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En Antes de actuar, la reputada directora de escena norteamericana Anne Bogart trata el proceso de creación en todos los ámbitos cuando se da en condiciones poco favorables. En momentos como el presente, tiempos convulsos política, social y económicamente en el nuevo mapa trazado después del 11-S, la «inacción» no es una posibilidad: el «actuar» del título no se refiere únicamente a la interpretación del actor, sino al hecho de reaccionar ante todo, de dar ese paso adelante que permite tomar medidas ante la adversidad. «La experiencia artística es un momento íntimo atrapado en el correr del tiempo», dice en este libro, donde pasa revista a ocho conceptos clave del proceso creativo, especialmente el teatral.

Artes Escénicas

Antes de actuar

Los maestros de interpretación no enseñan a triunfar, enseñan el oficio y echan al actor al mundo, dice Bernardo Hiller en este libro que condensa su experiencia de casi 40 años como actor y su método como celebrado coach de actores. Porque parece que en el mundo de la interpretación es de mal gusto hablar de cosas como el dinero, los agentes, los castingsà es decir, los elementos más pragmáticos de la carrera actoral. Hiller ofrece una serie de consejos y ejercicios para alcanzar el «triunfo» en el negocio del espectáculo.  ¿Qué tiene uno de especial que ofrecer a la industria? Pues todo, porque cada uno es único. Hiller alienta a sus alumnos a ser diferentes y auténticos: es imposible ser un buen actor si uno no es «la estrella» en su propia vida, y su técnica se basa en poner orden en los miedos e inseguridades que impiden a un actor actuar de forma auténtica y le reducen a hacer falsas imitaciones de los sentimientos. Insiste en la necesidad del trabajo sobre la vida personal y la aceptación como principal herramienta para alcanzar los objetivos.

Deja de actuar, empieza a vivir

Breve manual del monólogo de humor da consejos prácticos a aquellos que se dedican al arte de lo que en el mundo anglosajón se conoce como stand up comedy. John Vorhaus transmite a profesionales y aspirantes todo su conocimiento sobre esta disciplina, que consiste en plantarse delante de un micrófono en un escenario vacío y entretener durante un rato al público, no con una sucesión de chistes como los antiguos cómicos, sino con un relato coherente en el que se combina la experiencia personal con una visión crítica (muchas veces cínica) del mundo, todo con grandes dosis de humor, que es, en realidad, el ingrediente principal. El propósito principal de esta guía es que cada humorista preste atención a su propia voz, la busque y la desarrolle.

Breve manual del monologo de humor

Fundamentos

¿Por qué? Trampolín del actor (edición revisada)

Cómo dejar de actuar es ya un clásico entre los libros de técnica actoral, aunque su autor deteste particularmente la palabra «técnica». Harold Guskin ha orientado a un sinfín de estrellas -de Glenn Close a Kevin Kline, de Michelle Pfeiffer a Chris Noth- y este libro, dirigido tanto a actores consagrados como a principiantes, propone una idea singular: «abandonar la idea de actuar y limitarse simplemente a reaccionar al texto». Ahondando en la libertad y la receptividad, en el impulso y en el instinto, enseña a no tener miedo a equivocarse, y ofrece brillantes consejos para afrontar un cásting, adaptarse a las distintas exigencias del teatro, el cine y la televisión, salirse del encasillamiento, trabajar con las emociones o interpretar grandes papeles del repertorio clásico.

Cómo dejar de actuar

El arco iris del deseo glosa las diferentes técnicas que el gran pedagogo teatral brasileño ha desarrollado a lo largo de su dilatada carrera en la que se ha centrado en utilizar el teatro como instrumento de liberación personal que además es capaz de operar cambios profundos en la vida de los individuos.

El arco iris del deseo

La voz y el actor contiene el método de aprendizaje y producción vocal que Cicely Berry utiliza en la mítica Royal Shakespeare Company; un auténtico referente de la formación vocal para directores y actores teatrales que desde hace décadas aporta ejercicios para el desarrollo de la relajación y el control de la respiración.

