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La escultura ha tenido siempre dificultad para establecer su independencia como arte, en parte debido a la ausencia de una clara formulación de sus leyes autónomas. En este sentido, el propósito de este libro es brindar, con ilustraciones de las piezas más significativas, un estudio integral sobre la escultura y cubrir un vacío en el terreno de la bibliografía sobre las artes plásticas. Las conferencias reunidas en este volumen no pretenden ser un estudio exhaustivo de la escultura, sino más bien, la constatación de una tesis: que la escultura tiene potencialmente una estética propia, que despunta en la prehistoria, asoma en su integridad en algunas ocasiones a lo largo de la historia y recién en la modernidad y a partir de Rodin, se actualiza completa y conscientemente con otras obras.

Asunto Impreso Ediciones

El arte de la escultura

What is music, and what is its purpose? Does it still make sense to study music in today's world? Composer Ennio Morricone is guided by conversations with his disciple and confidant, Alessandro de Rosa, in this exploration of the great musical paradoxes and contradictions of our times. Morricone also draws on his encounters with figures including Fellini, Clint Eastwood, Quentin Taranino, and Oliver Stone. ¿Qué es la música? ¿Cuál es su propósito? ¿Sigue teniendo sentido estudiar música hoy en día? Las historias y reflexiones de Morricone que surgen de la conversación con su discípulo y confidente, Alessandro de Rosa, nos plantean estas cuestiones. Vida y obra confluyen en una suerte de partitura que nos permite contextualizar y comprender algunas de las grandes paradojas y contradicciones de nuestro tiempo. Conversar con Morricone invita a reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la música. No menos fascinante es la crónica de sus encuentros con personalidades como Sergio Leone, Pasolini, Fellini, Scola, Bertolucci, Clint Eastwood, Tarantino, Brian de Palma u Oliver Stone. Nos regala, además, un paseo por su producción ajena al cine que él define como 'música absoluta'.

Malpaso Editorial

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En busca de aquel sonido

Fiel a su formación autodidacta, David Wojnarowicz desafió las fronteras entre lenguajes, medios y acciones, y escapó de las definiciones unívocas: fue pintor, músico, fotógrafo, escritor, realizador de películas en Super 8 y protagonista decisivo del efervescente entorno social y cultural del East Village de Nueva York en los años ochenta. De su obra visceral sobresale su espíritu colaborativo en comunión fluida con otros, pero también contestatario. Miembro del colectivo act-up, Wojnarowicz fue un activista muy involucrado con las políticas identitarias de los homosexuales antes y durante la epidemia del sida, enfermedad que lo privó de amistades y amores y que se lo llevó incluso a él en 1992, a los 37 años. En su trayectoria, arte y militancia estaban en permanente diálogo y reinvención, y ambos debían ganar la calle para circular por fuera del corset de las instituciones tradicionales, ocupando espacios que no les estaban destinados.

Pocos artistas lograron capturar el caos emocional, sexual y político de la vida urbana moderna de una manera tan perceptiva como Wojnarowicz. Las ventanas son mi televisión y las calles mi periódico, dice en estos diarios íntimos, que comienza a escribir a los 17 años y que continúa hasta su muerte. En ellos asistimos a su día a día, a sus viajes improvisados, al fluir desencajado de sus pensamientos y sensaciones. Pese a haber tenido una infancia muy dura, y a haber vivido en la precariedad absoluta los peores años de la administración de Reagan, Wojnarowicz nunca dejó de capturar destellos de belleza, aunque fueran el reverso de una soledad profunda y de una inseguridad recurrente. Inspirado en Burroughs y Genet, pero también en el ambiente de la no wave, el postpunk y las drogas químicas, deambulaba por las calles y embarcaderos abandonados de las márgenes del río Hudson, prostituyéndose e integrando comunidades fugaces. En este libro aparece la trastienda de los escenarios que son los protagonistas de sus obras más famosas, y está presente el constante registro de su cuerpo, que se agudiza cuando recibe su diagnóstico de vih positivo. Es consciente de haberse contagiado un virus que encarna además lo peor de una sociedad enferma; una que margina y excluye cada vez más a las disidencias y las abandona a su suerte. En la sombra del sueño americano exhibe el registro privado de un Wojnarowicz sensible y comprometido, abrumado por las demandas de supervivencia, persiguiendo el placer y la libertad incluso cuando no hay más luz al final del túnel.

