Dos pájaros cantores, el colibrí y el cuervo, Serrat y Sabina, se dan cita en este diccionario apasionado que viaja del amor a la muerte, de la Barcelona del Poble Sec al Madrid de la Mandrágora, de la copla al rock, del tango al flamenco, de Jacques Brel a Bob Dylan, de los poetas cantados a los poetas que iluminaron con sus versos noches de parranda infinita, de los versos de Antonio Machado a los de Angel González.   De la A de amistad a la Z de zaguán, de la C de Carnaval a la F de Fútbol pasando por la D de Dios. Lo trascendente y lo lúdico, lo amoroso y lo existencial, todo cabe en la entradas de este diccionario de emociones.   He aquí palabras convertidas en canciones, formas de felicidad, vidas cruzadas de trovadores que han conformado la banda sonora de más de una generación de españoles y latinoamericanos, desde Algeciras hasta Buenos Aires, canción a canción, verso a verso.   El escritor Luis García Gil, autor del elogiadísimo Serrat, cantares y huellas, funde los universos de Sabina y Serrat en un solo libro para terminar regalando a los lectores una celebración de la vida y de la obra de estos dos cantautores irrepetibles que han sido capaces de sintetizar en canciones toda una serie de sentimientos y de anhelos.

Tapa blanda

Español

T&B Editores

Serrat y sabina

Vivaldi, después de una vida de éxito, muere en la pobreza. Sus manuscritos inéditos pasan de mano en mano, desconocidos para el público, hasta que son redescubiertos en plena Italia fascista, donde sufren nuevas desventuras. La recuperación de los manuscritos de Vivaldi es una historia tortuosa, que Sardelli recompone con un carácter minucioso, casi detectivesco. Una historia fascinante sobre la música, la fama, y sobre cómo la política maltrata a veces a sus hombres ilustres.

Turner

El caso vivaldi

¿Vive Elvis?¿Llegó a morir Paul McCartney?¿Qué une al punk y a Camilo José Cela? Todas estas y otras muchas cuestiones tienen su respuesta en la pista del grandioso circo que se ha montado bajo la carpa de este libro, que recorre la asombrosa existen

Otro

El gran circo del rock: Anécdotas, curiosidades y falsos mitos

En el centenario de su nacimiento, una panorámica concisa de la vida y obra de este músico fascinante y controvertido.

Turner Publicaciones S.l.

Turner Libros

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Vida y obra de leonard bernstein

Gioia nos presenta una introducción al arte de escuchar jazz: la estructura de la música, los cimientos de la improvisación, y las estrategias de escucha que ayudarán al lector a amar el jazz durante el resto de su vida.Un recorrido por los autores, los artistas, los temas, las versiones y los sonidos que le abrirán las puertas del jazz.

Cómo escuchar jazz

Text d'Enric Valor - Música "La Granadella" de Cèsar Murillo Gravat als estudis Tabalet d'Alboraia. És una producció de Toni Mestre, Paco Muñoz i Edicions del Bullent

Inglés

Editorial Sirio

Editorial Sirio S.a.

Sirio

Cerebro optimo, agil y sin perdida de memoria

En 2008, el cerebro del doctor Eben Alexander se vio gravemente dañado por un caso devastador de meningitis bacteriana que lo mantuvo en coma durante una semana. Durante aquellos siete días, este prestigioso neurocirujano se sumergió en los reinos más recónditos de la mente, y lo que aprendió entonces cambió todo lo que creía saber sobre el cerebro y la conciencia. Cuando regresó, trajo consigo una historia asombrosa. Desde esta experiencia cercana a la muerte, Alexander se ha dedicado a explorar una pregunta que sigue confundiendo a toda la comunidad científica: ¿Si no es un subproducto del cerebro, qué es la conciencia y de dónde viene? En La conciencia infinita aborda con gran detalle esta fascinante cuestión , y nos muestra paso a paso el camino que le ha llevado a concluir que el cerebro no es la fuente de la conciencia, sino más bien una prisión, de la que nuestra conciencia se libera en el momento de la muerte corporal. El Dr. Eben Alexander es el autor de los bestsellers internacionales La prueba del cielo y El mapa del cielo. Esta obra es la culminación de aquel viaje, y en ella nos enseña, aunando ciencia y espiritualidad, cuál es la verdadera naturaleza de la conciencia y cómo cultivar un estado de armonía con el universo y con nuestros más elevados propósitos.

