¿En qué consiste entender la música? ¿Tiene el hecho musical algún significado? Compositores, intérpretes, melómanos y académicos podrían ofrecernos respuestas distintas a estas preguntas, pero ¿qué idea de la música comparten? Cuando una pieza musical no nos resulta familiar, o no se asemeja a nada que hayamos escuchado antes, es posible que digamos que no nos «gusta», pero ¿existe relación entre el deleite y la comprensión? En estos tres lúcidos y amenos ensayos, Charles Rosen explora éstas y otras cuestiones relacionadas con la composición, la interpretación y la escucha de la obra de distintos compositores, y nos ofrece así una aproximación a la música en la que tan importantes como las piezas musicales son las tradiciones en las que éstas se inscriben y se concretan como experiencia auditiva.

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El Acantilado

Las fronteras del significado

Un recorrido por la obra fotográfica de Javier Porto en dos volúmenes: La Movida Madrileña y una insólita sesión de fotos en Nueva York con Andy Wahol, Robert Mappelthorpe y Grace Jones.

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La Fábrica Editorial

La Fábrica

Los años vividos.

La Cámara de Esther Cidoncha ha estado presente en los principales Clubes de Jazz de Europa y América. Este libro presenta una visión general de su trabajo con fotografías inéditas de los mitos del Jazz como Art Farmer, Kenny Barrow, Benny Carter o Joe Lovano, entre algunos de los más de 180 artistas retratados.

When light are low

En este diccionario sin precedentes, Ramón Andrés, poeta, ensayista y a la vez reputado estudioso de la música, nos acerca al análisis de la naturaleza y los sonidos, así como a la interpretación de los símbolos que en ellos se contienen, al nexo de unión que la música establece entre los dioses y los hombres, que constituye, al cabo, una detallada muestra de la evolución del pensamiento humano. Mitologías como la griega, la hindú, la céltica o la escandinava, permiten adentrarnos en las grandes leyendas de la cultura indoeuropea, conocer a los héroes transformados en arquetipos de nuestra cultura, desvelar el contenido simbólico del Universo, los árboles, las plantas alucinógenas y los animales, que forman parte de un extraordinario escenario mágico que acogió la primera historia del hombre y que se recoge en la música. Un trabajo de hondo calado que no nos propone sin embargo la mera consulta aislada de sus voces, sino que se convierte, por derecho propio y en su lectura lineal, en una obra de referencia amena y entretenida.

Diccionario de música, mitología, magia y religión

En esta obra, que se ha convertido ya en un clásico moderno de la literatura musical, la agente de conciertos Sonia Simmenauer relata el día a día con ?sus? cuartetos, formaciones tan famosas como el Cuarteto Alban Berg o el Cuarteto Guarnieri. Para algunos, el cuarteto de cuerda es la agrupación instrumental capaz de expresar la forma musical más pura; para otros, una estructura abstracta que se contempla con reverencia. Simmenauer nos ofrece un punto de vista distinto y privilegiado sobre esta realidad excepcional: nos muestra a cuatro personas que hacen música, que viven, trabajan, viajan y actúan juntas; que se pelean y se aman. Un campo de batalla ideal para las neurosis y los problemas de pareja, además de para la interpretación musical más exigente. El lector encontrará unas páginas repletas de anécdotas, mucha música y las opiniones de algunos de los intérpretes más prestigiosos de la actualidad. En definitiva, una descripción tan conmovedora como amena de lo que significa vivir en cuarteto. Es muss sein!?Un texto que revela todo cuanto ocurre entre bastidores, lo que se ?cuece', literalmente, entre algunos intérpretes famosos. Un libro apasionado, implacable, casi violento?, Die Zeit

