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Chaikovski

Desde su muerte, Wagner ha sido objeto a partes iguales de veneración y animosidad, en ambos casos de manera apasionada, y si hay alguien en la actualidad que lo conoce como pocos ése es Christian Thielemann. En las páginas de este libro, no sólo cuenta cómo, de la mano del compositor, se ha ido configurando su trayectoria profesional, desde sus inicios en Berlín hasta Bayreuth, pasando por Venecia, Hamburgo o Chicago, sino que se convierte en cicerone de lujo para guiar al lector por el rico e intrincado universo wagneriano, presentándole a esos héroes situados entre lo mítico y lo humano, y permitiéndole echar un vistazo al taller alquímico en el que Wagner mezcló los narcóticos sonidos de su mundo. Y todo ello con la mirada única y peculiar del director de orquesta, haciendo gala de una gran erudición histórica y de plena comprensión musical: ¿en qué hay que fijarse si se quiere revelar la magia de Wagner?; ¿de qué hay que protegerse?; ¿en qué radica el carácter especial de Bayreuth?  Al final, todos, tanto aficionados entusiastas como recién llegados, tendrán claro por qué merece la pena una vida con Wagner.

Mi vida con wagner

Tras el suicidio de Ian Curtis en 1980, los componentes de Joy Division se reagruparon para formar New Order, bajo el auspicio de su mánager, el carismático Rob Gretton. Durante las giras norteamericanas que cimentarían el éxito del grupo en EE.UU., descubrieron fascinados la emergente escena de clubs neoyorquina, con los míticos Danceteria y Paradise Garage a la cabeza. El excéntrico Tony Wilson, máximo responsable de Factory, el sello discográfico de Manchester que labró su éxito gracias, sobre todo, a Joy Division y New Order, decidió emprender con Gretton, arrastrando, de paso, a New Order, una ambiciosa reforma del International Marine Center para reconvertirlo en el que debía ser el club más elegante y sofisticado del mundo, a imagen y semejanza de los que habían visto en Nueva York. Para ello, contrataron al visionario arquitecto Ben Kelly, que transformó el espacio en una catedral de acero y cristal a la que llamaron The Haçienda, y que incluso recibió un número de referencia: FAC 51.  Peter Hook, cuyas líneas de bajo en Joy Division y New Order son un referente de la música popular, narra con humor y un ritmo endiablado su experiencia no solo como bajista de dos de los grupos fundamentales del rock británico sino también como copropietario a la fuerza de uno de los clubs más influyentes de todos los tiempos. Hooky, que vivía humildemente con veinte libras a la semana, no pudo imaginarse nunca que gran parte de sus abultados ingresos tras éxitos como "Blue Monday", "Bizarre Love Triangle" o "True Faith" se esfumarían en ese "agujero en el suelo conocido como The Haçienda", tal y como lo describió el productor Martin Hannett, que abrió sus puertas el 21 de mayo de 1982 para cambiar para siempre el rumbo de la escena de clubs del Reino Unido. Y si bien al principio funcionó más como una sala de conciertos ?allí dieron bolos antológicos grupos como los Smiths, Happy Mondays o Stone Roses?, a partir de 1984, DJs como Mike Pickering y sus noches Nude tomaron el testigo y empezaron a pinchar una ecléctica mezcla de funk, primigenia música electrónica e indie que revolucionaron la escena musical y plantaron las semillas del fenómeno que se conoció como Madchester. Para que la revolución acabara de estallar, ya solo quedó el advenimiento del Segundo Verano del Amor, de inspiración ibicenca, que dio lugar en 1988 al apogeo de la cultura rave y al acid house.  Esta es la hilarante y desquiciada historia de The Haçienda, contada por un narrador de excepción como Peter Hook, que vio cómo la mala gestión, la violencia del crimen organizado de Manchester (rebautizada "Gunchester"), una administración pública beligerante y errores de amateur de todo tipo acabaron con la vida de un club legendario cuyo legado aún hoy pervive.

