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Esta biografía explora la vida y la carrera de una de las, si no la, pianista más emblemática del siglo XX. Es una obra imprescindible para los amantes de la música académica y para aquellos interesados en conocer la vida de una artista cuya intensidad y genialidad continúan inspirando a nuevas generaciones. Olivier Bellamy compone un estudio íntimo y detallado de la vida de Argerich, desde sus primeros años en Buenos Aires hasta su ascenso en los escenarios más prestigiosos del mundo, presentando no solo sus logros, sino también los desafíos personales y profesionales que ha enfrentado a lo largo de su extraordinaria carrera. Revela los matices de su singular pensamiento artístico, su compleja relación con la fama, su fresca rebeldía y su poco convencional búsqueda de la perfección musical. Este libro captura la esencia de Argerich, presentando un retrato conmovedor y auténtico de una mujer cuya vida es tan apasionada y compleja como la música que interpreta.

Martha argerich

Cajal. El arte de la ciencia.

La obra de Gaudí solo puede comprenderse plenamente cuando se percibe el papel fundamental que el símbolo juega en ella, el cual revela no solo su profunda relación con la tradición hermenéutica que funde el cristianismo con el romanticismo, sino también los sutiles hilos que lo unen con el sentimiento estético presente en las obras de coetáneos suyos como Marcel Proust, Oscar Wilde, Nietzsche o Thomas Mann.     El símbolo en Gaudí no solo sirve como medio para sintetizar arquitectónicamente, con una voracidad infinita, múltiples niveles de significado: religiosos, históricos, naturales, literarios, metafóricos, populares, numerológicos, mitológicos, biográficos, científicos... sino también como un armonizador de contrarios: la razón constructiva y la decoración, la naturaleza y el arte, la geometría y la imaginación, la carne y el espíritu, el dolor y el castigo de crear y el éxtasis redentor de alumbrar la forma de una arquitectura que, a través de la mediación simbólica, supere la inanidad de la materia para participar plenamente de la vida.

Gaudí. Símbolos del éxtasis

La fuerte personalidad del arte español llegó a materializarse durante el siglo XVII, aunque, por diversas circunstancias, nadie se percató, fuera de España, de este fenómeno hasta el siglo XIX. En realidad, hasta el viaje de Manet a Madrid en 1865 no se produjo el arco crítico definitivo que señalaba como los tres puntos culminantes del arte español a El Greco, Velázquez y Goya .A partir de entonces, no hubo un solo movimiento de vanguardia que no estuviera influido por la Escuela Española, por lo menos, hasta fines de esta centuria. Así ocurrió con el romanticismo, el realismo, el naturalismo, y, aunque parcialmente, también con el impresionismo y el simbolismo. El redescubrimiento tardío de El Greco dejó una impronta en la génesis del expresionismo y el cubismo de la primera década del XX. Fueron dos españoles, Picasso y Gris, quienes dieron un impulso más relevante para el cubismo, lo mismo que los expresionistas alemanes o centroeuropeos tuvieron en cuenta la influencia de Zuloaga o Anglada Camarasa, muy estimados, en general, por toda Europa hacia 1900. Tampoco deja de ser sintomático que fueran artistas españoles, como Miró, Dalí, Buñuel u Oscar Domínguez, figuras capitales del surrealismo. De tal manera que, a la fascinación internacional por el arte tradicional español durante el siglo XIX, le siguió otra, en este caso basada en la destacada actividad de los artistas españoles de vanguardia, por lo menos, durante el primer tercio del s. XX.

La invención del arte español

Cortés. Retrato y estructura

Aquest estudi pretén aclarir la trajectòria vital i professional dels Ochando, la nissaga d'escultors més fecunda i de més llarga presència en el temps a les comarques castellonenques. La producció artística d'aquesta família abraça els segles xvii i xviii, sense descartar que les seues arrels s'enfonsen en el segle xvi i els seus epígons s'allarguen fins al segle xix.En el decurs d'aquest extens període els seus estilemes formals s'adaptaran a la moda de cada moment i ho faran amb un elevat grau de qualitat. Des del darrer manierisme del retaule de l'ermita de la Mare de Déu de Gràcia de Vila-real, passant per l'exultant barroc decoratiu del retaule principal de l'església de la Nativitat d'Almassora i arribant a l'apoteosi del rococó en els retaules de Traiguera i Portell de Morella, tot un extens repertori de recursos formals els permetran deixar a les esglésies castellonenques i del sud del Principat excel·lents mostres de la seua producció, realitzada majoritàriament en fusta, sense oblidar que Josep Ochando Navarro fou director artístic de la Reial Fàbrica de Ceràmica de l'Alcora.

