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?No es ningún secreto que una conciencia puede a veces ser una plaga...? canta Bono en ?The fly?, tema estrella del álbum Achtung Baby (1991) con el que U2 reinventó su sonido para la década del final de siglo, sumergiéndose en registros más electrónicos y psicoactivos. Con esos versos podemos resumir parte del ambiente de este poemario con estructura narrativa que describe los efectos de una plaga de tábanos asesinos que asolan el mundo.La plasticidad fílmica de la obra (de película de serie B) recurre a imágenes cotidianas, que a veces llegan a lo gore, a lo delirante y a lo absurdo, donde una variedad de personajes anónimos se encuentran con la plaga sin saber muy bien cómo reaccionar. Lo interesante de La plaga es la envoltura poética de una historia con acento apocalíptico que aborda líricamente el concepto de ?mente postmoderna?. En palabras de Juan Antonio Bernier: ?seguramente se trata de un tema sobre el que el autor ha reflexionado al margen de los versos, pero es en cada poema, y en la estructuración de un libro tan precisamente trabado, donde adquiere una formulación artística iluminadora.?La Plaga en imágenes, profusamente ilustrada con la gráfica urbana próxima al cómic adulto de Manes Sánchez, constituye la quinta reedición de este libro 21 años después de su primera edición como Accésit del Premio Nacional de Poesía ?Rosalía de Castro?.

La plaga

A través de deconstrucción y mitología, Juan José Ruiz Bellido ofrece con su "Seno" un libro intrigante que se sumerge en la esencia órfica de la poesía con un tema absolutamente contemporáneo: la crisis cultural que rodea al fenómeno de la crianza, la lectura feminista de este hecho y el papel que la masculinidad. Con una ingeniosa metaliteratura no exenta de juegos visuales y tipográficos, el autor desarrolla varias capas creativas y transforma su propia experiencia vital acerca del proceso de la gestación de su hijo en una reflexión estética brutal que desromantiza el hecho de la crianza y, al mismo tiempo, se desdobla en dos personajes presentes en todo el poemario (futuro hijo y madre) con una resuelta y sorprendente solvencia literaria que supera tanto en lo poético como en lo político cualquier pretensión de complacencia y convencionalidad.

Seno

Con La infección de los días, el autor culmina una trilogía comenzada hace una década con su segundo libro, Cuadernos de Lisboa (2011), y continuada con Las nubes transitorias (2015). Aunque estos títulos parezcan alejarse de la porosa mitología generacional desplegada en las «rapsodias yanquis» de Amanecer en Pensilvania (2014 [2001]) ?su primer libro?, no dejan de mantener una preocupación existencialista y social ya presentes entonces. De hecho, en sus últimos libros se consolida una voz lírica tan personal como ecléctica para conciliar en su propuesta poética la visión de un sujeto social con su conciencia íntima. En definitiva, podemos afirmar, con palabras de Luis Bagué Quílez, que nos encontramos ante una voz poética «de insobornable autenticidad; un redoble de conciencia en una época en la que abundan los decorados de cartón piedra y los golpes de pecho [?]»La infección de los días es un evidente modelo de lirismo ante la realidad de la era pandémica. La ambivalencia del título responde, como es natural en poesía, a una plurisignificación, la que ofrece el término infección para aludir a los distintos niveles de realidades referenciadas: desde la inmersión en una pandemia sanitaria mundial o la crítica angustiada ante un escenario geopolítico enfermo, hasta la «infección» metafórica que supone la crisis sentimental de una separación. Todos estos niveles se conjugan sin estridencias en el marco internauta de nuestra era global y digital por donde, sin duda, navegan poderosamente los poemas de este impactante libro.

