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Un libro insólito que recoge las fantásticas fotografías de Philomena Winstanley para Slash, a mitad de camino entre la crónica furiosa con fondo musical y la fuerza del amor, el relato crudo de dos figuras que siempre se movieron entre bambalinas pero que estuvieron en prácticamente todo y con todos. Porque, como dijo Tony Wilson, fundador de Factory Records y The Haçienda, «algunos ganan dinero, otros hacen historia». El autor ha entrevistado a muchos de los principales artistas y personajes de esta singular historia (Graham Lewis de Wire, Alice Bag, Jon Savage...), que se acompaña con decenas de fotografías inéditas de muchos de los mejores artistas de aquellos años.

Underground babilonia

Hibridación, globalización y tecnología

Al son del punk

LA GUÍA DE LOS FESTIVALES MUSICALES DE ESPAÑA QUE ESTABAS ESPERANDO España es uno de los países con más cantidad y variedad de festivales musicales del mundo, desde los más renombrados internacionalmente hasta los más especializados e insospechados. Festivales de España cataloga sesenta eventos repartidos por toda nuestra geografía. No se centra solamente en aquellos que congregan a más cantidad de público, sino que también reivindica los pequeños festivales que poseen su valor dentro de escenas más subterráneas. David Saavedra, tras casi treinta años pateando festivales, nos introduce en los orígenes de cada uno de ellos, nos cuenta anécdotas y curiosidades y nos proporciona interesantes consejos e información para disfrutar al máximo de su música y de su entorno. Además, incluye entrevistas con algunos de los artistas más significativos que han pasado por sus escenarios. Pasad, leed y soñad con cuál os gustaría que fuese vuestro próximo festival.

Festivales de España

El protagonista, en un dels seus freqüents viatges professionals, troba abandonat, a l?aeroport de Singapur, una edició molt poc freqüent de l?Ulisses i, amagats entre les seves pàgines, hi descobreix uns escrits que l?impressionen, perquè considera que deuen estar fets en uns moments de psicodèlia.A la tornada a Barcelona inicia una recerca per intentar conèixer l?autor dels escrits anònims, fins que l?interès es va convertint en obsessió, a mesura que va rebent altres escrits del mateix estil. Tot això el porta a descobrir un món que fins llavors ignorava: el dels anys del moviment underground i de l?anomenada contracultura barcelonina.La història, de ritme trepidant i estructurada a la manera d?un thriller, aboca a un final sorprenent i inesperat, alhora que va recreant persones, llocs i ambients que formaren part d?un temps i ?d?una generació que, en una època especialment convulsa, va voler ensorrar el vell món,

Després De La Tempesta, Pink Floyd

Fue el mayor invento de la historia de la música pop, el dios del rock que vino de las estrellas, lo que impactó al joven David Bowie como un rayo caído del cielo. Cuando Ziggy, el glamuroso mesías alienígena, llegó a la Tierra, transformó a B

Ziggyologia. La Breve Historia De David Bowie Y Ziggy Stardust

La música a menudo nos atrae como un mar es un homenaje a la música y a su gran poder de impactar, conducir al oyente, de desarmarle para desvelar el terreno más profundo de su condición humana, produciendo en su receptor un reencuentro con algo valioso de sí mismo que hasta entonces no conocía. Sylvain Fort, quien declara ser desconocedor de la técnica pero se demuestra delicadamente sabio en la escucha, en esta obra de sensibilidad exquisita confiere a la música el don de transformarnos y, con la ofrenda de nuestro silencio interior para acoger la entrada de lo que es puramente ajeno, el humilde presente de nuestros dos oídos, el cerebro alojando entre ellos y todo conectado a nuestro sistema nervioso, convertirnos en pasajeros de una nave que nos conduce hacia nuestra verdad emocional, el propio conocimiento; haciéndonos sentir la más variada paleta de emociones sin descubrir y vibrar de mil maneras aquello que no sabíamos que podía vibrar en nosotros. A lo largo de los catorce capítulos que conforman este ensayo, el autor muestra una auténtica devoción por la música, tratando de defini

