Perteneciente a la llamada Generación de la Violencia, Richard Fleischer no ha gozado de la misma fortuna crítica que el resto de sus miembros. Los críticos y los historiadores nunca han sabido en qué listado incluirlo, si en el de los autores o en el de los artesanos. Las dudas son hasta cierto punto comprensibles porque en su filmografía el arte y el artesanado se amalgaman formando una misma sólida aleación. En cualquier caso, es hora de hacerle justicia. El legado de Fleischer comprende casi medio centenar de largometrajes, entre los que hallamos títulos admirables como "The Narrow Margin" (1952), "20.000 leguas de viaje submarino" (1954), "Los vikingos" (1958), "Impulso criminal" (1959), "Barrabás" (1961) o "El estrangulador de Boston" (1968).

Tapa blanda

Español

Ediciones Cátedra

Cátedra

Signo e Imagen

Richard fleischer

La obra del cineasta Roman Polanski, a pesar de estar formada por solo una veintena de películas (además de varios cortometrajes) a lo largo de más de medio siglo, es una de las más importantes y sugestivas del cine contemporáneo. Director de poderosa personalidad, su concepto cinematográfico siempre se ha colocado muy por encima de modas o tendencias, exhibiendo un prisma que tiene en las estructuras circulares, los universos cerrados, las distorsiones psicológicas, la incomunicación o la íntima fusión entre el sexo y la muerte los elementos más importantes de su estilo. Su dramática infancia, el brutal asesinato de su esposa Sharon Tate y su azarosa vida personal, que le ha provocado no pocos problemas con la justicia, provocan que su obra guarde aspectos internos capitales para entender no únicamente al Polanski cineasta sino, también, al ser humano que se esconde tras él. Este libro, uno de los más completos de todos los publicados sobre el director en lengua castellana, analiza toda su filmografía con la intención de desentrañar su complejo y apasionante estilo.

Roman polanski

Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron las estrellas femeninas más importantes de las cinematografías española, italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexiste con el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, la censura ejerció un severo control no solo sobre los contenidos políticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las " stars " femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menos explícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron su filmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendo mensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.  Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y se interroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidad liberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo de sus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación e imaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, Mercedes Vecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española; Clara Calamai, Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en el contexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaum para el caso alemán.

Catedra

El cuerpo erótico de la actriz bajo los fascismos

Desde su primera película, Agnès Varda navegó a contracorriente, ajena a modas y tendencias. Amante del arte, concibió un cine intimista, personal, comprometido, en el que plasmó cuestiones sobre la memoria, el paso del tiempo, la vejez o la muerte, pero también reflexiones sobre la imagen, la creación artística o el propio cine. Su obra transita entre el diario de viaje, el puzle, el "collage", el atlas y esa sensación de "work in progress" (enfatizada por la ausencia de la palabra "fin") que no solo desprenden sus películas, sino también su obra fotográfica, sus videoinstalaciones, sus escritos o las ediciones de sus films en DVD que ella misma supervisaba. Al explorar su maravillosa trayectoria, Carlos Tejeda nos revela cómo Varda dejó espacio al divertimento, al azar, a la metáfora y a los juegos fonéticos o visuales, así como su constante búsqueda, desde la sencillez, de lo extraordinario en lo ordinario.

Agnes varda

Cuando muchos otros sucumben a los cantos de sirena de la gran industria, Jim Jarmusch se mantiene fiel a su independencia, lo que le propicia una libertad creativa total, así como un amplio control sobre su trabajo, desde la escritura del guión hasta la propia exhibición, convirtiéndose en una de las miradas más personales y críticas contra el sueño americano y la sociedad moderna dentro del cine actual. Sus películas son sutiles radiografías sobre la cotidianidad, la incomunicación y la soledad, agridulces crónicas de viajes de unos seres inadaptados en un mundo demasiado inmerso en su autocomplacencia, lo que les impulsa por elección propia a un sempiterno vagabundeo dictado al mismo tiempo por las circunstancias del azar. Porque el itinerario, al igual que en las &quot; bildungsroman &quot; o novelas de formación, conlleva múltiples significados como evasión, transformación, experiencia, conocimiento, búsqueda interior e incluso, según Jung, el anhelo de lo nunca colmado.

