El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.

Tapa blanda

Español

Marcial Pons Ediciones De Historia, S.a.

Siruela

Marcial Pons

Superrealistas

«Si hay un pintor en el universo que tenga sex appeal para todas las especies imaginables de autores de libros es ciertamente Goya», afirmaba Ortega y Gasset en su libro de 1958 dedicado al artista aragonés. Efectivamente, la obra plástica y la biografía de Goya han atraído a pensadores, historiadores, críticos de arte y creadores literarios que han reflejado su admiración en innumerables páginas de sentida admiración estética. Goya en las literaturas repasa los textos que en forma poética, dramática, narrativa o cinematográfica reflejan la fuerza y genialidad de Francisco de Goya en la creación literaria de muchas lenguas. El libro describe la dinámica trayectoria literaria que abrieron escritores contemporáneos del artista y que sigue activa en una inagotable recreación del universo goyesco.

Astiberri

Goya en las literaturas

Marek Sobczyk parte en su ensayo de una hipótesis válida actualmente para casi todas las artes: la pintura ha sido víctima de su propia desmesura. En consecuencia la pintura, de nuevo como casi todas las artes, se ha convertido en una especie de subcultura delirante con sus códigos y leyes propias, práctica y teóricamente ajena a su historia. Sin embargo Marek Sobczyk se niega a hablar de crisis de identidad, plantea el problema en otros términos, y "sostiene la vitalidad de la pintura a despecho de todos sus lunáticos excesos". La pregunta que se propone responder con su ensayo es la siguiente: "¿Por qué elegir en nuestra época un soporte y una materialidad tan opresivos, tan tradicionales, tan manuales?". Pregunta que enlaza con la constatación de un hecho singular: "Demasiados artistas utilizan la pintura sin pensar la pintura", para reivindicar a continuación el pensamiento de la pintura como su esencia más íntima e irrenunciable, pero sustentada siempre por los rigores de una disciplina y un aprendizaje. "Ser pintor significa asumir con más o menos humildad una opacidad que tiende a la ocultación." Marek Sobczyk condena en su ensayo el cinismo y la hipocresía del arte actual y aboga por la conciencia de su necesidad. Un lúcido y bien argumentado ensayo sobre la pintura actual y el devenir de la imagen.

Editorial Pre-Textos

Pre-textos

De la fatiga de lo visible

Todo está hecho de algo: desde los objetos cotidianos hasta los materiales que parecen anticipar el futuro. Se trata del milagro de la creación: la destreza, el diseño, la ingeniería y el ingenio que nos rodean cada día. Desde la taza de té hasta el avión, desde el chip de silicio a la suela de los zapatos, desde la fabricación de tejidos hasta los implantes biomecánicosà este libro está pensado para sorprendernos y maravillarnos ante el prodigio de las creaciones materiales humanas.

Turner

Noema

Cosas (y) materiales

Este viaje por lugares extremos en América Latina empieza en México, a la sombra de una inmensa barriada de viviendas sociales de la década de 1960, cuando las colmenas de pisos baratos parecían la solución a la escasez de vivienda. Sigue visitando las villas miseria de Buenos Aires, los cerros de Caracas, las favelas de Río, las casas ampliables de Chile, las laderas de Medellín ahora salvadas por el Metrocableà y diversas iniciativas de vivienda social planteadas con espíritu práctico, creatividad y una mirada al futuro.  Desde mediados del siglo XX, cuando la utopía del movimiento moderno se fue a América Latina para morir, la región se ha convertido en un campo de pruebas para las concepciones más radicales de lo que es una ciudad. Aquí, en el continente más urbanizado del planeta, las ciudades extremas han dado pie a situaciones extremas. Justin McGuirk las ha recorrido y vivido y el resultado es este libro radical, imprescindible para interesados en la política, el urbanismo y las maneras de vivir en el siglo XXI.

Turner Libros

Ciudades radicales

Un fascinante relato de los desastres arquitectónicos e ingenieriles a lo largo de la historia. Empezando por las pirámides de Egipto, pasando por la basílica de Santa Sofía o el Campanile de san Marcos en Venecia, hasta el Empire State Building o las Torres Gemelas, los autores nos llevan a un maravilloso viaje a través de la técnica, el genio, la mala suerte y por supuesto la tragedia que ha rodeado la historia de la arquitectura.

