Tapa blanda

Catalán

Centre Cultura Contemporania Barna

Rimini protokoll, escultors del temps / rimini protokoll, sculptors of time

Easy Rider está incluida entre las cien películas más importantes de la historia por el American Film Institute. Desde su estreno en 1969 se convirtió en un extraordinario éxito de taquilla. Más de cincuenta años después se mantiene como un icono cultural y audiovisual reconocible en todo el mundo gracias a su banda sonora, pero también por su simbología, que ya forma parte del imaginario colectivo de su época. Easy Rider es también el punto de inflexión del que saldrían los creadores del "nuevo Hollywood", una hornada de directores que decidió no seguir el camino trazado por las grandes majors norteamericanas y que dio origen a una nueva estética cinematográfica.

Español

Nau Llibres (Edicions Culturals Valencianes, S.a.)

Easy rider (easy rider). Dennis hopper (1969)

La multitud de matices, citas e interpretaciones que ofrece La piel que habito subrayaban la necesidad de un estudio pormenorizado sobre ella. De un lado, si bien Almodóvar no se aleja del melodrama e incluso juega con el cine negro más clásico, la proximidad con el thriller fantástico y su filiación con el subgénero de Mad Doctors supone una novedad suficiente en la filmografía del director como para que esta producción resulte destacable. De otra parte, con Los ojos sin rostro de Franju y el relato de Tarántula de Jonquet en el punto de mira, la película supone un excelente ejercicio sobre lo trans, ya que no se detiene únicamente en lo transgénico, transgenérico y transexual, sino que, igualmente, se alude a lo transtextual. Así, el uso consciente de la obra de ciertos artistas en general y de Louise Bourgeois en particular, constituye una parte fundamental en la narración para completarla, estableciéndose de este modo una serie de relaciones que se analizan en el presente libro. Tanto la minuciosidad en la selección de los elementos que circundan a los protagonistas, como la meticulosa utilización del f

La piel que habito (la piel que habito). Pedro almodóvar (2011)

Gonzalo González Laiz es Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de León. Ha participado en la realización de diversos cortometrajes en súper 8, vídeo y 35 mm. Es también autor de guiones y relatos cortos. En la actualidad ejerce como profesor de Lengua y Literatura en el I.E.S. Lancia de León. En esta misma colección ha publicado también la Guía para ver y analizar James Bond contra Goldfinger.  La colección de textos Guías para ver y analizar cine es un proyecto pedagógico de las editoriales Nau Llibres y Octaedro, cuya finalidad es ofrecer unos análisis monográficos, rigurosos y exhaustivos, de películas fundamentales de la historia del cine. El lenguaje claro y didáctico de estas guías permite su adaptación a los diferentes niveles educativos, desde la Enseñanza Secundaria y los Bachilleratos hasta los Ciclos Formativos de Comunicación, Imagen y Sonido y los estudios de Licenciatura de Comunicación Audiovisual, Publicidad, Periodismo, Bellas Artes, Historia del Arte y Filología, así como una fácil comprensión de los textos fílmicos analizados para los amantes del cine en general.

Guía para ver y analizar : La guerra de las galaxias. George lucas (1977)

Muerte de un ciclista se erige como un hito ineludible en la cinematografía española, constituyéndose en una pieza clave dentro de la obra Juan Antonio Bardem, una de las figuras fundamentales para el cine español. La película, bajo una apariencia de engañosa simplicidad argumental, relata el periplo de una pareja de amantes que, tras perpetrar un atropello, se ven abocados a una serie de dilemas morales, examina la sociedad franquista y aborda temas como la culpa, la moralidad y las consecuencias de las acciones humanas. Con un enfoque claramente político, denuncia la lucha de clases, la importancia de las apariencias, la doble moralidad y la endogamia del régimen franquista por lo que Muerte de un ciclista debe ser vista como una crítica social y política de la época. El filme, además de ser estéticamente bello, se gesta con la intención de demostrar que en el cine español se podían hacer películas intelectuales e ideológicas que hablasen de la realidad social de la época. Muerte de un ciclista, que se adhiere a las premisas neorrealistas, marcó el camino a aquellos directores disidentes con el cine que se venía realizando y supuso para Bardem, junto a Calle Mayor (1956), su consagración internacional.