La infección de los días

Rodrigo García Marina repliega el plano de cada página como un virtuoso de la papiroflexia semiótica para hacer de cada concepto una cosa nueva, con un significado nuevo, desplomando el peso de la semántica y del propio lenguaje. Con cada poema va perfilando un desconcertante sentido de desamparo, orfandad y extranjería donde el deseo se convierte en una categoría de sentido. Este deseo no es ni una pulsión consumista ni una «nostalgia de absoluto» en los términos de George Steiner. Es una escritura. Todo empieza con un asesinato: «Yo lo asesiné. En carne viva hice quemar el yeso. Escupí en su boca todos los insultos. Era un hijo de la gran puta. Un animal desquiciado. Era la sangre de mi sangre. Mi marido deshecho. Mi madre recién parida con su tripa de cerda degollada. Su herida olía a naranjo...»Rodrigo García Marina viene a decirnos con la lírica de un nuevo Zaratustra: «¡El yo ha muerto!» ¿Cuál será ahora nuestra casa?

Desear la casa

Línea-imagen se cimenta sobre un uso del singular que refiere a dos. Quien mira y quien es mirado. Quien se encuentra entre las flores y quien deja al otro frente a ?los muros vacíos?. El primero es aquel que crea el espacio, dispone los objetos y construye la ficción. El segundo, sin voz, es toda la construcción de aquello que se ve y que se disfruta, por su belleza, su juventud y por su dulzura. El icono, el efebo, la fuente de la que mana el agua viva, se desarrollan en un juego equilibrista en los versos del poeta. En Guillermo Martín Bermejo se observa que la voz nunca es suficiente. Tan solo la voz nombra, pero solo en lo nombrado se conserva el lugar de la belleza y también la cripta de lo indescifrable. La ficción es el lugar donde se puede disponer de lo breve y lo carente que supone no tener la totalidad. Su poesía de una lograda sencillez e inteligencia plantea constantemente el proceso de poder que se instaura cuando se ve al otro y ese otro permite el asombro.El sujeto poético corta flores para rellenar cada jarrón que, en un punto determinado de la línea-imagen, fueron amados por aquel a quien se ama sin mesura. En la medida en la que la nueva vida ocupa el pasado, surge el desplazamiento poético que sugiere Martín Bermejo. Caen aquellos muros sobre los que escribe. Como si cada prohibición pudiera ser superada con el trazo del recuerdo que instaura un presente conjunto y grávido de palabra, pero de una dolorosa ausencia. La ausencia de la edad, de la ruptura o el malentendido entre las personas dadas a la azarosa compañía del entendimiento mutuo, caminan y se expresan con habilidad en cada paso que damos cada vez que avanzamos de la mano del artista.Os invito a contemplar una imagen del libro: un jardín que espera, mientras el cielo se apaga. Allí donde todo crece gracias a la luz, enfrentado al mundo del ocaso. Dar un nombre para, en la medida en la que algo acaba, tener un clavo ardiente, una mano que se salva del naufragio y que se iza sobre sí misma con tal de retorcer la línea del tiempo. Guillermo Martín Bermejo, a través de unas imágenes profundamente logradas que nos advierten de su trabajo pictórico y el carácter figurativo del lenguaje, nos conduce a un proceso de memoria, un mirlo cantor que avisa sobre aquello en lo que el poeta repara.Cuando leemos a Martín Bermejo, leemos a alguien que, en sus propias palabras, no quiere conocerse del todo. Pues sabe que en el misterio está el fruto de su fuerza y el embalse de aquello que no fenece. Leer a Guillermo como imperativo para no morir nunca. Su palabra como la insuficiencia de aquello que no puede decir lo absoluto, pero que aspira a la totalidad de lo dicho.

Linea imagen

Con 'Todas mis muertes', Marcelo Schnock recupera la dimensión sagrada de la poesía y su sentido órfico e iluminativo. Cada poema es una invitación a la interioridad y a la relación con el misterio de Dios.Partiendo de una obra dividida en dos partes bien diferenciadas y que podrían funcionar como dos libros independientes, 'Todas mis muertes' es un canto a la unidad desde la dualidad de la existencia: la vida y la muerte, el movimiento y la quietud, la vibración y el silencio, el cuerpo y el espíritu... un diálogo inspirador con todos los que habitan nuestro nombre, nuestra identidad y nuestra historia. Reencarnación, meditación, danza sagrada, mística, fervor y Cabalá definen las líneas creativas de esta obra con la que Schnock desarrolla un discurso poético profundo y de enorme belleza.En palabras del filósofo Mario Sabán: ?El alma de Schnock nos interpela a martillazos amorosos sobre el camino que estamos transitando y del vacío que vamos expandiendo sin cesar.?