SBS MIRAFLORES

SBS UNIVERSIDAD ESAN

SBS SURCO

La conciencia infinita

'La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no.' Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica. En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión auténtica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca. Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane ('su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida'), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como 'intelectuales o místicos, o ambas cosas'.

Caja Negra

Caja Negra Editora

Caja Negra Argentina

Black music

La música es algo más que un fenómeno estético: es una gnosis, una auténtica vía de conocimiento que Eugenio Trías (autor de una de las trayectorias filosóficas más sólidas que ha conocido nuestro país) ha reconstruido en un compendio de ensayos consagrados e insignes compositores, en un recorrido que va desde Monteverdí hasta las últimas vanguardias musicales. Los misterios gloriosos de Bach, la dualidad de lo trágico y lo cómico en Mozart, los grandes relatos de Haydn, el estilo heroico de Beethoven, el concepto de la obra total de Wagner, el espíritu creador de Mahler, la nueva teología musical de Sch"nberg, la noche eterna de Béla Bartók, los sacrificios de Stravinski, el panteísmo sonoro en Cage o la arquitectura musical de Xenakis, comparecen en estas páginas para revelar sus claves internas, sus relaciones, su antagonismos y similitudes, sus oposiciones y especificidades. El resultado es no sólo una excelente colección de ensayos individuales donde podemos apreciar a los grandes compositores bajo una luz distinta, sino también un argumento narrativo: una apasionante historia de las ideas a través de la música. O como el mismo autor sugiere, tal vez El canto de las sirenas constituya el Gran Relato que algunos de los mejores músicos occidentales han ido escribiendo a lo largo de los últimos cuatro-cientos años.

Galaxia Gutenberg, S.l.

Galaxia Gutenberg

El canto de las sirenas- rústica

Guaguancó, son, rumba, mambo, chachachá, samba, biguine, kompa, zouk, reggae, raggamuffin, bomba, merengue, calypso, soca, Latin jazz: el mundo afrolatino y caribe es un inagotable manantial de ritmos y de melodías. Este libro presenta un fascinante panorama de sus principales géneros tradicionales y populares. Evoca artistas como Bob Marley, Celia Cruz, Machito, Kassav, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Harry Belafonte o Mighty Sparrow. Permite descubrir las músicas negras ùtodavía desconocidasù de países como Bolivia, Argentina, Chile, México, Costa Rica u Honduras, y recuerda en particular los orígenes africanos, generalmente insospechados, del tango y de la milonga.

Prensas De La Universidad De Zaragoza

Prensas Universitarias De Zaragoza

Del tango al reggae

¿En qué consiste entender la música? ¿Tiene el hecho musical algún significado? Compositores, intérpretes, melómanos y académicos podrían ofrecernos respuestas distintas a estas preguntas, pero ¿qué idea de la música comparten? Cuando una pieza musical no nos resulta familiar, o no se asemeja a nada que hayamos escuchado antes, es posible que digamos que no nos «gusta», pero ¿existe relación entre el deleite y la comprensión? En estos tres lúcidos y amenos ensayos, Charles Rosen explora éstas y otras cuestiones relacionadas con la composición, la interpretación y la escucha de la obra de distintos compositores, y nos ofrece así una aproximación a la música en la que tan importantes como las piezas musicales son las tradiciones en las que éstas se inscriben y se concretan como experiencia auditiva.

Acantilado

El Acantilado

Las fronteras del significado

El Siglo de la Zarzuela nos invita a un paseo por cien años de la historia de la cultura española, con un espíritu tan distante de la crítica erudición intelectualista como de la simple añoranza de aquel pasado que nuestros abuelos yábisabuelos creyeron mejor solo por el hecho de serlo.    Pocas etapas de la historia de la cultura española son hoy tan objeto de tópicos e incomprensiones como la zarzuela, una forma de género lírico que iluminó un siglo de historia de los españoles e hispanoamericanos. Sin embargo, estamos ante uno de los fenómenos culturales de mayor calado que haya registrado jamás nuestra cultura.   La zarzuela implica cien años de repertorio vivo, que unió como ningún otro fenómeno artístico ni sociológico a ricos y pobres, a progresistas y conservadores, a monárquicosáy republicanos, a creyentes y anticlericales. Y que en la guerra civil fue uno de los poquísimos elementos comunes que ambos bandos irreconciliables reivindicaron como seña de identidad propia.  Por ello, la zarzuela vuelve a ser hoy un fenómeno digno de la mayor atención. Si hasta hace unas décadas su vigencia parecía relegada a un tierno ejercicio de nostalgia, en los últimos treintaáaños, numerosas investigaciones, tesis doctorales yácongresos han revelado datos y documentaciones que nos invitan a reconocer, con perspectiva histórica y sin tópicos, esteágénero único, con las luces y las sombras tan características de la España que le fue contemporánea.

