La multiplicación de instituciones artísticas y la gran abundancia de creaciones de todo tipo y condición son dos fenómenos interrelacionados que influyen en el panorama artístico contemporáneo. Es tal la riqueza y diversidad de propuestas que no parece fácil distinguir entre ellas algunas líneas predominantes. Por otra parte, parece evidente que abundan los artistas con voluntad de ocupar determinados espacios ideológicos, técnicos o institucionales, es decir, de tomar posiciones claras en un universo inestable y muy complejo. Dos preguntas surgen inmediatamente: ¿Está sustituyendo la &quot; voluntad de tendencias &quot; a la &quot; tendencia artística? ¿Esta dinámica se ha visto impulsada por el desplazamiento del mercado por la iniciativa institucional en la última década? A través de la observación de críticos, creadores e historiadores del arte, este libro pretende responder a estas preguntas, que aunque no son fáciles de contestar, tampoco parece posible evitar.

Tapa blanda

Español

Ediciones Catedra

Cátedra

Tendencias del arte, arte de tendencias

Alianza Editorial

La arquitectura en el cine. Hollywood, la edad de oro

áEn este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión. aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio. atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental. autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales. apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación. y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.

Akal

Ediciones Akal, S.a.

El objeto y el aura

La importancia de Marcel Duchamp (1887-1968) se ha venido acrecentando progresivamente desde los años cincuenta hasta nuestros días, a medida que numerosos movimientos artísticos le reconocían como padre fundador. Pero aunque la magnitud de su influencia sólo es hoy comparable a la de Picasso, Duchamp sigue siendo un desconocido fuera del escaso círculo de unos pocos iniciados. Es como si hubiese quedado sepultado por algunos estereotipos biográficos y por la audacia de sus gestos iconoclastas. Pero la revisión de ciertos tópicos permite descubrir algo mucho más rico y estimulante. Duchamp estuvo siempre en el centro de los grandes debates del mundo contemporáneo, y aunque evolucionó al vincularse a diversos ismos de la vanguardia, mantuvo constantemente el sello de una personalidad inconfundible. Sus dos grandes preocupaciones conciernen a la naturaleza del conocimiento (de la «verdad científica») y al sentido del amor con su límite natural, la muerte. Los trabajos de Duchamp hablan siempre de erotismo, y lo hacen tocando los límites, en unos términos que comprometen lo socialmente aceptable. Este libro trata con amplitud estos y otros asuntos. Un gran esfuerzo de contextualización cultural y de exégesis filológica ha permitido a su autor revisar cuestiones de gran importancia, como el significado de los ready-mades o el de la gran instalación secreta conocida como Étant donnés. Por primera vez se propone una cuidadosa lectura por etapas del Gran vidrio, rastreando la evolución de cada elemento, desde las ideas preliminares hasta su desaparición o integración en el programa final de la obra. De gran importancia es también el hallazgo de muchas fuentes iconográficas mediante el examen de materiales tan heterogéneos como viejos catálogos médicos e industriales, manuales escolares, anuncios, libros físico-matemáticos, etc. Todo ello permite entender, por fin, el sentido de las principales propuestas y transformaciones duchampianas. Este ensayo apasionante, ilustrado con cerca de 300 imágenes comentadas, reproduce, además de numerosas referencias visuales rigurosamente inéditas, todas las obras importantes de Duchamp. Esto convierte Duchamp. El amor y la muerte, incluso en una monografía básica para conocer a esta figura insoslayable del arte contemporáneo.

Siruela

Duchamp, el amor y la muerte, incluso

Las relaciones entre el cuerpo y la arquitectura han sido siempre estrechas y complejas. El tratadista romano Vitruvio habló de ello, y muchas de sus ideas fueron luego cristianizadas mediante la identificación simbólica de las iglesias con el «cuerpo de Cristo». La antropomorfización antigua de los soportes (las columnas, que eran «masculinas» o «femeninas») abrió la vía para una diferenciación sexual de la arquitectura. En Edificios-cuerpo se habla de todo ello, se introducen numerosas apreciaciones novedosas y se examinan de modo especial esculturas habitables con formas humanizadas, bien sean proyectadas, construidas o imaginadas. Se consideran, pues, las aportaciones de arquitectos y artistas como Caramuel, Ledoux, Le Corbusier, Wright, Dalí, Charney, Finsterlin, Masson, Matta, Bruno Taut o Kiesler, sin olvidar el trabajo de creadores más recientes como Ernesto Neto.

