Tapa blanda

Tapa dura

Alemán

Catalán

Español

Francés

Inglés

Italiano

Abada

Abada Editores

Abada Editores, S.l.

Acantilado

Arpa

Azkuna Zentroa Alhondiga Bilbao

Biblioteca Buridán

Carafernalia,Editorial

Centre Cultura Contemporania Barna

Centro De Estudios Europa Hispánica

Circulo De Bellas Artes De Madrid

Ediciones Atalanta, S.l.

Ediciones El Viso

Ediciones El Viso, S.a.

Ediciones Universidad De Navarra, S.a.

Editorial Comanegra S.l.

Editorial Pre-Textos

Editorial Reverte

Editorial Rm

Editorial Trotta, S.a.

El Acantilado

El Viso

El Viso Ediciones

Fórcola Ediciones

Fundacio Joan Miro

Fundación Colección-Thyssen Bornemisza

Galaxia Gutenberg

Galaxia Gutenberg, S.l.

Konemann Ingles

La Casa Encendida

La Fábrica

La Fabrica Editorial

La Linterna Sorda Ediciones S.l.

Libros Del Ko, Sll

Malpaso Ediciones

Malpaso Ediciones Sl

Marcial Pons

Matadero Madrid

Montesinos

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía/ Siruela

Oceano Travesia

Pre-textos

Publicacions De La Universitat De València

Rm Verlag

Rm Verlag, S.l

Sílex Ediciones, S.l.

Siruela

Taschen

Turner

Turner Publicaciones S.l.

Turner/mad

Valyunque

Catálogo de la exposición ôdecrecerö de la artista Bene Bergado, comisariada por Juan Luis Moraza y producida por Azkuna Zentroa û Alhóndiga Bilbao entre 2023 y 2024. Bene Bergado propone el infinitivo ôdecrecerö "frente al crecimiento exponencial e ilimitado de la producción y el consumo de nuestras ûasí llamadasû sociedades desarrolladas". Y es que "vivimos derrochando sin ninguna consideración los recursos que la naturaleza conservó durante millones de años, lo que nos ha conducido a una crisis global en la que nos encontramos con un agotamiento de los recursos naturales", advierte. Un libro-catálogo que es, además del registro visual de la exposición, un ensayo sobre la cuestión del decrecimiento. Escrito por Bene Bergado y Juan Luis Moraza, artista y correlator del proyecto, incluye una conversación de la escultora con Margarita Mediavilla, doctora en Ciencias Físicas y profesora del Departamento de Ingeniería de Sistemas y Automática de la Universidad de Valladolid, cuyo trabajo de investigación se centra en la energía, la dinámica de Sistemas y los modelos de evaluación integrada, orientados a l

Decrecer

Paloma o Soledad nace de la colaboración entre el pintor Ramón Gaya y el escritor y crítico literario Antonio Sánchez Barbudo a raíz de la amistad que entablan en el seno de las Misiones Pedagógicas, como se sabe, una de las empresas culturales más entusiastas de la II República. Se trata de un texto breve que explora, con una buena mezcla de humor farsesco y espíritu decadente, las posibilidades dramáticas de uno de los iconos finiseculares y del arranque del siglo XX: Pierrot. En esta edición no sólo perfilamos las condiciones en que el texto se fraguó, sino también el diálogo que establece con otras fuentes europeas y españolas, en especial, con Picasso.

Paloma o soledad

Kiko Veneno es la nueva cara del Archivo de Creadores, una serie que recoge el testimonio de los grandes nombres de la cultura española en primera persona. En esta larga conversación con el periodista y crítico musical Pablo Gil, Kiko Veneno repasa su trayectoria, sus momentos gloriosos y también sus penas, así como la importancia de algunos amigos en su vida, como Santiago Auserón, y las circunstancias que le han llevado a ser, hoy en día, el músico honesto, rebelde y popular que es. Un hombre en paz y un enorme músico.

La Fabrica

Diez horas con kiko veneno.