La musica a menudo nos atrae como un mar

?Cepillar la historia a contrapelo?, que aprendimos de Walter Benjamin (2021), significa mirar al pasado desde la incomodidad, sin buscar consuelo ni embellecimiento celebratorio. La exposición Espárrago Rock. A Contrapelo parte de esa noción para ensayar una lectura en presente del impacto y la trayectoria de uno de los festivales más emblemáticos de la historia cultural reciente en España. La exposición, inaugurada en el mes de marzo de 2025 en el Crucero del Hospital Real de la Universidad de Granada y posteriormente presentada en dependencias municipales del Ayuntamiento de Huétor Tájar, propone un recorrido de carácter rizomático, diseñado para propiciar asociaciones no lineales en torno al legado de este festival. Imágenes, textos y objetos, carteles, fanzines, entradas, camisetas, recortes de prensa, materiales audiovisuales, testimonios orales, grabaciones domésticas y otros soportes gráficos conforman una cartografía de huellas desde la que es posible esbozar una genealogía crítica del Espárrago Rock, articulada en torno a las tensiones estructurales que atravesaron este evento cultural durante los años que estuvo activo en Huétor Tájar y luego en Granada. De este modo, el legado del Espárrago Rock hace posible una reflexión desde la que desenterrar relatos silenciados y evidenciar los conflictos y dinámicas de poder que el paso del tiempo ha ido velando. La narrativa de este proyecto expositivo y editorial abarca las diez primeras ediciones del festival, desde su surgimiento en 1989 en Huétor Tájar ?en el contexto de la Feria Agrícola del Espárrago (FADESPA)? hasta su consolidación en Granada a finales de la década de 1990. El recorrido expositivo no sigue un orden estrictamente cronológico, sino que se configura como una cartografía de tensiones, apuestas estéticas, conflictos y deseos vinculados a lo musical, lo social, lo político y lo territorial, dimensiones particularmente significativas en aquel momento y aún relevantes en la actualidad. El enfoque se desplaza hacia el denso entramado contextual que dio forma al Espárrago Rock: un espacio de movilización de culturas juveniles, movimientos sociales, redes de activismo, diseño independiente, fricciones con las instituciones y transformaciones en el uso del espacio público, entre otros muchos aspectos que, sin duda, reaparecerán en la memoria de quienes visiten la muestra o se acerquen a esta u otras publicaciones sobre el tema. El archivo que activa la exposición ?compilado gracias a la generosidad de muchas personas e instituciones, compuesto tanto por materiales recopilados como por otros generados específicamente para esta ocasión (entrevistas, vídeos, publicaciones o pódcast)? se plantea como una herramienta para facilitar la crítica. Su propósito es abrir preguntas en torno a las condiciones que hacen posible el desarrollo de una cultura autónoma, poner en cuestión la sostenibilidad de sus prácticas y propiciar una reflexión sobre el papel movilizador de la música en el contexto social en el que estas iniciativas suelen tener lugar. Uno de los aspectos más fértiles del proyecto es su mirada hacia los márgenes, ya que no se limita a las escenas musicales minoritarias o a los lenguajes disidentes. La investigación preliminar y la puesta en sala también abordan las tensiones internas del propio festival, desde los primeros enfrentamientos con las autoridades, pasando por las presiones económicas, hasta las críticas que llegaron tanto de sectores conservadores como de ciertos ámbitos de la izquierda. El Espárrago Rock se movió constantemente en un terreno complejo y, a menudo, incómodo. Fue un espacio de encuentro y a veces de choque entre distintas formas de entender la creación y la política. Su evolución cronológica refleja esta tensión permanente entre lo local y lo global, entre lo artesanal y lo profesional, lo rural y lo urbano. De los primeros conciertos de Los Ilegales en Huétor Tájar a las multitudinarias ediciones granadinas con