Jim jarmusch

Junto con Jean-Luc Godard, Rivette es considerado uno de los directores más influyentes de la "nouvelle vague".áSe inicia en el mundo del cine escribiendo para revistas especializadas comoá"Cahiers du Cinéma".áFerviente admirador de cineastas como Jean Renoir, Howard Hawks y Roberto Rossellini, sus artículos son fundamentales para comprender nociones como la de puesta en escena y la de modernidad. Como cineasta, sus películas proponen una mezcla de géneros y experimentan con la duración y con la improvisación. La singularidad de su obra se evidencia por ejemplo en la creación de un universo habitado sobre todo por personajes femeninos, algo inusual en un movimiento como el de la "nouvelle vague". Entre sus películas más notorias podemos señalar: "Paris nous appartient"á(1961), "L'amour fou"á(1968),á"Céline et Julie vont en bateau"á(1974),á"Le Pont du Nord" (1981) yá"La bella mentirosa"á(1991).

Jacques rivette

La escuela de cine de Madrid es la pieza que faltaba para completar el puzle del cine español de la segunda mitad del siglo pasado. Entre 1947 y 1976 se ruedan en las instalaciones del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), primero, y en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), después, centenares de cortometrajes y mediometrajes que llevan la firma de quienes poco tiempo después, cuando abandonen las aulas, se encargarán de poner en pie algunas de las filmografías más sugerentes de la historia del cine español. Al no estar (salvo excepciones) sujetas a la censura franquista, las prácticas que Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Carlos Saura, Manuel Summers, Basilio Martín Patino, Francisco Regueiro, Mario Camus, Víctor Erice, Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Iván Zulueta, Manuel Gutiérrez Aragón o Imanol Uribe (por poner solo unos cuantos ejemplos) ruedan en el IIEC-EOC matizan y, por lo tanto, enriquecen la imagen del país y de sus gentes que se desprendía del cine profesional de la época. En este libro se analizan en detalle las prácticas más relevantes y, sobre todo, se intenta determinar en qué medida dichos trabajos de formación modifican o completan la idea que teníamos hasta ahora del cine español del periodo.

Ediciones Catedra S.a.

Escuela de cineastas

El estreno de La noche de los muertos vivientes en 1968 convirtió a George A. Romero en uno de los directores más admirados de su generación. Sin embargo, la obra del realizador, considerado el padre del cine de zombis, no se reduce a un largometraje ni se limita a un subgénero. Sus películas son estudios de su tiempo y su filmografía constituye una radiografía política de los últimos decenios, una reflexión sobre las estructuras sociales y económicas que atrapan a sus personajes. Obras maestras como Martin o Dawn of the Dead han hecho a Romero acreedor del reconocimiento de la crítica francesa y anglosajona, pero en el mundo de habla hispana sigue siendo un cineasta mal conocido. Este libro es el primero escrito en nuestra lengua que ofrece un análisis completo de su filmografía y desglosa las claves temáticas y estéticas de un cine tan insólito como personal.

Akal

George a. Romero

Este libro nos asoma al abismo de una obra de arte que jamás dejará de acompañarnos.  Pocas películas han generado tanta literatura como Vértigo: poseedora de una belleza intoxicante, la obra cumbre de Alfred Hitchcock ha cautivado a sucesivas generaciones de espectadores y se mantiene como una obra abierta a nuevas interpretaciones. En Ficción fatal, Manuel Arias Maldonado renueva el debate sobre el film, para el que reivindica una posición paradójica entre la atemporalidad universal y la contemporaneidad intempestiva. Este brillante ensayo subraya la profunda ambigüedad de sus protagonistas y defiende que nada de lo que vemos en pantalla -fetichismo, voyeurismo, amour fou- puede entenderse sin reparar en las ficciones que mueven a los personajes: del amor romántico al psicoanálisis, la imagen de clase o el pasado colonial de San Francisco. El autor discute las acusaciones de misoginia que se han elevado contra Hitchcock y la película, rastrea sus fuentes literarias y cinematográficas, evalúa su posición en la historia del medio -¿apoteosis del cine clásico o comienzo del cine moderno?- y repasa la contribución de quienes ayudaron al auteur británico a completar su proyecto más personal. Vértigo enseña que mirar y ver son cosas distintas; Ficción fatal invita a reconsiderar una obra de arte que ha sido malinterpretada con frecuencia y sobre la que nunca se acaba de decir la última palabra.Sobre el autor y su obra anterior se ha dicho:«Leer a Arias Maldonado siempre nos ayuda a entender cómo está cambiando el mundo».Daniel Gascón, Letras Libres «Arias Maldonado no es un politólogo sino un filósofo político. La diferencia entre ambos oficios es la misma que separa al interiorista del arquitecto. Arias es un académico cuya kantiana ambición es toda la que quepa en la consideración científica de la política. Su trabajo trasciende el corral patrio para dialogar con homólogos extranjeros sobre desafíos estructurales de la democracia occidental».Jorge Bustos, El Cultural

