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Piezas de estudio del ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado

Las serenas y delicadas canciones de Another green world suenan prácticamente contemplativas, pero el álbum en sí fue un experimento propulsado por adrenalina, pánico y pura fe. Se trataba del primer disco de Brian Eno compuesto casi totalmente dentro de un estudio de grabación, a lo largo de unos escasos meses de verano de 1975, y sirvió como campo de pruebas de las incipientes ideas de Eno acerca del concepto de «el estudio como instrumento musical», convirtiéndose en modelo a seguir para una nueva y atrevida forma de pensar la música.En este libro, Geeta Dayal desenmaraña los abundantes misterios de Another green world, aventurándose en sus densos matorrales sonoros. ¿Cómo pudo un álbum tan coherente y refinado realizarse, aparentemente, tan sobre la marcha? ¿Cómo se utilizó la electrónica y las capas de efectos sintéticos para crear un disco tan evocador de la naturaleza? ¿Cómo encaja una baraja de cartas en todo esto? A través de entrevistas e investigación de archivo, Dayal desentierra la extraña historia de cómo en Another green world se formuló el vínculo hacia el futuro de Eno, anunciando su metamorfosis de imprevisible rockero glam a pintor sónico.

Another green world

El objetivo principal de este libro es analizar e identificar desde el punto de vista histórico la actividad musical desarrollada en Huélamo, una pequeña localidad enclavada en plena serranía de Cuenca, en el último tercio del siglo xx y principios del siglo xxi. También se pretende atender y valorar las diferentes actividades, festividades e instantes en los que se han programado o propiciado propuestas musicales performativas en este pueblo. Tras exponer en el estado de la cuestión, como contextualización se indican, por su interés, diferentes datos demográficos sobre Huélamo. También se efectúa una aproximación al concepto de fiestas y se describen sus celebraciones principales. Del mismo modo, se analiza la presencia, la importancia y los protagonistas de la música en Huélamo. Después, en el llamado cancionero de Huélamo se reúnen la transcripción de distintas canciones recogidas en el pueblo. A continuación de las conclusiones y las referencias bibliográficas, se añaden tres anexos, en los que se incluye la indicación a los libros, capítulos de libro, artículos en revistas divulgativas y científicas y artículos de publicaciones periódicas que poseen indicación expresa en su texto a Huélamo, un pueblo gloria y leyenda de la serranía de Cuenca, un río de sensaciones.

Silex Ediciones, S.l.

La musica en huelamo (cuenca) (1964-2023)

A finales de los años sesenta, con la música pop convertida en el alimento anímico de miles de jóvenes en España, y todavía bajo el peso de la dictadura, se produjo la tan esperada revolución rockera que ya anidaba en gran parte del mundo después del fenómeno Beatles y ?los felices sesenta?, de los que aquí no disfrutamos demasiado. Llevar el pelo largo no estaba bien visto. Ser hippy era ser drogata. Amar el rock te convertía en un disidente peligroso para los buenos usos y costumbres del pacatismo nacional. Pero aquello ya fue imparable. 1969 empezó a cambiarlo todo, y al alumbrar los setenta, al producirse y estallar la mejor etapa de la Historia del Rock, por fin vivimos y disfrutamos de la mejor de las músicas, incluso en vivo, con las primeras actuaciones de algunos grandes. Seguía la censura global, los discos no llegaban o lo hacían tarde y, además, en algunos casos, cruelmente amputados. La prensa musical de los primeros años setenta (Franco murió a fines de 1975) fue una prensa heroica, única. Gracias a ella y a los que comenzaron a tomarse en serio esta vocación, como profesionales de la información, los miles de adictos se enteraban de lo que sucedía y cómo sucedía, porque ni la TV y raramente la radio programaban a la mayoría de grupos rockeros. En este contexto, como dice Jordi Bianciotto en el prólogo de este libro, la figura de Jordi Sierra i Fabra fue capital: ?Con él empezó todo?. Estas son algo más que unas ?memorias? nostálgicas. Es el testimonio del tipo que ?estuvo ahí?, que convirtió Disco Expres en un referente y cofundó algunas de las publicaciones esenciales de esta historia, amén de escribir decenas de biografías y enciclopedias que marcaron un hito por únicas. Un libro que hace justicia a un tiempo y que cuenta el nacimiento de esas revistas con precisión milimétrica (fechas y datos), una de las características de esa enciclopedia con piernas que es Jordi.