Muerte de un ciclista

Desde sus comienzos, los Monty Python reinventaron los patrones de las moribundas variedades para transgredir las normas que comenzaban a afianzarse en el nuevo medio. En esta comedia cinematográfica, su tercera película, se hace patente la excepcional capacidad del cine para embalsamar el tiempo. La vida de Brian nos habla de la Jerusalén de Pilato, de la Gran Bretaña pre-thatcheriana, de la decadencia de los imperios romano y británico, y de los peligros del pensamiento radical, satirizando los fundamentalismos para incidir en cuestiones esenciales sobre las incertezas de la vida y el abismal vacío de la muerte. Este controvertido filme es fiel reflejo del cine de los setenta y del contexto sociopolítico de estos años. Pese al éxito del grupo, su producción necesitó de un respaldo económico muy importante; su distribución y exhibición estuvieron marcadas por una intensa polémica y mediáticas protestas. Pese a las virulentas campañas en su contra, la película se convirtió en un gran éxito y es reconocida como una de las comedias más brillantes de los setenta y de la historia del cine británico.

La vida de brian

Solo ante el peligro. (high noon), fred zinnemann (1952)

El evangelio segun san mateo il vangelo secondo mateo), pi

Considerada como una de las obras maestras del malogrado director Satoshi Kon, Perfect Blue es uno de los filmes sobre los que la animación comercial japonesa contemporánea ha construido su identidad como producto cultural atravesado, por un lado, por elementos propios de la ficción de explotación, y, por otro, por rasgos pertenecientes a la complejidad narrativa de la narración postclásica. La ópera prima de Kon va más allá de las superficiales representaciones del mundo de las idols japonesas y explora los elementos más sombríos del entramado del entretenimiento mediático que las sustenta: la inmoralidad de sus agencias de representación, lo deshonesto de los productores televisivos, el potencial obsesivo de los otaku y, sobre todo, de las secuelas psicológicas a las que están sometidas las idols.

Perfect blue (pafekuto buru). Satoshi kon (1997)

La fiera de mi niña, una de las obras más elogiadas del cine clásico y protagonista indiscutible de numerosas listas y antologías que la proclaman como una de las mejores comedias cinematográficas dela historia. Howard Hawks dirigió esta alocada y enérgica visión de la guerra de sexos, dominada por la inversión de roles, y donde ningún personaje parece estar cuerdo. Es una de las piezas más representativas de la denominada comedia screwball, con sus diálogos ingeniosos y vertiginosos, unos personajes variopintos con reacciones irracionales por encima de la lógica y, sobre todo, su confrontación de pares opuestos basada en el antagonismo entre la pareja protagonista.

