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"Duerme sobre mi espinazo" articula un eros poético revisando los usos del amor en nuestros días. Con esta obra Montserrat Fernández confía al lector su experiencia de encuentro y pérdida de un amante, buscando su complicidad a través de imágenes intensas y referencias a lo cotidiano que trascienden los ritos ordinarios y los convierten en símbolos de emociones profundas. A lo largo del poemario hallamos ecos de Alejandra Pizarnik, de los juegos de palabras de Cortázar y de la inquietud de Pedro Salinas, entre otros referentes que convierten al discurso en una rica reflexión estética de la poesía amorosa contemporánea, conformando con ello un juego de intertextualidad que sitúa a la obra dentro de la mejor tradición de la poesía amatoria en nuestra lengua.

Duerme sobre mi espinazo

España

El recorrido que ha hecho la poesía durante el último siglo ha transitado entre el idealismo de finales del XIX y la deconstrucción de la segunda mitad del XX tras su retorcimiento estético durante las vanguardias. Ha sido un camino fértil en indagación, experimentación y comprensión del hecho poético. María Zambrano abordó la poesía como forma de conocimiento desde la fenomenología, algo que Chantal Maillard llevó a consecuencias más radicales cuando propuso el salto desde la razón poética hasta la razón estética. A lo largo de todo este tiempo los poetas se han debatido entre la sentimentalidad, la racionalidad, el arte, la experiencia y el espíritu que la Ilustración dejó en sus manos al tiempo que Oriente entraba en nuestras vidas con su circular sentido del tiempo y del devenir. Keiji Nishitani, último gran representante de la Escuela de Kioto, comentaba que el poema «Una sola hoja que cae, / otoño por todas partes» es más que una figura retórica. Pertenece al campo en el que la caída de una sola hoja es tomada como un hecho absoluto. Cuando nuestra mirada se posa en algo concreto y nos revela una cualidad de la vida en su conjunto experimentamos un sentido de trascendencia. El maestro japonés afirmaba que la verdad poética y la verdadera poesía era justo esa sensación que en un momento nos lleva de algo que sucede en la naturaleza a una contemplación universal. Este libro nos revela la amplitud y perplejidad de tan extraño viaje.

Aun más en la mirada

"La sangre tan solo es sangre", sentencia Ana Castro (Pozoblanco, Córdoba, 1990) en éste, su segundo poemario, en el que también se adentra en el dolor. En este caso, en la herencia familiar adquirida para tratar de deshacerse de "Esta culpa zarza que arde y me quema" (Piedad Bonnett). No resulta fácil emprender esta "Odisea", ese viaje para dejar atrás tanta guerra doméstica, y llegar finalmente a otra tierra. Allí, los vínculos que se entretejen son una decisión propia y están llenos de luz - incluso, hay espacio para el amor-. Esto implica la redefinición del concepto de familia y el renacimiento de una misma cual "cierva implacable", superviviente a toda adversidad. El lenguaje empleado resulta subversivo para la mezcla de influencias, desde la tradición más clásica a la estética pop del cine, la música o el cómic, sin perder de vista que las raíces residen en ese espacio rural del cual brotaron. Así, "La cierva implacable" es una apuesta lírica valiente, crítica y feroz, extremadamente honesta, que conecta con "El cuadro del dolor" (Renacimiento, 2017) en su simbolismo, para constatar la solidez y madurez de la voz poética de su autora.

Cierva implacable

Aunque nadie piensa en Rafael de León como uno de los poetas más influyentes de la poesía española del siglo XX, lo cierto es que muchos especialistas no dudan en adscribirlo por derecho propio a la Generación del 27 como autor de una obra poética significativa y escrita a conciencia. Aunque mundialmente conocido por su inigualable aportación a la copla, sus libros "Pena y alegría del amor" (1941) y "Profecía" (1954, en coautoría con Antonio Quintero) testimoniaron la voz de un hombre que supo entrelazar la tradición con la innovación, creando un estilo único que ha dejado una huella imborrable en la identidad cultural española. En colaboración con compositores como Manuel Quiroga y Antonio Quintero, Rafael de León creó algunas de las coplas más icónicas de la música española, interpretadas por artistas legendarios como Concha Piquer, Juanita Reina y Lola Flores. Entre sus composiciones más famosas se encuentran "Ojos verdes", "Tatuaje", "Y sin embargo te quiero" y "La bien pagá". Estas canciones destacaron por la profundidad lírica y la capacidad de León para capturar las emociones y las historias del pueblo español. Importantes nombres de las nuevas generaciones de críticos culturales como Jesús Pascual lo reivindican en la actualidad como uno de los creadores más interesantes y complejos de las letras hispanas que -eclipsado por sus éxitos en el mundo del espectáculo- no llegó a tener el reconocimiento literario que se merece. Este volumen recoge los dos libros de poesía completos que publicó en vida, y queda enriquecido por un apéndice fotográfico que hace un recorrido por algunos momentos de su vida y de su esfera más personal, ofreciendo a los lectores una poesía asombrosamente vigente, lúcida y de impecable oficio.