Mis años rockeros

La imaginación sonora se inicia en la aurora del occidente europeo y concluye en la época en que empieza a perder su indiscutible hegemonía en el marco de un mundo nuevo (planetario, global, ecuménico). Desde los orígenes de la escritura musical y de la polifonía contrapuntística, y el final de esta aventura occidental en dirección hacia latitudes ecuménicas, planetarias, globales, con figuras tan enigmáticas como Giacinto Scelsi, este libro traza un arco musical de aproximadamente un milenio: Orlando di Lasso, Palestrina, J. S. Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Wagner, Bruckner, Mahler o Sch"nberg. 'Al igual que en El canto de las sirenas -afirma Eugenio Trías- la filosofía está siempre presente en todo el libro. Y en particular lo está mi propia filosofía, la propuesta filosófica que he ido elaborando durante años. Pero interviene al modo de la orquesta wagneriana: de forma invisible (aunque omnipresente).'

La imaginación sonora- rústica

Carlos Paniagua se adentra en el fascinante mundo del laúd árabe, su origen, evolución y difusión, analizando las anécdotas que corrían sobre los músicos, especialmente sobre Ziryab en la corte del sultán de Bagdad y las peripecias del viaje que lo llevó a Alándalus.  Los autores árabes medievales describen el laúd por su forma, sus proporciones, el sonido, la forma de sujetarse y de tañer, los materiales para su construcción, las cuerdas, los trastes que ha tener, su situación exacta y hasta los cuidados para su buena conservación. Este trabajo es una recopilación comentada de multitud de datos dispersos que dichos autores dejaron, así como un estudio de las imágenes que sobre el instrumento se conservan en miniaturas, pinturas y esculturas medievales. Cuando todo este material se ordena y se encaja en su contexto se pueden contestar algunas cuestiones interesantes como: ¿usaban trastes en el laúd?, ¿cuándo y dónde empezó a construirse la caja con tablillas encoladas?  Cuando los árabes quisieron dar forma a la nueva Escuela de Música Árabe en el siglo VII no tenían ninguna herramienta que les permitiera fijar los sonidos y tuvieron que recurrir a un instrumento musical foráneo, el barbat persa, que por entonces causaba furor en La Meca y Medina. Con el tiempo se transformó en el ?ud al-shabbut o laúd árabe y desde entonces hasta hoy se utiliza para explicar las notas y los intervalos, llegando a ser el instrumento medieval mejor conocido de su cultura. Como luthier e investigador, hace mucho tiempo que Carlos Paniagua busca y reúne datos sobre los antiguos instrumentos musicales de cuerda en general y del laúd en particular, con el propósito de mejorar sus conocimientos y que las reproducciones que se realizan en su taller sean coherentes con la época que se pretende recrear. Cuando leyó al arabista Julián Ribera, quien afirmaba en 1922: ?... luego comenzaron a usarse los instrumentos que se tañían en las comarcas conquistadas por los árabes, especialmente el laúd, que quedó como principal y clásico. De éste se podría escribir un libro, recogiendo los datos que los historiadores de la música árabe nos han conservado?, se preguntó: ¿cómo es posible que nadie lo haya hecho todavía? Este libro es su respuesta.

El laúd árabe medieval. Historia y construcción

En las últimas décadas los estudios culturales han puesto de manifiesto que las naciones no son comunidades preservadoras de unas características ancestrales claras y definidas, sino que deben ser estudiadas como creaciones recientes, establecidas a lo l

Himnos y canciones

La musicología reciente ha mostrado gran interés por las relaciones entre la música y guerra civil española. "El Sonido del poder: música en la España de los sublevados durante la guerra civil (1936-1939)" pretende contribuir a esta línea de investigación mediante la exploración de las funciones y usos de la música en el proceso de ideologización y propaganda que se puso en marcha y desarrolló a medida que avanza el ejército de Franco. Para ello, analiza las prácticas musicales espontáneas y dirigidas en los frentes, los elementos que integraron los paisajes sonoros de los espacios públicos que albergaron ceremonias y ritos, las giras de músicos y repertorios que visitaron teatros y salones, y la institucionalización de las políticas musicales durante el periodo. Asimismo indaga, a través de casos concretos, sobre las estrategias de depuración y apropiación del prestigio de músicos e intérpretes. El trabajo se ha construido sobre fuentes de archivo y hemerográficas, aunque son epistolares las que han permitido observar, en el último capítulo, los efectos de la contienda sobre determinados profesionales de la música.

