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Publicaciones De La Universidad De Valencia

Publicacions De La Universitat De València

España

En 1989, por las calles de Nueva York aparecieron grandes anuncios firmados por las Guerrilla Girls, un grupo de artistas anónimas que representan las puntas mediáticas de un largo período de conflictos y denuncias respecto al silencio y la invisibilidad de las mujeres en las artes. A la tradicional pregunta sobre la escasez de las grandes artistas, una historiadora del arte ha contestado recordando la existencia de una carencia análoga de grandes pianistas de jazz lituanos o de grandes tenistas esquimales. Aparte de la provocación, se trata de entender si y hasta qué punto las asimetrías de género contribuyen a definir lo que es arte y lo que no lo es, quién merece ser recordado o, por el contrario, olvidado. Desplegando una documentación amplia e inexplorada, este volumen pionero se encarga también de desmentir el mito de la creatividad menor y accesoria de las mujeres.

Bajo el signo de las artistas. Mujeres, profesiones de arte y modernidad

Probablemente, el compositor francés Hector Berlioz desaprobaría la publicación de un libro que tratase sobre su propio sistema filosófico, por el sencillo motivo de que él mismo jamás mostró interés alguno por la filosofía. Berlioz fue un hombre de acción y lo que aquí presentamos como posicionamientos estéticos, para él no era más que la aplicación, a través del sentido común y de la creencia en la «música expresiva» como arte superior, de una defensa radical del arte verdadero.Berlioz no sólo es el mejor escritor de entre los compositores de toda época, sino que, a partir del presente trabajo, puede ser considerado un filósofo poseedor de un pensamiento concreto en estética musical y absolutamente digno de pasar a formar parte de los manuales de esta disciplina, junto a Rameau, Rousseau, Kant, Hegel o Wagner.

La estética musical de hector berlioz a través de sus textos

Este libro pretende ilustrar el debate sobre la cultura de masas en su momento inaugural y sin duda más apasionado: el periodo de entreguerras del siglo pasado. Los textos elegidos, todos inéditos hasta ahora en español excepto uno, vienen comentados y anotados por especialistas en la materia para acercarlos al lector de hoy. Se reúnen en este volumen textos que pertenecen a pensadores, críticos y creadores que reflexionaron sobre el auge de la cultura de masas, sus causas y sus efectos. No es exagerado decir que se trata de textos donde se gestan las categorías que ordenarán durante el siguiente medio siglo la reflexión sobre la cultura, así como el papel que juega en ella el «intelectual»: ocio de masas (Kracauer), reproductibilidad del arte y la cultura (Collingwood), perfiles y niveles culturales (Priestley y Woolf), incluso una teoría del receptor y los efectos (Adorno).

La polémica sobre la cultura de masas en el periodo de entreguerras

Los tratados de Julien Falk y Ernst Krenek resultan fundamentales para la comprensión ?desde la técnica musical? de los movimientos atonales de las primeras décadas del siglo xx y constituyen un material de primer orden en el marco de la pedagogía musical para la aplicación práctica de los recursos compositivos expuestos en las primeras etapas de la revolución antitonal. Falk y Krenek plantean una organización de las alturas que trasciende la tonalidad tradicional y para ello articulan el contrapunto como eje de su planteamiento pedagógico. Estamos, pues, ante dos de los escasos intentos de sistematización de la música no tonal en forma de manual didáctico. Esta edición, especialmente útil para docentes, estudiantes e investigadores, incorpora además una contextualización histórica para situar la obra y sus autores.

Música no tonal

La filosofía de George Santayana representa una de las elaboraciones más significativas y profundas del pensamiento americano de principios del siglo xx. Su fama de pensador intempestivo, habituado a moverse a contracorriente, hace más oportuna que nunca una relectura estética de su obra, que contiene aquellos problemas que incitan la reflexión filosófica: qué es la vida, cuál es el misterio de la belleza, de dónde nace y qué es el arte. Su reflexión sobre el hecho estético recibe la impronta de una mediterránea«racionalidad» basada en la experiencia yla realidad de la vida, del sensus communis. El libroproponeuna mirada nueva hacia aquel antiguo sentir mediterráneo, que nos permitedescubrir una experiencia más amplia del sentir y una visión más articulada de la razón y de la vida.

Belleza, arte y vida

Para Schopenhauer, la única estética posible es aquella que posee un carácter existencial, que parte del sujeto humano. Sus Lecciones intentan reproducir in abstracto, «traducir» a conceptos, las intuiciones y los sentimientos que produce la experiencia estética y la contemplación del arte. Una traducción, sin embargo, incapaz de sustituir a la verdadera emoción de la contemplación estética.

Lecciones sobre metafísica de lo bello

Situado en la encrucijada de la Ilustración y el Romanticismo, el pensamiento de Herder, esencialmente crítico e intempestivo, tiene una complejidad que no puede reducirse a las derivas irracionalistas que poco tenían que ver con el verdadero sentido de sus ideas. Estas reflexiones sobre la estética, a partir de la escultura, permiten aproximarse al pensamiento de un humanista radical.

