This comprehensive survey of contemporary design in Latin America explores collaborations between small manufacturing operations and artists, designers, and craftspeople, demonstrating how the resulting work addresses issues of commodification, production, urbanisation, displacement, and sustainability. It is organised around various cities and the main themes pursued by more than 100 artists, design studios, and artisans in regions such as Brazil, Cuba, Panama, Mexico, Puerto Rico, Colombia, and Chile. Published in conjunction with an exhibition at the Museum of Art and Design in New York, it is richly illustrated and includes essays by critics, curators, and art historians. 00Exhibition: Museum of Arts and Design, New York, USA (04.11.2014-06.04.2015).

Tapa dura

Inglés

Turner/mad

Turner

New Territories. Laboratories For Design, Craft And Art In Latin America

Leídas de corrido, estas cartas dan la impresión de que nos hallemos ante una autobiografía, o cuando menos ante un autorretrato. Lo extraño es que esa autobiografía involuntaria (nada más alejado de Gaya que el propósito de contarnos «su» vida, ya que pocas cosas desdeñó tanto como la Historia) esté hecha apenas con un puñado de cartas escritas en diferentes momentos y sin continuidad. Pese a ello, a través de ellas podemos imaginarnos toda su vida, tal y como ocurre con un pequeño fractal. Creo que el lector que no haya conocido a Ramón Gaya en vida, podrá hacerse también una idea bastante aproximada de su personalidad. El conjunto de todo ello nos proporciona una secuencia biográfica (cabría decir «autobiográfica») del pintor y escritor murciano, como no teníamos hasta hoy.

Español

Pre-Textos

Editorial Pre-Textos

Cartas a sus amigos

El Mal es un ensayo sobre la terrible enfermedad de Huntington - o Mal de San Vito - en Barranquitas. Las historias que se muestran reflejan la dura batalla ante la enfermedad y las ganas y el compromiso ante la vida que demuestran las personas afectadas. Sus experiencias han de servir para remover conciencias y poner el foco en los más necesitados y en las realidades olvidadas.

Tapa blanda

Editorial Rm

Rm + Mal De Ojo + Ecléctica Editorial

El mal

Nueva edicción de la coleción Obras Maestras en esta ocasión dedicada a uno de los periodistas gráficos más importates de España. Chema Conesa es además editor y director de varias coleciones de fotografía y comisario de la algunas de las exposiociones más relevantes de este pais.

La Fábrica

Obras maestras chema conesa

El estudio fotográfico más completo sobre la exploración cientifica del espacio realizado nunca. En este libro y por primera vez la Agencia Espacial Europea abre sus puertas y permite a un fotógrafo profesional la entrada a sus instalaciones. Un recorrido sobre algunas de ellas( Holanda, Francia, Kazajistán o Guayana Francesa) y sobre sus instalaciones: centros de prueba, departamentos de robótica, laboratorios de propulsión a chorro, simuladores espaciales, plataformas de lanzamiento, centros de formación de austronautas, satélites, etc. Nada se escapa al objetivo del fotógrafo Edgar Martíns.

The Rehearsal Of Space. And The Poetic Impossibility

Este libro muestra, a través de la visión de una de las más importantes mujeres fotógrafas, los cambios que experimentaron la sociedad y el estilo de vida a mediados del siglo XX

Louise dahl-wolfe

La autografía más provocadora del cómico menos políticamente correcto de la historia. Lenny Bruce escribió este libro espoleado por Hugh Heffner, que lo publicó por capítulos en su revista Playboy. Es una autobiografía con algunos rasgos de ficción, donde Bruce recrea la que fue su vida hasta pocos años antes de morir. Este carácter poco riguroso en cuanto a fechas, situaciones o responsabilidades no impide que en Cómo ser grosero e influir en los demás se reúna lo mejor de la filosofía de Lenny Bruce, las ideas clave que le convirtieron en uno de los cómicos más polémicos de la historia.