Taurus

Taurus Artes

Ficcion fatal. Ensayo sobre vertigo

Michael Cimino es un cineasta de genio, uno de los más brillantes y radicales directores de la historia del cine. También uno de los más incomprendidos y vilipendiados por la crítica institucional. Su mundo es delicado y duro al mismo tiempo, inocente y bárbaro, tierno y brutal, y de ese desequilibrio no desiste. Basta con ver a sus personajes y la puesta en escena para percatarse del omnipresenteá " tour de force " que atraviesa su filmografía:álo que Bataille denominaba " violencia " .á Elápolvo que fulgura y nubla la vista (la visión del espectador) en sus películas es una de las formas de la materia más queridas por el director, y el fracaso, más que un avatar biográfico, es el principio formal que mantiene su cine siempre en tensión y lo que hará que perdure.

Michael cimino

Durante estas últimas décadas, los estudios críticos sobre el cineasta Luis Buñuel (1900-1983) han dependido de un número limitado de fuentes primariasá-sus memorias y libros de conversaciones-áque, con mejor o peor suerte, han marcado el estado actual de nuestro conocimiento sobre su obra. Frente a dicha tendencia,á " Correspondencia escogida " ofrece una nueva fuente de información original al presentar casi un millar de cartas escritas y recibidas por Buñuel a lo largo de su extensa trayectoria profesional. Jo Evans y Breixo Viejo no solo han compilado, debidamente anotadas, las cartas del cineasta que hasta ahora se habían publicado de forma dispersa, sino que han seleccionado además cientos de misivas inéditas, procedentes de archivos públicos y privados en España, Francia, Italia, Inglaterra, México y Estados Unidos. A través de su epistolario, la figura de Buñuel reaparece aquí con voz propia y bajo una nueva perspectivaáque se aleja por igual de anécdotas estereotipadas yáfalsas mitomanías. El cineasta se presenta como protagonista principaládel cine poético y transgresor de su tiempo, desdeá " Un perro andaluz " á(1929)áhastaá " Ese oscuro objeto del deseo " á(1977), a través de geografías y sistemas de producción muy diversos. Pero este Buñuel epistolar es, además, interlocutor privilegiado de un grupo de creadoresá-directores ,áproductores, actores, guionistas-ácon los que intercambia esenciales reflexiones sobre el arte cinematográfico: es dichoácarácter polifónico deá " Correspondencia escogida " áel que, paradójicamente, desafíaáel enfoque individualista al que nos tiene acostumbrados la teoría del autor.

Correspondencia escogida

* Un maravilloso viaje por los espacios más secretos e íntimos de la creatividad de Federico Fellini, en una cosmografía personal donde se entrecruzan recorridos emocionales, sentimentales, culturales, eróticos y afectivos, geográficos, arquitectónicos, de memoria, imaginación e incluso fantasmagóricos.* Una obra imprescindible para entender la obra del cineasta que reproduce todos los facsímiles de sus cuadernos en los que anotaba sus visiones nocturnas al despertar. * Incluye la transcripción de sus sueños, así como las aportaciones y reflexiones de especialistas y amigos de Fellini.Un compendio para sumergirse en un imaginario intemporal pero que pertenece por completo a un hombre moderno, cuya personalidad con numerosas estratificaciones, es mucho más profunda que la imagen superficial del dibujante satírico provinciano que él prefería ofrecer de sí mismo.Un Libro de mis sueños que es también un "Libro de sus películas", al igual que sus películas definen, a la inversa, una suerte de "Cine de sus sueños".

Tapa dura

Blume (Naturart)

Blume

Federico fellini

Rebelde y polémico, apasionado revolucionario, sin miedo ni tapujos, Pasolini destaca en el siglo xx europeo por su conciencia crítica y una aguda inteligencia lírica. Pensador contra el mundo burgués que le tocó en suerte (enfrentado tanto al Partido Comunista Italiano ?al que nunca renunció? como a la ortodoxia gris del universo católico italiano de posguerra), su figura se alza, majestuosa, igual que este libro de viajes, en un mundo ?el actual? presidido por la indiferencia. La lectura de El olor de la India debería servir como invitación a acercarse, de nuevo, a la obra de este cattivo maestro, para disfrutar con sus películas, para sumergirse en su poesía. Es, además, por sí mismo un libro fascinante. En él, la indagación antropológica y ética convive con la pasión por lo desconocido: por un lado, la belleza de los templos de Benarés, las noches de Bombay, las orillas del Ganges, todo el encanto de una tierra ajena e incomprensible; por el otro, el horror de la existencia que allí se lleva, y que para Pasolini «tiene los caracteres de la insoportabilidad».

