Este libro recoge mi lucha con la locura James Rhodes durante meses de conciertos, de hoteles y de sentirme solo rodeado de desconocidos.  Este libro no va sobre mí. Va sobre cómo me siento. Sobre cómo nos sentimos todos, al menos de vez en cuando.  Este libro no va de ser feliz. Nunca, ni tú ni yo, seremos plenamente felices. Pero intentarlo puede ser algo maravilloso.  ***  Por el autor de «Instrumental», James Rhodes, 100.000 ejemplares vendidos.

Tapa dura

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Blackie Books

Fugas

Un recorrido por la obra fotográfica de Javier Porto en dos volúmenes: La Movida Madrileña y una insólita sesión de fotos en Nueva York con Andy Wahol, Robert Mappelthorpe y Grace Jones.

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La Fábrica Editorial

La Fábrica

Los años vividos.

A finales de los años cincuenta, tras la muerte o la caída en desgracia de algunos de sus mayores referentes, se oía proclamar a voces la muerte del rock and roll. Pocos podían imaginar cómo resurgiría de sus cenizas en menos de cinco años, añadiendo a su función de entretenimiento juvenil numerosas innovaciones que consiguieron el respeto de quienes hasta entonces lo habían considerado un mero juego de niños.    Algunos de los responsables de la madurez artística del rock son hoy bien conocidos: The Beatles, Yes, Pink Floyd, Genesis, The Velvet Undergroundà Otros no tuvieron tanta suerte. Este libro, en una importante labor de síntesis, pretende recoger las principales tendencias que osaron romper las fronteras del buen gusto durante las décadas de 1960 y 1970, barajando unos ochocientos artistas y analizando en detalle más de doscientos discos. Comenzará por la psicodelia y sus precursores, para luego adentrarse en el rock progresivo y sinfónico, el krautrock, el RIO, el jazz fusión y otros estilos cuyas idas y venidas nos depositarán a las puertas de una década donde todo cambiará de tono: la de los ochenta.

Tapa blanda

T&B Editores

Malas hierbas

Chavela Vargas, chamana de la música, hablaba del poder sanador de algunas canciones. De canciones que cierran heridas, que refrescan sienes febriles y alivian dolores del alma. Y una de las técnicas de curación de los dolores de desamor es llevarlo a una expresión excesiva, desmesurada, hasta que, por saturación, deja de sentirse como propio y real.  Esa es la intención de este libro, que, como un vademécum de medicinas emocionales, ofrece sobredosis en la manifestación del dolor que suavizan las grietas de los corazones desportillados.   Esta selección de coplas, boleros, rancheras, tangos, chanson francesa, balada italiana, blues y pop-rock puede degustarse a través del simple placer de la lectura de sus letras, que son desgarradoras poesías de amor infeliz, o utilizarse como guía de audición de las diferentes versiones que se han grabado, en las que la música multiplica su poder de sanación.

101 Canciones para cortarse las venas

Si alguien puede hablar de música con la documentación de un investigador, la pasión de un novelista y el amor por la anécdota de un fan, ese es Ted Gioia. Tras su monumental 'Historia del Jazz' (1977), ahora invita al lector a un viaje desde las plantaciones del Mississippi, donde nació el blues, para irse "a husmear un tiempo por Memphis y establecerse al fin en Chicago" (Peter Guralnick). Veremos cómo el blues "tuvo un hijo al que le llamaron rock and roll" (Muddy Waters), y cómo dejó sentir su influencia sobre varias generaciones de músicos, empezando por Elvis Presley. El meticuloso trabajo de campo del autor ("para entender no solo a los músicos, sino a su música", Boston Globe) le permite además trazar con pulso firme el entorno económico, social y racial de unos músicos que conquistaron el mundo desde el peldaño más bajo.

Turner

Turner Publicaciones S.l.