Malpaso Ediciones

Malpaso

Malpaso Editorial

Pepitas De Calabaza

Malpaso Ediciones Sl

Cómo ser grosero e influir en los demás (incluye e-book)

España

 Partiendo de las obras más fidedignas de dos artistas del Renacimientoitaliano, el pintor Andrea Mantegna y el orfebre y escultor Benvenuto Cellini,el autor ha tejido sus vidas y entornos basándose en hechos reales, eimaginados allá donde no llegaba la documentación. La formación técnicoartística de Juan José García Rodríguez, le permite a explorar sobreconsideraciones del diseño y desentrañar los secretos que encierran las obrasde artes, lo cual añade a esta obra un carácter didáctico que el lector podríaagradecer

Ediciones Ruser

Formas y manieras

Tikal

Rembrandt (enciclopedia del arte)

Velázquez desaparecido, una emocionante indagación en el complejo significado de la autenticidad, rastrea la inquebrantable determinación que impulsa a artistas y coleccionistas, y viaja de la extravagante corte española de la década de 1700 a las despiadadas casas de subastas de Londres y Nueva York en el siglo XIX. En 1845, el librero inglés John Snare se topó con el retrato ennegrecido de un príncipe. Al sospechar que podía tratarse de un Velázquez perdido mucho tiempo atrás, compró el cuadro y se propuso averiguar su extraña historia. Cuando Laura Cumming tropezó a su vez con la historia de John Snare, emprendió su propia búsqueda, cuyo objeto incluía tanto la vida del librero como la vida y obra de Velázquez, un pintor tan maravilloso como escurridizo. Velázquez desaparecido recoge esta enigmática historia y, además, constituye un magnífico acercamiento a la figura del pintor español que cambiará para siempre nuestra apreciación de su obra. Reseñas:«Velázquez desaparecido no solo es una apasionante historia detectivesca y una brillante reconstrucción de una controversia artística, sino que también es un homenaje a la obra de Velázquez, escrito por una crítica absolutamente hechizada por su genio, del mismo modo que los lectores quedarán hechizados por su libro.»Colm Tóibín «Ingenioso e intrigante. Cumming entreteje las dos historias -la de Snare y la de Velázquez- con tal sutileza que se iluminan entre sí de manera sorprendente.»Mark Hudson, The Daily Telegraph «Una historia extraordinaria. Este estupendo libro es muchas cosas, un estudio de la obsesión, un canto de alabanza a un artista de genio, una historia de detectives y, para el autor, un exorcismo de la pena.»Honor Clerk, The Spectator

Taurus

Taurus Pensamiento

Velázquez desaparecido

Consideradas hasta bien entrado el siglo XX como extravagantes y capri chosas, las creaciones barrocas sorprenden hoy por la fuerza de su ima ginación y por su irrefrenable audacia, que las llevó a desafiar todos los cánones de la arquitectura clásica. Esencialmente retórico, el Ba rroco se propuso en muchos casos la persuasión como intención priorita ria. Los grandes patronos y constructores comprendieron claramente el valor propagandístico de la grandilocuencia arquitectónica y, así, fue la Iglesia Católica la que patrocinó, directa o indirectamente, mucha s de las construcciones de este período, siendo Italia el país en el q ue se alzaron gran parte de las estructuras más imaginativas. La Arqui tectura italiana del Barroco al Rococó analiza las fases sucesivas del desarrollo de estos estilos en Italia a lo largo de siglo y medio -de sde comienzos del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII- a través de sus más destacados creadores. Los estudios dedicados a los arquitec tos clave de la époc

Alianza Editorial

Arquitectura italiana del barroco al rococó

Juan Agustín Ceán Bermúdez (1749-1829) fue un personaje clave de la historiografía artística española, cuya vida y cuyos escritos estuvieron estrechamente ligados a los de otros ilustrados de su tiempo como Jovellanos, para quien trabajó durante muchos años, o Goya, a quien frecuentó y del cual tuvo numerosas obras, entre ellas buena parte de los dibujos con copias de Velázquez que el aragonés había hecho para después grabarlos.  Partiendo de fuentes inéditas y de una nueva lectura de las que ya se conocían, el presente estudio ofrece una amplia y renovada visión de un personaje mucho más complejo e importante de lo que hasta ahora se creía. A través de cinco artículos, un catálogo de más de 150 obras y una completa cronología, distintos especialistas analizan el legado de Ceán en una doble faceta: como historiador del arte (puesto que sentó las bases científicas de su disciplina mediante obras pioneras y escritos fundamentales sobre arquitectura, arqueología, pintura, coleccionismo, grabado y dibujo) y como coleccionista de dibujos y estampas.  Este volumen constituye el catálogo de la exposición del mismo título celebrada en la Biblioteca Nacional de España.  Elena M.ª Santiago Páez, doctora por la Universidad Complutense, es bibliotecaria emérita de la Biblioteca Nacional de España (BNE), donde dirigió la Sección de Geografía y Mapas (1966-1982) y el Servicio de Dibujos y Grabados (1983-2004). Entre las muchas exposiciones que ha comisariado se cuentan «Ydioma universal», Goya en la B.N. (junto con J. Wilson, 1996); El gabinete de Ceán Bermúdez (1997); Del Amor y la Muerte. Dibujos y grabados de la B.N. (2001); o La luz de la sombra. Grabados de Rembrandt (junto con G. Lambert, 2004-2005).