Caja Negra Argentina

Synesthesia

En la sombra del sueño americano

Este viaje por lugares extremos en América Latina empieza en México, a la sombra de una inmensa barriada de viviendas sociales de la década de 1960, cuando las colmenas de pisos baratos parecían la solución a la escasez de vivienda. Sigue visitando las villas miseria de Buenos Aires, los cerros de Caracas, las favelas de Río, las casas ampliables de Chile, las laderas de Medellín ahora salvadas por el Metrocableà y diversas iniciativas de vivienda social planteadas con espíritu práctico, creatividad y una mirada al futuro.  Desde mediados del siglo XX, cuando la utopía del movimiento moderno se fue a América Latina para morir, la región se ha convertido en un campo de pruebas para las concepciones más radicales de lo que es una ciudad. Aquí, en el continente más urbanizado del planeta, las ciudades extremas han dado pie a situaciones extremas. Justin McGuirk las ha recorrido y vivido y el resultado es este libro radical, imprescindible para interesados en la política, el urbanismo y las maneras de vivir en el siglo XXI.

Turner Libros

Ciudades radicales

Los ensayos recogidos en el presente volumen reflexionan sobre el valor del arte desde diferentes perspectivas. En primer lugar, se interrogan sobre la existencia de un valor específico del trabajo artístico y las obras de arte. En particular, algunos textos abordan la cuestión central del valor estético y de su conexión con la interpretación, la apreciación y el juicio de las obras de arte. En segundo lugar, ocupa un espacio central del libro el análisis de la relación entre el estético y otros valores que apreciamos en las obras de arte, como el valor documental, el histórico, el epistémico o el moral. Por último, la literatura, el cine o las artes plásticas son analizados desde el punto de vista del modo particular de dar sentido y articular en cada caso una concepción valiosa del mundo.

A. Machado Libros

A. Machado Libros S. A.

Antonio Machado Libros

El valor del arte

"Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025. El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo. En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en

A Botanical Stroll Through The Prado

The Prado Masterpieces

El museo del prado

Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025. El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo. En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes e

Un paseo botanico por el prado

Entre las muchas y muy diversas influencias de otros maestros que confluyen en la obra de Picasso, la del Greco es quizás la más temprana y decisiva, ya que se inició a finales del siglo XIX, cuando el malagueño, casi adolescente, residía en Madrid. Estudiante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sabemos que Picasso pasó más tiempo en el Museo del Prado copiando a los grandes maestros que en la propia Academia. «¡Greco, Velázquez, inspirarme!» o «Yo, el Greco» se puede leer en dibujos de aquellos años de formación. Recuperado del olvido por los jóvenes vanguardistas de aquella época, el Greco, con su audaz desafío al canon de la tradición clásica, aportó las claves a Picasso para romper definitivamente con el arte del pasado y con los pilares de la representación tradicional. El Greco acompañó a Picasso durante toda su trayectoria, pero su influencia fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, del cubismo analítico. En esta primera fase del cubismo, el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen. P

Picasso, el greco y el cubismo analitico

Tarsila do amaral

La galeria

Joana Vasconcelos, reconocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria. De esta forma se une con una de las colecciones histórico-artísticas privadas más importantes del mundo, que reúne piezas de artistas como Velázquez, Goya, Rubens, Tiziano o Murillo.Esta supone la primera vez que la artista lisboeta lleva sus obras a un gran palacio habitado, a diferencia de otras intervenciones realizadas en espacio históricos como el palacio de Versalles. Esto dota a la exposición de un diálogo especial no solo entre sus obras y el palacio; sino también entre la propia artista y el duque de Alba.