Noema

Blues

"Si está buscando una introducción al jazz, aquí la tiene. Si conoce bien y ama el jazz, aquí tiene su vademécum. Yo tengo intención de seguir leyéndola durante el resto de mi vida [à]. Es la obra definitiva: enciclopédica, exigente, perceptiva y sumamente legible. Con su publicación, ya no se puede decir que la bibliografía jazzística no haga justicia a la propia música". Con estas palabras recibió Jonathan Yardley, crítico del Washington Post, este libro cuando se publicó en 1997. Músico e historiador, Ted Gioia une en Historia del jazz los conocimientos del erudito con las virtudes expresivas del divulgador entusiasta para componer el más completo panorama de este género: desde su prehistoria y la temprana africanización de la música americana, hasta las semblanzas de las grandes figuras del siglo XX y de los distintos estilos y geografías. Una autorizada obra de investigación que, sin embargo, no escatima el placer de las palabras. Ted Gioia s músico, compositor, crítico, historiador, profesor y productor de jazz. Su primer libro The Imperfect Art: Reflections on Jazz and Modern Culture (1988) fue recibido con entusiasmo por la crítica y los lectores. Con Blues ha cosechando de nuevo éxito mundial y su Historia del Jazz se considera ya un título de referencia para los amantes de esta música.

Historia del jazz

«Sus orígenes, su evolución y sus transformaciones: todo está en La ópera. Una historia social. Páginas en las que no faltan las extravagancias, el oropel y la pompa».   BLAS MATAMORO, ABC Cultural    «Indudablemente, la más exhaustiva historia de la ópera que se haya escrito nunca. Este magnífico libro se convertirá en una obra de referencia».  SIR CHARLES MACKERRAS, director de orquesta    «Este libro es una obra única dentro de la literatura operística contemporánea y es necesario para entender por qué el público de ópera ama la ópera».   CÉSAR OCTAVIO MORENO ZAYAS, Pro ópera    «Un logro inmenso. Con su sensibilidad para el detalle, su prosa amena y un gran sentido común, este libro cubre la totalidad de la historia de la ópera y nos ofrece una visión equilibrada y muy completa de las diversas formas en que este género se ha ido adaptando a tiempos y lugares diferentes. Libro maravilloso para cualquier amante de la música, es una excelente contribución al mundo de la ópera».  ROGER PARKER, profesor de Música del King;s College de Londres    Desde los inicios de la ópera en diversas cortes del norte de Italia hasta su expansión por Europa y los demás continentes, este libro explora el mundo de los teatros de ópera y los empresarios operísticos, de los monarcas y negociantes, e incluso el de los artistas y el público.    En su Grand Tour operístico, el autor nos traslada a la Mantua y a la Florencia del Renacimiento, al Londres de Händel, al París de Luis XIV y a la Viena del emperador José II. Daniel Snowman sigue los pasos del libretista de Mozart hasta Nueva York, cuando en el siglo XIX la ópera deja de ser monopolio europeo, y nos lleva más lejos aún, a las representaciones que se ofrecían en las fronteras de Australia.Ya en el siglo XX, Caruso cantaba a Puccini en La Habana y Toscanini dirigía en Buenos Aires la música de Wagner. Ninguno de ellos podría haber imaginado el alcance mundial que con el tiempo tendría la ópera.     En nuestros días, se representa, se financia, se escucha, se filma y se retransmite más ópera que nunca.

Otro

Siruela

La ópera

La Cámara de Esther Cidoncha ha estado presente en los principales Clubes de Jazz de Europa y América. Este libro presenta una visión general de su trabajo con fotografías inéditas de los mitos del Jazz como Art Farmer, Kenny Barrow, Benny Carter o Joe Lovano, entre algunos de los más de 180 artistas retratados.

When light are low

¿En qué consiste entender la música? ¿Tiene el hecho musical algún significado? Compositores, intérpretes, melómanos y académicos podrían ofrecernos respuestas distintas a estas preguntas, pero ¿qué idea de la música comparten? Cuando una pieza musical no nos resulta familiar, o no se asemeja a nada que hayamos escuchado antes, es posible que digamos que no nos «gusta», pero ¿existe relación entre el deleite y la comprensión? En estos tres lúcidos y amenos ensayos, Charles Rosen explora éstas y otras cuestiones relacionadas con la composición, la interpretación y la escucha de la obra de distintos compositores, y nos ofrece así una aproximación a la música en la que tan importantes como las piezas musicales son las tradiciones en las que éstas se inscriben y se concretan como experiencia auditiva.