Ediciones Península

Península

El olor de la india

Revisada y actualizada esta 3ª edición incluye nuevas películas y clasificaciones temáticas así como una revisión de las filmografías recomendadas. ¿Cambió Chinatown las reglas del género negro? ¿Qué significó para el cine la estructura episódica de Pulp Fiction? ¿Cómo afecta en Rashomon sus múltiples puntos de vista a la realidad? Este libro responde a un sinfín de preguntas en torno al cine, pasando revista a las mejores películas que ha dado el séptimo arte a lo largo de los últimos cien años. Con un lenguaje claro, carteles de época, fotogramas de filmes emblemáticos y originales infografías la nueva edición actualizada de El libro del cine explora los personajes, las tramas y los temas de más de cien películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla. Tanto el devorador de cine como el cinéfilo ocasional hallarán en este libro una nueva perspectiva de sus títulos preferidos y descubrirán tesoros cinematográficos que no querrán perderse.

Ediciones Akal

El libro del cine

Nanni Moretti (1953) es una de las figuras más complejas e inclasificables del cine italiano contemporáneo. Su producción está a medio camino entre las herencias de la modernidad, el documental político, el melodrama clásico y el cine-ensayo más personal. Este estudio pretende, por lo tanto, seguir el movimiento de su filmografía, sus dudas, sus conquistas, sus apuestas y la manera en la que ha explorado los límites de su propia escritura. Se trata, pues, de prescindir de las anécdotas para explorar sus estructuras, sus encuadres o su uso del montaje. Más allá de los debates sobre su biografía o sobre sus particulares obsesiones, este es un libro que se centra en su concepción del hecho cinematográfico para intentar demostrar que, contra los tópicos que se han repetido incansablemente en los últimos años, el cine de Nanni Moretti nada tiene que ver con la exhibición narcisista de un creador desmesurado. Antes bien, la suya es una búsqueda cinematográfica vertebrada por un profundo humanismo y un indudable sentido de la responsabilidad alrededor de las representaciones audiovisuales de la muerte, el legado familiar y la dificultad de habitar en el mundo.

Nanni moretti

Con un ritmo de lectura trepidante ùdigno de las mejores novelas de acción y haciendo honor al protagonista de estas páginasù, Simón Peña Fernández nos ofrece en El reportero Billie Wilder una semblanza de los comienzos de este gran cineasta como reportero de a pie por las calles de Viena y de Berlín, retratando las prácticas de ese periodismo «canalla» que años más tarde plasmaría en dos de sus mejores creaciones cinematográficas: El Gran Carnaval y Primera Plana. El autor nos sumerge en la época dorada del periodismo estadounidense y nos desvela cómo la imagen fílmica que Wilder construyó sobre la prensa de los años veinte y treinta, bebía de las experiencias vividas en carne propia en sus años de juventud en Europa ùallí era Billie, y no Billy. Sus películas y su trayectoria personal nos transmiten una imagen certera de las íntimas relaciones establecidas entre el periodismo y el poder político de la época, hilvanadas como una mutua dependencia, donde poco importan las bajezas en las que caigan los medios y la precariedad en la que vivan los periodistas si su pluma tiene la capacidad de desenmascarar la corrupción y castigar a los culpables.

Comunicación Social Ediciones Y Publicaciones

El reportero billie wilder. El retrato ácido y nostálgico del periodismo en el gran carnaval y primera plana

Si solo pudieras ver una película al año, ¿cuál sería?«En estas páginas se deleitarán con la limpieza, elegancia y claridad de su prosa y con la profundidad de sus conocimientos de la historia del cine.»áDel prólogo de PEDRO VALLÍNá«Alejandro G. Calvo tiene el don de hablar de las películas con una mezcla admirable y dificilísima de erudición, emoción y compromiso con el cine.»áDESIRÉE DE FEZ«Una muestra más del fecundo y profundo amor de Alejandro por el cine.»áGREGORIO BELINCHÓNA lo largo de la vida, las personas disfrutamos, de media, de más de cinco mil películas. Nos emocionamos con historias y personajes que hacen un clic en nuestro interior que no sabemos explicar. ¿Y si alguien pudiera ayudarnos a entender por qué el cine se ha vuelto imprescindible para el ser humano?En Una película para cada año de tu vida, el periodista y crítico de SensaCine Alejandro G. Calvo se convierte en nuestro guía particular y nos recomienda qué películas ver según el momento vital en el que nos encontramos. Con un estilo que combina erudición y relato personal, Calvo explora el hilo que conecta a Steven Spielberg con nuestros sueños, a David Lynch con nuestras pesadillas y a Jean-Luc Godard con nuestro gran amor, y nos demuestra que siempre hay una historia en pantalla dispuesta a ofrecernos una lección de vida.

