y en el temor de Dios, hasta su liberación en Kant. Pero esta doble historia de mil años de filosofía se duplica a su vez con otros problemas y protagonistas, condensada en medio siglo de historia del cine, desde las aberraciones del movimiento en los clásicos Dreyer o Bresson, pasando por la crisis del movimiento en Ozu, el neorrealismo italiano, el burlesco y la comedia musical norteamericana. Cuando esta historia cuadruplicada de la Verdad y el Tiempo vuelva a unificarse en el encuentro de Bergson -del lado de la filosofía- con Welles, Resnais y Robbe-Grillet -del lado del cine-, alumbrará el concepto cine-filosófico de la imagen cristal y nos entregará imágenes de un tiempo puro, liberado de todo movimiento.

Clases

Cine III. Verdad y tiempo. Potencias de lo falso

Historia del cine británico representa la primera obra publicada en lengua castellana que atiende al detalle al recorrido cronológico por una cinematografía que presumiblemente sea la segunda más importante a escala planetaria. Más de 125 años de historia que han dado para numerosas propuestas genéricas, con especial predicamento por el bélico, el drama (en sus múltiples acepciones), la comedia so british, el terror (llegando inclusive a registrar la «marca» Hammer) y el documental. Una ambiciosa obra confeccionada por cuatro especialistas (Christian Aguilera, Natalia Ardanaz, Llorenç Esteve y Tomás Fernández Valentí) de una cinematografía de la que podemos extraer algunas figuras icónicas del Séptimo Arte, como el agente 007 James Bond, el «hombre de las mil caras» Peter Sellers o el conde Drácula hammeriano en la piel de Christopher Lee. Pero el cine británico ha ofrecido a lo largo del siglo XX y el primer tramo del siglo XXI infinidad de muestras de un arte que sigue resultando modélico desde diversos puntos de vista y en no pocas ocasiones de una "modernidad" arrebatadora.

T&B Editores

Historia del cine británico

El espectacular éxito de Easy Rider en 1969, una película de moteros de escaso presupuesto, marcó el inicio de una nueva era en Hollywood. Una generación de jóvenes directores, Martin Scorsese, Francis F. Coppola y Steven Spielberg entre otros, comenzaron a filmar con actores aún poco conocidos, como Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson, y en pocos años se convirtieron en los nuevos y poderosos señores de Hollywood, artífices de clásicos modernos como El padrino, Chinatown, Taxi Driver y Tiburón.

Editorial Anagrama

Crónicas - Anagrama

Moteros tranquilos, toros salvajes

Hay pocas nociones que hayan tenido un derrotero más errático que la de pueblo al interior de la historia del cine latinoamericano. Dibujando sus definiciones y recorridos, el libro analiza esta noción a la luz de tres películas clave del período 1960-1970: Terra em transe de Glauber Rocha (1967, Brasil), El realismo socialista de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento (1973/2023, Chile) y Agarrando pueblo de Luis Ospina y Carlos Mayolo (1977, Colombia). A partir de aquí, y estableciendo un análisis de sus condiciones de producción, sus discursos y lenguajes, Iván Pinto Veas (Chile, 1978) elabora una discusión sobre el vínculo entre estética y política que proponen estos filmes, proponiéndolos como parte de un legado inconcluso que es necesario retomar para las urgencias del presente. Entre pasado y presente, echando mano del archivo cinematográfico y el debate actual de la filosofía y la estética, El pueblo en disputa. Debates estético-políticos desde Glauber Rocha, Raúl Ruiz y Luis Ospina busca ser un aporte no sólo al estudio de estos tres casos, si no en el hecho de buscar en su relación un nudo crítico para pensar la relación entre imagen y política.