Acantilado

El Acantilado

Las fronteras del significado

La música es algo más que un fenómeno estético: es una gnosis, una auténtica vía de conocimiento que Eugenio Trías (autor de una de las trayectorias filosóficas más sólidas que ha conocido nuestro país) ha reconstruido en un compendio de ensayos consagrados e insignes compositores, en un recorrido que va desde Monteverdí hasta las últimas vanguardias musicales. Los misterios gloriosos de Bach, la dualidad de lo trágico y lo cómico en Mozart, los grandes relatos de Haydn, el estilo heroico de Beethoven, el concepto de la obra total de Wagner, el espíritu creador de Mahler, la nueva teología musical de Sch"nberg, la noche eterna de Béla Bartók, los sacrificios de Stravinski, el panteísmo sonoro en Cage o la arquitectura musical de Xenakis, comparecen en estas páginas para revelar sus claves internas, sus relaciones, su antagonismos y similitudes, sus oposiciones y especificidades. El resultado es no sólo una excelente colección de ensayos individuales donde podemos apreciar a los grandes compositores bajo una luz distinta, sino también un argumento narrativo: una apasionante historia de las ideas a través de la música. O como el mismo autor sugiere, tal vez El canto de las sirenas constituya el Gran Relato que algunos de los mejores músicos occidentales han ido escribiendo a lo largo de los últimos cuatro-cientos años.

Galaxia Gutenberg, S.l.

Galaxia Gutenberg

El canto de las sirenas- rústica

Todos sabemos al menos una canción de Siniestro Total. Todos sin excepción. De hecho, las conocen incluso quienes jamás han abierto una novela de Pérez-Reverte o Paulo Coelho. Porque Siniestro Total lo ha cantado todo: ha cantado a los toreros, a la nicotina, a los bocatas de morcilla, a dormir la siesta, al origen del mundo, al síndrome de Estocolmo, a tumbarse a la bartola y a esa chica muy mona que nació en Barcelona. Siempre con el más férreo buen humor.Gallego, universal y con cuarenta años de aclamación popular, Julián Hernández nos ofrece la historia de su banda partiendo de las influencias que lo marcaron como músico. En Folla con él (un título cuyo origen se explica en estas páginas) nos encontramos un recorrido por el rock de todas las décadas, y unas soterradas memorias de un artista y una banda para quienes se acuñó un adjetivo, «inclasificable», que luego nos han robado en miles y miles de textos de contracubierta.

Trama Editorial, S.l.

Trama Editorial

Folla con él

El crítico musical Fernando Fraga ofrece en su nuevo libro no sólo la definitiva biografía de Maria Callas en español, sino un recorrido exhaustivo y apasionante por su carrera musical, los detalles de sus actuaciones y giras operísticas y conciertos, así como un comentario ameno y erudito del extraordinario legado musical que suponen sus grabaciones de estudio y en directo.  Por delante de esos tres «monstruos» de la ópera que fueron el tenor Enrico Caruso, la soprano Rosa Ponselle y el barítono Titta Ruffo, la genial Maria Callas fue la más grande soprano de todos los tiempos, conocida ya en vida como La Divina. Con una personalidad arrolladora y gran magnetismo, dominaba la escena y daba vida a los personajes que interpretaba con una diversidad de matices, tan oportunos para sacar partido del momento como para revelar la psicología del personaje, posiblemente como ninguna otra cantante había hecho antes que ella. Su voz múltiple ?ligera, lírica y dramática? abarcaba el repertorio, clásico, romántico y verista de tres siglos y medio de música melódica. No ha habido otra voz con que sea comparable, ni la Malibrán, ni Giuditta Pasta, ni la Patti. Su técnica, su voz y su fraseo, con su personalísimo timbre expresivo y ese aura de profunda melancolía que sólo ella era capaz de insuflar, estuvieron siempre al servicio de un retrato global de los personajes, de una profundidad hasta entonces desconocida en la historia de la ópera.

Fórcola Ediciones

Forcola

María callas

¿Es posible designar con una fórmula sintética el carácter específico de la música? o, dicho de otro modo, ¿qué es la música? ¿Y qué es lo extramusical? Las cuestiones de fondo ligadas a la definición de la música como concepto y los cambios que esta concepción ha sufrido en la tradición cultural de Occidente desde la Antigüedad hasta nuestros días son tratados de forma compleja en este libro. Si la Antigüedad desde Pitágoras asoció la música con unas proporciones numéricas en las que se reflejaba la armonía del universo, si san Agustín habló de la scientia bene modulandi, la práctica musical que emerge al inicio de la Edad Moderna remite a la «teoría de los afectos» y a la esfera de las emociones; a partir del racionalismo del siglo xviii y el irracionalismo romántico se llega más tarde a la reivindicación, por un lado, de la falta de contenido semántico, y por otra, a la concepción de la música como un «lenguaje» que da forma, por decirlo con Webern, a «pensamientos musicales»

¿Qué es la música?