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the

Des de la seva època de formació fins als seus últims dies, Paul Klee fou un artista fascinat per la observació de la natura i els seus fenòmens. La seva curiositat per lÆorigen de la forma i de lÆexpressió artística el van dur a estudiar atentament el seu entorn immediat, als afores de Berna, així com les plantes, animals, paisatges i fenòmens atmosfèrics presents en els diversos viatges que va realitzar al llarg de la seva vida. Aquest bagatge i les lectures de llibres com La metamorfosi de les plantes de J. W. Goethe van marcar la seva posterior etapa com a professor de la Bauhaus, i van donar peu a tot un corpus temàtic que es convertiria alhora en refugi artístic davant del repte que va suposar conviure amb una malaltia fatal els últims anys de la seva vida.

Paul klee I els secrets de la natura

El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel; la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee; el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.

Antoni tapies. La practica de L`art [catala]

El libro reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores.

Pedro reyes: Escultura social / social sculpture

Publicado con motivo de la exposición El Greco. Santo Domingo el Antiguo, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de febrero y el 15 de junio de 2025. Las nueve pinturas realizadas por el Greco para el convento toledano de Santo Domingo el Antiguo, su primer encargo en España, fueron la carta de presentación del pintor en Toledo y figuran entre las más memorables de toda su producción artística. Las obras realizadas para los tres retablos de la iglesia deslumbraron en su día por su calidad y su audacia, y contribuyeron decisivamente a forjar una estrecha relación entre el convento y el artista, que eligió enterrarse en él. El conjunto comenzó a dispersarse en 1830, con la venta de la Asunción, la gran tela central del retablo mayor. Esta exposición reúne, por primera vez desde entonces, ocho de esas nueve obras que el Greco pintó entre 1577 y 1579.Este libro que acompaña a la exposición, a cargo de Leticia Ruiz, jefa del departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo del Prado, hace un repaso completo a la historia de estas obras, desde su encargo por parte de Diego de Ca

El greco. Santo domingo el antiguo

Art nature

Los conceptos de magnificencia, ostentación y lujo jugaron un papel crucial en el Antiguo Régimen. El primero se relaciona con la virtud de los poderosos; los otros eran inherentes a los personajes de alcurnia, que lo manifestaban a través del consumo suntuario. Vestidos, joyas, tapices, armaduras, e incluso realizaciones efímeras, constituyeron parte esencial de la sociedad cortesana en la que, como señaló el sociólogo Norbert Elias, el consumo de prestigio era capital. Basta repasar los inventarios de los poderosos para darse cuenta de que, durante la Edad Moderna, las obras de arte en realidad valoradas fueron esas que hoy calificamos de decorativas, incluso para coleccionistas de la talla de Felipe II. Igualmente se percibe esta actitud en las colecciones nobiliarias, en las que, además, las mujeres fueron grandes protagonistas, ejerciendo un papel importante no solo en el mecenazgo, sino también como activas agentes artísticas. Las artes contribuyeron también a la promoción del linaje, ya fuera a través de fundaciones y dotaciones de espacios religiosos, la erección y amueblamiento de mansiones nobiliarias, o a través de la creación de colecciones y bibliotecas. Fueron una pieza clave en la fiesta cortesana y su objetivo de construcción de la imagen del poder. Para esto, además de lo tangible, las obras de arte en sí, los textos fueron fundamentales. Correspondencia, crónicas u ordenanzas, contribuyeron no solo a difundir los actos cortesanos y el lujo de sus participantes, sino que también permitieron su pervivencia en el tiempo, constituyendo igualmente una herramienta fundamental del poder a través del ritual. El ceremonial y el coleccionismo solo pudieron darse con la protección de algunos poderosos, por lo que este libro lleva por título las palabras de salmo, «Sub umbra alarum», texto que ya Isabel la Católica, una de las grandes coleccionistas de obras de arte, tomó como divisa.