Nunca real / siempre verdadero

Azkuna zentroa alhondiga bilbao

Tarsila do amaral

Joana Vasconcelos, reconocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria. De esta forma se une con una de las colecciones histórico-artísticas privadas más importantes del mundo, que reúne piezas de artistas como Velázquez, Goya, Rubens, Tiziano o Murillo.Esta supone la primera vez que la artista lisboeta lleva sus obras a un gran palacio habitado, a diferencia de otras intervenciones realizadas en espacio históricos como el palacio de Versalles. Esto dota a la exposición de un diálogo especial no solo entre sus obras y el palacio; sino también entre la propia artista y el duque de Alba.

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the

Con su estilo gráfico, la distorsión de las figuras y el desafío a los ideales convencionales de belleza, Egon Schiele (1890-1918) fue un pionero del expresionismo austriaco y uno de los retratistas más asombrosos del siglo XX. Tras un breve flirteo con el brillante estilo art nouveau de Gustav Klimt, su mentor, Klimt desarrolló su propia estética, mucho más cruda y agresiva, de líneas bruscas, tonos mórbidos y figuras alargadas. Sus numerosos retratos y autorretratos dejaron anonadada a la clase alta de Viena por su intensidad psicológica y sexual sin precedentes, que favorecía las poses eróticas, reveladoras o perturbadoras, en las que los modelos se acurrucan en el suelo, se tienden con las piernas abiertas, fulminan con la mirada al espectador y muestran sus genitales. Sus modelos podían ser esqueléticos y enfermizos o, por el contrario, fuertes y sensuales. Muchos de sus coetáneos consideraban la obra de Schiele fea e incluso cuestionable moralmente, y en 1912 el artista cumplió una breve sentencia de cárcel por obscenidad. En la actualidad, su obra es admirada por su revolucionaria visión de la figura humana y por su peculiar trazo, directo y apasionado, casi furioso. Este libro presenta obras clave de Egon Schiele que son un reflejo de su breve pero intensa carrera y de su profunda contribución al desarrollo del arte moderno, que ha alcanzado a talentos contemporáneos como Tracey Emin y Jenny Saville.

Schiele

Fue la década de los audaces cuadros expresionistas, de la obra de arte total de la Bauhaus, de los bailes de travestidos, de la película Metropolis y de Marlene Dietrich. Desde concurridos cines hasta animados clubes de jazz, descubra el espíritu libre del Berlín de los años veinte del siglo XX a través del diseño, la moda, el cine y mucho más.

1920S berlin

Los ángulos agudos, las formas extrañas, los colores llamativos y las perspectivas distorsionadas son los elementos definidores clásicos del expresionismo, el movimiento del siglo XX que priorizó la emoción frente a la realidad objetiva. Pese a tener una presencia más destacada en Alemania y Austria, el movimiento floreció en todo el mundo y hoy se considera uno de los periodos artísticos más influyentes en la historia del arte.Con Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El caballero azul) como grupos destacados y figuras clave como Wassily Kandinsky, Egon Schiele y Emil Nolde, los expresionistas desdeñaron el impresionismo, al cual acusaron de haber «reducido al hombre a la posición de grabador del mundo exterior», y optaron por retratar, en su lugar, la experiencia pura y visceral de la vida plasmando las emociones que generaba y no lo que se veía en la superficie. Sus pinturas rebosan fuerza emotiva, que transmiten, en concreto, a través de paletas de colores intensos y no naturalistas, pinceladas vagas y texturas densas.Este libro introductorio, cuyo foco de atención son las tendencias estilísticas del grupo, sus influencias y sus figuras más destacadas, explora el abanico de sensaciones, ideas y emociones de los expresionistas y su búsqueda constante de una autenticidad profunda.