Els escultors ochando

El artista es presentado en la diversidad y complejidad de su trayectoria, de su trabajo con sistemas de proporciones y texturas diversas debido a su invención de las rimas plásticas. Juan Gris es también el representante más cierto de la nueva definició

Fundacion Telefonica

Colección cubista de telefonica

Ofrece una narrativa de la obra más reciente de Kader Attia, con un arte multidisciplinar basado en una perspectiva teológica y política sobre la modernización. Una exploración de las complejidades de la experiencia poscolonial que exige un cambio en nuestra forma de relacionarnos con las culturas, las tradiciones y los objetos.

Kader attia: Un descenso al paraisoua descent into paradise

Covadonga hernandez

Los desastres de la guerra. Versión castellano.

Reflejo de un compromiso.

Desenfocat

Dimitris pikionis

Joan Miró encontró en los Estados Unidos un espacio de reconocimiento y libertad creativa. Este volumen, igual que la exposición que lo acompaña, sitúa la experiencia norteamericana del artista como eje central de su trayectoria. Así, se explica cómo Miró, en sus siete viajes a los Estados Unidos, conoció a artistas de distintas generaciones que admiraban su obra y se influenciaron mutuamente, tanto a través de sus creaciones como de los procesos de trabajo. Además, los encargos que realizó en Cincinnati o Harvard, las dos exposiciones monográficas en el MoMA, así como también el apoyo y la complicidad de su marchante Pierre Matisse y su amigo Josep Lluís Sert, fueron determinantes para impulsar el reconocimiento de Miró en los Estados Unidos. Con textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall y Anne Umland

Miro y los estados unidos

Chez matisse. Versión castellano.

Mad.DC

Joaquín Sorolla (1863?1923) is one of the great masters of painting, renowned for his mastery of light and color. His output totals 4,200 works in oil, watercolor, and gouache. For more than three decades, Blanca Pons-Sorolla, the artist's great-granddaughter and the foremost authority on his legacy, has systematically recorded and studied this collection in order to organize it into a chronological catalog raisonné. This first installment is the first volume of this project and is dedicated to the early years of Sorolla's career, represented by the more than 1,050 works collected here, many of which have been studied and reproduced for the first time.

Sorolla. Catalogue raizonne. 1876-1894

Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los grandes maestros de la pintura, célebre por su dominio de la luz y el color. Su producción alcanza las cuatro mil doscientas obras en óleo, acuarela y gouache. Durante más de tres décadas, Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y máxima autoridad de su legado, ha registrado y estudiado sistemáticamente este conjunto para ordenarlo en un catálogo razonado cronológico. Esta primera entrega supone el primer volumen de este proyecto y está dedicada a los primeros años de la trayectoria de Sorolla, representada en las más de mil cincuenta obras que aquí se recogen, muchas de ellas estudiadas y reproducidas por primera vez.

Sorolla. Catalogo razonado de pinturas. 1876-1894

Diez horas con rafael moneo.

Presentamos un fascinante catálogo de exposición del Espacio Fundación Telefónica en Madrid.La selección profundiza en los temas recurrentes del universo artístico de Jaume Plensa, como la identidad, la fragilidad de la condición humana, lo efímero, la espiritualidad, el silencio, la comunicación y el lenguaje.Jaume Plensa es conocido por sus esculturas monumentales en espacios públicos y por su uso innovador de materiales. Es reconocido como una de las voces más importantes del panorama artístico actual.La exposición abarca más de 30 años de la carrera de Plensa, desde principios de los años noventa hasta la actualidad, explorando desde diferentes perspectivas la profunda reflexión sobre la condición humana que atraviesa toda su obra. Desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras creaciones, hasta representaciones más recientes de carácter figurativo y sensual.Plensa elige materiales distintivos e innovadores como el hierro, el vidrio, el acero inoxidable, el alabastro y la resina. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales y se expone en museos y espacios públicos de todo el mundo, incluyendo el Nasher Sculpture Center en Dallas, el Rockefeller Center en Nueva York, el University of Michigan Museum of Art, el Yorkshire Sculpture Park en Reino Unido, la Crown Fountain en el Millennium Park de Chicago y Water's Soul en Newport, EE. UU., entre otros. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos la Medalla de Caballero de las Artes y las Letras y el prestigioso Premio Velázquez de las Artes.

