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Publicado anualmente desde 1906 hasta 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook estaba dedicado a las últimas corrientes en arquitectura, interiores, muebles, iluminación, cristalería, textiles, forja y cerámica. Desde que la publicación dejó de editarse, los anuarios se han vuelto tan difíciles de encontrar que hoy día son muy preciados por coleccionistas y vendedores.Este volumen se centra en la estética futurista y experimental de la década de 1970. Tras las revoluciones de los sesenta, el mundo del diseño y la arquitectura se convirtieron en un hervidero de ideas cada vez más apasionante, con numerosas escuelas y movimientos visceralmente contrapuestos. En muchos sentidos esta época fue más extrema que la década anterior en lo que respecta al diseño.La experimentación estaba en todas partes y muchos proyectos, a pesar de no ser considerados prácticos, ofrecían visiones pioneras de un nuevo tipo de arte decorativo y de diseño. Diversos grupos defendieron el retorno a los métodos naturales, y rechazaron el estilo en favor de la artesanía o llevaron la lógica del estilo de vida industrial al extremo de sus torres de hormigón. Decorative Art 1970 incluye las obras de las estrellas más importantes de la década, como Afra y Tobia Scarpa, Luigi Colani, Achille Castiglioni, Kisho Kurokawa, Norman Foster, Richard Meier y Theo Crosby.

Decorative art 1970s

Publicado anualmente desde 1906 hasta 1980, el anuario estaba dedicado a las últimas corrientes en arquitectura, interiores, muebles, iluminación, cristalería, textiles, forja y cerámica. Desde que la publicación dejó de editarse, los anuarios se han vuelto tan difíciles de encontrar que hoy día son muy preciados por coleccionistas y vendedores.Decorative Art 1950s explora el espíritu de optimismo y el ferviente consumismo de la época. La tecnología y la construcción fueron desplazadas por la investigación durante la guerra, pero esos descubrimientos pudieron ser aplicados en tiempos de paz. La popularización de los plásticos, de la fibra de vidrio y del látex dio forma literalmente a la época. Los crecientes ingresos y la reconstrucción de la posguerra a ambos lados del Atlántico provocaron un masivo boom constructivo tanto en las afueras como en el centro de las ciudades, y estas nuevas casas reflejaban el nuevo estilo. Mientras que el diseño europeo era extraordinariamente ingenioso, el diseño americano creó una visión idealizada del futuro, entre ambos se desarrolló un moderno lenguaje decorativo que puede verse en estas páginas. Esta visión general de la época incluye el trabajo de conocidos innovadores como Charles y Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner y Gio Ponti.

Decorative art 1950s

Publicado anualmente desde 1906 hasta 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook estaba dedicado a las últimas corrientes en arquitectura, interiores, muebles, iluminación, cristalería, textiles, forja y cerámica. Desde que la publicación dejó de editarse, los anuarios se han vuelto tan difíciles de encontrar que hoy día son muy preciados por coleccionistas y vendedores.Decorative Art 1960s dirige la mirada al nacimiento del pop en una década de cambios sociales, sexuales y políticos sin precedentes. Todas las inquietas energías que bullían por el mundo durante los sesenta se hicieron un hueco en el estilo del diseño de la década. La liberación se sentía en el ambiente, el hombre viajaba a la Luna y el cielo era el límite en todo lo referente a la creatividad visual.Fue entonces cuando se fraguó el concepto de estilo de vida, y aunque los primeros años de la década todavía vieron una rivalidad entre el objeto realizado a mano y la manufactura industrial, al final tanto la iconografía étnica como pop habían ganado un peso equivalente en lo estético. La luz se convirtió en un factor determinante para dar forma a los interiores. La libertad de elección y la expresión personal eran las palabras clave para el joven consumidor, así que artistas como Panton, Sottsass, Paolozzi, Parisi, Sarpaneva y Lomazzi hicieron lo que pudieron para fomentarla.

Decorative art 1960s

El arquitecto, diseñador y pintor escocés Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) fue uno de los pioneros de la arquitectura y el diseño modernos. Aunque nunca logró un gran reconocimiento en su ciudad natal, Glasgow, su nueva y atrevida mezcla de sencillez y detalles poéticos inspiró a modernistas de toda Europa.El enfoque vanguardista de Mackintosh abarcó una gran variedad de medios y recursos estilísticos innovadores. Su obra multifacética incluyó la arquitectura, el mobiliario, el diseño gráfico, el paisajismo y los estudios florales. Se caracterizó por el uso de las líneas bien definidas, la elegancia en las proporciones y los motivos naturales, combinando una buena dosis de japonismo con una sensibilidad moderna por la funcionalidad. Prefería la tipografía en negrita, la contención de las formas y las ventanas altas y generosas que llenaran de luz las habitaciones.Los proyectos de Mackintosh incluyen el famoso Willow Tea Rooms, las residencias privadas Windyhill y Hill House, y el Mackintosh Building en la Glasgow School of Art, considerada su obra maestra. Gran parte de su trabajo lo realizó en colaboración con su esposa, la también artista Margaret Macdonald. La pareja constituía la mitad del grupo de Glasgow conocido como The Four (Los cuatro); los otros dos eran la hermana de Margaret, Frances, y su marido, Herbert MacNair.En el continente europeo, el Glasgow Style tuvo una gran aceptación. En Italia, Alemania y, en particular, en Austria, los artistas del art nouveau y de la secesión de Viena encontraron una gran inspiración en sus formas rectilíneas a la par que líricas. En este libro nos acercamos al trabajo de Mackintosh como artista, arquitecto y diseñador, y analizamos su particular combinación de estructuras rectangulares y delicadas curvas, así como su influencia en la expresión modernista en toda Europa.

Decorative art 1970s (2020)

Decorative art 1950s (2020)

Decorative art 1960s (2020)

Mackintosh (2016)