Escultura

La filosofía del arte es importante porque el arte es importante. Uno de los propósitos de este libro es, en palabras de su autor, «mostrar que buena parte de la filosofía del arte no ha sido planteada con claridad». Son las técnicas de investigación filosófica que se pueden aprender de Wittgenstein las que permiten reconocer las confusiones en la filosofía del arte reciente y mostrar en qué consisten, y son algunos aspectos más pronto abandonados de su obra los que nos permiten una mejor comprensión de la que es aquello que genera éstos tropezones filosóficos?. Este ensayo se centra en la propia palabra arte y en algunos de los muchos intentos de formular una definición filosófica y de conseguir así una comprensión teórica del arte. La pregunta principal es, por lo tanto, la tradicional ?¿Qué es arte??. Si bien en la primera mitad del siglo XX, los especialistas en estética y los filósofos del arte no tenían duda que unas de las tareas capitales, si no la tarea capital, de su disciplina era responder la pregunta con una definición o teoría general del arte, esta suposición sobre la función capital de la estética se cuestionó los años cincuenta, en gran parte a partir de las Investigaciones filosóficas de Wittgenstein (1953). Y desde entonces ha habido nuevas olas de ensayos sobre teoría y definición. Como nos recuerda Salvador Rubio, traductor y editor de esta magnífica versión, Tilghman se inclina por una concepción terapéutica (en el sentido wittgensteniano del término): la función de la estética, en tanto que filosofía, es detectar y deshacer los malentendidos que nos impiden comprender adecuadamente el arte.

Pero, ¿es esto arte?

Traducción, prefacio y notas de Marcel Proust a las dos conferencias de su admirado John Ruskin («Tesoros de los reyes» y «Jardines de las reinas») que conforman «Sésamo y lirios», uno de los ensayos sociales más conocidos de Ruskin, que influyó estéticamente, intelectualmente y, hasta, en la concepción moral del autor de «En busca del tiempo perdido» a lo largo de toda su vida.

Sésamo y lirios / sobre la lectura

Una reflexión imprescindible para entender la historia de las ideas estéticas del segle XVIII que representa un esfuerzo sistematizador de la concepción globalizadora de la belleza d'Yves-Marie André (1675-1764). El libro incluye el texto de Jean H. S. Formey, «Análisis de la noción de gusto» (1759) que muestra y ayuda a entender las tendencias del pensamiento y de la crítica de la época.

Ensayo sobre lo bello / análisis de la noción de gusto

A modo de antología, se presentan al lector unos materiales textuales sin duda relevantes históricamente, con un hilo conductor común que subraya el nuevo enfoque que el siglo XVIII concedió a las cuestiones del ámbito de ?la Estética?. Esta nueva disciplina ilustrada, intentó sistematizar, desde sus inicios oficiales (Baumgarten, 1750), términos, entre el arco de la teoría y de la práctica, a simple vista dispares como arte, técnica, belleza, gusto, crítica, juicio, poética, imitación, expresión, bellas artes o belle nature, por citar sólo algunos de los artículos que la Encyclopédie hizo elocuentemente suyos a lo largo de sus diferentes volúmenes.

Otro

Arte, gusto y estética en la encyclopédie

Els problemes actuals de L'esttica

Crítica de la crítica

Al voltant del color

Publicacions De La Universitat De Valencia

Art, llenguatge I formalismes

En su ensayo Der psychologische und biologische Untergrund expressionistischer Bilder (1920) traducido aquí por primera vez al español, el psicoanalista Oskar Pfister se propuso penetrar en las raíces inconscientes del expresionismo. Partiendo de un exhaustivo análisis de los dibujos realizados por un joven artista adscrito a este movimiento, Pfister desvela los conflictos mentales que condicionan el peculiar estilo practicado por esta vanguardia histórica. Para el autor, la distorsión expresionista es producto de la profunda escisión que fractura la psique del sujeto actual, desgarradura que, a su juicio, solo podrá curar una comprensión más profunda de la atormentada mente contemporánea, unida a la práctica de una creatividad más lúcida y reconciliada con la realidad.

Psicoanálisis del expresionismo

El arte contemporáneo goza de actualidad. Apenas hay ciudad que no tenga un centro dedicado a él. Existen multitud de cátedras y proyectos de investigación destinados a estudiarlo. Pero ¿qué significa exactamente el concepto de arte contemporáneo y a qué contemporaneidad hace referencia? Con este libro, Juliane Rebentisch se propone introducir, desde una teoría del arte entendida como proyecto crítico, un debate aún en curso sobre cuestiones que son fundamentales tanto a nivel teórico-artístico como estético. Sirviéndose de herramientas teóricas que provienen de la filosofía, de las disciplinas particulares de la ciencia del arte, de la crítica, de los curadores y de los artistas, su objetivo es contribuir al desarrollo de un concepto normativo del arte contemporáneo.