Sonic Youth o La Polla Records, el festival mantuvo un extraño equilibrio entre crecimiento y autenticidad. Incluso cuando en 1993 dio el salto al recinto ferial de Armilla con presupuestos que se multiplicaron por quince, supo conservar ese espíritu de urgencia que lo caracterizaba. Las crónicas de la época hablan por igual de mosh pits descontrolados que de talleres de malabares, de macroconciertos que de exposiciones de fotografía marginal, conferencias y jornadas universitarias. Por estas y otras muchas razones, la potencia del Espárrago Rock residió precisamente en su capacidad para escapar a cualquier definición unívoca. ¿Era un evento underground? Sí, pero con un alto presupuesto. ¿Un proyecto institucional? Quizás tampoco, aunque surgiera de un ayuntamiento. Esta ambigüedad calculada, que tanto irritó a puristas de uno y otro signo, fue en realidad su mayor aportación, ya que consiguió demostrar que era posible habitar los intersticios del sistema cultural. Su ambivalencia fortalece su potencia crítica, pero también es lo que nos exige acercarnos a su historia, como proponemos, ?a contrapelo?. Entre Huétor Tájar y Granada, el Espárrago Rock dibujó durante una década un mapa alternativo de la España de los 90. Este festival ?que, como decíamos, comenzó como modesto acompañamiento de una feria agrícola en 1989? pronto trascendió su condición musical para convertirse en un fenómeno cultural de gran alcance donde confluyó una generación ávida de nuevos lenguajes. Lo que aquí se presenta no es solo la documentación de ese evento, sino la cartografía de una sensibilidad que hizo de la contradicción ?o de cierto espíritu de contradicción? su bandera. Desde sus primeras ediciones, el Espárrago Rock comprendió que la batalla cultural no se libraba solo en los escenarios. Las ilustraciones de Azagra, las viñetas subversivas de El Jueves o el humor ácido de publicaciones como Makoki funcionaron como verdaderos manifiestos visuales. Estos elementos gráficos, lejos de ser meros acompañamientos estéticos, constituyeron un lenguaje político en sí mismo, capaz de articular discursos sobre identidad, disidencia y memoria colectiva. Encontramos un ejemplo de esta actitud cuando en 1992 el festival cuestionó irónicamente el V Centenario del ?descubrimiento? de América; lo hizo no solo con lemas y canciones, sino con una iconografía que convertía los espárragos en símbolos de resistencia. Una historia a contrapelo del Espárrago Rock en Granada. Detrás de cada cartel, de cada fanzine distribuido en las gradas, latía una red de complicidades que convertía al festival en algo más que una sucesión de conciertos. Las carpas de electrónica con proyecciones experimentales, los mercadillos alternativos donde se vendían camisetas serigrafiadas junto a panfletos anarquistas, las campañas de prevención del SIDA en colaboración con organizaciones que trabajaban para cuidar de un consumo responsable como Energy Control, entre otras iniciativas, tejían un entramado social tan frágil como vigoroso. Esta publicación, concebida como coro de distintas voces y extensión crítica de la exposición, replica esa voluntad polifónica al entrelazar análisis o ensayos de corte más académico con testimonios descarnados más cercanos a la experiencia autobiográfica. Las contradicciones, lejos de ocultarse, se exhiben aquí como parte fundamental del relato. El mismo festival que cuestionaba el mercantilismo cultural acabó gestionado por una promotora profesional; el espacio que daba voz a colectivos antisistema recibía subvenciones públicas. Estas paradojas no son fallas en el discurso, sino pruebas de su complejidad. Como señala el diseñador Mauro Entrialgo en uno de los testimonios recogidos: ?El Espárrago era un monstruo que no sabíamos muy bien cómo alimentar, pero que seguía creciendo contra todo pronóstico?. Al recorrer esta exposición, con sus carteles originales marcados por el paso del tiempo, sus fotografías desenfocadas que capturan instantes robados, sus fanzines fotocopiados que