El pueblo en disputa; Debates estético-políticos

Fin de 1944. Los aliados idearon un proceso ejemplar contra los criminales de guerra nazis que se llevaría a cabo en Núremberg en noviembre de 1945. Querían hacer de ese juicio un gran "show mediático" y fueron los maestros de ceremonia. La Field Photographic Branch de la OSS (antecesora de la CIA), dirigida por John Ford, fue la encargada de juntar las imágenes que dieran cuenta del plan de invasión nazi y los crímenes contra la humanidad. Budd Schulberg, futuro guionista de Elia Kazan, recorrió toda Europa buscando estos fragmentos fílmicos, mientras se acondicionaba el auditorio del Palacio de Justicia para ver las imágenes del proceso que duró diez meses y vio a los equipos de filmación de los Aliados competir para ofrecer al mundo el primer documental sobre Núremberg. Esta es la historia de la puesta en escena de este "proceso-espectáculo", las ambiciones frustradas de los norteamericanos y su batalla por la imagen perdida contra los soviéticos, contada aquí por primera vez en un relato cautivante. Núremberg. La batalla de las imágenes da cuenta de la maestría de su autora, Sylvie Lindeperg, para hace

Nuremberg, La Batalla De Las Imagenes

Caligrafia De La Imagen

Cine IV. Las imágenes del pensamiento

Publicado en Alemania en 2015 con motivo de su aniversario número 70, este libro reúne por primera vez los escritos de Wim Wenders sobre otros artistas. A través de una idea o de un interrogante, Wenders tira de la punta del ovillo de sus pensamientos, y se desenvuelve como si fuera no solo un cineasta de culto sino también un escritor avezado. Estos textos narran su encuentro con los westerns de Anthony Mann, que lo impulsaron a abandonar la pintura y dedicarse al cine; sus recuerdos entrañables sobre el vínculo que estableció con Michelangelo Antonioni; su fascinación juvenil por los desoladores cuadros de Edward Hopper y de Andrew Wyeth; su curiosidad ante las fotografías de Peter Lindberg, el cine de Ozu o los diseños de Yohji Yamamoto, y también el descubrimiento de un nuevo lenguaje del movimiento en la danza de Pina Bausch, que solo la tecnología del 3D podía plasmar. Estas "impresiones" (discursos que escribió para ceremonias y homenajes, pero también apuntes personales que permanecían inéditos) pueden leerse como derivas estéticas que transparentan la mirada poética que tiene sobre el arte un cineasta de tan vasta experiencia como Wenders. Con una naturalidad asombrosa, explora las especificidades de cada artista, y nos hace ver qué es tan conmovedor en sus obras y sus procesos creativos. Pero quizás la fuerza de estos textos radica en la confianza inquebrantable de Wenders en el arte como mecanismo de penetración en la realidad, y sobre todo en el lenguaje como dispositivo capaz de revelarnos aquello que permanecía silencioso en los pensamientos y las imágenes. Con una gramática propia, y una escritura rítmica y visual, Wenders registra aquí los trazos de vidas y obras ajenas que lo acompañaron en la construcción de su particular poética de la mirada. Y lo hace con simpleza, admiración y compromiso hacia los otros, los artistas y los lectores.

Synesthesia

Los píxels de cézanne

Arpa

El material de los sueños

Guy Debord se decía cineasta. En la breve biografía publicada para el estreno de su película La sociedad del espectáculo (1974) se presenta de ese modo pero sin dejar de subrayar la distancia entre lo que dicha actividad significaba en su caso particular y los desempeños esperables para un director. Como es sabido, la vida de Debord estuvo marcada por el cine y por la voluntad de negarlo de todas las maneras posibles, ?con y contra el cine?, como se tituló uno de sus artículos en la revista Internationale Situationniste. Su primera acción pública fue la proyección de una película sin imágenes, y la última privar al mundo de la posibilidad de ver sus films, cosa que realmente ocurrió durante el final de su vida. También la obra a la que ha quedado más asociado, La sociedad del espectáculo, antes de llegar a ser un libro fue un proyecto de película ?de un género nuevo?. Si hoy paradójicamente podemos hablar de la influencia subterránea de la obra fílmica de Debord, que alimentó tanto a la nouvelle vague como las prácticas de cine militante y videoactivismo de los setenta hasta el presente, no es porque aspirara a labrarse semejante posición en la historia de las formas artísticas. Todo lo contrario: si algo caracterizó esta incursión a regañadientes fue la voluntad de destrucción del cine por sus propios medios: que el saqueo de realidad que practica la cámara sea sustituido por el saqueo de las imágenes recontextualizadas en un nuevo montaje.La publicación de este volumen hoy, que reúne por primera vez en español la totalidad de los guiones escritos por Debord, no es inocente ni un mero ejercicio archivista. Sabemos que nuestro paisaje mediático no es el mismo y que el cine ya no es lo que era. Sin embargo, la poética de apropiación debordiana, su utilización del plagio y del desvío como ejercicios estético-políticos y la corrupción minuciosa de todos los componentes elementales que constituyen el dispositivo cinematográfico (fotograma, banda de imagen y de sonido, pantalla, sala, comentario, crítica), se erigen ahora como una estrategia vigente para hacer frente al flujo perpetuo de imágenes digitales. Parafraseando al grupo esloveo Laibach, probablemente una de las lecturas más interesantes del situacionismo desde la cultura pop: ?Todo arte es susceptible de manipulación política, a excepción de aquel que hable el lenguaje de esa misma manipulación?.

