"Yo deseo la felicidad de todo el mundo", escribió Joaquín Sorolla. ¿Qué hizo para conseguirlo? ¿Se puede aprender a ser feliz a través del arte? ¿Por qué disfrutamos al contemplarlo? Articulado a través de "diez lecciones de felicidad", que ofrecen otros tantos puntos de vista transversales sobre la vida y la obra de Sorolla, este libro se interroga sobre el verdadero alcance de su éxito y el placentero bienestar que refleja su pintura. Los críticos contemporáneos coincidieron en afirmar que la alegría de vivir rebosaba en sus cuadros, interpretados como si fueran visiones naturales creadas sin esfuerzo. Sabemos, sin embargo, que en la vida no siempre es fiesta, así que tanta felicidad ha de esconder alguna suerte de ficción. Quizá uno de sus mayores logros haya sido convencernos de su autenticidad. El relato se ha concebido como una reflexión distendida y delicadamente irónica sobre los tópicos que han envuelto de felicidad a Sorolla, hasta negar cualquier sombra. La luz levanta el ánimo. No hay recurso más eficiente que iluminarlo todo para olvidarse de que no hay nada oculto de lo que preocuparse. Sorolla es recordado como un triunfador que pintaba gentes felices en lugares maravillosos. El arte es una extraordinaria ilusión. No pretendamos que también sea real. En la vida no se puede tener todo.

Tapa dura

Español

Ediciones Cátedra

Catedra

Cuadernos Arte Cátedra

Sorolla o la pintura como felicidad

Entre 1780 y 1880 la actividad artística de Occidente se articuló en torno a unas premisas que dieron continuidad a una época: en las academias se debatía sobre el sentido de la belleza y el modo de alcanzarla, el conocimiento del pasado proporcionaba un criterio en la formación del gusto, las exposiciones públicas y los museos ordenaban los objetos destinados a ser contemplados, la sensibilidad estética era un signo de distinción y las obras de arte se valoraban como un testimonio del progreso espiritual del ser humano. Este libro analiza los imaginarios visuales que identifican ese periodo histórico, a través de diez argumentos entrelazados: el gusto, la política, el desasosiego, la espiritualidad, la historia, el eclecticismo, la realidad, la ciudad, la visualidad y el símbolo. Trata de sugerirse que las obras de arte forman parte de relatos diversos y fragmentarios. Por lo tanto, son susceptibles de ser apreciadas y comprendidas desde distintos puntos de vista, que se enriquecen con la perspectiva del tiempo.

Tapa blanda

Otro

Ediciones Catedra

Introducción al arte occidental del siglo XIX

Estudio de la representación iconográfica de seres que sufren algún tipo de malestar, agresión, carencia física, sensorial o mental, tema de interés creciente en el arte moderno, que el autor plantea como una búsqueda de las raíces que conducen a un cambio de sensibilidad, hasta terminar por reconocer la imperfección como una forma de belleza, analizando imágenes en las que converge un punto de vista narrativo, derivado del papel del discapacitado como personaje reconocible en un relato, y otro de índole estrictamente representativa, en tanto que su identificación exige la utilización de curiosas convenciones visuales.

Siruela

La belleza imperfecta

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado más allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezó a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas.  La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase que aparece profundamente determinado por pasiones humanas. Esta circunstancia singular sirve de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que va más allá de la pura trayectoria vital del pintor, observada desde una multiplicidad de puntos de vista, tales como la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. A través de un relato fresco y ágil, que escapa al futuro perfecto de los grandes discursos, se desnudan con ironía los protagonistas, en cuyas actitudes, a veces prosaicas y banales, se reconoce el sentido más vital del arte.

Fortuny o el arte como distinción de clase

Este ensayo sirve como complemento a los libros " La mujer y la pintura en el siglo XIX en España " , de Estrella de Diego, y " Las hijas de Lilith " , de Erika Bornay, publicados en esta misma colección.

Cátedra

Apariencia e identidad masculina. De la ilustración al decadentismo

Tras casi cien años de rigurosa selección estética, que limitó su historia a aquellas obras en las que parecían presentirse posteriores ideales, las artes plásticas del siglo XIX han irrumpido últimamente en nuestra sociedad como si pertenecieran a una época recién descubierta necesitada de explicación. Este libro hace un recorrido respetuoso por los mitos historiográficos, pero al mismo tiempo conciliador con el papel de las escuelas nacionales y reflexivo ante el encadenamiento, a veces incierto, de artistas y tendencias.

Anaya

El arte del siglo XX

Si la monarquía no desapareció con el fin del Antiguo Régimen fue porque resultó de utilidad para los ideales políticos del liberalismo. Para ello tuvo que cambiar sus funciones y sus formas de legitimación, un proceso que no fue fácil ni inmediato. Pocos argumentos históricos como la monarquía deben tanto al imaginario visual que ha contribuido a configurarla cultural y socialmente. Podría decirse que ésta es, ante todo, imagen, en el más amplio sentido del término. Su destino y su razón de ser se han modelado y trasmitido a través de las imágenes. Este libro aborda el problema de la representación del poder monárquico en un momento crucial de metamorfosis. Parte de la hipótesis de que las imágenes suponen un instrumento privilegiado para analizar ese proceso porque, consideradas en sí mismas, construyen una realidad sobre él. Su comprensión y valoración, histórica y estética, es inseparable de esa trasformación, diferenciada del lenguaje. Por lo tanto, no son utilizadas sólo como fuentes visuales para el conocimiento de un argumento externo, al que sin duda sirven, sino que ellas mismas lo conforman y difunden, de acuerdo con sus específicas posibilidades

Siglo Xxi

Siglo Xxi De España Editores, S.a.

