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William Morris (1834-1896) fue una de las más importantes figuras creativas del siglo XIX. En su papel de diseñador visionario, así como de fabricante, escritor, artista y activista socialista, fue un pionero del movimiento Arts and Crafts de la era victoriana. Con su trabajo ha influido de manera extraordinaria en la arquitectura, la industria textil y el interiorismo.Este libro, profusamente ilustrado, ofrece una bella introducción a la colorida vida de Morris y a todas las facetas de su obra como diseñador, que incluyen interiores, azulejos, bordados, tapices, alfombras y caligrafía. Pese a que en vida Morris fue célebre como poeta y escritor, estos exquisitos diseños le granjearon su reputación póstuma. En este libro, que deslumbra página tras página con sus bellos patrones y formas, exploramos la innovadora artesanía y los motivos naturales que los inspiraron, así como el destacado legado cultural del artista en la industria textil británica, la Bauhaus e incluso el ecologismo moderno.

Morris

En las bellas páginas de este ensayo asistimos, a través de la vida y obra de un puñado de genios, a un redescubrimiento del Renacimiento, esa época en que lo dionisíaco y lo apolíneo hallaron una perfecta armonía. Para el decadentismo la vida debe ser una sucesión de «elevadas pasiones», es decir, un intento de experimentar todo momento de revelación y comprensión de lo exquisito. Cualquier preocupación social o moral se desvanece ante esta nueva luz: la vida encierra en sí ocasiones de intensidad física; reunirlas en el mayor número posible, saborearlas todas en su fuerza suprema, de suerte que la llama de la conciencia arda con todo su fuego, tal es el secreto de una existencia consciente y que se conduce por sí misma.

Ensayo sobre la nigromancia

Sur moderno: Recorridos de la abstraccion

Un proyecto de desarrollo estilístico y fotográfico sobre 8 de las mejores casas de verano en la isla de Ibiza del prestigioso arquitecto fotografiadas a través del objetivo de Manolo Yllera y el gusto estilístico de Amaya Toledo.

Romano

This publication presents 100 utter masterpieces chosen from the extensive and invaluable holdings of the Spanish Royal Collections?which conserve more than 165,000 pieces. They are outstanding representatives of all the artistic disciplines that enrich the Crown's treasury: illuminated books of hours, small devotional paintings, delicate pieces of goldwork and large tapestries, mediaeval textiles, sculptures, weapons and armour, furniture, carriages, frescoes, spectacular fountains, celebrated paintings by Bosch, Titian, Velázquez, Caravaggio, Goya and, in short, grandiose works which combine all the arts, like the Throne Room of the Royal Palace of Madrid.With more than 100 full-page photographs and close-ups, each work is introduced by the conservators of the Royal Collections, which makes a publication, the first to accompany the opening of the Gallery of the Royal Collections, in which readers can become immersed, awestruck, in the great treasures harboured by Spanish Patrimonio Nacional (national heritage institution).

100 Masterworks. Spanish royal collections

Para Giacometti, ser artista es fracasar como nadie se atreve a hacerlo, mientras que para Goethe, el no poder acabar su obra es lo que engrandece a un escritor. La obra perfecta está únicamente en la cabeza del artista. La insatisfacción es la esencia y la naturaleza íntima del talento, y la obra, el poema o el libro, sean como fueren, siempre podrían haber sido diferentes de como han llegado a ser.  Miguel Ángel Ortiz Albero rastrea en la obra de escritores como Baudelaire, Cioran, Kafka, Sebald o Vila-Matas, y de artistas como Boltanski, Cézanne o Delacroix, la posibilidad de reflexionar acerca de cuándo podía darse por finalizado, si es que esto fuese posible, el proceso de un trabajo creador. Todos aquellos que han cogido una máquina de escribir o un pincel, quienes han esbozado un gesto en el aire o han esculpido la roca, o aquellos que han decidido hilvanar un discurso, todo ellos han soñado al inicio con el resultado perfecto, con la obra ideal que habría de ajustarse a sus anhelos e intenciones. Pero el camino, lo saben, es tortuoso y el proceso es cambiante.  Ahí están las dudas y las vacilaciones. Ahí surgen la demora, la digresión y el retardo; la imposibilidad o el arrepentimiento; la imprevisión o el azar; las ataduras o las repeticiones. Todo se sitúa, tal vez, entre el grito y el callar. La voluntad de permanencia y el deseo de duración se encuentran frente a frente con el temblor de la mano, y es entonces cuando acechan el hastío, la desilusión, la renuncia o el abandono; incluso, la aniquilación, la destrucción o el borrado. Sea como fuere, es preciso, dicen, seguir pese a la imposibilidad, porque incluso en la putrefacción hay fermentación y hay vida y día logrado.  Estas Variaciones no son sino una personal lectura de algunas de las muchas reflexiones que sobre la imposibilidad del terminar se han escrito, conformando un trenzado de historias que, como la vida, habrán de quedar inconclusas.