Antoni Bosch Editor

Antoni Bosch

Vivir en cuarteto

¿Es posible designar con una fórmula sintética el carácter específico de la música? o, dicho de otro modo, ¿qué es la música? ¿Y qué es lo extramusical? Las cuestiones de fondo ligadas a la definición de la música como concepto y los cambios que esta concepción ha sufrido en la tradición cultural de Occidente desde la Antigüedad hasta nuestros días son tratados de forma compleja en este libro. Si la Antigüedad desde Pitágoras asoció la música con unas proporciones numéricas en las que se reflejaba la armonía del universo, si san Agustín habló de la scientia bene modulandi, la práctica musical que emerge al inicio de la Edad Moderna remite a la «teoría de los afectos» y a la esfera de las emociones; a partir del racionalismo del siglo xviii y el irracionalismo romántico se llega más tarde a la reivindicación, por un lado, de la falta de contenido semántico, y por otra, a la concepción de la música como un «lenguaje» que da forma, por decirlo con Webern, a «pensamientos musicales»

¿Qué es la música?

Si las canciones conforman la banda sonora de una vida, las que aquí nos presenta Mauricio Wiesenthal engarzan la suya con la de las personas y los lugares de su camino entre dos continentes. Veremos aparecer, en un friso mágico, los grandes hoteles, los legendarios barcos que hacían la travesía del océano, las amistades y un mundo europeo lleno de amables sombras. Los recuerdos hilan este libro, y hacen su aparición luminosa en las soirées, las máscaras y los escenarios que entretejen poesía y realidad en una visión esperanzada de la vida y el tiempo. Un paisaje inmenso, unido por la vida de los emigrantes, las canciones del recuerdo y el espíritu conciliador de la cultura.

Siguiendo mi camino

El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música; la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.

El luthier de delft

Johann Sebastian Bach es uno de los compositores más enigmáticos y complejos de la historia de la música. ¿Cómo es posible que un hombre aparentemente tan común, opaco y, en ocasiones, irritable, fuese capaz de crear una obra tan sublime? Gardiner ha interpretado y estudiado a Bach desde su primera juventud hasta la actualidad, y es hoy uno de sus intérpretes más reconocidos. Este libro nos presenta los frutos de su dilatada experiencia como director, y no sólo nos descubre las principales claves para entender y apreciar las composiciones de Bachùlas ideas que las orientaron, sus estructuras y los efectos que producen en los oyentesù, sino también todo lo que es posible saber del hombre que fue. Con este extraordinario ensayo, John Eliot Gardiner nos invita a profundizar en la obra y en el espíritu de uno de los creadores más geniales de todos los tiempos.

La música en el castillo del cielo

A lo largo de la historia, la humanidad ha creado millares de instrumentos musicales, y cada uno de ellos prueba la inmensa riqueza de la imaginación humana. Sin embargo, la filosofía ha desatendido el estudio de esta realidad, de la que se adueñaron hace mucho tiempo musicólogos e historiadores. Desafiando a la tradición, Bernard Sève muestra en este ensayo extraordinario y novedoso que el singular arte de la música se fundamenta en el uso de instrumentos, de modo que puede hablarse de la «condición organológica de la música»: los instrumentos desempeñan un papel fundamental en la ontología de la obra musical, no son meros utensilios accesorios, puesto que siguen siendo necesarios una vez concluido el proceso de composición, a diferencia de lo que ocurre en el resto de disciplinas artísticas. Por ello, los instrumentos musicales merecen un lugar particular entre el resto de herramientas humanas.

El instrumento musical

Beethoven, el genio romántico, hombre atormentado y fascinante capaz de componer las piezas más sublimes, vivió su tiempo con extraordinaria intensidad. Jan Swafford recrea de manera amena y profunda la vida del hombre, del compositor y del genio. Partiendo de la Bonn de la Ilustración en la que Beethoven creció y se empapó del racionalismo y el antidogmatismo que darían forma a su obra posterior, hasta Viena, capital de la música europea donde el compositor culminó su carrera, acompañamos al músico en las múltiples vicisitudes de su vida: la incomprensión de la crítica, su delicada salud, sus fracasos amorosos y su irremediable sordera, que no impidieron su consagración como genio mítico. Un libro hermoso, convertido ya en una obra  de referencia.