The haienda: Cómo no dirigir un club

240 PÁGINAS DE CÓMIC QUE TE HARÁN DESCUBRIR CÓMO UN CHAVAL AUTODIDACTA Y APASIONADO POR EL CINE SE CONVIRTIÓ ENUNO DE LOS MAYORES DIRECTORES DE NUESTRA ÉPOCA.NUEVE PELÍCULAS EN 30 AÑOS DE CARRERA QUE CAMBIARON EL CINE PARA SIEMPRE. LAS PELÍCULAS DE TARANTINO SE HAN CONVERTIDOEN UN GÉNERO POR SÍ SOLO, A MENUDO IMITADO, JAMÁS IGUALADO. A LA PREGUNTA, ¿SE PUEDE HACER UNA OBRA ARTÍSTICACON LA CULTURA POPULAR, INCLUSO CON PELÍCULAS DE SERIE Z?, QUENTIN HA RESPONDIDO: «NO TE MUEVAS, MOTHER FUCKER, TEVOY A ENSEÑAR».

Quentin por tarantino

El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shod? o «camino de la escritura»; un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía.  De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.

Kairos

Mano de mujer

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal ?en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad? donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Hotel california

Londres. Corre el año 1967 y Pauline deambula sin rumbo por la mágica metrópoli contracultural de los sesenta. Tiene 21 años, trabaja en una agencia de secretarias y no suele desmelenarse, pero un inesperado encuentro cambiará radicalmente su vida: una tarde recibe la llamada de un sujeto que necesita transcribir las letras de un disco. Es Frank Zappa. Ese feliz e improbable encargo vendrá seguido por vagos flirteos, extrañas confidencias y una propuesta desconcertante: trasladarse a Los Ángeles e ingresar en la variopinta cuadrilla que allí convive y desvaría con el cantante. Aceptada la invitación, nuestra audaz mecanógrafa asistirá atónita y deslumbrada al asombroso espectáculo que se representa frente a ella. Contempla la incansable actividad creativa de Zappa, es toda oídos durante sus peregrinos coloquios con tipos como Mick Jagger, George Harrison, Eric Clapton o Rod Stewart y asiste religiosamente a los extáticos ensayos de su grupo, ceremonias por las que desfila una caterva de friquis, tunantes, colgados y entrañables soñadores. De todo ello da cuenta en este libro.

Malpaso

¡Alucina!

Figura insólita en el panorama artístico de su época (1593-1653) y una de las pocas mujeres que alcanzó la fama en el ámbito de la pintura. Sus cuadros se encuentran hoy en las principales pinacotecas del mundo.

Artemisia gentileschi

Esta Estética de lo performativo, que presentamos ahora en español con una introducción de Oscar Cornago y que fue publicada en Alemania en 2004, se ocupa de los problemas fundamentales de las realizaciones escénicas del arte de la performance, del teatro experimental y de las que tienen lugar en el ámbito público. La realización escénica como acontecimiento se revela así como fundamental para una nueva comprensión del arte y de su relación con lo público.

Estética de lo performativo

En este libro-entrevista, Albert Hofmann, el científico que descubrió el LSD, evoca la historia de la popular droga psicodélica, que en la década de 1960 se convirtió en emblema de la contracultura y de la contestación juvenil. Gracias a su extraordinario testimonio, desfilan los años de la América on the road, los protagonistas que encarnaron la libertad y el anticonformismo, de Allen Ginsberg a William Burroughs, y los que, como Aldous Huxley y Timothy Leary, vieron en la profundidad del sueño psicodélico una vía capaz de iluminar y ensanchar la conciencia. Para todos ellos, Hofmann fue un punto de referencia, al igual que para él lo fue Ernst Jünger, citado a menudo en este libro. Es raro que un científico logre derribar el muro de su especialidad y nos hable, como Hofmann sabe hacer, con enorme sencillez, de las cosas del mundo y de Dios, del hombre en la era de la globalización, del destino de Occidente y de la riqueza espiritual que Oriente puede aportarnos.