Variaciones sobre el naufragio

Una imagen ya no vale más que mil palabras: en una sociedad saturada de iconos, La Menina ante el espejo aborda las relaciones peligrosas entre el espacio poético y el espacio artístico. En estas páginas, en las que la historia del arte, la crítica literaria y la teoría cinematográfica intercambian sus papeles, el lector paseará por las salas de un museo sin paredes, cuya distribución remite a las sucesivas pantallas de la posmodernidad líquida.

La menina ante el espejo

A medio camino entre la narración, la poesía y el ensayo, La danza de la muerte no pretende sino retomar esa idea de la «Danza macabra» para, desde ella, reflexionar acerca de esos modos y maneras de llevar a la escena el último baile. Miguel Angel Ortiz Albero escribe cerca de una literatura mixta o mestiza, de una literatura en la que los límites se confunden y la realidad puede «bailar» en la frontera con lo ficticio.

La danza de la muerte

El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada. La deconstrucción óptica, el vértigo visual, la aceleración histórica expresan el alcance de los nuevos códigos de representación caracterizados por la simultaneidad perceptiva. Expresando un nuevo ámbito de la mirada y usos de la imagen en ese contexto, Patiño analiza aspectos críticos vinculados a la imagen como mediación instrumental y las posibilidades que nos ofrece el arte para ampliar la percepción, del mero entretenimiento a desarrollar nuestra sensibilidad. Vivimos inmersos en una excitada visualidad hegemónica, una iconosfera dominante postula un régimen de la mirada. La imagen-poder en la economía de la atención. Es necesaria una resistencia poética y artística que active el resorte de la duración frente a la disipación (propiciando un reencantamiento del mundo). Patiño traza metáforas del presente convulso (una instantaneidad incesante), y analiza cómo el «efecto actualidad» satura los poros de la realidad construyendo un mundo-imagen. De las máquinas de amnesia a la pantalla omnipresente, vivimos en un entorno narcótico donde la meta parece el olvido programado, el hechizo audiovisual, el embotamiento perceptivo. Se postula la dialéctica de la mirada a través del proceso artístico, una resistencia creativa en imágenes dialécticas que surgen de la duración e indagaciones de la introversión creadora como silencio activo.

Todas las pantallas encendidas

Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antídotos frente a la saturación visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.

Manifiesto de la mirada

æMasereel. Visiones de un infierno modernoÆ es una nueva primicia de La linterna sorda. La faceta del famosoartista como innovador periodista gráfico y cofundador de las publicaciones refractarias más importantes de suépoca es muy desconocida. Sus aportaciones en æDemainÆ, æLes TablettesÆ, æLa FeuilleÆ, æMondeÆ o æClartéÆ nuncase han recopilado ni investigado hasta ahora, en particular sus dramáticos dibujos sobre la España antifascistaen lucha, cuando estuvo en Madrid y Barcelona en 1937. Este libro de Frans Masereel (1889-1972), con unas imágenes en blanco y negro que incitan y aúllan contrala barbarie de las guerras por el reparto del mundo, consta de 110 dibujos y xilografías recopiladas y reproducidasde los periódicos originales. Sus ilustraciones para la prensa destacan por su lenguaje expresivo, dinámico, muyvivo. Del caos capitalista emerge su obra, ardiente, emocionante, insumisa, rebosante de humanismo. ôMi obra está dedicada a las personas oprimidas, va dirigida contra los opresores en todos los ámbitos de lavida social e intelectual. Es por la fraternidad entre todos los pueblosö. Frans Maseree

Masereel, visiones de un infierno moderno

Morris (2017)

Ensayo sobre la nigromancia (2021)

Sur moderno: Recorridos de la abstraccion (2019)

Romano (2021)

100 Masterworks. Spanish royal collections (2022)

Variaciones sobre el naufragio (2017)

La menina ante el espejo (2016)

La danza de la muerte (2015)

Todas las pantallas encendidas (2017)

Manifiesto de la mirada (2018)

Masereel, visiones de un infierno moderno (2025)