Poesia completa

Marcos de Quinto, conocido por su exitosa carrera empresarial al frente de Coca-Cola, se despoja de su traje de gran ejecutivo, revelándose como un poeta introspectivo que se concilia consigo mismo. ôLa otra vida del fugitivoö es un viaje personal marcado por el vitalismo y el humanismo desde la juventud hasta la madurez. A través de episodios de su propia vida y de una pulsión lírica presente en su día a día, de Quinto explora sobre la identidad, la pérdida, el amor y el desengaño en un discurso donde subyace una tensión dialéctica entre el poder y el deseo. Este libro aborda esa otra vida que todos vivimos en nuestro interior como fugitivos de las convenciones sociales y de las expectativas que se ciernen sobre cada uno, en un relato poético dividido en tres partes temporales: "Juventud", "Madurez" y "Extrañeza". ôLa otra vida del fugitivoö reflexiona sobre la lealtad a uno mismo, las contradicciones, las frustraciones y la construcción de la propia biografía. Cada poema funciona como una "fotografía de tinta", capturando un instante de la vida emocional y espiritual del autor en diferentes momentos y lugares del mundo, lo que imprime a este libro de poesía un espíritu de cosmopolitismo que alimenta la imaginación del lector y la imagen del carácter nómada de una voz definitivamente extraña y atípica.

Otra vida del fugitivo

"Cantares del más acá", de Jorge Solís, es una obra poética que reinterpreta el Cántico espiritual de San Juan de la Cruz desde una perspectiva contemporánea, anclada en la inmanencia del mundo sensible. Galardonado previamente con el Premio de Poesía Pablo García Baena, Solís despliega en este libro una voz lírica que fusiona la tradición mística del Siglo de Oro con las inquietudes de la poesía espiritual actual. A través de once "Canciones", el poemario traza un itinerario de encuentro amoroso donde la amada ùhumana, natural o proyección del yoù se revela como presencia omnipresente, transformando el anhelo trascendente de San Juan en una celebración del "más acá": "Adónde te encontré / callado / sin luz en tanto brillo": flores, hojas, viento y luz se convierten en epifanías de lo sagrado. La naturaleza, el silencio y el amor como saber intuitivo atraviesan las composiciones, marcadas por un lenguaje sensorial y un ritmo casi litúrgico que evoca la cadencia mística, aunque con una sencillez accesible. Poemas como "Canción del encuentro" o "Canción de nueva luz" exploran la paradoja de "nada sabiendo sino amor", mientras el cierre, "Canción de vuelta", afirma la plenitud del presente: "y en este bosque abierto / estar y estar estando". Dialogando con poetas contemporáneos como Ángela Segovia y María de la Cruz, Solís ofrece una espiritualidad íntima y corpórea, alejada de dogmas, que resuena con la sensibilidad actual. Las citas de Juan Ramón Jiménez, Goethe y Emily Dickinson enriquecen su intertextualidad, situándolo en un puente entre lo clásico y lo moderno. "Cantares del más acá" es un canto a lo visible como suficiente para la belleza y la verdad, una obra que reafirma la vigencia de la mística en un mundo secular, con una voz fresca y profunda que invita a habitar el instante.