Esparrago rock, a contrapelo

'Flores en la Basura', firmado por Roberto Moso (carismático vocalista del grupo ZARAMA), nos relata el movimiento punk y sus incidencias, el Rock Radical Vasco (RRV) desde su gestación, su incidencia e interrelación con la política, su extraña comunión de intereses, así como las miserias y sueños del submundo del rock & roll que se retratan con toda su crudeza.Tomando como punto de partida el nacimiento, la vida e incluso la muerte del grupo de rock Zarama, Moso nos relata algunos de los momentos más importantes de su infancia, adolescencia y adultez. Es una reflexión sobre la amistad, la magia y los locos años ochenta en el País Vasco.Flo res en la basura nos abre las puertas a los entresijos del Rock Radikal Vasco y nos muestra desde dentro el movimiento y algunos de sus eventos y grupos -como Eskorbuto, La Polla Records o Hertzainak- más importantes.

Flores en la basura

"Un relato arrollador sobre la encrucijada del punk, el emo y el hardcore durante el estallido comercial de principiosáde los noventa y la primera década de los dos mil, centrado en once bandasáque se «vendieron» y alcanzaron la fama entre el gran públicoáo sucumbieron a la presiónA principios de los noventa, el punk rock se encontraba en un dilema. Despuésáde que Nirvana, el grupo predilecto de la escena independiente, se convirtieraáen un fenómeno de masas gracias al inesperado bombazo que fue Nevermind, rebelarse se puso de repente de moda. Con la intención de replicar el éxito del trío, los cazatalentos de las grandesá discográficas dirigieron su atención hacia el underground y comenzaron a hacer la corte a las estrellas emergentes del punk. Pero el movimiento punk «hazlo tú mismo», que seá vanagloriaba de su autenticidad y su espíritu antisistema, no estaba dispuesto a dejar marchar a los suyos sin oponer resistencia, y en consecuencia se produjo una clara división: a un lado quedaron los que se aferraron a su credibilidad indie con actitud desafiante, y al otro, los que aceptaron el dinero de las multinacionales.GREEN DAY á DOOKIEJAWBREAKER DEAR YOUáJIMMY EAT WORLD á STATIC PREVAILSBLINK-182 á DUDE RANCHAT THE DRIVE-IN á RELATIONSHIP OF COMMANDTHE DONNAS SPEND THE NIGHTTHURSDAY á WAR ALL THE TIMETHE DISTILLERS á CORAL FANGMY CHEMICAL ROMANCE á THREE CHEERS FOR SWEET REVENGERISE AGAINST á SIREN SONG OF THE COUNTER CULTUREAGAINST ME! á NEW WAVE"

Vendido

1964 es tal vez un año que podría pasar desapercibido, pero al observarlo con detenimiento parece revelarse como la bisagra de un cambio de época. Ese año Marcel Duchamp decide comercializar sus ready-mades, el pop sin complejos de Robert Rauchenberg gana la Bienal de Venecia, Dino Gavina realiza una edición de lujo de los muebles de la Bauhaus, Pete Townshend comienza a destrozar sus guitarras tras las actuaciones de los Who, los Rolling Stones publican su primer disco, se forma la Velvet Underground, Warhol expone la caja de detergente Brillo en Nueva York y abre su Factory en Manhattan donde se reúnen jóvenes alternativos... Una cultura underground se fraguaba en Europa y en EE.UU., donde activistas feministas, antirracistas y antibelicistas empezaban a organizarse en manifestaciones de estudiantes en Berkeley. También en 1964 Umberto Eco publicaba Apocalípticos e integrados, donde afirmaba que el anhelo utópico, revolucionario y disidente de las vanguardias había quedado integrado en la sociedad del espectáculo.1964. Cuando la cultura se convirtió en espectáculo ofrece una visión calidoscópica que recorre aquel año y muestra por qué es un momento clave para entender la formación de la identidad contemporánea y sus contradicciones: la rebelión y el inconformismo ligados a la cultura pop; la consolidación de la juventud en la escena social, cultural y política; la lucha por los derechos civiles y las distintas implicaciones de las comunidades surgidas en la Costa Oeste de Estados Unidos, Holanda, Francia, España...; la apoteosis del arte pop conceptual y la sublimación del mercado de arte; la aparición de movimientos contraculturales que condujeron a Mayo del 68 y al nacimiento del punk...

1964 Cuando la cultura se convirtio en espectaculo

Este no es otro libro de Pearl Jam. Porque ya hay un puñado de ellos y algunos son realmente buenos. Esta es otra historia: un mosaico de los fragmentos que conforman la esencia de la banda, contada por periodistas, fans, estudiosos, músicos, viejos conocidos y por mí. Porque este es mi Pearl Jam; descubiertos gracias a mi hermano, los que me empujaban a traducir canciones con un diccionario Oxford, quienes ampliaron mi gusto musical gracias a sus versiones increíbles, los que me llevaron a recorrer ciudades y conocer gente que aún hoy me acompaña. Un libro surgido de trabajos de universidad, programas especiales, memorabilia, podcasts, rabbit holes, mis diarios personales e innumerables entrevistas a expertos, arqueólogos sonoros y fans. Un recorrido por las letras, por su pasado combativo y un presente no menos exento de contradicciones, por la tragedia y el amor, por la cultura y las subculturas, el futuro, la marca, el diseño y la autenticidad. Estas son las palabras cuya banda sonora me ha acompañado en los últimos veinte años. Así suena mi Pearl Jam.