La voz y el actor

El sistema Stanislavski es la base pedagógica de la mayoría de las escuelas occidentales de teatro. En 1951 se editó El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, un complemento al libro que el mismo autor, Konstantín Stanislavski, escribió bajo el título El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia (Alba Editorial, 2003). La influencia que ambos libros han tenido en el teatro y en el cine soviético, norteamericano y de muchos otros países ha sido enorme. Este segundo volumen -que tardó más de 20 años en gestarse- representa la ardua publicación, en su momento, de un conjunto de borradores mecanografiados, otros escritos a mano, con anotaciones en los márgenes y con multitud de esbozos. La guerra y la posguerra hicieron aún más difícil la publicación pero finalmente los manuscritos vieron la luz, gracias también a la colaboración de Stanislavski que poco antes de su muerte apartó los manuscritos necesarios para concluir del libro. En El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, actores, directores de escena y cualquier lector ávido de conocer de primera mano el germen de El Método hallará el entrenamiento físico-vocal que Stanislavski propone para poder abordar el personaje. Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de auténtica referencia llega por fin al lector español en traducción directa de su lengua original, tal y como el maestro ruso lo concibió.

El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación

Las luces se encienden, el actor toma el espacio y el público lo percibe: la comunicación ha comenzado... Este instructivo e inspirador libro muestra cómo pueden los actores utilizar su cuerpo para ser tan expresivos y elocuentes como lo son con las palabras. El cuerpo elocuente trata de volver a pensar y analizar las necesidades físicas del actor. Ofrece una serie graduada de ejercicios con el objetivo de satisfacer dichas necesidades y de crear un cuerpo totalmente elocuente como medio de expresión. Mediante el proceso de formación expuesto aquí, el actor conseguirá la habilidad, la imaginación y la confianza físicas necesarias para hacer de su cuerpo un medio expresivo. Además de dirigirse a actores, El cuerpo elocuente también ofrece a profesores, directores, directores de movimiento y coreógrafos un punto de partida para aplicar los conceptos y principios del libro a su propio trabajo. Anne Dennis ha sido durante muchos años jefa del Departamento de Movimiento de Rose Bruford College of Speech and Drama de Londres. Se formó como bailarina, actriz y mimo en los Estados Unidos antes de conseguir la beca Fulbright, que le permitió estudiar en París con Etienne Decroux. A lo largo de los últimos cincuenta años ha desarrollado su labor en el ámbito del teatro físicamente expresivo por toda Europa y EEUU.

El cuerpo elocuente

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCION DEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

La construcción del personaje

Yoshi Oida vierte sus enseñanzas teatrales -en las que conjuga la tradición oriental junto a su experiencia occidental de más de treinta años como actor y director en Europa- en El actor invisible. Se trata de un libro de referencia teatral en el que Oida, ayudado en la redacción por Lorna Marshall, enseña al lector a alcanzar un estado actoral en el que el público no note la presencia del actor como tal, sino solo como mediador de la experiencia que le hace vivir.

Editorial Alba

El actor invisible

Un actor se prepara es la primera obra de pedagogía teatral de Konstantín Stanislavski (pesudónimo de Konstantín Serguéievich Alekséyev, Moscú, 1863-1963), todo un clásico y uno de los grandes renovadores del mundo de la escena y del arte teatral del primer tercio del siglo XX, junto con Serguéi Diáguilev (el creador de los Ballets Rusos) y Erwin Piscator (director teatral y autor de Teatro político).Un actor se prepara, aunque obra de carácter autobiográfico, adopta la forma narrativa de diario de un estudiante, llamado Kostya, durante su primer año de aprendizaje del «sistema Stanislavski», que no se presenta como un «método» particular sino como todo un análisis sistemático del orden «natural» de la verdad teatral. En él se abordan numerosos aspectos relacionados con las habilidades que tiene que desarrollar un actor en escena, desde la relajación de los músculos o la memoria emotiva a la concentración y motivación interna.