Centro De Estudios Europa Hispánica

Ceán bermúdez. Historiador del arte y coleccionista ilustrado

«Si hay un pintor en el universo que tenga sex appeal para todas las especies imaginables de autores de libros es ciertamente Goya», afirmaba Ortega y Gasset en su libro de 1958 dedicado al artista aragonés. Efectivamente, la obra plástica y la biografía de Goya han atraído a pensadores, historiadores, críticos de arte y creadores literarios que han reflejado su admiración en innumerables páginas de sentida admiración estética. Goya en las literaturas repasa los textos que en forma poética, dramática, narrativa o cinematográfica reflejan la fuerza y genialidad de Francisco de Goya en la creación literaria de muchas lenguas. El libro describe la dinámica trayectoria literaria que abrieron escritores contemporáneos del artista y que sigue activa en una inagotable recreación del universo goyesco.

Marcial Pons Ediciones De Historia, S.a.

Astiberri

Marcial Pons

Goya en las literaturas

El arte español del Siglo de Oro ùafirma una tradición historiográfica ya centenariaù puso la imitación del natural al servicio de la religión. Su exacerbado naturalismo es el resultado de la apasionada fe de aquel lugar en aquella época. Crimen e Ilusión defiende lo contrario: sostiene que el problema fundamental de los artistas del Barroco español no era la imitación, sino la verdad, y que una parte, tal vez la mejor parte, de la imaginería de nuestro Barroco se entiende mejor como un complejo ejercicio destinado a disipar las dudas de sus espectadores. Sobre el horizonte de un emergente empirismo, los artistas crearon sus imágenes como evidencias, como argumentos para creer. Crimen e ilusión aborda este aspecto judicial o forense de las imágenes de la Alta Edad Moderna en el interior de un triángulo político, religioso y científico. Por último, explora la reflexión escéptica de pintores y escultores ante el problemático vínculo que liga a las artes figurativas con la verdad.

Siruela

Crimen e ilusión

El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.

Superrealistas

Este libro, nos dice su autor, es fruto de largos años de reflexión en torno a «líneas de pensamiento y experimentación poco habituales». Para él, la fuente es la imagen que mejor representa el misterio de la vida; en arquitectura, los rascacielos serían las fuentes heladas que han ido brotando en las ciudades. La forma, como afirmaba Sullivan, ha de ser siempre fiel a la función, pero, según Bragdon, la función debe expresar y determinar a la vez el significado mismo de la forma, como ocurre en los organismos naturales. Por tanto, la arquitectura ha de ser orgánica y estética, no en el sentido de «acorde con el buen gusto», sino en el más profundo de belleza.Después de repasar el fenómeno, puramente estadounidense, de los rascacielos, que nació de una necesidad práctica y no estética, Bragdon sostiene que un edificio no será una obra de arte si no obedece a una norma armoniosa de sus medidas, como va explicando mediante ejemplos a lo largo de esta obra. Por último, se ocupa de la ornamentación, suprimida de la arquitectura moderna porque, además de no cumplir ninguna función, encarecía la obra; a lo que Bragdon responde afirmando que es una expresión de nuestra singularidad. Y, como los modelos ornamentales se han quedado anticuados, crea nuevos patrones tan rigurosos como originales, inspirados en tres conceptos matemáticos: los sólidos platónicos, los cuadrados mágicos y la cuarta dimensión. En suma, este ensayo es un recorrido completo por el ideario de uno de los diseñadores más interesantes del siglo xx, injustamente olvidado.

Ediciones Atalanta, S.l.

Atalanta

Imaginato Vera

La fuente helada

Con únicamente 35 creaciones conocidas, la obra de Johannes Vermeer ha inspirado un superventas de The New York Times y una película protagonizada por Scarlett Johansson, y ha alcanzado cifras récord de visitantes en instituciones de arte de todo el mundo. Descubra la maestría de una de las carreras más importantes e inspiradoras de la historia del arte en cuyo realismo y misterio resplandecen la luz, las texturas y una atmósfera de secretos no revelados.