Siruela

El siglo de la zarzuela

«Eminente músico estadounidense, John Mauceri es un profundo observador y pensador; explora con brillantez el reñido territorio de la música clásica del siglo XX, y aporta una nueva dimensión a nuestro entendimiento de las políticas de la música y del repertorio musical».á Larry WolffEsta ambiciosa obra es una revisión fundamental de la música clásica compuesta en el siglo XX. Su autor afirma que fueron las tres grandes guerras que tuvieron lugar en él las que conformaron su historia. Desde esta perspectiva, Mauceri indaga en los motivos por los que se han añadido tan escasas obras al canon musical desde 1930, examinando las diferentes trayectorias de los grandes compositores que, tras la Primera Guerra Mundial, desarrollaron una voz tan única como versátil, pero con una vocación más popular. Asimismo, defiende que el destino de los compositores durante la Segunda Guerra Mundial estuvo inextricablemente unido a los propósitos políticos de sus respectivos gobiernos. Ello derivó en acontecimientos tan significativos como la desaparición de la música experimental en Alemania, Italia y Rusia; el éxodo de numerosos compositores a Estados Unidos y la repentina recuperación de la música experimental ?lo que Mauceri llama «la vanguardia institucional»?, entendida como la lengua franca de la música clásica occidental durante la Guerra Fría.La guerra y la música es un análisis novedoso y certero, realizado por un destacado musicólogo y director de orquesta, que señala, en definitiva, cómo los criterios estéticos contribuyeron a enmascarar los fines políticos de los países involucrados en las grandes guerras que sacudieron el siglo XX.«La gran virtud de La guerra y la música de John Mauceri es su capacidad para reconocer aquello que tantos escritores saben sobre el tema pero no pueden decir: que algo terrible sucedió en la música del siglo XX y en especial después de 1945? Un libro convincente, escrito con gran fluidez».Barton Swain, Wall Street Journal«Un argumento poderoso, decisivo y sólidamente armado para reexaminar toda la gran música del siglo pasado, buena parte de ella escrita en circunstancias extraordinarias, y valorar los motivos por los que necesitamos volver atrás y escuchar».Jon Burlingame&lt; br />«Dos guerras mundiales cambiaron el curso de la música en el siglo XX. Trazando la influencia maligna de la política desde Hitler a Stalin, Mauceri muestra cómo la música se convirtió en armamento al servicio de la ideología. Los compositores refugiados perdieron su lugar en la corriente principal y Mauceri defiende la revisión de aquellos que se vieron olvidados y desestimados». Richard Fairman, Financial Times«Esta brillante obra de Mauceri, La guerra y la música, comienza con una pregunta: ?¿Por qué no interpretamos la música que Hitler prohibió??, y acto seguido levanta el telón para responderla hasta el más escalofriante detalle». Robert Thompson

El Ojo Del Tiempo

La guerra y la música

El crítico musical Fernando Fraga ofrece en su nuevo libro no sólo la definitiva biografía de Maria Callas en español, sino un recorrido exhaustivo y apasionante por su carrera musical, los detalles de sus actuaciones y giras operísticas y conciertos, así como un comentario ameno y erudito del extraordinario legado musical que suponen sus grabaciones de estudio y en directo.  Por delante de esos tres «monstruos» de la ópera que fueron el tenor Enrico Caruso, la soprano Rosa Ponselle y el barítono Titta Ruffo, la genial Maria Callas fue la más grande soprano de todos los tiempos, conocida ya en vida como La Divina. Con una personalidad arrolladora y gran magnetismo, dominaba la escena y daba vida a los personajes que interpretaba con una diversidad de matices, tan oportunos para sacar partido del momento como para revelar la psicología del personaje, posiblemente como ninguna otra cantante había hecho antes que ella. Su voz múltiple ?ligera, lírica y dramática? abarcaba el repertorio, clásico, romántico y verista de tres siglos y medio de música melódica. No ha habido otra voz con que sea comparable, ni la Malibrán, ni Giuditta Pasta, ni la Patti. Su técnica, su voz y su fraseo, con su personalísimo timbre expresivo y ese aura de profunda melancolía que sólo ella era capaz de insuflar, estuvieron siempre al servicio de un retrato global de los personajes, de una profundidad hasta entonces desconocida en la historia de la ópera.