El dios de los ácidos

En el mundo clásico, el pensamiento religioso, los hábitos sociales y la divergencia entre lo masculino y lo femenino dieron lugar a un peculiar arte erótico cuyo estudio ayuda a entender la compleja naturaleza de estas sociedades. Carmen Sánchez no plantea aquí un ensayo sobre la sexualidad en el mundo griego y romano, sino un recorrido por el imaginario visual del erotismo clásico, donde los textos se han tratado como ilustraciones con la intención de entender, explicar y, sobre todo, oír las imágenes.  Este libro explora el erotismo en el arte de la cultura clásica, desde la invención del desnudo público hasta la construcción de las populares escenas de cortejo homosexual masculino, desde la utilización del falo como amuleto hasta la exploración de la alteridad del erotismo sobrenatural y mágico.

La invención del cuerpo

En una conocida anécdota, el compositor John Cage cuenta que se introdujo en una cámara anecoica con la esperanza de escuchar el silencio absoluto. Llevaba poco rato encerrado cuando escuchó dos sonidos, uno agudo y otro grave. El ingeniero encargado de la cámara le explicó que el agudo era el ruido de su sistema nervioso y el grave, el de su sangre circulando. «En realidad», concluyó Cage, «por mucho que intentemos hacer un silencio, no podemos». No podemos, en efecto, acceder a ese silencio total pero podemos reflexionar, imaginar e intentar representar su complejidad e intensidad. En estos ensayos Marcela Labraña recorre y compara algunas de sus entonaciones en distintas épocas y culturas: el trayecto del gesto harpocrático desde sus orígenes herméticos hasta hoy, un mapa vacío de Lewis Carroll, un plano imposible de Juan Luis Martínez, los monocromos de Yves Klein, las curiosas páginas de Laurence Sterne, un poema erótico de Octavio Paz. Estos y otros ejemplos analizados en este libro ;écfrasis, poemas visuales, emblemas, ilustraciones, catálogos, cartografías y cuadros; se sitúan en la encrucijada entre la literatura y las arte visuales, por lo que se resisten a un estudio estrictamente disciplinario. Así, se despliega la naturaleza heterogénea del silencio, que opera como señal de respeto ante los misterios divinos, estrategia política o síntoma de una dificultad expresiva, pero también como signo de ironía, de absurdo existencial o de plenitud.

Ensayos sobre el silencio

Manontroppo

Freddie mercury

Anaya Multimedia

Oberon

Leonardo da vinci

Sabartés es seguramente el más devoto y despersonalizado de los escogidos cronistas de Picasso. El artista le dio su aprobación incondicional y le animó a publicar Picasso. Retratos y recuerdos. Junto a sus publicaciones sobre Picasso, el principal legado de Sabartés es el Museu Picasso de Barcelona, pues fue con su colección con la que se pudo iniciar la puesta en marcha de este importante museo. Personaje pues fundamental de la órbita picassiana.

Picasso

Con su intuición de las constelaciones familiares y de las pasiones calladas, Natalia Ginzburg narra la vida breve de Antón Chéjov (1860-1904), desde su juventud en Taganrog y sus primeros años en Moscú, los inicios como escritor humorístico y su trabajo como médico rural, hasta su viaje al campo de Sajalín, sus primeros éxitos como autor teatral, la enfermedad, los últimos años en Yalta y la muerte prematura en Badenweiler. En este hermoso libro, como si se tratara de uno de aquellos azares del destino, la escritora italiana consigue de manera asombrosa ese tono que el retratado dominaba de manera magistral, y nos ofrece un pequeño pero hermoso bocado de quien fue, es y será siempre uno de los mejores retratistas del alma humana.