Por qué se caen los edificios

Michel Pérez Pollo (Manzanillo, Cuba, 1981), se graduó en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana en el 2007. Sus exposiciones individuales más recientes son Jugando a comprender, Galerie Kn"rle & Bättig, Winterthur, Suiza (2011) y La bondad del desconocido, Galería Servando, La Habana (2011). Vive y trabaja en La Habana.

Tapa dura

Inglés

Michel pérez pollo

. Estudio de la obra más reciente de Emilia Azcárate centrada en su relación vital con lo espiritual. . Se recogen tres cuerpos de trabajo: las Practicables, Postales y la serie de los Gohonzon, donde incorpora procesos, ideas y estéticas ligadas a su vida y a su práctica espiritual, el budismo nichiren. . Estas obras se suman a los planteamientos estéticos y conceptuales recurrentes en la obra de la artista, y configuran abiertamente dinámicas ligadas a la abstracción como búsqueda de lo espiritual. «Me inspira la espiritualidad y el budismo es un estado de iluminación que me permite ver las cosas con claridad, se filtra en mi obra, y hay momentos que no distingo entre pintar o practicar, es uno y lo mismo.»

Otro

Emilia azcárate

. Una guía práctica por los «ismos» del arte moderno, es decir, por aquellos grupos, estilos y escuelas que han configurado su historia desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. . Empezando con el impresionismo, cada movimiento artístico moderno se describe en un cómodo formato que incluye un breve resumen, una relación de sus principales representantes y sus términos clave, así como una explicación más extensa y reproducciones de aquellas obras que mejor lo ilustran. . Una introducción amena e informativa para amantes y estudiantes de arte que además sitúa en su contexto a todos los grandes artistas visuales de los últimos 150 años, desde maestros modernos como Claude Monet, Pablo Picasso o Andy Warhol, a estrellas contemporáneas como Damien Hirst, Jeff Koons o Banksy.

...Ismos para entender el arte moderno

Con motivo de la gran retrospectiva de Marcel Duchamp que el pasado año acogió el Centro Pompidou de París, el artista revisita su obra a lo largo de un recorrido ligero y divertido a través de las ilustraciones de François Olislaeger y al hilo de sus propios escritos autobiográficos.En forma de historieta, se narran las anécdotas y obsesiones que persiguieron a Duchamp, artista flaneur y dandy impasible, que hizo de su vida una obra de arte en sí misma. Editado en un curioso formato que al desplegarse se convierte en un friso ilustrado de seis metros de longitud, esta publicación es, más que un libro, un objeto de coleccionista.

Turner Publicaciones S.l.

El Cuarto De Las Maravillas

Marcel duchamp

Pobre niña rica, coleccionista de maridos y de cuadros, fundadora de la galería y de la colección que dieron entidad al arte del siglo xx, viajera, amante de la noche y de la vida social, gran lectora, divertida, manipuladora, complicada... el perfil humano y profesional de Peggy Guggenheim se desvela por fin en esta biografía breve pero completa, basada en el propio relato de su protagonista y el de quienes la conocieron. Y de fondo, todo el mundo cultural europeo y estadounidense del último siglo.

Peggy guggenheim

Esta publicación profundiza en uno de los movimientos más radicales y provocadores del siglo xx: el accionismo vienés. A través de semblanzas, entrevistas, textos de archivo de los mayores expertos y de los artistas protagonistas, este volumen analiza la vida y obra de este inquietante arte austriaco de vanguardia representado, entre otros, por Hermann Nitsch, Otto Muehl, Günter Brus y Rudolf Schwarzkogler, que en los sesenta desafió los cánones artísticos. Violencia, sexo, revolución, destrucción, arte corporal, rituales bárbarosà este conjunto de artistas se definieron por su actitud transgresora y polémica. Sus formas traspasaron las fronteras del comportamiento permitido y por ello se cuentan entre los primeros artistas del performance.

Accionismo vienés

This comprehensive survey of contemporary design in Latin America explores collaborations between small manufacturing operations and artists, designers, and craftspeople, demonstrating how the resulting work addresses issues of commodification, production, urbanisation, displacement, and sustainability. It is organised around various cities and the main themes pursued by more than 100 artists, design studios, and artisans in regions such as Brazil, Cuba, Panama, Mexico, Puerto Rico, Colombia, and Chile. Published in conjunction with an exhibition at the Museum of Art and Design in New York, it is richly illustrated and includes essays by critics, curators, and art historians. 00Exhibition: Museum of Arts and Design, New York, USA (04.11.2014-06.04.2015).