Fórcola Ediciones

Forcola

María callas

Desde muy joven, Giles Smith se sintió atraído por el universo del pop: por las canciones que sonaban en la radio, por los conciertos en directo que veía en la televisión, por los singles de siete pulgadas que compraba o hurtaba, por la iconografía pop, los peinados estrambóticos, las guitarras eléctricasà Empezó a comprar discos, a clasificarlos y atesorarlos, a imitar a sus ídolos, a Marc Bolan de T. Rex, sobre todo, y a tocar en grupos de escuela, mientras soñaba en convertirse en una estrella del pop. Creció en la anodina ciudad británica de Colchester, donde jamás nació músico alguno, donde lo más memorable que jamás sucedió en relación con el pop es la anécdota apócrifa que cuenta que los Beatles se detuvieron a comprar caramelos en una tienda de ultramarinos de camino a un concierto. Su amor por el pop le llevó a tocar, tras un errático periplo juvenil en bandas amateur que nadie contrataba, en los Cleaners from Venus, un grupo que nunca llegó a nada y que, a pesar de lograr fichar para RCA en Alemania, no trascendió. Pero grabaron un disco, que, a la postre, es lo que cuenta. Un disco cuya grabación se hizo en un tugurio con un equipamiento técnico lamentable y donde el grupo a veces pernoctaba. Pero nada importaba. Solo el disco. Grabar un discoà Esta es la historia de un fracaso y de un amor indeleble. Con un humor finísimo, Smith evoca sus sueños de juventud, los grupos en los que tocó, los discos que escuchó y coleccionó, los años en los que, en definitiva, desarrolló una pasión inextinguible por la música popular y su cultura.

Contra

Lost in music

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal ?en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad? donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Hotel california

¿Es casual la muerte de muchos artistas a los 27 años, dando lugar incluso a un peculiar club? ¿Es cierto que el éxito de Led Zeppelin se debió a un pacto con el diablo de Jimmy Page? ¿Se esnifó Keith Richards las cenizas de su padre? ¿Por qué existen canciones de rock que incitan al suicidio? ¿Sigue vivo Elvis Presley? ¿Son tan inocentes los Beatles como parecen?En este libro encontrarás personas y grupos malditos, rock satánico, canciones de ultratumba, extrañas muertes y desapariciones, algunas leyendas urbanas y verdades que te dejarán sin palabras.

Luciérnaga Cas

Luciernaga

Historia maldita del rock

Jimi Hendrix ha sido considerado por muchos como el mejor guitarrista eléctrico de todos los tiempos, y uno de los músicos mas influyentes de la historia del rock. Su forma de ver el mundo y su manera de transmitir sus pensamientos y emociones a través de la música hicieron de él un icono, idolatrado por muchos e incomprendido por otros.  Con The Jimi Hendrix Experience alcanzó la cima del éxito, aunque las presiones del sistema, las tensiones internas de la banda y sus propias inseguridades lo llevaron a un estado de agotamiento físico y mental que podría estar detrás de las causas de su temprana desaparición, con sólo veintisiete años, al igual que otros grandes músicos del Club de los 27, como Brian Jones, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain o la recientemente fallecida Amy Winehouse.  Empezar de cero es la historia de Jimi Hendrix contada por él mismo a partir de un minucioso trabajo de recopilación de material audiovisual e impreso realizado por el cineasta Peter Neal, y que originalmente se concibió como base para el guion del documental que Neal está preparando sobre el músico. El resultado de este trabajo es un testimonio único: el relato de la vida y del viaje interior de Jimi a través de las letras de sus canciones y de sus propias palabras, como si de una autobiografía se tratara.  Por primera vez, podemos comprender las contradicciones de un personaje fascinante, adelantado a su tiempo, extremadamente perfeccionista, y cuya filosofía quizá pueda resumirse en una sola frase, que él mismo pronunció: «Hay que darle a la gente algo con lo que soñar».  JIMI HENDRIX nació en Seattle, en el seno de una familia humilde, en 1942. A pesar de su temprana desaparición, ha sido considerado como uno de los mejores músicos del siglo xx.  Elegido como el mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y como el mejor guitarrista eléctrico por Time, tanto él como su banda, The Jimi Hendrix Experience, contaron con el reconocimiento de la crítica internacional y siguen influyendo en el panorama musical actual.  Hendrix se convirtió en un símbolo para el festival de Woodstock y en una auténtica leyenda del rock, con un prolífico legado musical para una carrera que apenas duró cinco años. Murió en Londres en 1970, con sólo veintisiete años.