Sub umbra alarum

¿Quién no ha soñado con encontrar una obra maestra?áUna novela insólita sobre Velázquez.Carlos de Amor emprende en esta novela la búsqueda de dos personajes especialmente esquivos. Y hace al lector partícipe y, sobre todo, cómplice de un empeño que tiene mucho de quijotesco.Hace unos meses, como le ocurre a menudo, llegó a su correo un mail que activó su instinto periodístico: un historiador del arte de Barcelona le hablaba de la posibilidad de queáun Velázquez estuviera en manos de un coleccionista privado. El retrato de una dama desconocida.A partir de ahí, se apoderó de Carlos el afán por descubrir quién era esa dama del siglo XVII y dilucidar si detrás de aquel óleo baqueteado por el tiempo estaba la mano del maestro de los maestros de la pintura.Mientras investigaba, el autor empezó a imaginar cómo sería ese Velázquez casi niño, aprendiz en el taller sevillano de Pacheco, enamorado de la hija de su maestro, su primera musa. Le siguió a Madrid, a la corte, donde enseguida su talento le abrió las casas más encumbradas hasta llegar al Rey, de quien se convirtió en pintor predilecto y hombre de confianza?.Carlos del Amor nos invita a ponernos en su piel, a acompañarle a solemnes museos, polvorientos archivos, laboratorios de restauración, madrigueras de coleccionistas, subastas glamurosas? y por el camino, abre una ventana a nuestro Siglo de Oro, y nos retrata al artista ensimismado.

Una dama desconocida

El cine ha tratado desde distintos puntos de vista el tema de la banca y los banqueros, tal y como nos muestran grandes películas que desfilan por estas páginas como, por ejemplo, La locura del dólar, Qué bello es vivir, Bonnie y Clyde, Wall Street, The Game, Margin Call, El lobo de Wall Street, Comancheríaà Los autores, profesionales del sector financiero y amantes del cine, tratan estos y otros filmes escogidos desde tres perspectivas complementarias: el banquero como personaje, analizado en su dimensión moral; las crisis financieras tal y como han sido retratadas por el séptimo arte; y el banco como escenario de películas. El resultado es un libro lleno de enseñanzas y reflexiones que recorre la imagen de la banca labrada por el cine a lo largo de su historia. El lector encontrará que la relación entre ambos mundos, tan distintos, resulta ser sorprendentemente rica y compleja; comprobará que, como en un guion bien construido, crítica y admiración, comedia y drama se alternan con la misma naturalidad con que lo hacen en la vida real. AUTORES Ignacio García de Leániz Caprile (Madrid, 1961) es profes

Dinero, camaras... Accion

El presente libro aborda la poco reflexionada y creciente relevancia de las relaciones entre el arte post-Internet, la historia del arte y la propiedad intelectual ("copyright") en el contexto del capitalismo cognitivo caracterizado por el trabajo inmaterial y la economía digital.El flujo inagotable de obras de arte en redes y los discursos cada vez más profusos en torno a ellas y a la historia del arte post-Internet más crítico, como el Net.art y el Internet art, en su faceta "hacktivista", han generado reflexiones que se interrogan sobre el valor de muchas de las propuestas enunciadas, así como sobre las limitaciones que, en el ámbito internacional, están imponiendo los distintos Estados a la libre circulación de esas producciones, lo que afecta a la libre expansión del conocimiento contemporáneo. Tales restricciones están estrechamente asociadas a las leyes de propiedad intelectual promulgadas en los diferentes países, que, en el caso de España, se refieren a la última versión de la Ley de Propiedad Intelectual, en vigor desde abril de 2015.En el marco de esas reflexiones, este trabajo se plantea en qué medida el "copyright" o los derechos de autor han sido históricamente democráticos o no y, por lo tanto, si han propiciado la autonomía creativa de los artistas frente a las instituciones artísticas, políticas, religiosas, etc. Cabe preguntarse, asimismo, si efectivamente los artistas obtienen gananciales por los derechos de autor y, en términos generales, quiénes se han beneficiado de su trabajo a lo largo de la historia del arte. En el mismo sentido, interesa saber cómo han influido históricamente los derechos de autor en el despliegue de las artes visuales desde la modernidad hasta la actualidad. Todo ello teniendo en cuenta que hoy el copyright o los derechos de autor constriñen las oportunidades de los artistas para crear y ralentizan el desarrollo cultural en vez de potenciarlo. Más aún, determinan qué tipo de arte es lícito y cuál no, hasta el punto de que mucho arte apropiacionista se considere, equivocadamente, "arte del plagio".