La fiera de mi niña

In the Mood for Love es, sin lugar a dudas, el film más representativo de Wong Kar-wai, el que le ha dado fama y reconocimiento mundial, y el que supone un punto de inflexión en su quehacer, ya que es resumen y paradigma del conjunto de sus films anteriores y, nos atreveríamos a decir, posteriores. Esta película es un claro ejemplo de la forma de trabajar de Wong Kar-wai: Ausencia de guión. Las tramas se construyen a medida que el rodaje avanza, mediante la implicación de sus actores fetiche, Tony Leung y Maggie Cheung, quienes, interiorizada la esencia de sus personajes, condicionan el avance de la historia (rodada con radicalidad cronológica) y sus propias características personales. Eliminación, en la fase de montaje, de los aspectos más obvios de la trama. Mediante este mecanismo, los espacios fuera de campo, las ausencias, los elementos sugerentes y la quiebra de las relaciones causa-consecuencia se constituyen en elementos determinantes. Esto, que resulta poco comprensible desde el punto de vista de los costes de producción (¿por qué rodar escenas que serán suprimidas al montar?), permite comprender que el rodaje de In the Mood for Love se prolongara durante quince meses. Un grupo de colaboradores fijo en todos sus films, consiguiendo, así, una unidad estilística y de criterios poco habitual en el cine contemporáneo. Hay que hacer mención muy especial del director artístico y responsable del montaje, William Chang; del director de fotografía, Christopher Doyle, y de la entidad productora Jet Tone, omnipresente en la filmografía de este autor. Ni que decir tiene que muchos de estos nombres, hoy plenamente reconocidos a nivel internacional, aparecieron vinculados a la obra de Wong Kar-wai cuando apenas eran una promesa. Valgan, pues, estas pinceladas para poder asumir algunos puntos de partida que arrojan luz sobre una obra singular, cuya ubicación en el contexto socio-político-económico trazaremos sucintamente en esta guía.  El lenguaje claro y didáctico utilizado en el análisis de los textos fílmicos permite una fácil comprensión de todos los aspectos de la película: desde los datos contextuales, técnicos e históricos de la película, pasando por el análisis textual pormenorizado de la misma atendiendo especialmente a los diferentes recursos expresivos que la constituyen (espacio, tiempo, planificación, movimientos de cámara, música, diálogos, etc.), y, finalmente, las aproximaciones interpretativas globales -aunque siempre apoyadas en el análisis textual previo- que el propio autor de la Guía propone.

Deseando Amar (In The Mood For Love). Wong Kai-Wai (2000)

Desde su estreno en 1972, El diablo sobre ruedas, "TV movie" extendida para el mercado cinematográfico europeo, es una obra de culto. No en vano espectadores y críticos supieron captar su enorme riqueza significante: enfrentamiento del hombre contra la máquina, simple ejercicio de suspense, estudio sobre la paranoia individual y/o colectiva... El diablo sobre ruedas es también un producto tremendamente representativo de las corrientes cinematográficas norteamericanas del momento (el manierismo y New Hollywood) y la ópera prima de Steven Spielberg, quizás el director más conocido del panorama cinematográfico actual. Inexplicablemente, y a pesar de todo ello, sobre El diablo sobre ruedas se ha escrito poco, demasiado poco. Con esta monografía queremos contribuir a llenar un vacío imperdonable, sumándonos al mismo tiempo a la labor desplegada por la colección Guías para ver y analizar, ya que, desde nuestro punto de vista, esta película permite un acercamiento didáctico a aspectos esenciales del lenguaje cinematográfico, la historia del cine y las diferentes metodologías del análisis fílmico.  El lenguaje claro y didáctico utilizado en el análisis de los textos fílmicos permite una fácil comprensión de todos los aspectos de la película: desde los datos contextuales, técnicos e históricos de la película, pasando por el análisis textual pormenorizado de la misma atendiendo especialmente a los diferentes recursos expresivos que la constituyen (espacio, tiempo, planificación, movimientos de cámara, música, diálogos, etc.), y, finalmente, las aproximaciones interpretativas globales -aunque siempre apoyadas en el análisis textual previo- que el propio autor de la Guía propone.

Diablo sobre ruedas, el (duel). Steven spielberg (1972)

Guía para ver y analizar : King kong. Peter jackson (2005)

Guía para ver y analizar : En construcción. José luis guerín (2001)

Guía para ver y analizar : El profesor chiflado. Jerry lewis (1963)

Plácido (1961) es una de las mejores películas del cine español y una obra fundamental para comprender la situación inmovilista en que se encontraba la España de ciudades de provincia antes de la irrupción del desarrollismo. La crítica a la hipocresía y a las desigualdades sociales de este micromundo urbano, que es la pequeña urbe provinciana donde se localiza la acción, puede extrapolarse a la oscuridad que emanaba el régimen de Franco en la España de la época. La incomunicación en el filme, con multitud de personajes hablando al mismo tiempo sin escucharse, y la utilización del plano secuencia como eje vertebrador de esta manera de narrar, son señas de identidad que Berlanga vertebra en esta película señera de nuestra cinematografía. La mejor película de Berlanga, según el propio director valenciano, y la segunda colaboración con Rafael Azcona, tras Se vende un tranvía (1959). Ambos firman un esperpéntico guion trufado de situaciones absurdas, donde predomina el humor negro, sin abandonar la tradición realista de la cultura española, narrando las peripecias de un vasto grupo de personajes en torno a una s