Cantares del mas aca

"Traslumbramientos" es una enigmática obra poética donde el asombro y la perplejidad ante lo cotidiano se transforman en una lírica de honda resonancia metafísica. A través de cuarenta poemas construidos desde un particular sentido de "apertura de lo íntimo", Santiago Elso teje una red de correspondencias entre lo visible y lo invisible, entre la experiencia inmediata y su trascendencia, siguiendo la estela de poetas como José Ángel Valente o Clara Janés en su búsqueda de una palabra esencial que ilumine los intersticios de la realidad.El poemario se articula en torno al concepto de "traslumbramiento" ùese instante de deslumbramiento que precede a la desapariciónù, convirtiendo la fugacidad y lo efímero en territorio fértil para la indagación poética. Desde el primer hombre fotografiado hasta una estrella fugaz, desde un árbol talado hasta la luz filtrada por una persiana, los poemas exploran esos momentos de revelación donde lo ordinario se transfigura en extraordinario. La obra destaca por su capacidad para aunar tradición y modernidad, como señala el jurado del XXXII Premio Internacional de Poesía Ciudad de Córdoba "Ricardo Molina". El autor maneja con maestría tanto formas clásicas como versos libres de largo aliento, siempre al servicio de una mirada contemplativa que descubre epifanías en los detalles más nimios de la existencia."Traslumbramientos" es un libro que celebra la perplejidad ante el mundo y reivindica el poder de la poesía para capturar esos instantes donde la realidad parece revelar su verdadera naturaleza frente al sinsentido del mundo contemporáneo. Una obra que confirma a Santiago Elso como una de las voces más sólidas y personales de la poesía española contemporánea.

Traslumbramientos

"América y paisaje" explora la encrucijada entre el mito americano, el paisaje y la identidad personal. A través de sus textos, Yániz teje una narrativa lírica que oscila entre lo íntimo y lo universal, lo concreto y lo abstracto, suscitando un diálogo entre el individuo y el vasto paisaje americano, que se eleva a la categoría de arquetipo postmoderno. Yániz profundiza en la mitología americana, evocando figuras icónicas como Georgia OKeeffe y explorando temas como la migración, la frontera y la transformación del territorio, manteniendo una capa introspectiva, entrelazando reflexiones personales con observaciones sobre el arte, la naturaleza y el lenguaje. A lo largo del poemario, Yániz demuestra una gran habilidad para fusionar referencias culturales diversas, desde la literatura clásica hasta el arte contemporáneo. Sus versos incorporan múltiples idiomas y juegan con la forma, creando un tapiz poético rico y multifacético. El libro explora temas como la soledad, el cambio, la búsqueda de identidad y la relación entre el ser humano y su entorno. Yániz utiliza el paisaje americano como un lienzo sobre el que se proyecta el yo poético, convirtiendo el desierto, las autopistas y los espacios urbanos en metáforas de la experiencia humana. "América y paisaje" se distingue por su enfoque innovador de la poesía contemporánea. Yániz combina una sensibilidad poética con una aguda conciencia de las complejidades sociales y culturales del mundo que nos rodea. Su obra refleja una voz joven pero madura, invitando al lector a contemplar las intersecciones entre el mito, la realidad y el proceso de significar nuestras experiencias, ofreciendo una perspectiva fresca y provocativa sobre temas eternos.

America y paisaje

Este segundo poemario de Adrián Fauro supone la consolidación de una de las voces más frescas y divertidas del panorama contemporáneo. El autor se sirve de la nieve como epicentro de un aluvión de parpadeos, resonancias y referencias a la cultura musical que, pese a presentarse con apariencia desordenada, descubren una intimidad coherente, sencilla y sumamente entretenida. De la playa de Alicante al invierno Madrid, del gato de Lisa Simpson a un gato de carne y hueso, de una pokédex robada a una nevada de 1926, de odiar leer en público a desear la nube Kinton... Este libro traza recorridos transversales donde el factor común es la ternura. He aquí un alegato a favor del eclecticismo de quienes aman y en contra de la prepotencia en la poesía.