Materia interior/ interior matter

El libro combina fotografía, poesía, testimonios y ensayos. En sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar de la desposesión, nutren la vida, sanan, cantan y recuerdan. Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa mexicana que explora las complejidades y los retos a los que se enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.

El rastro de la serpiente / the serpent's trail

Acercamiento a la figura de Martín Chirino, a la faceta escultórica y a los demás aspectos que le hicieron destacar como uno de los intelectuales más importantes y comprometidos con las artes de la segunda mitad del sigo XX y comienzos del XXI.

Martin Chirino ¡Sin Pasion No Hay Vida!

Una de las sugerencias que la teoría de la evolución de las especies ha hecho es que la evolución humana corrió a la par del desarrollo del arte. Las pinturas rupestres manifiestan un despertar que ningún otro animal tuvo en la historia. Esta relación entre el arte y el ser humano, tan íntima y perpetua, se convierte en fundamento de lo que somos. Probablemente por eso, Platón apreció el papel formativo que el arte podía tener en los ciudadanos, idea que se conservó en el tiempo con pensadores como Aristóteles, Leibniz, Hegel, Schelling y Schiller, por mencionar algunos. El presente libro recoge ocho excepcionales trabajos donde se ahonda en el papel que el arte guarda en la formación integral de la persona. Las propuestas, tan variadas y sugerentes, van desde la apuesta pedagógica hallada en los poemas épicos homéricos; la relación entre la música y el desarrollo virtuoso en Platón; la concepción helénica sobre el ideal humano en la máxima bello-bueno, hasta las relaciones que el barroco tuvo en la configuración de una identidad nacional o la comprensión sobre cómo el arte sirve como catalizador para la solidaridad, entre más. El libro editado por Roberto Rivadeneyra nos invita a sumergirnos en la intimidad de nuestro ser para descubrir los vínculos entre el arte y la educación que nos permiten llegar a contemplarnos como seres que, de una u otra manera, desde siempre hemos sido formados por el arte.

Arte y educación

Este libro no pretende otra cosa que mostrar la compleja historia del arte y de las teorías que lo han intentado explicar. Más que proponer soluciones el libro siembra dudas al intentar explicar que no siempre el arte estuvo ligado a la belleza. Durante siglos, desde el inicio del cristianismo hasta finales del siglo xv, la función del arte fue sobre todo realizar imágenes para alimentar la piedad de los fieles. Sin embargo, poco a poco, prevaleció la tendencia a apreciar las obras de los artistas por su belleza. De este modo las artes se convirtieron en artes bellas y, desde Kant, la disciplina filosófica que se ocupó de su estudio se llamó Estética. Superada la metafísica y descartada la posibilidad de acceder con la razón a la realidad trascendente, tocó al arte mostrar lo que racionalmente no podía conocerse. Este fue el motivo por el que la estética ocupó una función de gran relieve en la reflexión filosófica. Y, sin embargo, la sucesiva historia de la filosofía y su rechazo del proyecto moderno llevaron al abandono de las esperanzas puestas en la Estética, a la vez que el arte dejaba de nuevo de comprenderse como bello. Más que belleza el arte contemporáneo manifiesta la inquietud de nuestra época, la desazón de no haber sido capaces de desvelar el misterio de nuestro mundo ni de comprender nuestra presunta grandeza.Y todo esto merece ser estudiado para reconocer en el arte nuestra propia historia y darnos una respuesta a la necesidad que los hombres seguimos sintiendo por hacer y contemplar obras de arte.

Estetica para principiantes

Martha argerich (2025)

Cajal. El arte de la ciencia. (2024)

Gaudí. Símbolos del éxtasis (2017)

La invención del arte español (2013)

Cortés. Retrato y estructura (2018)

Els escultors ochando (2024)

Colección cubista de telefonica (2012)

Kader attia: Un descenso al paraisoua descent into paradise (2025)

Covadonga hernandez (2025)

Los desastres de la guerra. Versión castellano. (2025)

Reflejo de un compromiso. (2025)

Desenfocat (2025)

Dimitris pikionis (2025)

Miro y los estados unidos (2025)

Chez matisse. Versión castellano. (2025)

Mad.DC (2025)

Sorolla. Catalogue raizonne. 1876-1894 (2025)

Sorolla. Catalogo razonado de pinturas. 1876-1894 (2025)

Diez horas con rafael moneo. (2025)

Materia interior/ interior matter (2025)

El rastro de la serpiente / the serpent's trail (2025)

Martin Chirino ¡Sin Pasion No Hay Vida! (2025)

Arte y educación (2024)

Estetica para principiantes (2024)