Caja Negra Editora

Contra el cine

Cuaderno de los sesenta

Pertenecemos a una suerte de club, una periferia lunática orgullosa de agruparse. Existe un camino a la desgracia muy gozoso allá afuera y, si me permiten ser su gurú, les enseñaré cómo triunfar en la insanidad hasta tomar control de su baja autoestima", escribe Waters, y nos invita a seguir sus instrucciones en esta suerte de manual queer para el buen vivir. Como ya lo había demostrado en "Mis modelos de conducta" y "Carsick", el Pontífice del Trash tiene una gran habilidad para hacer que lo desagradable coexista con lo sofisticado, y que lo desviado halle su propia forma de realización. Aquí hay capítulos enteros dedicados a cómo desarrollar el gusto musical, cómo construir una casa brutalmente fea y moderna, cómo confesar amor sin involucrar responsabilidades afectivas, y cómo comportarse en los aviones o en las ciudades balnearias, acompañados de un puñado de escritos sobre aspectos cruciales de su trayectoria: el pasaje de Baltimore a Hollywood, el trato con los protagonistas de sus películas y los grandes estudios de cine y la trastienda de los rodajes y estrenos. Pero las enseñanzas de este libro no

Consejos de un sabelotodo

"Uno siempre se pregunta si no existirá vida o inteligencia sobre otros planetas, en alguna parte en las estrellas... pero jamás nos planteamos la pregunta sobre lo infinitamente pequeño... Tal vez porque eso puede venir de ese lado, de un universo aún más pequeño que los átomos, los electrones, los quarks."  Si bien escribió muy poco sobre cine, Félix Guattari era cinéfilo. Le interesaban particularmente las apuestas y desafíos políticos que implicaba en tanto máquina de subjetivación, se trate de los films radicales post-1968 como de las producciones a gran escala de Hollywood. "El cine es político cualquiera que sea su objeto (...) En cada producción, en cada secuencia, en cada encuadre, se elige entre una economía conservadora libidinal y un quiebre revolucionario." De modo que, por más inesperado que sea, no resulta extraño que en un intento de pasar a la acción haya probado suerte con la realización de un film de ciencia ficción, un género que en los años ochenta había logrado capturar el anhelo por una forma de vida alternativa que alimentaba los proyectos contraculturales, en la posibilidad mesiánica de la vida en otras galaxias. Así, entre 1980 y 1987, Guattari trabajó junto al cineasta norteamericano Robert Kramer sobre el guión de Un amor de UIQ, un film en el que se narra el primer contacto humano con una entidad subatómica llamada "Universo Infra-Quark" que trastocará, primero, la vida de una comunidad de squatters y, luego, el paisaje planetario en su totalidad. Pese a que tras numerosos intentos fallidos el film nunca pudo realizarse, el guión en sí, influenciado a la vez por el trabajo clínico de Guattari, su activismo político, su pasión por los cómics y las radios libres, ofrece un prototipo de cine popular subversivo, un cine que remueve los códigos semióticos de los géneros al capturar fragmentos de un repertorio ecléctico de referencias fílmicas que van de Encuentros cercanos del tercer tipo a Blade Runner y reinsertarlos como componentes de una máquina desterritorializadora más rebelde, un mundo en el que Godard, Tarkovski, Pasolini y Antonioni intercambian ideas con Cronenberg y Carpenter.

Caja Negra (Argentina) | Cactus

Un amor de uiq

Naturaleza moderna

Este libro se pregunta cómo puede representarse cinematográficamente lo que no puede ser representado (la destrucción de los judíos europeos, la exterminación de los armenios, o el genocio de la población camboyana a manos de los Khméres rojos). Es en este sentido que las Catástrofes dan a pensar. Resnais, Farocki, Egoyan, Lanzmann o Panh adoptan formas cinematográficas diferentes aunque manifiestan una misma exigencia. No quieren representar o reparar lo que, por definición, es irrepresentable e irreparable; ellos inscriben ese vacío en el corazón de las imágenes.