Edificios-cuerpo

El cuerpo humano ha sido siempre un asunto importante para los artistas, y sabemos que el estudio de la anatomía se consideraba imprescindible en la formación académica. Pero esta apacible tradición se ha visto convulsionada en la época contemporánea por una eclosión de trabajos y propuestas dispares, carentes en muchas ocasiones de cualquier precedente. De esta prodigiosa multiplicidad de creaciones a cargo de pintores, fotógrafos, escultores, instaladores y performers, desde las primeras vanguardias hasta hoy, emerge una imagen muy rica y compleja de nuestra realidad orgánica. Corpus solus se ocupa de esa «reinvención del cuerpo» operada en el arte de nuestro tiempo. Sus veinte capítulos (concebidos como una especie de eco formal de las instalaciones descritas por Raymond Roussel en su Locus solus) tratan de cosas como el cuerpo ideal, el desnudo, el cuerpo en movimiento, la piel pintada o tatuada, la vejación, el sufrimiento, transparencias y fragmentaciones corporales, la huella del cuerpo, la ropa, las lágrimas, el cuerpo en el espejo, el sexo, etc. Por sus páginas desfilan una multitud de artistas y de creaciones, algunas de ellas muy recientes, y es significativo que, sin pretenderlo expresamente, este tema se haya revelado especialmente sensible a la problemática del género, con grandes protagonistas femeninas (menos abundantes en otros ámbitos del arte) como Orlan, Ana Mendieta, Lygia Clark, Rebeca Horn, Cindy Sherman, Judy Chicago, Carolee Schneemann, Elena del Rivero, etc. También figuran los trabajos de artistas masculinos, como Muybridge, Picasso, Duchamp, Miró, Dalí, Manzoni, Pistoletto o David Nebreda, entre otros muchos. Aunque el autor reconoce que trazar el mapa completo del cuerpo en el arte es una tarea imposible, sí aborda con claridad y brillantez literaria los principales aspectos del tema. Juan Antonio Ramírez ha sabido combinar la visión objetiva, propia del historiador del arte, con las elecciones arriesgadas características del crítico, dando lugar así a un libro original, plagado de noticias y de aportaciones conceptuales novedosas, cuya lectura es imprescindible para quienes deseen conocer mejor este episodio esencial del arte contemporáneo.

Corpus solus. Para un mapa del cuerpo en el arte contemporáneo

Nerea

Edificios y sueños

El Guernica de Pablo Picasso (Malaga 1881-Mougins 1973), encargado por el gobierno de la Segunda Republica para el pabellon de Espana en la Exposicion Universal de Paris de 1937, muestra los ingredientes principales de la corrida mitica, en clave surrealista, que venia representando en los anos inmediatamente anteriores. Los diversos actores, que andaban dispersos en oleos, dibujos y grabados, re reunen en un solo cuadro o, mas bien, en un escenario. No hay victimas ni verdugos, espectadores compasivos o testigos neutros, sino la ciega destruccion, el cobarde fuego aniquilador, que ataca a la naturaleza misma de la vida, eliminando las barreras que separan el inconsciente profundo de la opaca realidad objetiva.

Donzelli

Guernica

Construcciones ilusorias, arquitecturas descritas, arquitecturas pintadas

La importancia que el texto biblico concede a la descripcion del Templo de Jerusalen ha generado a lo largo de los siglos numerosas especulaciones arquitectonicas. Como, segun la tradicion, ese Templo habia sido disenado por el mismo Dios, era esencial conocer sus proporciones y pormenores, ya que de ellos podrian deducirse las reglas de la buena arquitectura. Se trata, -por lo tanto, de un asunto central para la cultura europea y americana.Este libro se ocupa de desentranar desde una optica critica actual los tratados mas importantes sobre el Templo (Maimonides, Arias Montalvo, Newton, Lamy, etc.) -y muy en particular la prodigiosa aportacion de los dos jesuitas espanoles Jeronimo de Prado y Juan Bautista Villalpando-, cuya reconstruccion (Roma 1604) no solo es la mas hermosa de la historia del salomonismo sino un verdadero monumento del pensamiento arquitectonico.

Dios arquitecto

Desde los origenes mismos de la civilizacion, se ha venido asociando el mundo de las abejas con todo tipo de virtudes. La colmena ha sido modelo de sociedad ideal y sus productos basicos (cera y miel) han servido como soporte de numerosas metaforas positivas. Pero las abejas elaboran ademas una arquitectura natural de gran perfeccion: los panales que se alojan en un B+edificioB; con una estructura determinada. Juan Antonio Ramirez demuestra que esto influyo considerablemente en los arquitectos y artistas que dieron origen al Movimiento Moderno. Los modelos de colmenas tradicionales, junto con los proporcionados por la llamada B+apicultura modernaB; o B+racionalB; , fueron importantes para arquitectos como Gaudi, Rudolf Steiner, Wright, Mies van der Rohe o Le Corbusier. Tambien a veces se ha considerado como abejas a algunos pintores y escultores, lo cual permite examinar aqui episodios de la vanguardia, como La Ruche de Montparnasse, o la obra de otros creadores mas recientes como Joseph Beuyso Jose Maria Sicilia. Este es, pues, un libro fascinante y muy original donde se examinan, por primera vez, las complejas repercusiones ideologicas, politicas, artisticas y arquitectonicas de las metaforas apicolas.

La metáfora de la colmena. De gaudí a le corbusier

Anagrama

Ecosistema y explosión de las artes

Escribir bien sobre arte y arquitectura requiere habilidades idiomáticas generales, conocimientos específicos de los asuntos a tratar, y un dominio de los géneros propios de estas disciplinas. El presente volumen es un libro de estilo e introducción a los géneros de la crítica y de la historia del arte. Ante preguntas relacionadas con el arte de escribir, proporciona respuestas útiles y orienta al futuro escritor sobre cómo afrontar la redacción de los distintos tipos de artículos, cómo se debe hacer una tesis doctoral, o qué es una crítica de arte, un catálogo de exposición, una guía artística o un documental. Es una obra indispensable para estudiantes y para los profesionales que deseen conocer mejor los procedimientos y recursos para crear textos de calidad. Resumen del Öndice: Introducción.- Cuestiones generales.- Los géneros.- Bibliografía.- Notas y abreviaturas más frecuentes.- Corrección de pruebas de imprenta.- Öndice onomástico.

Tendencias del arte, arte de tendencias (2004)

La arquitectura en el cine. Hollywood, la edad de oro (2010)

El objeto y el aura (2009)

Duchamp, el amor y la muerte, incluso (1993)