Placido

No sólo es Perdición (1944) una de las películas más importantes de la Historia del Cine sino que la estela de su influencia puede rastrearse hasta nuestros días. Para Woody Allen se trata de la mejor película jamás filmada por nadie. En cualquier caso, fue una obra decisiva para todo el cine negro rodado durante el final de la época de los Grandes Estudios. Esta primera película noir de Billy Wilder introdujo algo realmente nuevo en el cine americano: los delincuentes ya no eran criminales profesionales, ni pertenecían a la mafia; eran personas normales, de clase media, arrastradas por la ambición y la pasión sexual. Quizá lo realmente insólito de este filme sea que, siete décadas más tarde, todavía mantenga intacto su poder de seducción. Si Perdición sigue fascinando no es solo por el trabajo de adaptación que convirtió el poco convincente y banal argumento de la novela en un guion de complejo andamiaje, rico en punzantes diálogos y dotado de un ritmo de tintes jazzísticos, sino también porque Wilder supo orquestar la brillante interpretación de su reparto con una puesta en escena envolvente, dotada de un

Perdición (double indemnity). Billy wilder (1944)

Los idiotas ocupa un lugar privilegiado entre las películas más representativas de Dogma 95, último gran movimiento de resistencia cinematográfica, no solo por haber sido dirigida por Lars von Trier, principal ideólogo del movimiento, sino sobre todo por acercarnos a esa radicalidad originaria de la propuesta que iría diluyéndose con el paso del tiempo. La cinta nos ofrece, así, una buena muestra de la estética ordinaria, la incorrección política, la ácida ironía y el fuerte impacto emocional sobre el espectador que caracterizaron a los primeros films de la corriente. Presentándonos la provocadora dinámica de unos jóvenes que simulan ser personas con diversidad funcional y sumergiéndonos en el misterio que alberga Karen, la mujer que topa con el grupo por casualidad, Los idiotas nos insta a reflexionar sobre los beneficios terapéuticos de la idiotización y a posicionarnos ante la voluntad de Dogma 95 de hacer el idiota en el mundo del cine.

Los idiotas. (dogme #2. Idioterme), lars von trier (1998)

Un piano abandonado en la playa, la pequeñez de una silueta femenina ante la inmensidad de la selva neozelandesa o una mujer acampada con su hija, de noche, bajo el miriñaque de su falda decimonónica son algunas de las imágenes que inauguran el relato de El piano (Jane Campion, 1993). La historia ubica en Nueva Zelanda un drama victoriano que enhebra conflictos propios del género -un matrimonio forzado, un triángulo amoroso en cuyos personajes masculinos acecha una vertiente sombría, el comportamiento ambiguo de una niña, una tentativa femenina de suicidio- con el imaginario estético de la cultura romántica: la banda sonora compuesta por Michael Nymann, grandes planos generales de océanos rugientes y bosques frondosos y la presencia de un personaje singular -una madre soltera, muda desde niña y virtuosa pianista- cuyo punto de vista vertebra el relato.

El piano (the piano). Jane campion (1993)

Esta obra pretende dar a conocer una labor pionera de producción cinematográfica protagonizada por un personaje singular, Jesús Francisco González de la Riva y Vidiella, marqués de Villa Alcázar, que cabalga entre finales del siglo XIX, que le vio nacer,

Editorial Comares

De cultura visual y documentales en España (1934-1966)

Películas como Perdición, El beso mortal o El sueño eterno nos introducen en un mundo de oscura e inquietante elegancia con este manual esencial sobre cine negro. Detectives privados y crímenes perfectos, policías corruptos y romances abocados al fracaso. Los editores Paul Duncan y Jürgen Müller examinan los temas clave del género negro y sus películas más representativas desde 1940 hasta 1960. Este libro, profusamente ilustrado con fotografías fijas, fotogramas y carteles originales, ofrece, página tras página, composiciones visuales llenas de virtuosismo al tiempo que explora los paradigmas narrativos de este género inquietante, absorbente y en constante evolución. Y por si su apetito cinéfilo no se viera del todo satisfecho, el volumen concluye además la selección de TASCHEN de los 50 mejores clásicos del cine negro. Repleto de damas enigmáticas, gángsteres desesperados y asesinos psicópatas que han proyectado una alargada y fascinante sombra sobre el cine, este es un manual imprescindible tanto para los aficionados al género negro como para los néofitos.