Boulez ofrece al lector un enriquecedor análisis de los diferentesenfoques teóricos que acompañan el proceso creativo en diversas artes yque pueden resultar provechosos a otros artistas.

El pais fertil

Su obra se inscribió en el centro de la profunda crisis de identidadnacional que, tras la unificación, atenazó a Italia a principios delsiglo XX, y convirtió a Puccini en un «problema.

El problema puccini

A lo largo de la historia, la humanidad ha creado millares de instrumentos musicales, y cada uno de ellos prueba la inmensa riqueza de la imaginación humana. Sin embargo, la filosofía ha desatendido el estudio de esta realidad, de la que se adueñaron hace mucho tiempo musicólogos e historiadores. Desafiando a la tradición, Bernard Sève muestra en este ensayo extraordinario y novedoso que el singular arte de la música se fundamenta en el uso de instrumentos, de modo que puede hablarse de la «condición organológica de la música»: los instrumentos desempeñan un papel fundamental en la ontología de la obra musical, no son meros utensilios accesorios, puesto que siguen siendo necesarios una vez concluido el proceso de composición, a diferencia de lo que ocurre en el resto de disciplinas artísticas. Por ello, los instrumentos musicales merecen un lugar particular entre el resto de herramientas humanas.

El instrumento musical

Beethoven, el genio romántico, hombre atormentado y fascinante capaz de componer las piezas más sublimes, vivió su tiempo con extraordinaria intensidad. Jan Swafford recrea de manera amena y profunda la vida del hombre, del compositor y del genio. Partiendo de la Bonn de la Ilustración en la que Beethoven creció y se empapó del racionalismo y el antidogmatismo que darían forma a su obra posterior, hasta Viena, capital de la música europea donde el compositor culminó su carrera, acompañamos al músico en las múltiples vicisitudes de su vida: la incomprensión de la crítica, su delicada salud, sus fracasos amorosos y su irremediable sordera, que no impidieron su consagración como genio mítico. Un libro hermoso, convertido ya en una obra  de referencia.

Beethoven

La sorprendente personalidad de Glenn Gould, su extraordinario talento interpretativo, su intensidad y su carácter escurridizo han fascinado a varias generaciones que vieron en el intérprete canadiense a un músico deslumbrante y singular capaz de inspirar tanto a músicos como a melómanos y lectores. El hechizo de su música y su carisma también cautivaron a Bruno Monsaingeon, quien logró trabar una amistad y colaboración que se prolongó hasta la prematura muerte del intérprete. Este libro recoge las evocaciones del amigo, así como las vivencias de aquellos años a través de textos e imágenes que nos descubren el universo gouldiano en un retrato casi autobiográfico.

Glenn gould

Johann Sebastian Bach es uno de los compositores más enigmáticos y complejos de la historia de la música. ¿Cómo es posible que un hombre aparentemente tan común, opaco y, en ocasiones, irritable, fuese capaz de crear una obra tan sublime? Gardiner ha interpretado y estudiado a Bach desde su primera juventud hasta la actualidad, y es hoy uno de sus intérpretes más reconocidos. Este libro nos presenta los frutos de su dilatada experiencia como director, y no sólo nos descubre las principales claves para entender y apreciar las composiciones de Bachùlas ideas que las orientaron, sus estructuras y los efectos que producen en los oyentesù, sino también todo lo que es posible saber del hombre que fue. Con este extraordinario ensayo, John Eliot Gardiner nos invita a profundizar en la obra y en el espíritu de uno de los creadores más geniales de todos los tiempos.

La música en el castillo del cielo

Si, como afirmaban los pitagóricos, la música es un principio de resonancia cósmica que entrelaza cosas distantes en el tiempo, el espacio y la forma, englobándolas en un todo ordenado, debe existir entonces, cosida en el reverso de la música que oímos, otra música oculta que en todo momento suena a nuestro alrededor, sin que la percibamos. La inverosímil noticia sobre el hallazgo de un fragmento de la Ofrenda musical en los anillos de Saturno le sirve al crítico y musicólogo Stefano Russomanno como punto de partida de un atípico recorrido por épocas y compositores diferentes para tratar de elucidar -entre ensayo y relato- los confines y la sustancia de esta «música invisible» que no sólo envuelve los planetas, las estrellas y el cielo, sino todo lo existente, incluidos nosotros mismos. El presente libro, plagado de felices y sorprendentes descubrimientos musicales, es en buena medida el relato de las escuchas, las lecturas y las experiencias que han puesto a su autor sobre la pista de la música invisible.&#8195;