Taschen

Vermeer (in)

La historia del arte, en su orientación iconológica, busca una aproximación a la historia cultural desde el estudio de la imagen. Para tal propósito es necesario ponerla en relación con una amplia variedad de disciplinas; sin embargo, no siempre se ha logrado una integración real entre ellas. Tampoco han alcanzado plenamente la perspectiva interdisciplinar los llamados estudios visuales, limitados esencialmente a la imagen contemporánea, marcada por el contexto de la globalización.Por ello, el propósito de este anejo de la revista ?Imago' es reflexionar y promover la interrelación entre disciplinas para el estudio de la imagen. Concretamente, supone una aproximación tanto al significado de esta como a su función cultural en diferentes contextos desde perspectivas innovadoras. Ante la vastedad de las materias tratadas, los trabajos que lo conforman se han agrupado en varios ejes temáticos: ?La interdisciplinariedad en el estudio de la imagen?, ?Imagen y palabra?, ?Imagen y pensamiento?, ?Imagen, música y espectáculo?, ?Imagen y cultura material? y, por último, ?Imagen y naturaleza?. Todos ellos tienen en común distintas indagaciones al margen de los fosilizados sesgos estilístico-formales ?excesivamente asentados en la historia del arte tradicional? para ofrecer una más ajustada y creativa interpretación de las imágenes que son objeto de estudio.

Publicacions De La Universitat De València

Imágenes encrucijadas interdisciplinares

En el momento crítico previo a su expulsión de España, la Compañía de Jesús desplegó un consciente y meditado uso de la imagen con fin adoctrinador y mnemotécnico. De acuerdo con esta estrategia y con el objetivo de obtener su beatificación, se construyó la personalidad del padre Santiago mediante palabras e imágenes retratos o, en sus honras fúnebres, jeroglíficos que lo representaban equiparándolo a santos jesuitas que se multiplicaron a su muerte, junto con episodios milagrosos narrados en su biografía. Se publicó entonces la que habría sido su obra póstuma, Las empresas de la eternidad, que Santiago habría utilizado en las prédicas de los ejercicios espirituales que dirigió para tratar del concepto de eternidad y del peligro de afrontarla tras morir en pecado. Así mismo, se estudia a los grabadores protagonistas de este despliegue icónico en la Córdoba del setecientos.

Las empresas de la eternidad juan de santiago y la retorica

Este volumen reúne las 39 contribuciones seleccionadas de las divisas presentadas en el XII Congreso de la Sociedad Española de Emblemática (Vitoria-Gasteiz, diciembre de 2019), bajo el lema "En la senda de Alciato. Práctica y teoría emblemática", que se han organizado siguiendo dos criterios: un primer bloque con aquellas contribuciones referidas directamente al jurista milanés, humanista iniciador de la emblemática, y un segundo en el cual esta conexión tiene un carácter indirecto, a través de la vinculación con la disciplina emblemática.

En la senda de alciato

Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.

Rembrandt. Los autorretratos

El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevó su obra más allá de los límites de su propia experiencia, y creó algunas de las obras de arte más variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas bíblicas y alegóricas, paisajes u obras de género. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporáneos y discípulos.Cada obra está imbuida de humanidad. Las escenas bíblicas, como El baño de Betsabé, se convierten en una vía de reflexión sobre el anhelo y el alma humana, y van más allá de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz etérea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo más sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o género. Rembrandt comenzó a pintarlos en su juventud y siguió haciéndolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompañó toda su vida.En conmemoración del 350º aniversario de su muerte, esta monografía tamaño XXL reúne las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictórica de Rembrandt como nunca antes, desde El festín de Baltasar hasta la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.

New Territories. Laboratories For Design, Craft And Art In Latin America (2014)

Cartas a sus amigos (2016)

El mal (2017)

Obras maestras chema conesa (2014)

The Rehearsal Of Space. And The Poetic Impossibility (2014)

Louise dahl-wolfe (2016)

Cómo ser grosero e influir en los demás (incluye e-book) (2015)

Formas y manieras (2024)

Rembrandt (enciclopedia del arte) (2017)

Velázquez desaparecido (2016)

Arquitectura italiana del barroco al rococó

Ceán bermúdez. Historiador del arte y coleccionista ilustrado (2016)

Goya en las literaturas (2016)

Crimen e ilusión (2017)

Superrealistas (2017)

La fuente helada (2024)

Vermeer (in) (2016)

Imágenes encrucijadas interdisciplinares (2023)

Las empresas de la eternidad juan de santiago y la retorica (2022)

En la senda de alciato (2022)

Rembrandt. Los autorretratos (2019)

Rembrandt. The Complete Paintings (2019)

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias (2016)

Pintura en España 1750-1808