El sonido del poder

Este no es otro libro de Pearl Jam. Porque ya hay un puñado de ellos y algunos son realmente buenos. Esta es otra historia: un mosaico de los fragmentos que conforman la esencia de la banda, contada por periodistas, fans, estudiosos, músicos, viejos conocidos y por mí. Porque este es mi Pearl Jam; descubiertos gracias a mi hermano, los que me empujaban a traducir canciones con un diccionario Oxford, quienes ampliaron mi gusto musical gracias a sus versiones increíbles, los que me llevaron a recorrer ciudades y conocer gente que aún hoy me acompaña. Un libro surgido de trabajos de universidad, programas especiales, memorabilia, podcasts, rabbit holes, mis diarios personales e innumerables entrevistas a expertos, arqueólogos sonoros y fans. Un recorrido por las letras, por su pasado combativo y un presente no menos exento de contradicciones, por la tragedia y el amor, por la cultura y las subculturas, el futuro, la marca, el diseño y la autenticidad. Estas son las palabras cuya banda sonora me ha acompañado en los últimos veinte años. Así suena mi Pearl Jam.

Este no es otro libro de pearl jam

La música a menudo nos atrae como un mar es un homenaje a la música y a su gran poder de impactar, conducir al oyente, de desarmarle para desvelar el terreno más profundo de su condición humana, produciendo en su receptor un reencuentro con algo valioso de sí mismo que hasta entonces no conocía. Sylvain Fort, quien declara ser desconocedor de la técnica pero se demuestra delicadamente sabio en la escucha, en esta obra de sensibilidad exquisita confiere a la música el don de transformarnos y, con la ofrenda de nuestro silencio interior para acoger la entrada de lo que es puramente ajeno, el humilde presente de nuestros dos oídos, el cerebro alojando entre ellos y todo conectado a nuestro sistema nervioso, convertirnos en pasajeros de una nave que nos conduce hacia nuestra verdad emocional, el propio conocimiento; haciéndonos sentir la más variada paleta de emociones sin descubrir y vibrar de mil maneras aquello que no sabíamos que podía vibrar en nosotros. A lo largo de los catorce capítulos que conforman este ensayo, el autor muestra una auténtica devoción por la música, tratando de defini

La musica a menudo nos atrae como un mar

Podríamos decir que Dolly Parton sobrepasa la etiqueta de gran dama de la música country, porque así es, pero con ello aún nos quedaríamos cortos. Mucho. Empresaria, actriz, productora, compositora, mecenas, filántropa... Dolly también es todo un modelo de mujer que jamás ha permitido que le impongan una imagen determinada ni que duden de su talento e inteligencia por su aspecto físico. Más de medio siglo de carrera dan para muchas anécdotas y unas cuantas lecciones, y de todo ello nos habla la artista en estas particulares memorias que, debido a su falta de tiempo, ha delegado en dos sujetos casi igual de particulares, Eduardo Izquierdo y Eloy Pérez. O eso, al menos, aseguran ellos.

Dolly parton autobiografia no autorizada

Underground

En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido ?desde la música a la forma de grabar o de vestir?, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el ?archienemigo? Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.

Honky tonk heroes

"En el pasado, músicos como Mozart eran poco más que servidores de la corte; hoy en día son estrellas multimillonarias con más poder que los políticos. Si Mozart fue expulsado de la corte del arzobispo de Salzburgo, para decirlo con sus palabras, «con un puntapié en el culo», menos de cien años más tarde el dirigente más poderoso de Europa, el emperador Guillermo I, rindió homenaje a Wagner viajando a Bayreuth para asistir al estreno de su Anillo. Hoy Bono va por el mundo dando consejos a los políticos, y éstos parecen escucharle. Tim Blanning examina en este brillante libro cómo todo, desde el culto a lo romántico hasta la tecnología y los viajes, alimentó el inexorable crecimiento de la música en Occidente, convirtiéndola en el arte más dominante y ubicuo. Esta es una historia fascinante de poder, mecenazgo, creatividad y genio que abarca cantantes de baladas, grandes compositores, leyendas del jazz y dioses del rock".