Teorías del arte contemporáneo

El arte dice y se dice de muchas maneras. Por ello, han sido también diversos los modos de abordarlo desde la estética filosófica a lo largo de la historia de esta disciplina. Este ensayo construye la noción de interpretación del arte de la mano del joven Adorno respecto a propuestas de autores como Hegel, Marx, Lukács, Freud y Benjamin, para concretar y defender la actualidad de la concepción de la estética como interpretación materialista de aquello que en el arte no se puede comprender reduciéndolo a sentido o a las intenciones del autor, pero que, por este carácter inconsciente, desconocido o todavía no sabido, dice más de la realidad que lo comprensible. Por eso, esta interpretación ya no se centra en lo sensato, sino en el carácter enigmático del arte como expresión de una sociedad que no se conoce a sí misma. Pero se trata de enigmas que ya no se resuelven traduciéndolos a lo sensato, sino que se y nos disuelven. La interpretación materialista de este arte se presenta así, a su vez, como estética crítica de la sociedad.

Esto no tiene sentido

Este libro da cuenta de uno de los tópicos más controvertidos de la Estética contemporánea: el fin del arte. Para ello, se analizan las transformaciones que sufrió el arte y las teorías filosóficas que condujeron a considerar que podría tener un final. Hegel es referente imprescindible en este contexto pues elevó el arte a la más alta consideración, pero afirmó también que era ya un tema del pasado. Esta sentencia provocó innumerables interpretaciones que el libro recoge y sintetiza. De entre las contemporáneas, la que más divulgación ha alcanzado es la de Arthur Danto. Sin embargo, con frecuencia ha sido comprendida de manera parcial y por ello este libro la contextualiza dentro del desarrollo filosófico del autor, remarcando la coherencia de su pensamiento. El diálogo establecido entre ambos filósofos permite comprender cómo lo que termina es una comprensión sobre el arte nacida en la época moderna, y aporta algunas claves para entender mejor el arte de nuestros días.

El fin del arte

El recorrido analítico que Hospers nos ofrece en esta obra puede ser muy útil, como punto de discusión, para el análisis de las interpretaciones de los conceptos de significado y verdad en los distintos géneros artísticos (especialmente en la música, la pintura y la literatura) y, por otra parte, para la clarificación y adecuada uso del lenguaje de la estética en sus eficaces y rigurosas aplicaciones al dominio de la crítica de arte. Con ''Significado y verdad en el Arte'' (1946), toda la reducción metodológica, la revisión instrumental y el replanteamiento de los propios fundamentos se convierte en algo básico en el desarrollo de cualquier proceso investigador -como el de la estética, en este caso- para poder volver a nuevos intentos reestructuradores y encarar el futuro con más suspicacia analítica y nuevas perspectivas desde la filosofía del lenguaje.

Publicacions Universitat València (Puv)

Significado y verdad en el arte

Entre la belleza y lo sublime hay un espacio del que brota lo maravilloso, fenómeno arborescente que despliega sus flores fascinantes en el escenario de nuestra conciencia y forma parte de las corrientes movedizas y diversas de la existencia. Permanecemos expectantes a la espera de acontecimientos que nos conmuevan, que lleguen hasta nosotros como ''accidentes''. Mientras esperamos ese alineamiento extraordinario entre el objeto maravilloso y nuestra disposición anímica, el discurso estético se erige en espacio natural para la fascinación. Admirable, irracional, exaltación del espíritu, esencia o exceso, por su carácter ''ilusorio'' ha sido relegado en el pensamiento sistemático a los ámbitos perceptivos de la naturaleza y las artes, pero los trasciende. Este libro explora nuestra cultura y traza una historia, no tanto lineal como ''poiética'', de tendencias o modelos de representación.

Coloquio de los centauros

A. Gerard (1728-1795) no sólo recoge y sintetiza las influencias filosóficas de todos sus antecesores sino que, además y fundamentalmente, impulsa una estética que potencia el romanticismo frente a la estética como ciencia empírica. Esta edición intenta mostrar la importancia de un texto y de un autor que los estudios posteriores no han tenido en cuenta.

Bajo el signo de las artistas. Mujeres, profesiones de arte y modernidad (2009)

La estética musical de hector berlioz a través de sus textos (2013)

La polémica sobre la cultura de masas en el periodo de entreguerras (2012)

Música no tonal (2012)

Belleza, arte y vida (2010)

Lecciones sobre metafísica de lo bello

Escultura

Pero, ¿es esto arte?

Sésamo y lirios / sobre la lectura

Ensayo sobre lo bello / análisis de la noción de gusto

Arte, gusto y estética en la encyclopédie (2009)

Els problemes actuals de L'esttica (1997)

Crítica de la crítica (1997)

Al voltant del color (1996)

Art, llenguatge I formalismes (1993)

Psicoanálisis del expresionismo (2022)

Teorías del arte contemporáneo (2021)

Esto no tiene sentido (2021)

El fin del arte (2020)

Significado y verdad en el arte (2019)

Coloquio de los centauros (2019)

Assaigs sobre el gust

Escritos sobre estética: Carta sobre la escultura. Simón, o de las facultades del alma (1996)

Teoría crítica y estética: Dos interpretaciones de th. W. Adorno (1994)