Booket

Una pelicula para cada año de tu vida

España

Agnès Varda (1928-2019) fue considerada en vida una de las mejores y más influyentes directoras de cine del siglo xx. Precursora de la nouvelle vague francesa, su producción cinematográfica es extensísima y de gran valor. Aun así, su legado se está desdibujando con el paso del tiempo. Buena parte de las nuevas generaciones de cinéfilos la desconocen. Normalmente, si acceden a alguna de sus obras, suele ser a los documentales. Ese extremo no tiene nada de malo, pero obvia el grueso de su trabajo ficcional. Este ensayo pretende reflexionar sobre sus menos conocidos filmes de ficción, pero sin abandonar el ámbito documental. Varda fue pionera en atravesar esa barrera difusa entre ambos modos de narrar. Dentro de su obra, indistintamente de géneros o mixturas, aparecen temas que la configuran como una autora universal, pertinente y de actualidad. El papel de la mujer en la sociedad, con referencias explícitas a un feminismo renovador, así como a su derecho a decidir sobre su cuerpo y sexualidad, la libertad del ser humano o lo absurdo de ciertas instituciones sociales son algunos de ellos. Asimismo, destila críticas al consumismo, cariño por los personajes marginales y destellos de memoria convertida en espejo. Popularizar a Varda, valorada hoy solo por un reducto de fieles entusiastas, es algo necesario por la potencia latente en su filmografía. Revisitar sus piezas y dotarlas de un sentido nuevo anhela reparar cierta invisibilización artística, a todas luces injusta, y profundizar en la realidad del arte de nuestro tiempo.

Silex Ediciones, S.l.

Ediciones Sílex

Mujeres que conducen

Tras popularizarse gracias a protagonizar tres brillantes e innovadores «westerns» de Sergio Leone, Clint Eastwood decidió hacer su propio cine, aunando facetas (productor, actor y director, primero; músico, después). Desde entonces, su filmografía significa una estimulante anomalía en el Hollywood de los cuatro últimos decenios, puesto que, cultivando la producción de género, Eastwood se ha revelado un autor pleno, cuya obra brinda un purísimo discurso en primera persona, rico y progresivamente sustancioso, magnificado por una trayectoria extensa y su extraordinario carisma estelar. Carlos Aguilar, premiado historiador cinematográfico y novelista, aborda en el presente volumen el singular caso de Clint Eastwood, mediante un ensayo que reúne la crónica histórico-biográfica y la valoración cinéfila.

Clint eastwood

Considerado uno de los grandes cineastas del expresionismo alemán, Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) desarrolló su carrera inicialmente en su país natal y, posteriormente, en Hollywood. Aunque gran parte de su filmografía ha desaparecido, sin embargo, las películas que han sobrevivido o que hoy han sido recuperadas nos ofrecen auténticas obras maestras desconocidas para el gran público como "La tierra en llamas" (1922) o "Phantom" (1922). Entre sus obras lamentablemente perdidas destaca su película "Los cuatro diablos" (1928), a la que dedicaremos un análisis especial en este libro. Autor asimismo de películas tan conocidas como "Nosferatu, una sinfonía del horror" (1922), filme mítico y prototipo del cine de vampiros; de "El último" (1924), largometraje intimista y social de ribetes expresionistas, y de "Amanecer" (1927), fábula moral que anticipa el "film noir". Fallecido prematuramente en un accidente de coche en Estados Unidos, en los albores del cine sonoro, las películas de Murnau siguen siendo un referente fundamental dentro de la historia del cine mundial.