El triunfo de la música

Mi nombre es Barbi y soy cantante. Hace algunos años me propusieron hacer un podcast sobre las mujeres en el rock. Mi idea original era hablar sobre mi ADN musical: Patti Smith, Debbie Harry, Siouxsie, Kathleen Hanna. Pero leyéndolas a ellas descubrí a otras artistas, y de esas artistas aprendí sobre otras. Historias fundamentales para la existencia de todas las canciones que me formaron. El primer blues grabado, las primeras canciones de rock and roll, la inclusión de los sintetizadores en la música popular, los primeros pasos en la autogestión, las canciones de protesta, la emancipación de la mujer, la lucha por el aborto, por los derechos LGBTIQ+, todo en manos de mujeres, lesbianas, artistas trans que desconocía o apenas conocía. Si yo sabía tanto de rock y tan poco de ellas, ¿realmente sabía algo de rock? Me robaron parte de mi ADN, y juré vengarme. Mi venganza es divulgar cada historia de cada mostra que descubra. Así como insertaron en mi inconsciente esa historia del rock heteronormativa y patriarcal a través de camisetas, videoclips, películas, revistas, posters, stickers y canciones en la radio, yo contaré estas historias. Por eso Powerpaola fue el plan maestro. Este libro tiene 48 historias que deberías conocer URGENTEMENTE, con dibujos, comics y hasta escrito a mano por ella misma. Porque necesito que estas historias queden en tu cabeza para siempre, y que modifiquen tu ADN musical como modificaron el mío.

Mostras del rock

La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor. Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto. Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos. Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio. La e

Versos de organo para la misa, regina caeli y te deum

Tonos y villancicos

Pasión segun san juan

Tres lamentaciones a solo

Nueve sonatas ineditas

Las cantatas para soprano y continuo que presentamos en esta publicación constituyen los primeros trabajos que conocemos de Giacomo Facco (1676-1753), un compositor, instrumentista y maestro de música italiano que desempeñó una importante parte de su trabajo musical en Madrid al servicio de la corte española. La importancia de la música vocal dentro de la obra del compositor véneto es incuestionable. Facco es el autor de la música de, al menos, quince obras escénicas representadas en las ciudades de Palermo, Mesina y Madrid. Además, varias bibliotecas de Italia, España, México y Guatemala conservan otras quince cantatas del compositor, tanto profanas como religiosas. In grembo ai fiori, Sentimi Amor y Clori pur troppo bella son los títulos de las cantatas incluidas en esta edición crítica, todas ellas fechadas en 1702 y conservadas en la Biblioteca del Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles.

Cantatas para soprano y continuo

Publicado en dos partes en 1753 y 1762, el Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado es una de las fuentes más influyentes para la interpretación del repertorio de la segunda mitad del siglo XVIII, junto con los tratados contemporáneos de Quantz, Agricola y Leopold Mozart. El detalle y la claridad de la información, el rigor científico con que aborda los temas técnicos, además de un sólido planteamiento estético, permiten considerarlo el primer gran método moderno para el teclado, concebido en sus múltiples facetas: clave, fortepiano, órgano y, sobre todo, clavicordio, el instrumento preferido por el autor. La edición de Eva Martínez Marín constituye la primera versión española del Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado. Reúne en un único volumen las dos partes originales de 1753 y 1762 y los añadidos del autor a las ediciones revisadas publicadas en 1787 y 1797. Incluye además la autobiografía que Carl Philipp Emanuel Bach escribió en 1773, junto con el catálogo de sus obras impresas hasta ese momento, así como un original estudio del clavecinista

Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado

Fue el mayor invento de la historia de la música pop, el dios del rock que vino de las estrellas, lo que impactó al joven David Bowie como un rayo caído del cielo. Cuando Ziggy, el glamuroso mesías alienígena, llegó a la Tierra, transformó a B

Piezas de estudio del ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado (2022)

Another green world (2020)

Low (2020)

La musica en huelamo (cuenca) (1964-2023) (2024)

Mis años rockeros (2024)

La imaginación sonora- rústica (2014)

El laúd árabe medieval. Historia y construcción (2018)

Himnos y canciones (2016)

El sonido del poder (2022)

Este no es otro libro de pearl jam (2025)

La musica a menudo nos atrae como un mar (2025)

Dolly parton autobiografia no autorizada (2022)

Underground (2023)

Honky tonk heroes (2025)

El triunfo de la música (2011)

Mostras del rock (2022)

Versos de organo para la misa, regina caeli y te deum (2025)

Tonos y villancicos (2025)

Pasión segun san juan (2023)

Tres lamentaciones a solo (2023)

Nueve sonatas ineditas (2022)

Cantatas para soprano y continuo (2021)

Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado (2024)

Ziggyologia. La Breve Historia De David Bowie Y Ziggy Stardust (2025)