Este no es otro libro de pearl jam

En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido ?desde la música a la forma de grabar o de vestir?, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el ?archienemigo? Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.

Honky tonk heroes

Un relato vibrante sobre el auge y la caída del indie rock en el siglo XXI y su paso de subcultura a fenómeno pop global.Fuera cual fuera tu puerta de entrada al indie rock, una vez dentro, escuchar esa música era como formar parte de un club secreto. En este libro, el periodista cultural Chris DeVille reconstruye la edad dorada del género, desde los primeros años dos mil hasta la década de 2010, antes de que el streaming cambiase la música para siempre.De la mano de bandas como Arcade Fire, Radiohead o The 1975, DeVille viaja al pasado para rememorar momentos decisivos de la cultura pop que hicieron posible el auge del indie: los blogs musicales, las descargas en MP3 o la irrupción de series como The O.C.áEl resultado es un ensayo cultural que transciende a discos y bandas, que se pregunta cómo lo alternativo dejó de ser minoritario, quién decide lo que es cool y cómo una escena supuestamente underground dio forma a nuestras vidas.«Un firme candidato a entrar en el canon de los grandes libros sobre rock». ?Tom Beaujour, coautor superventas de Lollapalooza y Nöthin' But a Good Time«Chris DeVille no solo escribe una historia extremadamente entretenida y minuciosa de nuestra música favorita, sino que consigue contar la crónica de nuestras vidas a lo largo de las tres últimas décadas. Un 9,5. Le resto medio punto únicamente por la cantidad de veces que tuve que dejar el libro para poner una canción». ?Dave Holmes, editor de Esquire y autor de Party of One

La Musica Indie

Probablemente la mejor novela gráfica de la historia, por la ganadora del Premio Princesa de Asturias  Celebramos los 25 años de su primera publicación en francés con un estuche que recupera la obra en su formato original en cuatro tomos.  Persépolis es la revolución islámica iraní vista desde los ojos de una niña de diez años, que asiste atónita al cambio profundo que experimenta su país, mientras debe aprender a llevar el velo. Su sueño será huir. Un libro cargado de una amarga ironía y de mucho humor, sobre la historia de una nación, pero también sobre el proceso de madurez de una niña que no entiende ni acepta la injusticia, la intolerancia ni que le digan qué música tiene que escuchar.La crítica ha dicho:«Altamente recomendable para ser conscientes de la existencia de un mundo que a veces sentimos lejos».Laura Sutil, Esquire «Persépolis no solo sigue siendo una obra icónica de referencia universal, sino también un grito urgente dirigido al presente, con el que visibilizar y combatir la herida abierta de la violencia sexual en los conflictos».Almudena Orellana, Efeminista«Doliente y responsable. [ ] Intensamente personal y profundamente político, el relato autobiográfico de Marjane Satrapi examina que significa crecer en un ambiente de guerra y represión política».Begoña Alonso, Elle «Hay lecturas que son joyas que todo el mundo debe leer al menos una vez. Es el caso de Persépolis».Cristina Cantudo, Fotogramas«Una obra universal».Les Inrockuptibles «Absolutamente maravillosa».The Guardian «Incontestable obra maestra».Frankfurter Allgemeine Zeitung «Un monumento inesperado, sugerente y perdurable».The New York Review of Books«Decir la verdad es más simple de lo que pensamos. Satrapi lo sabe ilustrar con un claridad y un humor que desarman al más desconfiado».Neue Zürcher Zeitung «Genial. Un libro de consulta obligada sobre Irán, el integrismo islámico y Oriente Próximo».San Francisco Chronicle«Con su demoledora sencillez, Persépolis transmite muchísima más información más que cientos de libros de Historia».Le Monde Diplomatique

Persepolis (Estuche Cuatro Libros)