Todas mis muertes

Hace muy poco que José Manuel Caballero Bonald resolvió aleccionar a los rebeldes en Manual de infractores, y bastante más desde que Gerardo Diego arbitró las estaciones con rimas creacionistas en su Manual de espumas... ¡Si hasta el patafísico Perec se atrevió a imponer a la vida unas Instrucciones de uso! A alguno le va a parecer la broma excesiva, como si la literatura buscara para sí la rigurosa autoridad del saber empirista, y se equivocará en su juicio, desde luego. Como bien sabe Antonio José Mialdea, y estos versos suyos demuestran con creces, los poetas tienen todo el derecho a explicar una vez más ?o mejor todavía: de una vez por todas? cómo es la lluvia y por qué nos gusta oírla caer sobre nuestro corazón, y hacerlo dando a sus palabras el valor de un decreto. Es un privilegio antiguo: como escribió Shelley en su Defensa de la poesía, ellos serán para siempre, aunque en secreto, los legisladores auténticos del mundo. (Pere Ballart)

Manual de lluvia con manual de sol

El 8 de octubre de 2004, un accidente de tráfico en una tarde lluviosa puso fin a la vida de uno de los poetas más lúcidos y profundos de la literatura española reciente. Andrés Mirón consolidó durante la segunda mitad del siglo XX una voz única y singular en la estela de otros poetas como Valente, Juan Gil-Albert, Ramón Gaya o Eduardo Cirlot. En su obra consiguió destilar una plasticidad en el manejo de las lírica donde alternaba su introspección pensadora, la serenidad y el lujo verbal, creando una poesía rica en imágenes y emociones. Entre sus temas recurrentes se encuentran la memoria, la melancolía, la nostalgia y la naturaleza. Su estilo combina la elegancia del discurso con una voluntad de estilo que recurre a vocablos brillantes y recónditos, a veces incluso inventados. Alejado siempre de los clanes poéticos que protagonizaron medios, editoriales dominantes y círculos de poder que dibujaron un panorama prosaico, estrecho y reducido en las últimas décadas del siglo pasado, Mirón dejó una huella profunda en la poesía española de nuestro tiempo tras su repentina muerte, legándonos una obra que a pesar de la honestidad política del poeta y su desdén hacia el relumbrón y la fama logró premios nacionales e internacionales. Su obra ha sido traducida al inglés, portugués, francés, italiano y alemán, y ha sido objeto de estudios y tesis doctorales. Además, fue nombrado miembro honorífico del Departamento de Literatura de la Universidad Lincoln de Nebraska (EE. UU.) El propio Jorge Guillén afirmó de él: ôNunca he conocido a un poeta en vidacon tan grandes aciertos.ö

Cuando ya nada importa

El libro "Leves certezas", de Victoria López Mata, es un homenaje a la memoria. López Mata nos revela su universo particular, que es también el de todos aquellos que han experimentado la vida en el campo, aunque haya sido en un periodo pasajero. La juventud de la autora contrasta con la profunda madurez de su poética, que reclama una voz lírica propia. La autora trasciende su obra para adentrarse en la vida y las emociones del lector, quien se verá seducido por sus usos del lenguaje, profundamente íntimos, que exploran el Ser, la familia, la vida, el deseo, el amor... Su obra refleja una nueva intimidad que logra conectar con las emociones del lector, quien se convierte en el protagonista de todo el drama del discurso. Con influencias claramente marcadas en sus versos, como las de Octavio Paz, Begoña M. Rueda, Machado, Josep M. Rodríguez, Heidegger y Anne Sexton, entre otros, López se posiciona en la poesía contemporánea con una óptica que revisita lo femenino dándole un nuevo lugar, con un sentido culto y maduro. Con este libro, la autora demuestra que es más que capaz de sintetizar lo tradicional con la innovación, consiguiendo un conjunto muy personal entre pasado y presente. Con "Leves certezas", Victoria López Mata se une a una nueva generación de poetas jóvenes profundamente conectados con la tradición literaria y que aportan una voz renovada y necesaria en el ámbito poético contemporáneo.