Siglo Xxi España

Monarquía y romanticismo

En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad. Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico. En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.

El arte parodiado

El lenguaje alegórico del constitucionalismo de 1812 nos traslada a un a época en la que las imágenes y los gestos servían para el combate ta nto como las palabras. Educados en la cultura de la Ilustración, los p rimeros liberales españoles -al igual que los

Siglo Xxi De España Editores

Alegoria nacion y libertad

Amediados del siglo xix algunos críticos observaron que las mujeres pintadas en los cuadros no se encontraban desnudas sino desvestidas. Sin embargo, la memoria visual y la moral nos han impuesto un modo de ver esta cuestión artística al margen de las reacciones individuales y colectivas que suscita la contemplación del cuerpo real. Este libro trata de refrescar nuestra mirada, condicionada por una tradición culta, aunque la existencia del problema no pueda explicarse si no fuera así. Desde el Realismo, el desnudo constituyó una verdadera obsesión, donde se fundía la atracción por la belleza corporal y la utilización del arte como un medio para su perpetuación. Pasión física y fijación estética aparecen, pues, como las grandes claves del desnudo moderno. Las obras que se estudian en este libro tienen como denominador común una presentación del cuerpo desnudo como consecuencia de un deseo físico, que nace de una mirada externa, la del artista que aspira a fijarlo en la pintura o en la escultura. Pero una vez ofrecido a la contemplación, cada pieza establece con el espectador una complicidad seductora, que se mueve siempre en el terreno incierto de la sugestión sensorial propia de la tradición histórica y la construcción intelectual que se abre paso con la modernidad y la vanguardia, por lo tanto entre aquello que nace de una inmediata evocación de lo real y la abstracción que constituye toda obra de arte.

Alianza Editorial

Desvestidas

El prestigio social de la masculinidad, junto al cuestionamiento de este concepto como algo privativo de los hombres, ha interferido profundamente en la estimación de las mujeres. Frente a la percepción usurpadora o despreciativa de su masculinización, utilizada para atacar al feminismo desde sus orígenes, este libro plantea la existencia de una corriente profunda de admiración, curiosidad y atractivo hacia aquellas que, en determinadas circunstancias, exhibían capacidades impropias de su sexo. La visualidad ha ejercido un papel fundamental para la comprensión e interiorización de ese modelo. Desde la mujer viril, expresión utilizada para ensalzar a las que demostraban singular arrojo y valor, hasta los espectáculos en los que representaban papeles masculinos, adoptaban sus gestos, vestían sus trajes o mostraban destrezas extraordinarias, las imágenes de mujeres como hombres han estado muy presentes en el ámbito público de la modernidad. Los motivos de este atractivo son complejos: por un lado, su excepcionalidad ha servido para legitimar los valores masculinos como modelo de comportamiento, al tiempo que apuntaban hacia una forma de empoderamiento femenino; pero, por otro lado, también han cuestionado el rol de los hombres en su relación con las mujeres. Sirvieron, pues, para contemplar la propia masculinidad deconstruida o caricaturizada. Lo que se suponía esencial e intransferible podía ser imitado e, incluso, burlado. Potenciaron la importancia de los fetiches como motor de la sexualidad y la ambigüedad como imaginario seductor. La fascinación por la equivocidad, por el juego, por lo inusitado, quedó instaurada como una vía de escape al orden. Todo ello sentó las bases de la disociación entre género, sexo y rol sexual.

Ediciones Universidad De Salamanca

Mujeres Como Hombres Imagenes Para Una Fantasia Masculina Moderna

Museu Nacional D'art De Catalunya

Observadores

Diputacion San Andres De Los Flamencos.

Felicien rops

Antonio Ramos Meneses, duque de Baños (Morón de la Frontera, 1826-París, 1882), es uno de los personajes más curiosos y menos conocidos de la corte de Isabel II. Difuminado tras las habladurías surgidas de la estrecha relación que mantuvo con el rey Francisco de Asís, su trayectoria vital se corresponde con la de un arribista sin escrúpulos. Gracias a sus dotes de seducción y a su habilidad para manejarse en negocios turbios, llegó a alcanzar una elevada posición social y económica. Su capacidad para intrigar le permitió influir en muchos aspectos de la vida política española, tanto por su amistad con el rey consorte como por su cercanía a la exreina gobernadora María Cristina de Borbón. En torno suyo se fabricó una leyenda, a base de mentiras y medias verdades, que dejaron su vida en sombra, prueba de la importancia que tenía la opinión pública. Este libro sigue sus pasos con minuciosidad. Sus adversarios estuvieron siempre vigilantes para desenmascarar al impostor; él, atento para esquivarlos. El recorrido biográfico, que contrasta el imaginario construido a su alrededor, se sustenta en numerosos datos documentales. El objetivo ha sido arrojar luz sobre un individuo misterioso, que tiene algo de hombre fatal.

Sorolla o la pintura como felicidad (2023)

Introducción al arte occidental del siglo XIX (2014)

La belleza imperfecta

Fortuny o el arte como distinción de clase (2017)

Apariencia e identidad masculina. De la ilustración al decadentismo (1996)

El arte del siglo XX (1992)

Monarquía y romanticismo (2015)

El arte parodiado (2022)

Alegoria nacion y libertad (2010)

Desvestidas (2009)

Mujeres Como Hombres Imagenes Para Una Fantasia Masculina Moderna (2026)

Observadores (2008)

Felicien rops (2002)

Meneses, Gentilhombre Del Rey Francisco De Asis. El Amigo De Moro (2025)