En los sumideros de Neo-Híspalis, donde las miserias se purgan bajo una lluvia ácida perpetua, Rex Costa es un archivista de memorias ajenas. Pero cuando acepta alojar en su cerebro la culpa de un poderoso rico de la Ciudadela por una suma irresistible, no solo vende espacio en su mente? vende su alma. La memoria pertenece a Marcus Vance, el hombre al que culpa por la muerte de su esposa. Entre sus recuerdos, yace la última imagen de Elara.Un thriller psicológico de corte cyberpunk ambientado en una Sevilla distópica, a un tiempo oscura y luminosa.Esta obra ha obtenido la distinción de PreFinalista en el VI Premio de Novela de Ciencia Ficción Ciudad del Conocimiento

Anfitrión Cero

Joan Manuel Serrat explicado a través de sus canciones y sus grandes temas. Una selección de cincuenta letras que forman parte de la historia sentimental de diversas generaciones y que nos permite conocer las motivaciones de uno de nuestros compositores y poetas más emblemáticos. A través de sus propios comentarios y los de sus coetáneos, este libro traza un recorrido completo por su trayectoria para rendir homenaje a la sensibilidad de un artista que ha dado voz a todo un pueblo y que celebra ahora cincuenta años dedicados a la música. Una propuesta ilustrada con elegancia que sugiere una mirada hacia la esencia de sus canciones y su universo, que incluye la discografía oficial, las anécdotas imprescindibles y todo aquello que los amantes de Serrat no querrán dejar de saber.

Comanegra

Serratología. Cincuenta canciones comentadas e ilustradas

¿Cuál es el secreto para que una canción logre llamar la atención de un número importante de personas? La composición musical nos abre un mundo de posibilidades infinitas. Cuando escribimos una canción elegimos consciente o inconscientemente seguir unos

Cómo componer canciones

La historia de Joy Division, Siouxsie & The Banshees, The Cure, Bauhaus, The Sisters of Mercy, Killing Joke, The Cult, Echo & The Bunnymen, The Birthday Party, Nick Cave & The Bad Seeds, The Cramps, The Gun Club, Lydia Lunch, Soft Cell, Magazine, Theatre of Hate, New Model Army, Joolz, These Immortal Souls, Crime & The City Solution, Diamanda Galás, Einstürzende Neubauten, Virgin Prunes, Cocteau Twins, Danielle Dax, Cardiacs y muchos más...Con el eco todavía audible de los alaridos e improperios del punk, que arremetió contra el establishment, el buen gusto y la industria musical a mediados de los setenta, un grupo de jóvenes desencantados que recibió su impacto empezó a fraguar una nueva hornada de bandas que se extendió a partir de 1978 por toda Gran Bretaña y más allá. Siouxsie Sioux, parte del conocido como Contingente de Bromley que escandalizó a todo el país cuando apareció acompañando a los Sex Pistols en el Today de Bill Grundy, dio con una primera formación de los Banshees para registrar su primer single, "Hong Kong Garden", más o menos cuando Joy Division, desde Manchester, se dieron a conocer con "Shadowplay" a través del programa de televisión de Tony Wilson ?con un Ian Curtis contoneándose como un poseso? y The Cure lanzaron "Killing an Arab", con ecos del existencialismo de "El extranjero" de Camus. Un año después, en Northampton, los Bauhaus de Peter Murphy rindieron homenaje al mito del cine de terror con "Bela Lugosi's Dead", que pareció volver a la vida con la espeluznante guitarra de Daniel Ash, y desde Leeds, The Sisters of Mercy, liderados por el clarividente Andrew Eldritch, lanzaron en su propio sello "The Damage Done", el embrión de los hits crepusculares que no tardarían en llegar. Nacía así una nueva escena musical que acabaría siendo conocida como rock gótico, y que acogería en su seno otras derivaciones siniestras, como el pyschobilly de The Cramps o The Gun Club.Con un espíritu igualmente combativo que el del punk que los antecedió y alumbró, pero con unas letras más tintadas de poesía y de oscuros referentes literarios, los héroes y heroínas de este libro empezaron a incubar desde sus dormitorios un estilo de guitarras hirientes, bajos estentóreos y voces cavernosas (o a veces etéreas) que darían lugar a algunos de los himnos más imperecederos de los ochenta, a la par que, con el atuendo negro, el pelo crepado que popularizaron Siouxsie, Robert Smith y Nick Cave y una imaginería propia del más lóbrego cementerio, se hicieron eco del descontento social propiciado por el gobierno conservador de Margaret Thatcher y su paulatina criba de los derechos sociales y laborales.Como afirma en el prólogo Ana Curra de Parálisis Permanente, el grupo español que mejor supo empaparse de todo lo que estaba sucediendo desde ultratumba, Cathi Unsworth "disecciona y entreteje con ojos alquímicos una inspirada y laberíntica tela de araña, y pone en contexto planos sociopolíticos, geográficos y culturales para erigir a los hijos del ángel caído y rendir tributo con esta carta de amor a todos sus protagonistas".