Leves certezas

"Hojas de acanto y rosas", obra ganadora del II Premio de poesía Pablo García Baena, invita al lector a sumergirse en la contemplación de la naturaleza y la condición humana desde una perspectiva que desafía la estética postmoderna. Bravo demuestra una vez más su enorme personalidad literaria en el que vendría a ser el exponente más destacado del nuevo romanticismo. Con una escritura empapada de nostalgia, el autor reflexiona sobre la fugacidad del tiempo y la permanencia de la naturaleza, el diálogo entre la tradición poética y la voz contemporánea y la conexión humana con el sentimiento del amor. Además de todo ello, "Hojas de acanto y rosas" es también una interesante reflexión sobre el acto mismo de escribir poesía. El libro se divide en dos partes: una serie de poemas que exploran las profundidades de la melancolía en paisajes evocadores, y otra que celebra la vida y la belleza perenne que reside en la autoconciencia de la soledad. Escrito con un poderoso culturalismo que conjuga ingeniosamente el oficio poético con un extremo sentido de la belleza y del hedonismo, Bravo ratifica su condición de poeta imprescindible en el panorama literario actual de nuestro país.

Hojas de acanto y rosas

Este libro de poemas del veterano de Vietnam Bruce Weigl ofrece "un punzante recuerdo de la guerra que se niega a ser olvidado" (San Francisco Chronicle). "Song of Napalm es más que una colección de poemas bellamente elaborados, desgarradores y a menudo muy divertidos. Es una narración, la historia del descenso a los infiernos de un inocente americano y su atroz regreso a la vida en la superficie. Weigl puede haber escrito la mejor obra hasta la fecha sobre la guerra de Vietnam, y por el camino una docena de poemas verdaderamente memorables." -Russell Banks "Song of Napalm es uno de los mejores libros de cualquier género sobre la guerra -y sobre la resistencia humana". -The Kansas City Star "Weigl es fiel testigo de la realidad de la guerra, y su obra ocupa un lugar junto a la poesía bélica más sólida de este siglo." -The Hudson Review "La lectura de estos poemas me produce una sensación cercana al asombro por la resistencia del cuerpo y el corazón humanos. Sólo puedo comparar Song of Napalm con la extraordinaria poesía de Wilfred Owen y Robert Graves. Aprecio la poesía de Bruce Weigl como un gran regalo". -Larry Heinemann

Cancion de napalm

Este volumen recoge la mejor poesía social y política de uno de los poetas más relevantes de la poesía española contemporánea: Manuel Ruiz-Amezcua. En esta antología, el autor retrata con la singularidad de su voz el sufrimiento humano, la memoria de los marginados y la lucha incansable por la dignidad. Desde el dolor íntimo por la pérdida de la madre hasta el clamor colectivo por las víctimas de la historia de Auschwitz a Gaza, cada poema es un grito de resistencia y una búsqueda de verdad en un mundo marcado por la mentira y la traición. Con una voz que oscila entre la ternura y la rabia, entre la elegía y la denuncia, "El rostro de los vencidos" dialoga con grandes como Lorca, Machado y Hernández, mientras confronta las heridas de la España profunda y los horrores universales. Esta obra canta a los derrotados y los redime, invitando al lector a mirar de frente la oscuridad y a encontrar en la poesía un refugio para la esperanza. Perfecta para amantes de la poesía comprometida, este libro es un testimonio poderoso de la capacidad de las palabras para desafiar el silencio y transformar el dolor en un canto que conmueve y transforma.