Editorial Sexto Piso

Sexto Piso Editorial

Sexto Piso

Empezar de cero

¿Cómo influye el ocaso vital en la obra de un artista?  La elegiaca obra póstuma del maestro de los estudios culturales. La crítica suele dedicar mayor atención a la madurez de los creadores, cuando se da por supuesto que florecen sus obras maestras, pero en este extraordinario ensayo Said se adentra en las últimas obras de sus autores más admirados, huyendo, una vez más, de los caminos trillados y buscando respuestas en los lugares menos comunes. Partiendo de algunos escritos de Adorno, Sobre el estilo tardío examina las obras de senectud de grandes artistas de la historia. Algunas suponen la continuidad y resolución armónica del trabajo de su autor durante las décadas anteriores -como en Shakespeare, Sófocles o Verdi--, pero otras, cuyo estudio es más apasionante, abundan en contradicciones, ganan en complejidad y desasosiego, y convierten al autor en un exiliado dentro de su propia obra; en vanguardia incomprendida de su tiempo y punto de partida para las siguientes generaciones, como es el caso de Ibsen, Beethoven, Thomas Mann o Rembrandt. La agudeza y profundidad de las observaciones de Said se hacen aún más pertinentes si tenemos presente que este era el libro en que trabajaba cuando falleció en 2003. Reseñas: «Elegante, desasosegado, inquisitivo y sabio... la elegiaca obra maestra del estilo tardío de Said.»Financial Times «Lo que Said representa -inteligencia crítica, alta cultura y conservación del lenguaje- debería situarse en el centro de nuestras vidas. Este libro es el mejor monumento a su vida y su obra.»Hanif Kureishi «El último libro de Said es una serie de brillantes estudios que analizan la idea de estilo tardío en una galería de compositores, escritores y artistas.»London Review of Books

Debate

Sobre el estilo tardío

La primera antología de los ensayos sobre música de Félix de Azúa.  Una mirada lúcida a la tradición musical de Occidente y una invitación a pensar algunos de los compositores más relevantes de la música clásica. «Las músicassimples y populares, de los divertimentos de Mozart a los de Satie, de las Bagatelas de Beethoven a los caprichos de Paganini y los valses de Strauss, todas tienen su valor y su gracia, como las bailarinas de Degas, pero en la profundidad sonora nadan los grandes cetáceos abisales de la pregunta».FÉLIX DE AZÚAAunque Félix de Azúa lleva escribiendo y disertando sobre música toda su vida, esta es la primera vez que recopila una selección de todos sus escritos sobre la materia, una antología de conferencias, ensayos, prólogos y artículos que cubren más de cuarenta años de experiencia como «oyente lego», aficionado a una de las artes más fascinantes, enigmáticas y universales. El arte del futuro es una invitación a pensar algunos delos compositores más relevantes de la llamada música clásica, desde Monteverdi y Bach hasta Bruckner, Richard Strauss o Alban Berg. En una época saturada de visualidad, el oído es uno de los últimos refugios donde encontrarse con las grandes preguntas y la trascendencia, el ámbito en el que aún es posible comunicarse con los muertos y tomar conciencia del legado artístico de Occidente. Con su habitual lucidez, su inconfundible sentido del humor, su vocación polémica y el vigor de una de las mejores prosas del ámbito hispánico, Azúa completa con este libro su indagación en torno al problema de las artes en la modernidad.La crítica ha dicho:«Después de la muerte de Octavio Paz, no creo que haya en nuestra lengua un ensayista más personal, cosmopolita e ilustrado que Félix de Azúa».Mario Vargas Llosa «Félix de Azúa es la moderación, el equilibrio, la liberalidad, la independencia de juicio, el pensamiento profundo».Luis María Anson