Un actor se prepara

Peter Brook, una de las figuras más relevantes e innovadoras del teatro occidental, pasa revista en este volumen a cuarenta años de su trabajo en el teatro, la ópera y el cine; desde sus primeros montajes en los años cuarenta hasta su memorable versión del Mahabharata. Entre sus muchos éxitos están las producciones de diversas obras de Shakespeare, como El Rey Lear o Sueño de una noche de verano, sus experiencias con el «teatro de la crueldad», que culminaron con Marat / Sade y sus películas en especial El señor de las moscas. En 1970, Brook abandonó la Royal Shakespeare Company para fundar una compañía en París y profundizar en la investigación teatral. Esta iniciativa tuvo como resultado diversas experiencias en Oriente Medio, Asia y África, así como la reelaboración bajo un nuevo prisma de algunas piezas clásicas como El jardín de los cerezos.En este texto, Brook comparte con el lector sus descubrimientos y sus problemas, haciéndole partícipe de una visión íntima y enriquecedora de algunos de los mayores acontecimientos teatrales del último medio siglo. Un libro que deleitará a los aficionados del teatro tanto como a los profesionales de las artes escénicas.

Cambiar el punto de vista

España

Manual prÃíctico que muestra las tÃ©cnicas para laenseÃ±anza de teatro y trabajo escÃ©nico a grupos de 3-6aÃ±os de edad. La variedad de las actividades y ejemplosde las sesiones se describen junto con los objet ivoseducativos del ciclo infantil a lo largo de capÃ¡tulosdedicados a: trabajar la seguridad y las habilidadessociales; el mimo y la expresi Ã³n; el movimiento y elbaile; la vocalizaciÃ³n y el lenguaje; el ritmo y elcanto; la seguridad y el trabajo en equipo. Con estelibro, los pr ofesionales aprenderÃín a dirigir yplanificar sesiones teatrales con c onfianza y seguridad.

Teatro 3-6

Ampliamente considerado desde el momento de su publicación como uno de los mejores estudios jamás escritos sobre el cine y la cultura del horror, "Monster Show" indaga de manera provocadora y reflexiva en la obsesión de nuestra sociedad con lo macabro. Esta edición conmemorativa del 30 aniversario incluye un nuevo prólogo escrito para la ocasión por David J. Skal y decenas de ilustraciones adicionales.Iluminando el lado oscuro de la historia reciente de Estados Unidos, "Monster Show" rastrea los sorprendentes vínculos entre los entretenimientos terroríficos y las grandes crisis sociales de nuestro tiempo, así como la función del horror como contrapartida del surrealismo, el expresionismo y otros movimientos artísticos del siglo XX en el campo de la cultura popular. Armado con una penetrante capacidad de análisis y un sinfín de anécdotas, David J. Skal explora diversos ámbitos de la expresión cultural: de la pintura, la fotografía y los cómics a la televisión, el teatro y la música. Centrándose en última instancia en el cine, Skal examina los modos en que el arte popular predominante durante estos últimos cien años ha reflejado los traumas de dos guerras mundiales y una Gran Depresión; las visiones de desmesura atómica, invasión y control mental engendradas por la Guerra Fría; la moda de los efectos especiales capaces de distorsionar el cuerpo que se desarrolló en paralelo con la obsesión por la cirugía plástica; y el vínculo entre la epidemia del SIDA y una renovada fascinación por el vampirismo, entre muchos otros temas.

Es Pop

Monster show

En el escenario y en la pantalla reconocemos una gran actuación cuando la vemos. Pero, ¿cómo consiguen los actores convertirse en arte?, y ¿cómo logran conferir a la fantasía la apariencia de lo real? Hace más de un siglo, uno de los directores de teatro con más talento de todos los tiempos, Constantin Stanislavski, se planteó estas preguntas y propuso múltiples respuestas que, desde 1930 y durante más de medio siglo, fueron interpretadas y adoptadas en Estados Unidos, una nación que todavía no había encontrado su voz como potencia artística.Los creadores del Método formarían a generaciones de actores. El Método ayudaría a algunos; pero destruiría a otros. James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Paul Newman, Kim Stanley, Dustin Hoffman, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Al Pacino..., son algunos de los artistas formados en el Método, o contra el Método, que consiguieron que Hollywood se convirtiera en la fábrica de sueños global que es hoy en día.Saltando a la perfección entre los puntos de vista de los personajes, mientras relata sus vidas y sus épocas, el crítico y director de teatro Isaac Butler explica la biografía del Método como nunca antes se había hecho, en una narración que transporta a los lectores de Moscú a Nueva York y Los Ángeles, de La gaviota de Chéjov a Un tranvía llamado Deseo de Tennessee Williams, de La ley del silencio de Marlon Brando, a Toro salvaje y El Padrino.