Beethoven

La sorprendente personalidad de Glenn Gould, su extraordinario talento interpretativo, su intensidad y su carácter escurridizo han fascinado a varias generaciones que vieron en el intérprete canadiense a un músico deslumbrante y singular capaz de inspirar tanto a músicos como a melómanos y lectores. El hechizo de su música y su carisma también cautivaron a Bruno Monsaingeon, quien logró trabar una amistad y colaboración que se prolongó hasta la prematura muerte del intérprete. Este libro recoge las evocaciones del amigo, así como las vivencias de aquellos años a través de textos e imágenes que nos descubren el universo gouldiano en un retrato casi autobiográfico.

Glenn gould

Hasta finales del siglo XVIII la música instrumental estaba subordinada a la vocal. Kant afirmaba que la música sin texto era «placer más que cultura» y Rousseau la desdeñaba puesto que no permitía expresar ideas. Sin embargo, a principios del siglo xix se produjo un cambio profundo: la música puramente instrumental empezó a considerarse un medio de conocimiento y se la valoraba precisamente porque era ajena a las limitaciones del lenguaje. En la música como pensamiento, Mark Evan Bonds analiza el origen de este cambio de mentalidad en los oyentes de finales del siglo XVIII y principios del XIX a partir de testimonios de la época y de una serie de fuentesùfilosóficas, literarias, políticas y musicalesùque nos descubren qué significó la música sinfónica para sus primeros oyentes. El resultado es una interpretación tan singular como rigurosa de las causas y los efectos de la revolución en la escucha y la recepción musicales.

La música como pensamiento

Este libro reúne las reflexiones de Nikolaus Harnoncourt en entrevistas y textos para grabaciones discográficas o programas de conciertos, que la editora agrupa en tres partes: una dedicada a la dificultad de la interpretación musical entendida como diálogo entre el compositor y el músico; otra a los desafíos específicos que plantea la enigmática figura de Mozart y su obra a los intérpretes de nuestro siglo; y una última consagrada a comentar en detalle las óperas mozartianas que Harnoncourt abordó a lo largo de su trayectoria: Idomeneo, Lucio Sila, La clemecia de Tito, El rapto en el serrallo, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte. A través de los distintos textos, Harnoncourt, apasionado y sorprendente, aclara algún que otro malentendido en torno a su labor «historicista», lega a los jóvenes intérpretes innumerables claves para comprender la importancia de su cometido y ofrece a los oyentes pistas para hacer de la escucha un ejercicio de conocimiento e inteligencia.

Diálogos sobre mozart

Un abecedario ideal escrito por un gran pianista: sabio, agudo, esclarecedor y personal. El vademécum de Alfred Brendel es un libro maravilloso para los amantes del piano, para el músico y para el aficionado.

De la a a la z de un pianista

Nadie pone en duda que Stravinski fue uno de los mayores compositores del siglo xx. En este volumenùunas memorias en forma del diálogo que mantuvo los quince últimos años de su vida con Robert Craft, su más cercano amigo y colegaùhace repaso de su vida intelectual. En él ocupan un lugar primordial los recuerdos de su juventud en Rusia, su etapa de aprendizaje con Rimski-Kórsakov, su colaboración con los Ballets Rusos, su etapa americana, así como su relación con diversos poetas, pintores y escritores, todos ellos fundamentales en la historia cultural del siglo xx: Diáguilev, Debussy, Ravel, Valéry, Gide o W. H. Auden, entre otros. El libro presenta, además, documentos de gran valor: las reflexiones de Stravinski sobre la música de compositores capitales, que iluminan tanto al estudiado como a la música del propio compositor. Editado de nuevo en 2002, el presente libro nos muestra un vivo panorama de la vida musical de la primera mitad del siglo xx.