Una ética de la mirada

Este libro actualiza el panorama crítico, académico y cinéfilo sobre el cine documental mediante un conjunto de indagaciones recientes que abordan un territorio audiovisual complejo, multiforme y en continua expansión. Especialistas de renombre internacional -algunos de ellos por primera vez publicados en nuestro idioma- reflexionan en este volumen sobre las aristas culturales, estéticas, políticas y éticas que caracterizan el exponencial crecimiento del documental contemporáneo. La masificación y el desarrollo de las tecnologías digitales, las políticas de fomento cinematográfico, los nuevos consumos de contenidos audiovisuales en diferentes plataformas, son parte del fenómeno actual de renovación del documental. Desde perspectivas que combinan enfoques técnicos e historiográficos novedosos, este libro se dedica a estudiar problemáticas que hacen a las interacciones entre memoria e historia, poética y género, sexualidades y nuevas subjetividades, entre otras, en las películas de no ficción.

El Cine Documental

Camino de las imágenes, el. Cuatro historias de rodaje en 1944

España

Las Relaciones Públicas se consolidan como área de conocimiento universitario desde la década de los años 30 del siglo XX en los Estados Unidos. Al hilo de esto, la investigación en dicho campo, como rama de la psico-sociología, supone una de las más punteras dentro de la comunicación persuasiva, de manera que el gran público se ha interesado por las aportaciones publirrelacionistas al mundo cotidiano con gran atención, mostrándose éstas como eje vertebrador de argumentos en novelas y películas súper taquilleras.Las nuevas corrientes investigadoras y, por ende, de divulgación, suponen una aportación básica para entender el cambiante mundo de los Medios de Comunicación para Masas que ayudan a moldear la Opinión Pública que entre todos conformamos y a la que los poderes fácticos y reales son tan sensibles.Las aportaciones de varios profesores investigadores de la Universidad Española se han plasmado en el presente libro, multidiscipliar y variado, que analiza la unión entre la séptima arte -el cine- y la imagen pública del encargado de gestionar la imagen y las Relaciones Públicas de las instituciones, empresas y personas.Patrocinado por el Fórum Internacional de Comunicación y Relaciones Públicas (Fórum XXI), la Sociedad Española de Estudios de la Comunicación Iberoamericana (SEECI) y el Grupo de Investigación Validado Complutense Concilium, el presente trabajo representa una voluntad divulgadora que pretende erigirse como referencia para el tratamiento del fenómeno de las Relaciones Públicas en el mundo universitario, con vocación universalista hacia el gran público y, en especial, hacia el amante de la cinematografía como vehículo de contenidos.

Vision Libros

La imagen de las relaciones públicas a través del séptimo arte

Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejando a su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontraray#769;s multitud de consejos y conceptos tey#769;cnicos y artiy#769;sticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde un punto de vista cercano, sincero y pray#769;ctico.Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentir la angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indieáes más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas; el retrato de una forma de hacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal se hizo mal.

Berenice

Manual de cine indie

La segunda revolución digital -caracterizada por la preeminencia de Internet, las redes sociales y la telefonía móvil- y la sociedad hipermoderna -caracterizada por el exceso y por la asfixia del consumo- han consolidado al unísono una era postfotográfica. En ella habitamos la imagen y la imagen nos habita. La postfotografía nos confronta al reto de la gestión social y política de una nueva realidad hecha de imágenes. Pero hoy no solo estamos sumidos en su producción masiva y apabullante. Como si fuesen impelidas por la tremenda potencia de un acelerador de partículas, las fotografías circulan por la red a una velocidad de vértigo; han dejado de tener un rol pasivo y esa extraordinaria energía cinética las hace salir de su sitio, de su quicio. Entonces, sin sitio, sin lugar al que replegarse, quedan des-quiciadas y se vuelven furiosas. Aunque puede que esa furia provoque una gran incerteza, también nos brinda la oportunidad de actualizar una reflexión sobre cuestiones que afectan a la cultura, al arte, a la comunicación, y en definitiva, a la misma condición humana. La postfotografía deviene así un contexto de pensamiento visual que rubrica la desmaterialización de la imagen y de su autoría, y que disuelve las nociones de originalidad y de propiedad, de verdad y de memoria.En La furia de las imágenes. Notas sobre la postfotografía, con su lucidez e irreverencia habitual, Joan Fontcuberta nos advierte que hemos perdido la soberanía sobre las imágenes y nos alienta a recuperarla.