Nieve sucia

"Jacob y el ángel" es mucho más que una gran poética de nuestro tiempo. Es un clamor empapado de erudición literaria pero sobre todo de emoción. Estamos ante una reflexión profunda acerca de la poesía, de lo que es y de cómo podemos relacionarnos con ella. Haciendo un recorrido por figuras literarias icónicas como Emily Dickinson y Juan Ramón Jiménez, José Luis Rey la retrata como un estado de espera activa, en el que el poeta reside justo en el umbral del espíritu sin pretender nunca adueñarse de él. Es una exploración sobre cómo vivir en la tensión entre el deseo que mueve al escritor de alcanzar su realización y el reconocimiento de que nunca será completamente suya. El autor liga su comprensión del hecho poético a un sentido gnóstico de la vida, instándonos a buscar "la perla" de la verdad poética y espiritual, pero advierte que esta búsqueda podría costarnos todo, incluso nuestro propio ser, como le sucedió a grandes figuras como Rimbaud. Esta obra es, en última instancia, una llamada a sobrevivir la inspiración, a mantenerse en esa constante víspera que es la vida del poeta, la vida de todo aquel que aspira a lo trascendental. Este libro es una síntesis iluminadora de filosofía, literatura, estética y mística. Posiblemente el libro más comprometido y lúcido de uno de los poetas más reconocidos del panorama actual. Un manifiesto y una declaración de principios poderosamente urgente y necesaria.

Jacob y el ángel

Una historia de amor donde los amantes se funden hasta casi borrar su propia historia para, después, experimentar la resaca de la pasión amorosa y la inexorable ruptura. Mediante un lenguaje elaborado, preciso, fresco, Rut Muñoz acompasa el ritmo de los versos al de los cuerpos que se aman y se desenamoran en este libro donde la experimentación da como resultado un poemario coherente y equilibrado entre el intenso fondo y las formas más novedosas.

Empujeme usted así

Carne triste no es sólo un poemario brillante, sino un peculiar manifiesto generacional donde la cultura digital y la intimidad intransferible trabajan juntas para fabricar un calor sencillo y efectivo, capaz de fundir Pokémon y París en un mismo fruto rutilante. Aquí conviven Annie Ernaux y La Manga del Mar Menor, la purpurina y el ajedrez, los horrocrux y las pérdidas definitivas, el verano del 2000 y los fantasmas.Encabezado por un maravilloso prólogo de Aida González Rossi y Sofía Crespo Madrid, en cuya estructura resuenan las mismas influencias que configuran y articulan el tono general de los poemas, este libro es un brillante sucesor de los anteriores trabajos del autor y, con él, Pablo Baleriola se consolida como una de las voces poéticas más potentes y necesarias de su generación.

Carne triste

XVIII Premio de Poesía Ciudad de Córdoba "Ricardo Molina"Alberga el frío una fuerza sobrehumana que estremece, un gélido artificio que arrecia impetuoso en las gargantas. Con él, la rítmica tragedia de la propia sangre, la nieve que eriza nuestra piel y nos hace vulnerables. Mas hiela el tiempo y apenas si latimos en mitad del silencio. Apagar el frío es entender la natural intemperie, nombrar el mundo para dar calor a la herida, matar al hijo y ser alimento nuevo; ateridos, trascender ese hielo íntimo que nos conmueve y acercarnos a la lumbre de ese incendio eterno que es la palabra.

Apagar el frio

En Los nudos ilesos, la poeta y periodista Pilar Sanabria propone un discurso oscuro, maduro y meditado. La autora se muestra, tal como ella misma indica, ?capaz de estar vacía para siempre? o ?adicta a los restos, impasible a las flores?, al tiempo que articula una afectación visceral desde la que se pronuncia de forma constante: ?el pájaro vuela, su herida sangra?.Mediante un lenguaje donde diversas figuras clásicas dan paso a la actualidad y viceversa, Pilar se impone al mismo tiempo imperturbable y herida, manifestándose a través de un entramado de intensas imágenes concatenadas, dirigiéndose a ?la irremediable cita, el encuentro con el baile oscuro?.En ocasiones, es difícil saber si la autora regresa de la guerra a su casa o de su casa a la guerra. ¿Tenemos ante nosotras a un Ulises que conoce las canciones de Chavela Vargas o tal vez a una Chavela en disposición de su propio navío?Tras leer este libro, queda en el aire la cuestión de si una se encuentra transitando la desgracia o el recuerdo de la desgracia, la esperanza o la posibilidad de la esperanza. Tal vez no haya ninguna diferencia.

Los nudos ilesos

"Sobre la Herida" es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico.Cada poema en "Sobre la Herida" expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal. La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío.A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales.La crítica ha celebrado "Sobre la Herida" por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.