Memorias y comentarios

Las ninfas, hijas de Zeus y Tetis, viven «en la primera espuma de una fuente, en el destello del surtidor y en el reflejo de las aguas cuando la fronda permite asomar unos rayos de sol. Se bañan curso abajo, dejan estelas con su cuerpo. [à] Cantan, tocan instrumentos, danzan. No quieren ser vistas y, pese a ello, los ojos de los dioses y los hombres, ocultos y al acecho detrás de unos matojos, las ansían. Son amadas y, sólo a veces, aman». Claudio Monteverdi, hojeando las Poesie de Rinuccini, se fijó en la canzonetta que, por fortuna, habría de convertirse en el Lamento della Ninfa: una pieza de singular belleza, delicada e inolvidable. Sólo un músico tan transgresor, que aspiraba a lograr la adecuación de la melodía a la emotividad para hacer audible lo silenciado hasta entonces, podía dar voz al desgarro de unas criaturas que viven entre dos mundos pero no pertenecen enteramente a ninguno. Este hermoso texto recorre a través del arte, la literatura y la música la historia de ese mágico encuentro del maestro italiano con su ninfa; un homenaje incomparable al amor por la hermosura.

Claudio monteverdi. "lamento della ninfa"

El arte de la batería representa un recorrido por los entresijos del instrumento y la profesión de baterista. Se trata de un repaso sincero, lúcido, amable y dinámico a la experiencia de hacer música rodeado de tambores y platos.El libro consta de veinte capítulos que van enfocados a profundizar en el arte la batería para conseguir un sonido propio, un lenguaje y un sello reconocibles. La obra va dirigida a bateristas de todos los niveles, instrumentistas, amantes de la música y lectores que simplemente sientan curiosidad por los asuntos que ocupan el pensamiento de los músicos.«Además de resultar útil para quien se inicia en el arte de la batería, este libro interesa a todo buen lector. Tiene valor de documento que permite aproximarse al modo de pensar de los músicos, quienes siempre me han parecido una especie rara de pensadores [...] Generalmente se comportan como materialistas sin contemplaciones, pero saben volar alto con la imaginación. Pocas veces ponen sus ideas por escrito, mas cuando lo hacen conviene prestarles atención».Santiago Auserón, Prólogo

Antoni Bosch Editor, S.a.

El arte de la bateria

En este brillante ensayo, galardonado con el National Book Award for Arts and Letters, el eminente pianista y crítico Charles Rosen aborda las técnicas y la estética de la música clásica a través de las obras de tres grandes compositores. Esta edición ampliada incorpora un nuevo y extenso capítulo sobre los últimos años de Beethoven y las convenciones musicales que heredó de Haydn y de Mozart. Asimismo incluye un nuevo prólogo en el que Rosen responde a los comentarios de otros autores sobre su obra.   "La expresión æobra maestraÆ no debería utilizarse más que con la máxima prudencia. Pero puede aplicarse a EL ESTILO CLASICO de Charles Rosen. Esta obra es más que un análisis extraordinariamente penetrante, y argumentado con minuciosidad, de Haydn, Mozart y Beethoven. Es un ejemplo de æcrítica activaÆ que sólo podría haber realizado un intérprete tan distinguido. Rosen traslada a la prosa las cualidades de claridad, escrupulosidad y entusiasmo que caracterizan sus interpretaciones. Este libro simplemente establece nuevos estándares para la aplicación del lenguaje a la música". George Steiner, The New Yorker

Alianza Editorial

Alianza Música

El estilo clásico

Con un absorbente grand tour por los grandes centros musicales de la Europa del siglo XVIII, y con el telón de fondo de una Europa dividida entre un espacio católico y otro protestante, el presente libro muestra cómo se desarrollaron y mezclaron los estilos galante y culto. Además de considerar en profundidad la obra de Mozart, Haydn y el primer Beethoven, amplía el foco de su análisis para poner de relieve las contribuciones de figuras menos conocidas, pero sin duda relevantes, como Johann Adam Hiller, François-André Philidor o Anna Bon.