El rostro de los vencidos

La obra de Eugène Guillevic debe situarse junto a la de otros gigantes de la poesía francesa de la segunda mitad del siglo XX como Francis Ponge, René Char, Jean Follain o Yves Bonnefoy. Como en cualquier verdadero poeta, sus elecciones estilísticas, en absoluto casuales, implican una suerte de posicionamiento moral y establecen un método ético, inteligentemente pudoroso de exploración de la vida. Guillevic parece lejos del terror de quien camina forse un mattino in un'area di vetro con la nada a sus espaldas. Más bien su mundo se nos presenta colmado de cosas. Sin embargo, coincide con los poetas herméticos y los filósofos de su tiempo al señalar las dificultades de aprehensión de las mismas a través del lenguaje ya que, como él mismo nos dice: ?toda lengua / es extranjera?. El libro que nos ocupa, Del dominio (Du domaine) aparece en la prestigiosa casa Gallimard en 1977. En esta obra Guillevic presenta un territorio geográfico cuyas leyes naturales parecen levemente alteradas, produciendo la impresión de gobernarse a sí mismo. En el dominio, la naturaleza se erige en su propia soberana, tal vez dotada de una inteligencia que supera a la del observador. El poeta trata de acceder al conocimiento que encierra (y libera) este territorio sin nombre a través precisamente de los nombres. Nombrar, nombrar en diminutas series de versos de arte menor, redundantes y acumulativas, parece el método de composición, de exploración (y creación) del dominio.

Del dominio

Cuando el confesionario fue sustituido por la psicoterapia, esta última siguió conservando el carácter privado e íntimo del primero. El psicólogo pasó a ser una especie de sacerdote y la consulta en una búsqueda de absolución. En el siglo XXI tanto la incredulidad moderna como las antiguas necesidades de trascendencia persisten, pero las paredes del confesonario y del consultorio han sido derribadas y ahora todos pueden ver, compartir, comentar, viralizar y cancelar: es decir, la confesión se ha vuelto espectáculo tal y como los autos de fe del Renacimiento. En este texto los jueces inquisidores son los lectores, quienes podrán leer sobre las obsesiones adultas, traumas no superados, anhelos nunca cumplidos y deseos sin satisfacer de un poeta en crisis que busca unirse a la divinidad en sus distintas formas, aun cuando la salvación jamás llegue.

Auto sin fe

Revolución es un poemario de crisis y, por tanto, de cambios. Un libro de realismo radical porque García se vale de su intuición poética para llegar hasta la raíz de las cosas, desentrañando símbolos, referencias culturalistas y hallazgos visionarios mediante poemas largos y polifónicos, reforzados con versos contundentes. El poeta dialoga con su tiempo a través de un yo cercano a lo confesional, pero que trasciende lo anecdótico y, como si de un médium se tratase, deja hablar a otras voces, asimilando la experiencia ajena para comprenderla en su plenitud y, así, transmitirla con un tono personal inconfundible. Podemos decir que, en este poemario, José Daniel recupera la fe en la poesía como un canal sublime de conocimiento, pero también de comunicación.

Revolución

Este libro nos transporta al verano. Rafaela Hames diseña en treinta y seis poemas, con títulos de juegos clásicos de nuestra niñez, un oasis estival donde la canícula extrema se siente diluida. Con un lenguaje rebosante de frescura por ríos, arroyos, mares y lagos la lectura nos adentra en aromas de café o de hogueras; nos llena con sonidos de cigarras en trance o conciertos de grillos, todo sentido y armonizado desde la perspectiva de la niñez.Hay un doble juego en sus poemas, por un lado el del niño entregado al Veo Veo, La rayuela o La gallinita ciega y por otro el del pulso interior del verso recorriendo espacios cargados de luz. Las dos ficciones, juego y texto, confluyen en un videopoema inexistente. La autora conoce como Platón y Piaget la importancia del juego en los niños, y no quiere ser menos, por eso Y en el aire los veranos es una reminiscencia de aquellos juegos que nunca debimos olvidar. Rafaela nos lo recuerda para seguir en el juego de la vida o del agua.