Expressionism

Una fantasmagórica figura calva en un puente. El cielo anaranjado cerniéndose sobre su cabeza. Con las manos se tapa los oídos mientras su boca emite un lamento atormentado. Con El grito, Edvard Munch (1863-1944) pintó la Mona Lisa de nuestro tiempo. El alarido existencial de su emblemática figura reverbera en todo el mundo y su eco resuena, mutado en cultura pop, hasta en obras de Andy Warhol, Jasper Johns, Martin Kippenberger, Marlene Dumas y Tracey Emin.Este libro analiza la asombrosa capacidad psicodramática de Munch, tanto en El grito como en el resto de sus obras. A través de magníficas ilustraciones, ahonda en las visiones desasosegantes, oscuras y profundamente modernas que forjaron la respuesta del artista a cuestiones relativas a las relaciones personales y las emociones. Estas imágenes sobrecogedoras, consideradas por el propio artista como una forma de ?confesión libre?, siguen siendo tan seductoras y fascinantes como lo fueron en el umbral de la época moderna.

Munch

Figura clave del vanguardismo internacional, Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor extraordinario y al mismo tiempo un destacado teórico del arte cuya influencia no se ha resentido ni un ápice con el paso del tiempo. Después de acuñar el término neoplasticismo, se centró en la pintura compuesta únicamente por colores primarios superpuestos a una cuadrícula de líneas negras verticales y horizontales y un fondo blanco.Para Mondrian, esta pintura básica ayudaría a forjar una sociedad en la que el arte como tal no tendría cabida, sino que existiría solo para la materialización total de la «belleza». Pasó temporadas en Ámsterdam, París, Londres y Nueva York, y utilizó como inspiración tanto la metrópoli moderna como la música moderna, especialmente el jazz. En 1917, fue cofundador de De Stijl, que nació como una publicación y posteriormente se convirtió en un círculo de adeptos, comprometidos con un estricto arte geométrico de líneas horizontales y verticales.Mediante obras clave y textos concisos, este libro introductorio presenta la característica y pionera obra de Mondrian, fuente de inspiración para el sector de la moda, el arte, la arquitectura y el diseño, desde las cubiertas de los discos de los White Stripes hasta los vestidos de Yves Saint Laurent.

Mondrian

Un proyecto de desarrollo estilístico y fotográfico sobre 8 de las mejores casas de verano en la isla de Ibiza del prestigioso arquitecto fotografiadas a través del objetivo de Manolo Yllera y el gusto estilístico de Amaya Toledo.

Romano

Sonia navarro.

La obra artística de Ernst Ludwig Kirchner (1880û1938) está considerada un hito del modernismo internacional y el clímax del expresionismo alemán. Este volumen documenta el desarrollo de su polifacética obra, desde los desnudos de los primeros años de Dre

Kirchner

Para Giacometti, ser artista es fracasar como nadie se atreve a hacerlo, mientras que para Goethe, el no poder acabar su obra es lo que engrandece a un escritor. La obra perfecta está únicamente en la cabeza del artista. La insatisfacción es la esencia y la naturaleza íntima del talento, y la obra, el poema o el libro, sean como fueren, siempre podrían haber sido diferentes de como han llegado a ser.  Miguel Ángel Ortiz Albero rastrea en la obra de escritores como Baudelaire, Cioran, Kafka, Sebald o Vila-Matas, y de artistas como Boltanski, Cézanne o Delacroix, la posibilidad de reflexionar acerca de cuándo podía darse por finalizado, si es que esto fuese posible, el proceso de un trabajo creador. Todos aquellos que han cogido una máquina de escribir o un pincel, quienes han esbozado un gesto en el aire o han esculpido la roca, o aquellos que han decidido hilvanar un discurso, todo ellos han soñado al inicio con el resultado perfecto, con la obra ideal que habría de ajustarse a sus anhelos e intenciones. Pero el camino, lo saben, es tortuoso y el proceso es cambiante.  Ahí están las dudas y las vacilaciones. Ahí surgen la demora, la digresión y el retardo; la imposibilidad o el arrepentimiento; la imprevisión o el azar; las ataduras o las repeticiones. Todo se sitúa, tal vez, entre el grito y el callar. La voluntad de permanencia y el deseo de duración se encuentran frente a frente con el temblor de la mano, y es entonces cuando acechan el hastío, la desilusión, la renuncia o el abandono; incluso, la aniquilación, la destrucción o el borrado. Sea como fuere, es preciso, dicen, seguir pese a la imposibilidad, porque incluso en la putrefacción hay fermentación y hay vida y día logrado.  Estas Variaciones no son sino una personal lectura de algunas de las muchas reflexiones que sobre la imposibilidad del terminar se han escrito, conformando un trenzado de historias que, como la vida, habrán de quedar inconclusas.