Otro

La furia de las imágenes

Las películas bajo el calificativo del destape no solo revolucionaron el cine de una época, sino que fueron un auténtico revulsivo para una sociedad hastiada por el franquismo. Erróneamente se han tratado de manera despectiva e incluso algunos de sus protagonistas han querido omitirlas deliberadamente de sus trayectorias. Pocas se han mantenido en la memoria colectiva como referente indiscutible de un cine que fue tan necesario como extravagante y, sobre todo, divertido. Con la perspectiva del tiempo se ha demostrado que todo lo que se rodó en este periodo de nuestra historia reciente nos ayudó a formarnos sexualmente para ser quienes somos hoy en día. Es obligado reconocer que aquel desenfreno tuvo su parte positiva y que las sombras que existieron han quedado obsoletas. Directores, actores y actrices, guionistasà fueron los vértices de este maremágnum sexual y mediático, que supieron sacar partido a una situación que nunca volverá a repetirse porque las condiciones han cambiado demasiado y cualquier parecido con aquellos tiempos es un espejismo involuntario.  El periodista cinematográfico José Aguilar nos ofrece una visión desde la perspectiva de las estrellas que fueron las auténticas artífices de un ejemplo de libertad y apertura a todo un mundo dedicado a los placeres de la carne. Nombre propios como Ana Belén, Bárbara Rey, Amparo Muñoz o Marisol nos ayudaron a desnudarnos sin complejos y nos permitieron decidir qué es lo que más nos gustaba. La valentía de algunas producciones es analizada en un recorrido vertiginoso que nos muestra una lujuria que estaba contenida para satisfacer los deseos de propios y extraños. Un repaso que aporta un enfoque profundo y que sorprende por los secretos revelados con el paso de los años, ahora que, supuestamente, somos más adultos y coherentes con nosotros mismos. No se conformen con menosà merece la pena recordar el pasado sin perder la perspectiva de lo que fue realmente importanteà sexo, amor y algunas licencias que en la actualidad parecen, irónicamente, impensables porque nuestro mundo no es tan sincero y visceral como en aquellos instantes cuando el nuevo despertar suponía un comienzo que todos anhelaban.

Las estrellas del destape y la transición : El cine español se desnuda

El cine clásico ha dado innumerables personajes que aún perduran en la memoria colectiva. Muchos de ellos hicieron míticas las películas de un Hollywood que constituía una fábrica de sueños. Sin embargo, la sexualidad que algunos encarnaban se topó con la censura que de forma férrea representaba el Código Hays desde 1934. El propósito de Rompiendo el Código. Personajes y sexualidades latentes en el Hollywood clásico es la reflexión sobre la representación de la homosexualidad, tanto masculina como femenina, en el cine norteamericano, concretamente hasta la disolución del citado sistema de censura en 1967.

Readuck Editorial Pa

Rompiendo el código

Ficcion marica (2024)

José maría arguedas y el cine (2017)

Cine III. Verdad y tiempo. Potencias de lo falso (2018)

Historia del cine británico (2013)

Moteros tranquilos, toros salvajes

El pueblo en disputa; Debates estético-políticos

Nuremberg, La Batalla De Las Imagenes (2023)

Caligrafia De La Imagen (2023)

Cine IV. Las imágenes del pensamiento

Los píxels de cézanne (2016)

El material de los sueños

Contra el cine (2019)

Cuaderno de los sesenta (2017)

Consejos de un sabelotodo (2021)

Un amor de uiq (2016)

Naturaleza moderna (2019)

Una ética de la mirada (2019)

El Cine Documental (2020)

Camino de las imágenes, el. Cuatro historias de rodaje en 1944 (2019)

La imagen de las relaciones públicas a través del séptimo arte (2012)

Manual de cine indie (2020)

La furia de las imágenes (2016)

Las estrellas del destape y la transición : El cine español se desnuda (2012)

Rompiendo el código (2020)