El Acantilado

Antón chéjov

El proceso creativo es una mezcla de técnica, ?entendimiento, fuerza de voluntad, don de la imaginación, fantasía, determinación, deseo ardiente. Y por muy buena que sea la ejecución, no habrá ninguna composición que perdure si no tiene inspiración. Cuando viene, la inspiración es de tal sutileza y finura (como un fuego fatuo) que escapa a casi toda clasificación. La inspiración es un despertar, una activación de todas las facultades humanas. El gran secreto de todos los genios creadores se encuentra en el hecho de que poseen la fuerza de apropiarse de la belleza, riqueza, grandeza y excelsitud que hay dentro de su alma y, al mismo tiempo, de comunicar tal riqueza a los demás.En este libro, Arthur M. Abell recoge el testimonio de seis importantes figuras de la música occidental ?Brahms, Strauss, Puccini, Humperdinck, Bruch y Grieg? en relación con sus experiencias espirituales, psíquicas y mentales en el momento del impulso creador. Además, nos invita a conocer el contexto cultural europeo de principios del siglo xx a partir de la experiencia vital de sus protagonistas.

Fragmenta

Musica e inspiracion

El arte siempre ha sido parte de la historia, pero a menudo se nos presenta como aparte de la historia. Por supuesto podemos disfrutar de las obras por sí mismas, pero nos dirán mucho más si entendemos cómo hemos llegado a llamar arte a lo que tenemos por tal. Este es un viaje extraordinario a través de las obras más importantes de la historia antigua y reciente, para encontrar otras formas de apreciarlas a través de las complejidades de su historia, las innovaciones y, por qué no, las rivalidades entre creadores.  Una guía ilustrada, con fotos y como un cómic, accesible y detallada que nos permite disfrutar del arte en su contexto.

El arte en la historia

El libro nos aproxima a través de las fotografías de Jean Marie del Moral al universo íntimo de Miró.

El ojo de miró

Los treinta y siete difíciles años que abarcó la vida de Vincent van Gogh (1853-1890), corta y pródiga en crisis personales y espirituales, como atestiguan las &quot; Cartas &quot; a su hermano Theo publicadas en esta misma colección, encontraron una esplendorosa contrapartida en su obra pictórica, concentrada prácticamente en los doce últimos años de su existencia. En "Vincent van Gogh: vida y obra", Uwe M. Schneede nos ofrece una biografía apasionante y sintética que no sólo describe la dramática trayectoria vital y el desarrollo artístico del pintor holandés -sus difíciles comienzos en la pintura, su estancia en París, su viaje al sur de Francia, donde explotaría su genio torturado, su traslado a Auvers-sur-Oise, donde acabaría suicidándose-, sino que ofrece al mismo tiempo una clara y modélica introducción a la situación del arte y del artista en la época moderna. Excluido en vida de la sociedad y del mercado, tras su muerte Van Gogh no tardó en convertirse, paradójicamente, en uno de los pintores más populares y valorados del siglo XX.

Alianza

El Libro De Bolsillo

Vincent van gogh

«Nusch encarna un poderoso vínculo de posesión-dominación erótica que la une a Paul. Paul sueña. A Paul le gusta soñar con el cuerpo de Nusch. Goza al pensar en el cuerpo de Nusch gozando. Paul y Nusch comparten secretos eróticos impublicables que sellan su juramento de amor. Todo tipo de rumores circulan en torno al poeta desde que comparte sus días y sus noches con Nusch: pervertido sexual, obseso, amante de las orgías, libertino... pero también impotente». Más allá de unos cuantos collages, la verdadera obra creativa de Nusch (1906-1946) fueron sus años de convivencia con Paul Eluard. En ellos, rompiendo todos los tabúes que la sociedad imponía a la mujer de su tiempo, Nusch hizo de su cuerpo una página en blanco donde el poeta proyectaba el amplio abanico de sus deseos eróticos y encontraba inspiración para su vida y sus poemas. Chantal Vieuille realiza un ejercicio de recomposición biográfica sobre quien fuera icono del surrealismo gracias a las fotografías de Man Ray o Dora Maar, a los retratos firmados por Picasso, Miró o Magritte, y a los dibujos de Dalí o Roland Penrose. En él, llena de claroscuros, vibra la presencia aún bella, mágica y radiante de una de las figuras más enigmáticas de la cultura francesa del siglo XX.  Chantal Vieuille (1953) Tras finalizar sus estudios de literatura francesa, se ha dedicado sobre todo al mundo editorial. Fundadora de Editions Complicités y de Artelittera.com, entre sus libros se cuentan Gala (1986) y Kay Sage ou le surréalisme américain (1995).