Turner/mad

New Territories. Laboratories For Design, Craft And Art In Latin America

· Un recorrido por la obra del artista chileno Patrick Hamilton a través de sus proyectos más emblemáticos. · Su obra se desarrolla fundamentalmente en el campo de la fotografía, collage, objetos e instalaciones y comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura e historia en el Chile de los últimos 50 años; en particular en el Chile de la postdictadura. · En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la "revolución neoliberal" implantada en Chile durante los años 80 y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. · Incluye textos críticos de Christian Viveros-Fauné (curador y crítico de arte del Village Voice, New York), Gabi Scardi (curadora y crítica de arte, Milán) y una conversación entre el artista y la curadora en jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (USA) Alma Ruíz.

Patrick hamilton

· Para aproximar el tema universal de la belleza este libro se construye con el fragmento y la cita. Lo integran tres amplios capítulos: «Las construcciones de la belleza», «Las negaciones a la belleza» y «Certeza y enigma», que responden desde diversos enfoques a la pregunta: «¿Qué es para ti la belleza?». Y desde esa interrogante se invita a otro modo de lectura, que no solo interpela a los personajes que a lo largo de la historia y hasta nuestros días han pensado ùy han creadoù la belleza, sino que también se dirige al lector, como pregunta abierta que se deja entre sus manos. · La belleza nos conmueve cada vez como un advenimiento y, para quien sepa encontrarla, puede esperarnos en lugares impensados o puede subsistir como aliento en los momentos trágicos. La belleza aparece, se muestra, insiste. A veces es sojuzgada y destruidaà pero también sabe ser resistente. La amplia variedad de testimonios en esta publicación da fe de las certidumbres que ella genera, pero también deja constancia de su frágil condición.

El libro de la belleza

Leídas de corrido, estas cartas dan la impresión de que nos hallemos ante una autobiografía, o cuando menos ante un autorretrato. Lo extraño es que esa autobiografía involuntaria (nada más alejado de Gaya que el propósito de contarnos «su» vida, ya que pocas cosas desdeñó tanto como la Historia) esté hecha apenas con un puñado de cartas escritas en diferentes momentos y sin continuidad. Pese a ello, a través de ellas podemos imaginarnos toda su vida, tal y como ocurre con un pequeño fractal. Creo que el lector que no haya conocido a Ramón Gaya en vida, podrá hacerse también una idea bastante aproximada de su personalidad. El conjunto de todo ello nos proporciona una secuencia biográfica (cabría decir «autobiográfica») del pintor y escritor murciano, como no teníamos hasta hoy.

Cartas a sus amigos

Hay un momento en que los ojos se abren de pronto al arte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación de no avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos las obras de arte y a buscar sus vínculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporáneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empecé aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y también en la realidad. Mucho más tarde, ya adulto, descubrí a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han ido escribiendo de manera intermitente a lo largo de casi veinte años. Al verlos juntos ahora, observo que el azar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la deriva de mis intereses personales y mis aficiones, quizás con la ética y la estética que están implícitas en el trabajo de cada escritor. Antonio Muñoz Molina

Galaxia Gutenberg, S.l.

Galaxia Gutenberg

Galaxia Gutenberg Ensayo

El atrevimiento de mirar

Pese al lugar muy destacado que ocupa como uno de los dramaturgos esenciales del siglo xix en Austria, Franz Grillparzer (1791-1872) es recordado por muchos gracias a su Autobiografía, que empezó a escribir cuando contaba algo más de sesenta años de edad y que dejó finalmente inconclusa. El recuento que en ella hace de sus pasos destila amargura y un constante sentimiento de inadecuación con la época y con la sociedad en que le tocó vivir. Y sin embargo, Grillparzer se codeó con algunas de las más grandes personalidades de su siglo -Goethe, Beethoven, Humboldt, Metternich, Heine, Dumas, Rossini-, viajó por buena parte de Europa y Oriente Próximo, fue un apasionado del teatro clásico español, despertó grandes amores y se halló en el centro de algunos de los acontecimientos capitales de su tiempo. El presente volumen brinda por vez primera en castellano la oportunidad de acercarse a una personalidad singularísima, un autor por el que Kafka sentía una intensa atracción, diciendo de él que era un 'ejemplo desdichado al que los hombres futuros deben estar agradecidos porque él sufrió por ellos'. Además de su célebre Autobiografía, se recoge aquí una amplia selección de sus diarios, las notas de su viaje por Grecia y Constantinopla, y sus 'Recuerdos de Beethoven'. A modo de anexo se da 'El pobre músico', relato que ha gozado desde su publicación de una enorme y justificada popularidad, y cuyo protagonista presenta sutiles paralelismos con el propio Grillparzer.