La música invisible

La música está llena de números: la obra de Bach tiene una cierta lógica matemática; Igor Stravinski estaba seguro de la relación entre la forma musical y las matemáticas; y músicos como Arnold Schoenberg, Iannis Xenakis y Karlheinz Stockhausen fueron un poco más allá al basar directamente sus composiciones en criterios matemáticos.   La música ha influido a las matemáticas tanto como las matemáticas a la música. Desde Pitágoras hasta los autores contemporáneos, Eli Maor nos cuenta una historia fascinante de compositores, científicos, inventores y excéntricos que unieron el arte y la ciencia.

La música y los números

El arte de la batería representa un recorrido por los entresijos del instrumento y la profesión de baterista. Se trata de un repaso sincero, lúcido, amable y dinámico a la experiencia de hacer música rodeado de tambores y platos.El libro consta de veinte capítulos que van enfocados a profundizar en el arte la batería para conseguir un sonido propio, un lenguaje y un sello reconocibles. La obra va dirigida a bateristas de todos los niveles, instrumentistas, amantes de la música y lectores que simplemente sientan curiosidad por los asuntos que ocupan el pensamiento de los músicos.«Además de resultar útil para quien se inicia en el arte de la batería, este libro interesa a todo buen lector. Tiene valor de documento que permite aproximarse al modo de pensar de los músicos, quienes siempre me han parecido una especie rara de pensadores [...] Generalmente se comportan como materialistas sin contemplaciones, pero saben volar alto con la imaginación. Pocas veces ponen sus ideas por escrito, mas cuando lo hacen conviene prestarles atención».Santiago Auserón, Prólogo

Antoni Bosch Editor, S.a.

Antoni Bosch

El arte de la bateria

Este libro reúne las reflexiones de Nikolaus Harnoncourt en entrevistas y textos para grabaciones discográficas o programas de conciertos, que la editora agrupa en tres partes: una dedicada a la dificultad de la interpretación musical entendida como diálogo entre el compositor y el músico; otra a los desafíos específicos que plantea la enigmática figura de Mozart y su obra a los intérpretes de nuestro siglo; y una última consagrada a comentar en detalle las óperas mozartianas que Harnoncourt abordó a lo largo de su trayectoria: Idomeneo, Lucio Sila, La clemecia de Tito, El rapto en el serrallo, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte. A través de los distintos textos, Harnoncourt, apasionado y sorprendente, aclara algún que otro malentendido en torno a su labor «historicista», lega a los jóvenes intérpretes innumerables claves para comprender la importancia de su cometido y ofrece a los oyentes pistas para hacer de la escucha un ejercicio de conocimiento e inteligencia.

Diálogos sobre mozart

Siendo como fueron dos de los primeros punks en la muy inglesa y provinciana ciudad de Crawley, Lol Tolhurst y Robert Smith no lo tuvieron fácil. Por su condición de forasteros, la suya fue una amistad basada inicialmente en la proximidad y en su compartida pasión por la música, pero concretamente por el punk que hervía en Londres y por otras iniciativas artísiticas que entroncaban con ese movimiento rupturista. Atendiendo al principio al nombre de The Easy Cure, comenzaron a tocar en pubs y pronto desarrollaron un estilo y enfoque propios para componer canciones, que cristalizarían, con el tiempo, en canciones atemporales que despertaron un profundo sentido de identificación y empatía en los oyentes.

Fugas (2017)

Los años vividos. (2013)

Malas hierbas (2014)

101 Canciones para cortarse las venas (2012)

Blues (2018)

Historia del jazz (2018)

La ópera (2016)

When light are low (2014)

Las fronteras del significado (2017)

El canto de las sirenas- rústica (2012)

Folla con él (2022)

María callas (2017)

¿Qué es la música? (2012)

El pais fertil (2024)

El problema puccini (2024)

El instrumento musical (2018)

Beethoven (2017)

Glenn gould (2017)

La música en el castillo del cielo (2015)

La música invisible (2017)

La música y los números (2018)

El arte de la bateria (2024)

Diálogos sobre mozart (2016)

Cured (2018)