Arte y copyright : Del arte moderno al arte post-Internet

"Arte y democracia" nace como resultado de la decisión de los artistas, que enero de 2022 formaban parte del Consejo de Administración de VEGAP, de convocar un encuentro público para tratar el papel que hoy en día juega el hecho artístico en las sociedades abiertas.La base de este encuentro era tratar dos ideas fundamentales: por una parte, la defensa de la actividad artística en las sociedades democráticas; y, por otra, la defensa de los derechos de autor de los creadores visuales ante las rápidas y agresivas transformaciones socio-económicas de la actual sociedad digitalizada y globalizada.El Derecho de autor, producto de la Revolución francesa y de la Ilustración, está inserto en el corazón mismo de la DEMOCRACIA moderna y bajo las amenazas de las transformaciones de la actual sociedad tecnológica. La responsabilidad pública sobre el Patrimonio afecta también al reconocimiento de los artistas como generadores de PATRIMONIO CONTEMPORÁNEO.Una sociedad democrática es una creación social de aportaciones libres que encuentra en los autores su expresión más activa. El ARTE es un hecho social, tiene una dimensión colectiva que materializa los emblemas de las metamorfosis y cambios de la época.

Arte y democracia

Durante el siglo XVI, numerosos mercaderes, nobles y mecenasde origen hispánico formaron parte de la comunidad?extranjera? más poderosa de Florencia. Siguiendo la trayectoriade los personajes más destacados, promotores del arraigode ilustres familias hispanas en la ciudad del Arno, estelibro analiza la esencia de este desconocido colectivo en elcontexto de las sólidas relaciones políticas, económicas, socialesy culturales que vincularon a la Monarquía Hispánicacon el gobierno de los Grandes Duques de Toscana.Así, se averigua la figura del mercader a través del consuladocastellano, cuyos miembros constituyeron la Nobil_simaNazione Spagnola; la del noble a partir de los españolesque integraron la corte de los Médicis y la Orden Militar deSanto Stefano; y la del mecenas, descubriendo las principalesmanifestaciones pictóricas comisionadas por estos españolesen los palacios y conventos florentinos en la segundamitad del Cinquecento. Estas obras, encargadas a los artistasmás distinguidos del panorama artístico, constituyen el aspectomás externo del mecenazgo español, en consonanciacon los ideales del gusto imperante y nos permiten hablar,junto a otros aspectos estudiados en este volumen, de una?España en Florencia? o de una ?Florencia Española?.

Florencia española

El arte de la escultura (1994)

En busca de aquel sonido (2017)

En la sombra del sueño americano0

Ciudades radicales (2015)

El valor del arte (2017)

A Botanical Stroll Through The Prado (2013)

The Prado Masterpieces (2025)

El museo del prado (2025)

Un paseo botanico por el prado (2024)

Picasso, el greco y el cubismo analitico (2023)

Tarsila do amaral (2025)

La galeria (2025)

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the (2025)

Paul klee I els secrets de la natura (2022)

Antoni tapies. La practica de L`art [catala] (2024)

Pedro reyes: Escultura social / social sculpture (2025)

El greco. Santo domingo el antiguo (2025)

Art nature (2024)

Sub umbra alarum (2025)

Una dama desconocida (2025)

Dinero, camaras... Accion (2024)

Arte y copyright : Del arte moderno al arte post-Internet (2020)

Arte y democracia (2023)

Florencia española (2021)