Ediciones Catedra

Friedrich wilhelm murnau

Paolo Sorrentino (1970) es autor de una de las obras más interesantes del panorama cinematográfico contemporáneo, repleta de imágenes y secuencias de extraordinaria potencia estética que no se quedan en la mera belleza, sino que dialogan con otras manifestaciones artísticas y campos del saber, estableciendo, al mismo tiempo, una continua reflexión sobre los temas de actualidad, sin dejar de repensar el pasado y cómo este afecta al devenir de sus personajes. En las tres décadas que lleva vinculado al séptimo arte ha conseguido crear un entramado fílmico híbrido de gran originalidad, que supone una conversación y una actualización constante del discurso de sus maestros, pero sacando a relucir una voz propia, de inusitada singularidad. En este libro se realiza un estudio pormenorizado de toda su filmografía, introduciendo el bisturí en sus imágenes para analizar los rasgos que conforman su estilo y su particular universo creativo.

Paolo sorrentino

Si estas memorias resultan singu¡lares es porque las escritas por directores de cine escasean en todo el mundo. Pero también son peculiares porque Alfonso Ungría lo es dentro de su oficio. Un autor cuya obra muchos celebran como "coherente", quizá porque ha conservado siempre la libertad artística fren¡te a las habituales normas comer¡ciales. Son además un claro testimonio, que el autor relata como protagonista y como testigo, de dos etapas significativas: el franquismo y la larga Transición, mostrando las sucesivas transformaciones del cine español, su financiación, el papel de sus productores y de las "majors" USA, las leyes ministeriales, los festivales, TVE, etc. Unos cambios vividos a través de una fil¡mografía construida tras muchas batallas y fracasos. Y es que, a me¡nudo, las pe¡ripecias para conseguir hacer un film o salvarlo de re¡cortes o censura son el relato de una aventura, repleta de suspense e incidentes, que nos fascina a todos (seamos cineastas o espectadores).

Memorias del cine en la transicion

En la historia del cine encontramos una larga lista de realizadores europeos que encontraron su éxito en Hollywood. Sin embargo, pocos casos hay tan llamativos como el de Paul Verhoeven. Desde sus primeras películas holandesas, Verhoeven se mostró como un cineasta comprometido con violentar la mirada del espectador, agredirla para hacerle consciente de la fragilidad de nuestra realidad. Su salto al cine estadounidense, lejos de suponer un adocenamiento, confirmó su fuerte personalidad como director, al tiempo que cosechaba enormes éxitos con títulos como &quot; RoboCop &quot; , &quot; Desafío total &quot; o &quot; Instinto básico &quot; . Películas nunca ajenas a la provocación y a un empeño por romper las reglas que acabaría costándole caro. Esta es la historia de un viaje de ida y vuelta de un autor salvaje e inconformista. Un francotirador que disparó desde las entrañas mismas del &quot; blockbuster &quot; . Un holandés errante recordándonos la importancia de cuestionar cualquier certeza.

Paul verhoeven

Tod Browning es uno de los grandes cineastas de principios del siglo XX. Aunque a menudo se le ha querido etiquetar, e infravalorar por ciertos círculos cinéfilos, como director de cine de terror, una mirada atenta a sus películas demuestra que no se limita a manejar con soltura los elementos artesanales afines al género, sino que hay en él una profunda preocupación humana, una visión existencialista casi siempre desgarradora. Aun¡que perdida en buena parte, la filmografía de Brown¡ing ofrece claves suficientes para dilucidar sus intenciones como creador. Con una biografía rica en vivencias extravagantes, Tod Browning sigue siendo hoy un hombre enigmático. Su obra, pesimista, repleta de seres deformes (física y mentalmente), atormentados y solitarios, cargada de dolor y rabia, se revela como una de las más personales, auténticas e irrepetibles de las que haya dado nunca el cine norteamericano.

Richard fleischer (2023)

Roman polanski (2018)

El cuerpo erótico de la actriz bajo los fascismos (2018)

Agnes varda (2025)

Jim jarmusch (2014)

Jacques rivette (2024)

Escuela de cineastas (2024)

George a. Romero (2013)

Ficcion fatal. Ensayo sobre vertigo (2024)

Michael cimino (2018)

Correspondencia escogida (2018)

Federico fellini (2022)

El olor de la india (2017)

El libro del cine (2022)

Nanni moretti (2018)

El reportero billie wilder. El retrato ácido y nostálgico del periodismo en el gran carnaval y primera plana (2014)

Una pelicula para cada año de tu vida (2024)

Mujeres que conducen (2024)

Clint eastwood (2009)

Friedrich wilhelm murnau (2022)

Paolo sorrentino (2022)

Memorias del cine en la transicion (2023)

Paul verhoeven (2016)

Tod browning (2011)