El arte del futuro: Ensayos sobre música

Las letras de las mejores canciones de Patti Smith, desde 1970 hasta hoy, en una edición que incluye documentos manuscritos inéditos y que conmemora los 40 años de su disco más emblemático, Horses. Todos tenemos una canción. Llegan así, de repente, expresando alegría o soledad, y sirven para disipar el miedo o celebrar un pequeño triunfo. Casi no nos damos cuenta de que estamos componiéndolas mientras las cantamos, a menudo solos, casi para nosotros. Encontrar la canción que llevamos dentro es lo que nos impulsa a cantar. Puede ser un cántico de alabanza, una chispa de rebelión o una plegaria adolescente. Descubrimos la inspiración donde podemos... En una vieja guitarra arrinconada o en un garaje, debajo de la cama o colgando del escaparate de una casa de empeño. En una frase que nos trae el viento mientras caminamos o en el reflejo de nuestro rostro en un espejo. Esas canciones tan pequeñas hechas de poesía, la actuación improvisada y la colaboración dieron lugar a estas letras, escritas con la esperanza de calar hondo, llegando a alguien que descubra lo que significan en su interior y las cante con nosotros. Patti Smith

Tapa dura

Lumen

Mis mejores canciones 1970-2015

Una historia social de España a través de sus canciones más famosas. ¿Qué dicen de nosotros las canciones que escuchamos? ¿Se puede contar la historia de un país a partir de su música? Este personal ensayo recorre la historia cantada del siglo XX español hasta 1976. Las canciones del momento se convierten en el mejor atajo para entender y sentir cómo fue el mundo y la vida de nuestros padres y de nuestros abuelos. «La vaca lechera» nos habla del hambre de la posguerra, «Tatuaje» o «La Bien Pagá» del corsé represivo del nacionalcatolicismo, «Ay, Carmela» o el «Cara al sol» guardan los sentimientos encontrados de la Guerra Civil. Paco Ibáñez, Chicho Sánchez Ferlosio, Serrat y también Mari Trini o José Luis Perales muestran en su repertorio la evolución de las ideas y la modernización de las costumbres, mientras que la rumba ofrece la mejor síntesis de la mestiza identidad española. De «Ojos verdes» a «La chica yeyé», de «El porompompero» a «Palabras para Julia», de «Cambalache» a «Mi casita de papel», de «Yo no soy esa» a «¿Y cómo es él?», de «Alfonsina y el mar» a «L'estaca», de «Libertad sin ira» a «El lago», más de doscientos grandes éxitos nos revelan en estas páginas qué fue del amor, de la lucha política, del papel de la mujer, de la memoria familiar, de los usos y funciones de la música, de las drogas, del problema de la vivienda o de la evolución tecnológica. ¿Qué me estás cantando? es el libro que reúne a tres generaciones en torno a la música.

Debate Sociedad

¿Qué me estás cantando?

Publicado por primera vez en 1978, "Dios salve a los Sex Pistols" fue el primer libro que alumbró, de manera documentada y precisa, la ascensión y disolución del grupo por antonomasia del punk británico que puso patas arriba la música popular y, de paso, la conservadora sociedad e industria musical de mediados de los setenta. Compuesto a modo de collage a partir de entrevistas con todos los miembros y exmiembros del grupo, familiares, amigos y colaboradores, el fascinante diario íntimo de la secretaria del polémico mánager Malcolm McLaren, extractos de la incendiaria prensa que vertió todo el odio y los prejuicios del establishment sobre la banda, y cartas de fans, entre otros materiales, el presente volumen es un originalísimo, poliédrico y vívido artefacto punk, aderezado con el material gráfico que creó para el grupo el inclasificable Jamie Reid y un buen número de fotografías. Como dicen los autores, este libro es «lo más cerca que estuvieron los Sex Pistols de contar su propia historia».

Serrat y sabina (2012)

El caso vivaldi (2017)

El gran circo del rock: Anécdotas, curiosidades y falsos mitos (2015)

Vida y obra de leonard bernstein (2018)

Cómo escuchar jazz (2020)

Cerebro optimo, agil y sin perdida de memoria (2019)

La conciencia infinita (2000)

Black music (2013)

El canto de las sirenas- rústica (2012)

Del tango al reggae (2015)

Las fronteras del significado (2017)

El siglo de la zarzuela (2014)

La guerra y la música (2024)

María callas (2017)

Lost in music (2014)

Hotel california (2021)

Historia maldita del rock (2020)

Empezar de cero (2013)

Sobre el estilo tardío

El arte del futuro: Ensayos sobre música (2022)

Mis mejores canciones 1970-2015 (2015)

¿Qué me estás cantando? (2018)

Dios salve a los sex pistols (2021)

)Clausuras(de pierre klossowski