Temporada de brujas

LIBRO DEL AÑO según Rough Trade y Resident ENTRE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO SEGÚN Rolling Stone, Mojo y Sunday TimesLas aclamadas memorias de Miki Berenyi de Lush, o los altibajos contados con una honestidad brutal de una superviviente del britpop de los 90.Hija de padres ausentes y bohemios, Miki Berenyi sufrió desde muy joven los frecuentes traslados y la oscura presencia de una abuela maltratadora, lo que acabaría desembocando en diversos trastornos. El camino para salir de este agujero fue la música. Junto con su amiga de la universidad Emma Anderson formó Lush, grupo que grabó desde finales de los 80 varios discos para el prestigioso sello 4AD entre el shoegaze y el britpop y alumbró algunos himnos del pop británico, pero que desapareció de manera fulminante tras el suicidio del batería Chris Acland en 1996.En sus memorias, Berenyi revive las agotadoras giras, las sesiones de grabación y la locura de la industria musical de los 90 en Gran Bretaña, y documenta el emocionante ascenso y la prematura caída de Lush. Pero, sobre todo, relata el conflicto entre su lenguaraz y provocadora personalidad pública y su fragilidad privada; la dificultad de ser una mujer en un mundo exasperantemente masculino y machista, y la lucha por encontrar un término medio entre el prestigio y las concesiones comerciales.Contada con franqueza y sin tapujos, un humor irónico y una honestidad emocional desgarradora, esta es la increíble historia de una mujer pionera y una banda seminal que supieron abrirse camino a pesar de las adversidades.

Cruzando los dedos

LA HISTORIA DE LOS JESUS AND MARY CHAIN CONTADA POR LOS HERMANOS REIDDurante cinco años, los hermanos William y Jim Reid conversaron hasta altas horas de la madrugada en el salón de la casa de sus padres en East Kilbride, Escocia, imaginando cómo sería su grupo de rock ideal. Sabían que no podían tocar en la misma banda porque discutirían sin parar, así que se describían mutuamente sus grupos de ensueño, hasta que finalmente se percataron de que esas dos bandas perfectas eran en realidad la misma, y que el nombre de ese grupo tenía que ser The Jesus and Mary Chain. Poco después grabarían un single para la recién creada discográfica de Alan McGee, Creation, que los puso en boca de todos, y de allí forjarían uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos: "Psychocandy". Seguirían una serie de conciertos caóticos, inundados de acoples, imprevisibles y beodos que cimentaron la leyenda.Retomando esas conversaciones nocturnas más de cuarenta años después, William y Jim cuentan por primera vez la historia completa y sin tapujos de una de las bandas de guitarras más influyentes e imperecederas del rock británico: una crónica hilarante y conmovedora de luchas fratricidas, feedback, disturbios y adicciones contada a dos voces por dos sempiternos outsiders.