Sobre la herida

Fumar en una bañera no tendría nada particularmente interesante salvo si lo hacemos con alguien más, y justo eso es lo que ocurre en este libro: dos amigas se dan un baño juntas, se relajan y se fuman un cigarro mientras se expresan sus confidencias ante la perplejidad y la reconstrucción emocional a las que se ven abocadas tras salir ambas de una larga relación. Un libro que nos habla de ese tipo de complicidad que solo es posible entre dos mujeres que se encuentran en el mismo punto de partida, regalándose una a la otra su compañía, su desahogo, sus risas, su libertad reencontrada...'Fumar en la bañera' nos habla de amistad, de optimismo, de amor, de intimidad y de la voluntad de ser feliz en cualquier caso. Escrito con un género mixto que combina poemas, reflexiones y prosa breve, este diálogo entre las escritoras Esmeralda Berbel y Rut Muñoz se convierte sin pretenderlo en un testimonio vital que hace alarde de la mejor literatura escrita a cuatro manos. Una escritura alentada por el sentido del humor y una sensibilidad profundamente femenina que derribará muchos prejuicios de cualquier lector o lectora, con un extraordinario dominio de los sentidos del lenguaje.

Fumar en la bañera

Esta tercera edición del poemario de Roberto Loya "Besos prohibidos en ciudades chinas" coloca sobre el panorama de la poesía española contemporánea el desafío de una voz extremadamente solitaria, profunda y plena de belleza. Principal exponente de la poesía del conocimiento en la actualidad, sus versos alzan el extraño vuelo entre lo imaginario y lo íntimo, la contemplación y el amor, donde cada poema se convierte en una invitación de acercamiento a nuestra conciencia al tiempo que de extrañamiento hacia lo conocido por la mente: Nuestra saliva es selva / coronada por la oscuridad. Roberto Loya, quien afirmara que cada ser humano es una religión en sí mismo, devuelve a la poesía su carácter sagrado, amoroso y revelador en un escenario de imágenes que se nutre de lo mejor de una experiencia vital alejada de las normas impuestas y enriquecida por una cultivada devoción hacia la sabiduría oriental. Esta edición está enriquecida con contenido extra que incluye tres entrevistas al autor.

Besos prohibidos en ciudades chinas

Alberga el frío una fuerza sobrehumana que estremece, un gélido artificio que arrecia impetuoso en las gargantas. Con él, la rítmica tragedia de la propia sangre, la nieve que eriza nuestra piel y nos hace vulnerables. Mas hiela el tiempo y apenas si latimos en mitad del silencio. Apagar el frío es entender la natural intemperie, nombrar el mundo para dar calor a la herida, matar al hijo y ser alimento nuevo; ateridos, trascender ese hielo íntimo que nos conmueve y acercarnos a la lumbre de ese incendio eterno que es la palabra.

Apagar el frío

En Los nudos ilesos, la poeta y periodista Pilar Sanabria propone un discurso oscuro, maduro y meditado. La autora se muestra, tal como ella misma indica, capaz de estar vacía para siempre o adicta a los restos, impasible a las flores, al tiempo que articula una afectación visceral desde la que se pronuncia de forma constante: el pájaro vuela, su herida sangra.Mediante un lenguaje donde diversas figuras clásicas dan paso a la actualidad y viceversa, Pilar se impone al mismo tiempo imperturbable y herida, manifestándose a través de un entramado de intensas imágenes concatenadas, dirigiéndose a la irremediable cita, el encuentro con el baile oscuro.En ocasiones, es difícil saber si la autora regresa de la guerra a su casa o de su casa a la guerra. ¿Tenemos ante nosotras a un Ulises que conoce las canciones de Chavela Vargas o tal vez a una Chavela en disposición de su propio navío?Tras leer este libro, queda en el aire la cuestión de si una se encuentra transitando la desgracia o el recuerdo de la desgracia, la esperanza o la posibilidad de la esperanza. Tal vez no haya ninguna diferencia. 