Ediciones Akal

Akal

La música en el siglo XVIII

Desde Mozart hasta Mendelssohn, esta guía completa de la historia de la música clásica es la última gran incorporación a esta serie. Fácil de entender y de seguir, explora y explica la teoría de la música y el impacto de las obras más importantes, a la vez que proporciona historias fascinantes sobre las vidas de los más destacados compositores y artistas. El libro de la música clásica analiza más de 90 obras de compositores famosos. Desde Thomas Tallis hasta maestros barrocos como Bach y Händel, pasando por el genio clásico de Beethoven y Wagner hasta los compositores actuales, El libro de la música clásica explora las ideas clave que sustentan las mejores composiciones clásicas y tradiciones musicales del mundo, y define su importancia para el canon musical, ubicándolos en su contexto social, cultural e histórico más amplio.

El libro de la música clásica

El presente libro se ocupa de la creación musical en uno de los periodos más fértiles y populares de su historia, el que va del Congreso de Viena en 1815 a la irrupción de la modernidad en los años noventa del siglo. A lo largo de sus capítulos, el autor traza una compleja red de relaciones en las que están implicados compositores, intérpretes, editores, tradiciones orales, el público (o, mejor, los públicos), ciudades y naciones.Entre los temas a los que dedica especial atención se cuentan la implicación de la clase media en el ámbito musical, el rico pero esquivo concepto de Romanticismo, el culto al virtuosismo interpretativo y el equilibrio, en continua transformación, entre intereses musicales y comerciales. Todo ello pone de relieve, frente a visiones reduccionistas y simplificadoras, la naturaleza poliédrica y la riqueza de análisis de una época sin la que no podríamos entender el modo en que hoy concebimos la práctica y el consumo de música.

Akal Música

La música en el siglo XIX

Recurriendo a un análisis imaginativo pero sin perder un ápice de rigor, el presente libro reconstruye el repertorio de la música medieval recurriendo a un amplio abanico de fuentes, que suple, en muchos casos, la carencia de fuentes primarias. Además de destacar las funciones ceremoniales y dramatúrgicas de la música medieval tanto en las esferas sacra y profana, la autora pone especial atención en el intercambio de idea musicales, el desarrollo de la notación musical y otros medios de fijación y transmisión, y el papel de las mujeres en la cultura musical de la época.Del mundo escandinavo a la península Ibérica, del canto gregoriano a los trovadores, el lector descubrirá un panorama rico y lleno de matices, muy alejado de la imagen plana y gris que, por desconocimiento, se suele tener de la Edad Media.El volumen incluye al final un manual básico de música medieval, en la que se incluyen fuentes y conceptos clave para su estudio y práctica interpretativa.

La música en el occidente medieval

El cuarteto de cuerda es, sin duda, uno de los principales géneros musicales. Desde su creación en el siglo XVIII, todos los grandes músicos se han enfrentado a él como un campo de experimentación en el que abordar y poner a prueba sus ideas musicales más avanzadas. Y es sin duda esta razón la que ha hecho que, como ningún otro género musical, mantenga su vigencia hasta nuestros días. Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Se incluye la reproducción y comentario de numerosos fragmentos de obras, desde los cuartetos de Haydn o el  Op. 132 de Beethoven hasta las sonoridades extremas de Lachenmann  (Gran Torso) o Stockhausen (Helikopter-Quartett). Un texto que quiere convertirse en referencia obligada en la bibliografía musical en castellano, además de consulta imprescindible tanto para estudiantes y profesores de Musicología como para aficionados en general.

Las fronteras del significado (2017)

Los años vividos. (2013)

When light are low (2014)

Diccionario de música, mitología, magia y religión (2012)

Vivir en cuarteto (2023)

¿Qué es la música? (2012)

Siguiendo mi camino (2013)

El luthier de delft (2013)

La música en el castillo del cielo (2015)

El instrumento musical (2018)

Beethoven (2017)

Glenn gould (2017)

La música como pensamiento (2014)

Diálogos sobre mozart (2016)

De la a a la z de un pianista (2013)

Memorias y comentarios (2013)

Claudio monteverdi. "lamento della ninfa" (2017)

El arte de la bateria (2024)

El estilo clásico (2015)

La música en el siglo XVIII (2019)

El libro de la música clásica (2019)

La música en el siglo XIX (2018)

La música en el occidente medieval (2020)

Historia del cuarteto de cuerda (2018)