Variaciones sobre el naufragio

Una imagen ya no vale más que mil palabras: en una sociedad saturada de iconos, La Menina ante el espejo aborda las relaciones peligrosas entre el espacio poético y el espacio artístico. En estas páginas, en las que la historia del arte, la crítica literaria y la teoría cinematográfica intercambian sus papeles, el lector paseará por las salas de un museo sin paredes, cuya distribución remite a las sucesivas pantallas de la posmodernidad líquida.

La menina ante el espejo

A medio camino entre la narración, la poesía y el ensayo, La danza de la muerte no pretende sino retomar esa idea de la «Danza macabra» para, desde ella, reflexionar acerca de esos modos y maneras de llevar a la escena el último baile. Miguel Angel Ortiz Albero escribe cerca de una literatura mixta o mestiza, de una literatura en la que los límites se confunden y la realidad puede «bailar» en la frontera con lo ficticio.

La danza de la muerte

El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada. La deconstrucción óptica, el vértigo visual, la aceleración histórica expresan el alcance de los nuevos códigos de representación caracterizados por la simultaneidad perceptiva. Expresando un nuevo ámbito de la mirada y usos de la imagen en ese contexto, Patiño analiza aspectos críticos vinculados a la imagen como mediación instrumental y las posibilidades que nos ofrece el arte para ampliar la percepción, del mero entretenimiento a desarrollar nuestra sensibilidad. Vivimos inmersos en una excitada visualidad hegemónica, una iconosfera dominante postula un régimen de la mirada. La imagen-poder en la economía de la atención. Es necesaria una resistencia poética y artística que active el resorte de la duración frente a la disipación (propiciando un reencantamiento del mundo). Patiño traza metáforas del presente convulso (una instantaneidad incesante), y analiza cómo el «efecto actualidad» satura los poros de la realidad construyendo un mundo-imagen. De las máquinas de amnesia a la pantalla omnipresente, vivimos en un entorno narcótico donde la meta parece el olvido programado, el hechizo audiovisual, el embotamiento perceptivo. Se postula la dialéctica de la mirada a través del proceso artístico, una resistencia creativa en imágenes dialécticas que surgen de la duración e indagaciones de la introversión creadora como silencio activo.

Todas las pantallas encendidas

Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antídotos frente a la saturación visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.

Manifiesto de la mirada

August Macke (1887-1914) alcanzó notoriedad a una edad muy temprana, pero murió con apenas 27 años a principios de la Primera Guerra Mundial. A pesar de su breve carrera, este extraordinario artista alemán dejó tras de sí una obra pictórica deslumbrante, en la que su obsesión por el color refleja características del impresionismo, el postimpresionismo, el fauvismo y el expresionismo. Con su interés por estas diversas corrientes artísticas, Macke asimiló influencias dispares y desarrolló un estilo enteramente suyo. Fue miembro de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), aunque dejó de lado la mística que impregnaba habitualmente las obras de los artistas de este colectivo. Macke volvió una y otra vez sobre la interpretación de la belleza basada en el color, con resutados como la caleidoscópica acuarela Sombrerería (1913) o los tonos brillantes de Dama con chaqueta verde (1913). Su trabajo alcanzó el cenit en 1914, cuando viajó con Klee y Moilliet a Túnez y descubrió la luz del norte de µfrica. Sus vínculos simultáneos con el cubismo y el impresionismo resultan fundamentales en obras como Hombre leyendo en el parque (1914), donde una dinámica y sólida composición impregna la escena de una suave tensión. A través de las obras más importantes de su rico mundo pictórico, este libro nos introduce en la corta pero influyente carrera de Macke como pionero del expresionismo. Desde alegres escenas en parques, zoológicos y paseos hasta su última gran obra, que lleva el premonitorio nombre de Adiós (1914), exploramos su enorme talento para crear impacto visual y su intensa búsqueda de las posibilidades emocionales que brinda el color.