Tapa dura

Alemán

Taschen

Film noir (al)

Francés

Film noir

Películas como Perdición, El beso mortal o El sueño eterno nos introducen en un mundo de oscura e inquietante elegancia con este manual esencial sobre cine negro. Detectives privados y crímenes perfectos, policías corruptos y romances abocados al fracaso. Los editores Paul Duncan y Jürgen Müller examinan los temas clave del género negro y sus películas más representativas desde 1940 hasta 1960.Este libro, profusamente ilustrado con fotografías fijas, fotogramas y carteles originales, ofrece, página tras página, composiciones visuales llenas de virtuosismo al tiempo que explora los paradigmas narrativos de este género inquietante, absorbente y en constante evolución. Y por si su apetito cinéfilo no se viera del todo satisfecho, el volumen concluye además la selección de TASCHEN de los 50 mejores clásicos del cine negro.Repleto de damas enigmáticas, gángsteres desesperados y asesinos psicópatas que han proyectado una alargada y fascinante sombra sobre el cine, este es un manual imprescindible tanto para los aficionados al género negro como para los néofitos.Sobre la serieBibliotheca Universalis ? Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.

Italiano

Il noir

Déjese llevar por los artífices de la historia del celuloide. Esta selección de cine de terror, romántico, negro, comedia, aventura, drama, wéstern y new wave reúne los mejores exponentes del siglo xx en una guía indispensable del mejor cine. La colección está ordenada cronológicamente y se ofrece en un formato muy práctico. Las reseñas de las películas constan de una sinopsis, listados del reparto y el equipo, información técnica, biografías de actores y directores, anécdotas y una lista de premios, además de fotogramas, fotos de producción y el cartel original de cada película. De Metrópolis a Tiempos modernos, pasando por La naranja mecánica y Los olvidados de Buñuel, de los éxitos de taquilla a las obras maestras menos conocidas, disfrutará mucho hojeando este libro que transformará una apacible velada en un viaje cinematográfico inolvidable.

Rimini protokoll, escultors del temps / rimini protokoll, sculptors of time (2021)

Easy rider (easy rider). Dennis hopper (1969) (2020)

La piel que habito (la piel que habito). Pedro almodóvar (2011) (2020)

Guía para ver y analizar : La guerra de las galaxias. George lucas (1977) (2006)

Muerte de un ciclista (2025)

La vida de brian (2025)

Solo ante el peligro. (high noon), fred zinnemann (1952) (2022)

El evangelio segun san mateo il vangelo secondo mateo), pi (2022)

Perfect blue (pafekuto buru). Satoshi kon (1997) (2020)

La fiera de mi niña (2023)

Deseando Amar (In The Mood For Love). Wong Kai-Wai (2000) (2013)

Diablo sobre ruedas, el (duel). Steven spielberg (1972) (2013)

Guía para ver y analizar : King kong. Peter jackson (2005) (2011)

Guía para ver y analizar : En construcción. José luis guerín (2001) (2010)

Guía para ver y analizar : El profesor chiflado. Jerry lewis (1963) (110)

Placido (2024)

Perdición (double indemnity). Billy wilder (1944) (2020)

Los idiotas. (dogme #2. Idioterme), lars von trier (1998) (2021)

El piano (the piano). Jane campion (1993) (2021)

De cultura visual y documentales en España (1934-1966) (2017)

Film noir (al) (2022)

Film noir (2022)

Il noir (2022)

100 Filmklassiker des 20 jahrhunderts (2022)