Autobiografía, diarios y otros escritos

áIdea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80 es una exposición ensayo que aborda una situación específica de la escena artística española de ese momento centrándose para ello en el trabajo de cinco artistas: Alfonso Albacete, Miguel Angel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido. Todos ellos provienen, de un modo u otro, de una relación con las prácticas conceptuales de los primeros años 70, y encauzan sus investigaciones a través del lenguaje pictórico en los años que cubre la exposición. Las obras reunidas, fechadas entre 1978 y 1984, ejemplifican la toma de posición artística y estética de sus autores, quienes asumen la práctica pictórica como territorio de pensamiento y de producción de estrategias creativas.  El catálogo, además de la reproducción de las obras expuestas, contiene un ensayo del comisario de la exposición, Armando Montesinos, y un texto de Mariano Navarro en el que se analizan pormenorizadamente los cuadros y el contexto histórico-artístico en el que se crearon.

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía/ Siruela

Idea: Pintura fuerza. En el gozne de los años 70 y 80. Idea: Painting-force. The hinge between the 1

Una historia de las imágenes

Uno de los proyectos más osados y geniales de todos los tiempos consistió en transformar la mente humana en un organismo artificial infinito haciendo de él un teatro poblado de palabras, imágenes e ideas posibles, una enciclopedia de todos los saberes, una biblioteca capaz de producir mediante una combinatoria relaciones ordenadas y visibles entre aquellas ideas, aquellas imágenes y aquellas palabras. Así, en los primeros años del Cinquecento, en la civilización de un Américo Vespúcio, Copérnico, Ariosto, Miguel Ángel, Erasmo de Róterdam e Ignacio de Loyola, un humanista italiano, amigo de poetas y de médicos, de pintores y de monarcas, Giulio Camillo, soñaba con mutar la propia mente y la de cualquier ser humano en un edificio interior, en una estupenda máquina de memoria y creatividad, capaz de realizar una metamorfosis de sí mismo y del mundo por medio de la concentración, el ejercicio espiritual y el dominio de la abisal red de la Sabiduría.    A principios del siglo XX, estudiando también las obras de Camillo, Aby Warburg, historiador del arte, formidable erudito y antropólogo, inventó una extraordinaria ;ciencia sin nombre;, que hoy se ha convertido en un método de investigación acerca de las relaciones de imágenes y textos. Warburg buscaba en los textos e imágenes de cualquier época las huellas dinámicas (dinamogramas) del imaginario, según un modelo no muy distante del de Jung, reconociendo en cada gesto cultural un síntoma colectivo, revivido por los individuos.

El teatro de la mente

Catalán

Fundacio Joan Miro

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias

Catalog of an exhibition held at the MACBA, Museu d'art contemporani de Barcelona, September 19, 2014-April 12, 2015.

Superrealistas (2017)

Goya en las literaturas (2016)

De la fatiga de lo visible (2011)

Cosas (y) materiales (2017)

Ciudades radicales (2015)

Por qué se caen los edificios (2015)

Michel pérez pollo (2014)

Emilia azcárate (2014)

...Ismos para entender el arte moderno (2013)

Marcel duchamp (2015)

Peggy guggenheim (2016)

Accionismo vienés (2017)

New Territories. Laboratories For Design, Craft And Art In Latin America (2014)

Patrick hamilton (2015)

El libro de la belleza (2015)

Cartas a sus amigos (2016)

El atrevimiento de mirar (2012)

Autobiografía, diarios y otros escritos (2018)

Idea: Pintura fuerza. En el gozne de los años 70 y 80. Idea: Painting-force. The hinge between the 1 (2013)

Una historia de las imágenes (2018)

El teatro de la mente (2017)

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias (2016)

Art & language uncompleted (2014)

Zaha hadid architects. Diseño como segunda naturaleza (2018)