Macke

Con teorías meticulosas y muchos miles de pinturas, dibujos y acuarelas, Paul Klee (1879-1940) se considera uno de los líderes más cerebrales y prolíficos del arte europeo del siglo xx. Sus obras, pese a su pequeño formato habitual, destacan por la reflexión sofisticada que las sustenta y por los meticulosos matices de líneas, colores y tonalidades.La formación estilística de Klee estuvo modulada por una afiliación temprana al grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter y, en particular, por un viaje que realizó en 1914 a Túnez, el cual transformó su uso del color. Tras la guerra, impartió clases en la aclamada escuela Bauhaus, donde en sus lecciones, al igual que en su práctica artística emergente, enfatizó el potencial simbólico de los tonos, las líneas y las geometrías.Otras influencias de Klee fueron el cubismo, la poesía, la música, la literatura y el lenguaje, además del poder simplista del arte infantil. Célebre por sus sencillas figuras de palo, a menudo combinaba la apariencia de una ingenuidad indocta con una composición rigurosa y un hondo significado intelectual.Este libro recoge una selección de las obras clave de Klee para presentar su estilo y su influencia. Desde paisajes bañados por el sol hasta enigmáticos juegos de palabras, adéntrese en un mundo simplista y simbólico lleno de colores deslumbrantes.Sobre la serieCada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;una concisa biografía;aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Klee

Con teorías meticulosas y muchos miles de pinturas, dibujos y acuarelas, Paul Klee (1879-1940) se considera uno de los líderes más cerebrales y prolíficos del arte europeo del siglo xx. Sus obras, pese a su pequeño formato habitual, destacan por la reflexión sofisticada que las sustenta y por los meticulosos matices de líneas, colores y tonalidades. La formación estilística de Klee estuvo modulada por una afiliación temprana al grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter y, en particular, por un viaje que realizó en 1914 a Túnez, el cual transformó su uso del color. Tras la guerra, impartió clases en la aclamada escuela Bauhaus, donde en sus lecciones, al igual que en su práctica artística emergente, enfatizó el potencial simbólico de los tonos, las líneas y las geometrías. Otras influencias de Klee fueron el cubismo, la poesía, la música, la literatura y el lenguaje, además del poder simplista del arte infantil. Célebre por sus sencillas figuras de palo, a menudo combinaba la apariencia de una ingenuidad indocta con una composición rigurosa y un hondo significado intelectual. Este libro recoge una selección de las obras clave de Klee para presentar su estilo y su influencia. Desde paisajes bañados por el sol hasta enigmáticos juegos de palabras, adéntrese en un mundo simplista y simbólico lleno de colores deslumbrantes.

Klee (al)

Decrecer (2024)

Paloma o soledad (2015)

Diez horas con kiko veneno. (2024)

Nunca real / siempre verdadero (2019)

Azkuna zentroa alhondiga bilbao (2021)

Tarsila do amaral (2025)

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the (2025)

Schiele (2022)

1920S berlin (2016)

Expressionism (2015)

Schiele (2022)

Munch (2022)

Mondrian (2019)

Romano (2021)

Sonia navarro. (2025)

Kirchner (2026)

Variaciones sobre el naufragio (2017)

La menina ante el espejo (2016)

La danza de la muerte (2015)

Todas las pantallas encendidas (2017)

Manifiesto de la mirada (2018)

Macke (2022)

Klee

Klee (al) (2022)