Y en el aire los veranos

Este libro de poemas quedó finalista en el XXXVII Premio Mundial Fernando Rielo de Poesía Mística. El jurado hizo el siguiente comentario:La confianza de pertenecer a Dios proyecta al poeta a una celebración dinámica de la vida en versos luminosos de suave cadencia. ?Soy tuyo como el agua es de la nube / y vivo en Ti / ensamblado por la ternura y el amor. / ? / Por eso giro? / en esta elevada danza del pensamiento que ora?. La infinitud divina se vuelve abundancia para el alma, que se ve colmada y atraída por doquier: ?Me arrastras con el poder infinito de tu fuerza, me quieres tuyo, de tu esencia, / y oigo tu voz sigilosa y delicada / llamándome por todos los caminos de la Tierra?. Hay entonces en el poeta una iluminación que lo convoca y moviliza todo en su verbo que se tensa ?como una potente expansiva iluminación / cuyo origen es un volcán de amor / siempre ardiendo?. Sánchez Mayo se siente aupado en la alegría, y cuanto le rodea se vuelve vehículo para la manifestación de ese gozo en un magnífico ?Cuaderno azul de los salmos?.Una radiante eternidad nos acerca al mundo del espíritu, al mundo interior más ancestral y que todos los seres humanos llevamos dentro. El poeta nos entrega este libro en clave de exaltación, como un acto de agradecimiento y de dicha por el hecho de vivir, por estar vivos.

Una radiante eternidad

El libro que sucede entre las manos del lector antes ha sucedido como una lluvia lenta, horizontal, de estratos de existencia y de conciencia, en la mirada de su autor. Delicadeza, ternura, encanto y encantamiento se concitan en el estilo de Eduardo Chivite. La suya es una lírica sedimentada que convoca con voz contemporánea el timbre al que la materia antiguamente respondía, el hilo invisible en ambas direcciones que existe antes que el poema.Belleza, comunión, imaginación y una serena nostalgia del pasado y del futuro se suceden en este libro de pequeños grandes poemas.Bienvenido, Okaeri, bienvenido.

Okaeri

Si llega la hora de plasmar una apuesta, una estética que lleve un cierto sello personal, o al menos, que escape de la generalidad, es probable que podamos pensar en este poemario de Manuel Mata, con el que se alzó con el Premio de Poesía Irreconciliables. El tono prosaico -que en no pocas ocasiones domina el centro de la escena- a veces se dirige a crear ese punto de tensión que suele elevar el poema, sin precipitar el final, sino con equilibrio contenido. Fronteriza, la voz siempre cuenta algo, en verso, siempre pasa algo, se percibe entonces una motivación, no es la simple contemplación, lo estático, y ello crea un dinamismo cómplice que nos inocula el poema de forma vertiginosa. Solo diecisiete poemas para armar este libro, tal vez no parece mucho, pero mejor dejar lo esencial al desfile de versos intrascendentes.

Editorial Cántico

Toda hora.

?Un libro con olor de promesa y juventud?. Así define Luis Antonio de Villena este poemario desconcertante y bello en uno de los epílogos de esta publicación. Toda una declaración de intenciones donde Luis Bravo nos invita al posromanticismo que resuena con la mejor poesía de Alfred Tennyson o, más recientes, David Gascoyne o Dylan Thomas. Pero esta obra también es un homenaje a la editorial Trieste, que entre 1982 y 1986 aglutinó a poetas como Andrés Trapiello, Juan Manuel Bonet, Ángel Guache o Ángel Rupérez. `Triestino' está plagado de imágenes poderosas y cautivadoras, especialmente el poder de la naturaleza viva, sinestésica, capaz de recomponer el trazo del paisaje. Un ejercicio poético formidable en la elección de cada palabra, cada giro, el ritmo, la métrica, las descripciones y el juego simbolista que confieren panorama e intimidad a cada poema: la poesía como ?emoción recordada?, donde la ensoñación es más importante que la prosaica existencia. En Triestino tiene más cabida lo pasajero, la impresión fugitiva, el recuerdo que se deshace... ese lugar interior donde los elementos mínimos apuntan un pedazo de historia, un sentimiento, un misterio que señala a la atemporalidad de la escritura en un cuaderno de viajes.