Nusch éluard

En tiempos la mujer más celebrada de Alemania y la cineasta más famosa del mundo, Leni Riefenstahl se encargó de forjar la imagen exterior del Reich en películas de gran fuerza visual, donde la estética enmascaraba manejos de extrema crueldad. La verdadera biografía de una directora marcada por la polémica.

Leni riefenstahl

Dora Maar murió en 1997 dejando tras de sí una aureola de misterio y de expectación. Había sido la amante de Picasso entre l936 y l943 , había fotografiado el Guernica y había sido la excepcional modelo de la serie La mujer que llora del pintor malagueño.Victoria Combalía tuvo el raro privilegio de poder conversar largamente con Dora Maar en l994 y de organizar la primera retropectiva de su obra fotográfica y pictórica en 1995. Dora Maar era hija de padre yugoslavo y de madre francesa pero se había criado en la Argentina. Dio la espalda a sus orígenes burgueses convirtiéndose en una activista política de izquierdas que participó en el grupo Contre-Attaque y fue la amante del filósofo y revolucionario Georges Bataille. Siendo miembro del grupo surrealista, Paul Eluard le presentó a Picasso. En una famosa escena en el café Les Deux Magots , Dora lo sedujo jugando a clavar una navaja entre sus dedos de largas uñas pintadas de rojo. Con él vivió una tumultuosa pasión pero también un repliegue de su actividad creadora. Pasó a ser su musa, mil veces retratada en su belleza pletórica pero sobre todo como máscara sufriente y atormentada.  Abandonada por el artista , se refugió en la religión y en la pintura,viviendo recluida en su piso de París y en su casa de Ménerbes, en el Sur de Francia. Victoria Combalía Dexeus (Barcelona,1952) es doctora por la Universidad Autónoma de Barcelona y profesora de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona desde 1974. Entre sus libros se cuentan: La poética de lo neutro. Análisis y crítica del arte conceptual (1975; reeditado en 2005); Estudios sobre Picasso (1981); Antoni Tàpies (1984); El descubrimiento de Miró (1990); Picasso-Miró. Miradas cruzadas (1998).

Salamandra

Dora maar

Hola, soy Pierre- Auguste Renoir, el pintor de la felicidad. ¿Sabéis por qué me llaman así? Si observas mis cuadros verás una pintura despreocupada, sensual y festiva. Quería mostrar la alegría de la gente, la belleza de las mujeres, la inocencia de los niños, los paisajes idílicos...Y lo conseguí. A pesar de los graves problemas económicos y la enfermedad que sufrí, nunca se coló en mi obra la más mínima sombra de tristeza o desesperación. ¿ Quieres comprobarlo? Adelante, te invito al mágico mundo de Renoir.

Océano

Oceano Travesia

Descubriendo el mágico mundo de renoir

Chaikovski (2023)

Mi vida con wagner (2013)

The haienda: Cómo no dirigir un club (2019)

Quentin por tarantino (2023)

Mano de mujer (2024)

Hotel california (2021)

¡Alucina! (2016)

Artemisia gentileschi

Estética de lo performativo (2011)

El dios de los ácidos (2008)

La invención del cuerpo (2015)

Ensayos sobre el silencio (2017)

Freddie mercury (2018)

Leonardo da vinci (2019)

Picasso (2018)

Antón chéjov

Musica e inspiracion (2021)

El arte en la historia (2015)

El ojo de miró (2015)

Vincent van gogh (2012)

Nusch éluard (2012)

Leni riefenstahl (2024)

Dora maar (2013)

Descubriendo el mágico mundo de renoir (2012)