"La sangre tan solo es sangre", sentencia Ana Castro (Pozoblanco, Córdoba, 1990) en éste, su segundo poemario, en el que también se adentra en el dolor. En este caso, en la herencia familiar adquirida para tratar de deshacerse de "Esta culpa zarza que arde y me quema" (Piedad Bonnett). No resulta fácil emprender esta "Odisea", ese viaje para dejar atrás tanta guerra doméstica, y llegar finalmente a otra tierra. Allí, los vínculos que se entretejen son una decisión propia y están llenos de luz - incluso, hay espacio para el amor-. Esto implica la redefinición del concepto de familia y el renacimiento de una misma cual "cierva implacable", superviviente a toda adversidad. El lenguaje empleado resulta subversivo para la mezcla de influencias, desde la tradición más clásica a la estética pop del cine, la música o el cómic, sin perder de vista que las raíces residen en ese espacio rural del cual brotaron. Así, "La cierva implacable" es una apuesta lírica valiente, crítica y feroz, extremadamente honesta, que conecta con "El cuadro del dolor" (Renacimiento, 2017) en su simbolismo, para constatar la solidez y madurez de la voz poética de su autora. 

La cierva implacable

Revolución es un poemario de crisis y, por tanto, de cambios. Un libro de realismo radical porque García se vale de su intuición poética para llegar hasta la raíz de las cosas, desentrañando símbolos, referencias culturalistas y hallazgos visionarios mediante poemas largos y polifónicos, reforzados con versos contundentes. El poeta dialoga con su tiempo a través de un yo cercano a lo confesional, pero que trasciende lo anecdótico y, como si de un médium se tratase, deja hablar a otras voces, asimilando la experiencia ajena para comprenderla en su plenitud y, así, transmitirla con un tono personal inconfundible. Podemos decir que, en este poemario, José Daniel recupera la fe en la poesía como un canal sublime de conocimiento, pero también de comunicación.

Revolución

En el presente volumen se reúnen dos libros que, si bien difieren en autoría, forma y funcionamiento, comparten el cometido y el deseo de reformular el lenguaje:1. 500 elevado a 9 es un libro ideado para generar respuestas que se fundamenta en los mecanismos de la poesía combinatoria. Ofrece un cuatrillón novecientas cincuenta y tres mil ciento veinticinco trillones de potenciales combinaciones posibles. El tiempo necesario para leerlas todas a máxima velocidad supera con creces no sólo la esperanza de vida media actual, sino también la edad de nuestro universo. La lectura total de este libro resulta inabarcable y, en consecuencia, cada respuesta generada pertenece a quien la encuentra, ya que tal vez nadie vuelva a dar con ella jamás.2. En U elevado a 28, Lupe Pinar propone un nuevo lenguaje que, articulado desde la apariencia aséptica propia de las matemáticas, sirve para formular situaciones de carácter cotidiano. Mediante la asignación de valores narrativos a elementos neutros, la frialdad abstracta e intrascendente adquiere su propia intimidad.Presentado al mismo tiempo como manual práctico y como obra poética, este libro pretende ser una cálida invitación a acariciar palos y descubrir serpientes.

Palos o serpientes

"Besos prohibidos en ciudades chinas" coloca sobre el panorama de la poesía española contemporánea el desafío de una voz extremadamente solitaria, profunda y plena de belleza como es la de Roberto Loya. Principal exponente de la ?poesía del conocimiento? en la actualidad, sus versos alzan el extraño vuelo entre lo imaginario y lo íntimo, la contemplación y el amor, donde cada poema se convierte en una invitación de acercamiento a nuestra conciencia al tiempo que de extrañamiento hacia lo conocido por la mente. Roberto Loya, quien afirmara que ?cada ser humano es una religión en sí mismo?, devuelve a la poesía su carácter sagrado, amoroso y revelador en un escenario de imágenes que se nutre de lo mejor de una experiencia vital alejada de las normas impuestas y enriquecida por una cultivada devoción hacia la filosofía oriental.

Duerme sobre mi espinazo (2023)

Aun más en la mirada (2023)

Cierva implacable (2023)

Poesia completa (2024)

Otra vida del fugitivo (2024)

Cantares del mas aca (1980)

Traslumbramientos (1980)

America y paisaje (2024)

Nieve sucia (2024)

Jacob y el ángel (2023)

Empujeme usted así (2023)

Carne triste (2023)

Apagar el frio (2021)

Los nudos ilesos (2022)

Sobre la herida (2024)

Fumar en la bañera (2021)

Besos prohibidos en ciudades chinas (2020)

Apagar el frío (2021)

Los nudos ilesos (2021)

Carne triste (2023)

La cierva implacable (2023)

Revolución (2023)

Palos o serpientes (2022)

Besos prohibidos en ciudades chinas (2020)