El metodo

Memoria Mundi

El éxtasis del ser

Un diccionario travieso, cercano, quizás torpe, al vuelo no demasiado elevado de una mariposa. Las mariposas, tal y como nos recuerda el antiguo pensamiento oriental, no son capaces de volar demasiado alto y sus alas, frágiles y llenas de belleza, pueden deshacerse tan solo con rozarlas. Con estas palabras, Javier Tolentino describe su propia obra que como el dice dicha comparación puede ser curiosa, obvia y natural pero a medida que el lector vaya devorando las páginas, percibirá que no era fácil traer al insecto volador y al que todos los idiomas del mundo guardan para nombrarlo la más hermosas de las palabras de sus respectivas lenguas.

Un alfabeto para emma suárez

Este libro es una detalladísima descripción del trabajo conjunto entre director y actores para conseguir que la función sea, como dice su título, Diferente cada noche. La larga experiencia de Mike Alfreds como director de escena ?del National Theatre a la Royal Shakespeare Company, pasando por el Globe? le permite exponer numerosos ejercicios y técnicas que él mismo ha aplicado en sus montajes, con el objetivo primordial de alcanzar el mayor rigor y precisión en las decisiones que vertebran el proceso creativo. Es un manual eminentemente práctico, en el que el actor es el eje central y se tratan las tres áreas principales de su trabajo: el texto, el personaje y el mundo de la obra. El teatro tiene que ser siempre «un acontecimiento único, abierto permanentemente al cambio».

Diferente cada noche

Animado por el mismo espíritu que Stanislavski, Vajtángov, Michael Chejov, o Meierhold, su propia experiencia como actor y director lleva a Lecoq a reformular principios, investigar procesos y revelar nuevos aspectos de la relación dinámica del actor, el cuerpo y el espacio.

El cuerpo poético

Esta selección de escritos sobre el teatro de Bertolt Brecht reúne en un volumen textos del autor surgidos principalmente en los años del exilio, entre 1933 y 1947. En ellos Brecht discute sus teorías sobre el teatro épico, la dramática no aristotélica, sus conceptos sobre la técnica del actor, la función de la escenografía o el papel de la música en el teatro y el cine.

Escritos sobre teatro

Todas las personas nacen con algún tipo de habilidad especial, pero la habilidad hay que nutrirla y desarrollarla. Y, en el campo de la interpretación, es esencial para cualquiera que quiera triunfar descubrir la verdad de sí mismo, no intentar parecerse a nadie por famoso y admirado que sea. Esta es la paradoja del oficio de actores y actrices: al actuar, no puede notarse la preparación, pero la preparación es imprescindible. Bernard Hiller, después de su ya clásica guía Deja de actuar, empieza a vivir, cuenta en este nuevo libro cómo ha ayudado a muchísimos intérpretes de fama mundial a conocerse y descubrir su identidad real.

Guia para la actuacion del futuro

Los trucos del actor disecciona meticulosamente la preparación del actor para abordar la escena. Yoshi Oida propone al lector una serie de ejercicios diarios para que armonice con su cuerpo y ofrece valiosas lecciones y formas de enfocar cada etapa del trabajo que el actor debe emprender antes de subir al escenario. En la parte final hay un apéndice de ejercicios para poder llevar la técnica a la práctica con facilidad.

Los trucos del actor

Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.

Antes de actuar (2015)

Deja de actuar, empieza a vivir (2015)

Breve manual del monologo de humor (2023)

¿Por qué? Trampolín del actor (edición revisada) (2004)

Cómo dejar de actuar (2012)

El arco iris del deseo

La voz y el actor

El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación (2009)

El cuerpo elocuente (2014)

La construcción del personaje (2011)

El actor invisible (2010)

Un actor se prepara (2014)

Cambiar el punto de vista (2019)

Teatro 3-6

Monster show (2023)

El metodo (2023)

El éxtasis del ser (2022)

Un alfabeto para emma suárez (2019)

Diferente cada noche (2019)

El cuerpo poético (2003)

Escritos sobre teatro

Guia para la actuacion del futuro (2023)

Los trucos del actor (2010)

Juegos para actores y no actores