Incomprendidos: The Jesus And Mary Chain

LAS MEMORIAS DE THURSTON MOORE DE SONIC YOUTHMEJOR LIBRO DE MÚSICA DEL AÑO SEGÚN ROUGH TRADE, RESIDENT Y VANITY FAIRThurston Moore se fue a vivir al East Village de Manhattan en 1978 con ansias de imbuirse de música y de discos. Quería sumergirse en las vistas y los sonidos del centro de Nueva York: la energía salvaje de sus clubes nocturnos, el rugido angular de sus bandas y las personalidades magnéticas que pululaban por sus calles. Pero, sobre todo, quería hacer música, crear sonidos indelebles que conmovieran, provocaran e inspiraran.Su sueño se hizo realidad en 1981 con Sonic Youth, banda que Moore montó con Kim Gordon ?de quien esta editorial publicó sus memorias: "La chica del grupo"? y Lee Ranaldo. El grupo pronto se convirtió en un elemento fundamental de la floreciente escena «no wave» de Nueva York: una colisión vanguardista de arte y sonido, poesía y punk, o las enseñanzas de Glenn Branca filtradas por el prisma de los Ramones. Pasaron de ser los favoritos de la crítica musical a convertirse en un peso pesado del rock internacional, encabezando festivales en todo el mundo, contribuyendo a difundir artistas como Nirvana, Hole y Pavement, y tocando junto a iconos como Neil Young e Iggy Pop. A pesar de todo, Moore siempre mantuvo un amor inquebrantable por la música: lo nuevo, lo desconocido, lo desafiante, lo irresistible?"Sonic Life" es el testimonio de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y un homenaje a una época de creatividad explosiva a partir de un relato de primera mano de Nueva York en un momento cultural decisivo; una historia del rock alternativo tal y como nació y llegó a dominar el mundo, y una carta de amor a la música, sea cual sea su forma.

Sonic life

***En la lista de los Mejores Libros del Año 2019 según NPR***Cuando Liz Phair irrumpió en la escena musical independiente a principios de los noventa con su controvertido doble álbum "Exile in Guyville" ?su particular respuesta, tema a tema, al célebre "Exile on Main St." de los Rolling Stones?, su sinceridad descarnada, sexualidad sin tapujos y talento como escritora de canciones lo convirtieron en un disco fundamental del rock alternativo y en manifiesto generacional. Siguiendo la estela de otros iconos del rock como Patti Smith o Kim Gordon, Phair compone una original autobiografía a partir de diecisiete momentos clave de su vida a modo de cuentos morales que transpiran miedo, dolor, rabia, humor, sentimiento de culpa o patetismo a partes iguales. Sin hacer concesiones y dejando de lado la habitual autocomplacencia de las estrellas del rock, Phair hurga en las cicatrices que ha dejado una vida consagrada a la creación para concluir que son las traiciones ?padecidas o infligidas? las que nos conforman como seres humanos.

Historias de terror

"Un chaval del barrio" ("Tenement Kid") es la autobiografía de Bobby Gillespie, referente indiscutible del rock británico independiente de finales de los ochenta y los noventa como frontman de Primal Scream, quienes con su álbum "Screamadelica" de 1991 ?para muchos uno de los mejores de todos los tiempos? redefinieron las claves del rock de fin de siglo con su espíritu abiertamente hedonista, en consonancia con la escena rave de clubs británica y las drogas de diseño como el éxtasis, por entonces en su máximo apogeo.Nacido en el seno de una familia de clase trabajadora y militante de Glasgow en el verano de 1961, Gillespie creció en el conflictivo barrio de Springburn poco antes de que fuera desmantelado. A los dieciséis años abandonó la escuela y empezó a trabajar como aprendiz de litógrafo, y cuando descubrió a los Clash y a los Sex Pistols fue imbuido por el rock y el punk, que para el joven significaron una visión iconoclasta de la rebelión de clases y lo conminaron a forjarse como artista. Hizo sus pinitos con Altered Images ?a quienes acompañó como roadie de teloneros de Siouxsie & The Banshees?, tocó los teclados en la primera formación de The Wake y la batería con los Jesus and Mary Chain durante la época del esencial "Psychocandy", para luego liderar su propio grupo: Primal Scream.Estructurado en cuatro bloques, "Un chaval del barrio" está construido como un redoble de batería in crescendo que estalla en la última parte, con la llegada del Segundo Verano del Amor a finales de los ochenta y el advenimiento de la cultura de club y el acid house, espíritu del que se contagió Primal Scream para forjar uno de los álbumes más influyentes de los noventa y punta de lanza del prestigioso sello Creation Records de Alan McGee. A modo de colofón, el libro relata la desenfrenada gira de verano de 1991 que precedió al lanzamiento de "Screamadelica"."Un chaval del barrio" es un libro lleno de gozo, asombro, pasión e ira de un apóstol del rock que contribuyó a reformular de forma radical el futuro del sonido de la música popular británica. Publicado treinta años después de este hito de la historia de la música, Gillespie cuenta los avatares de una década que arruinó Margaret Thatcher y salvó el acid house.

Un chaval del barrio

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Historias de terror (2020)

Un chaval del barrio (2022)