Triestino

La construcción en continuo movimiento de nuestra mirada nos lleva de la mano a la coetánea construcción de la memoria. La relación entre el yo y el tiempo sólo puede formularse desde un estado atemporal, detenido, abrazando la quietud, donde nos recostamos para contemplar el horizonte de lo que no se puede expresar con el sentido que otorga tanto peso a las palabras. María Isabel Luque propone este 'encuentro con el tiempo'. Los juegos de la identidad y sus contradicciones quedan suspendidos en lo que María Zambrano vino a definir como 'razón poética'. Ahonda en las paradojas espaciotemporales de los múltiples planos de lo que somos y de cómo nos proyectamos en nuestra realidad. Se propone como una obra que trata sobre el tiempo, que reflexiona sobre él y lo convierte en un motivo de relación con la poesía.

El tiempo tras las horas

"Hombres con un diente de leche" se impuso ganador del IV Premio de Poesía Irreconciliables por tres vectores que lo recorren con una desahogada pretensión poética: la tradición, el género y el medio rural. Tres campos semánticos, estéticos y poéticos que ?en sus respectivos ámbitos? se yerguen como inquietudes predominantes de nuestro ?zeitgeist'; y precisamente sea la conciencia de ello lo que ha llevado a Luis Díaz a construir un discurso tan divergente y bien integrado en este libro de poemas con una voluntad radicalmente contemporánea. A esta lucidez crítica hay que sumar la plasticidad de su lenguaje, con el que logra extraer amplias posibilidades creativas a la relación entre la palabra y sus usos culturales.

Hombres con un diente de leche

La mujer okupada

Biografía del tiempo es un poemario escrito desde un intenso diálogo entre el eterno adolescente que pervive en la poesía de Rafael Álvarez Merlo y la presente madurez de su singular voz, que ha sido protagonista durante los años 70 y 80 del desafío marginal y heterodoxo al academicismo de los Novísimos y la complacencia estética que protagonizaban los medios dominantes. Con este libro, Rafael Álvarez Merlo hace patente la vigencia de su actitud vital ?tal vez más necesaria que nunca? y el valor de su poesía vitalista, donde el placer y la contemplación justifican sobradamente toda pretensión que vaya más allá del amor a una propia forma de mirar las cosas y adentrarse en su sentido.Rafael Álvarez Merlo es un poeta ?de culto?, de largo recorrido y de una obra especialmente interesante en la ?subcultura heterodoxa? de la literatura española en la época de la Transición. Sus propuestas ?confluyentes con las expresiones estéticas únicas en la sociedad de aquel momento? contrastan con una personalidad que ha hecho de la discreción y el subterfugio una seña de identidad. Este libro aparece después de 32 años de su último poemario que apareció en 1986 bajo el título El vuelo interior, lo que le convierte en una publicación de inusitado interés que ha despertado gran expectación en los círculos de la poesía actual. La edición cuenta con el valor añadido de haber sido diseñada por el artista José María Baez.

La plaga (2021)

Seno (2020)

La infección de los días (2021)

Desear la casa (2021)

Linea imagen (2021)

Todas mis muertes (2021)

Manual de lluvia con manual de sol (2021)

Cuando ya nada importa (2024)

Leves certezas (2024)

Hojas de acanto y rosas (2024)

Cancion de napalm (2024)

El rostro de los vencidos (2025)

Del dominio

Auto sin fe (2023)

Revolución (2023)

Y en el aire los veranos (2023)

Una radiante eternidad (2020)

Okaeri (2021)

Toda hora. (2019)

Triestino (2021)

El tiempo tras las horas (2020)

Hombres con un diente de leche (2020)

La mujer okupada (2022)

Biografía del tiempo (2018)