Nunca antes el arte había sido más visible, más presente y más decisivo que hoy, y nunca había sido, al mismo tiempo, en tal magnitud parte de los procesos sociales: una mercancía, un entretenimiento, una opinión, un conocimiento, una acción. La omnipresencia social del arte va de la mano con la creciente pérdida de aquello que podemos llamar su fuerza estética. "Fuerza" -a diferencia de nuestra "potencia racional"- aquí se refiere al estado inconsciente, lúdico, entusiasta, sin el cual no puede haber arte alguno. La reflexión filosófica sobre este estado lleva a Christoph Menke a la determinación de categorías estéticas -obra de arte, belleza, juicio- y a la proyección de una política estética, es decir, de una política de la libertad de lo social y de la igualdad sin determinación.

Otro

Español

Metales Pesados

La fuerza del arte

En ¿Qué es el arte?, el autor de Guerra y paz utiliza un brillante método expositivo en el que, abandonando las estructuras narrativas, señala con claridad las tendencias, conceptos y digresiones más relevantes del arte a lo largo de la historia de l

Tapa blanda

Eneida Editorial S.l.

Eneida

Biblioteca De Ensayo

¿Que es el arte?

Una puerta hacia otro mundo: ¡Toc, toc! ¿Abrimos la puerta a otro mundo? Hoy entramos al México de la Revolución, el de 1910, pero también al de las vivas y los muertos, de las muertas y los vivos, que a veces se cruzan de un lado a otro, para que el mundo (el nuestro, el real) sea un poquito mejor.
Frida Kahlo y Emiliano Zapata son de esa época. Cada cual, a su modo, puso el cuerpo y el corazón para construir mundos más justos y felices. Se llevaban 28 años de diferencia, pero Frida siempre admiró la Revolución que lideró Zapata, y su legado.
Esta es una leyenda, donde la muerte es parte de la vida y del ciclo de la naturaleza. Donde nuestras ancestras y ancestros se celebran con música, comida, bebida y baile, como en una buena fiesta. Entre esos dos mundos andan nuestros personajes, pidiendo tierra y trabajo, pintando el arte del cuerpo roto y creando un símbolo que perdure más allá de todos los mundos, más allá de todos los tiempos.

Pdgt

Programa Democracia y Transformacion Global Pdtg

Chirimbote | Pdtg Tejindo Saberes

Siruela

Frida y zapata y la flor de la muerte

Caja Negra

Caja Negra Editora

Caja Negra Argentina

Devenir obra de arte

Según Paul Kantner, guitarrista y fundador del grupo de San Francisco Jefferson Airplane, «si alguien recuerda algo de los años sesenta, es que no los vivió?». Afortunadamente, Kantner se equivocaba y, de entre la bruma de la resaca producida por la marihuana, el LSD y los miles de conciertos, son muchos los protagonistas de esa década mítica que han logrado recordar y transmitir retazos fundamentales de sus vivencias para componer una historia parcial de la era beat, a la que este volumen aspira a contribuir de forma decisiva.  Tomando como punto de partida la asombrosa colección de discos, carteles y publicaciones de la época reunida por Zdenek Primus, el propo?sito de este libro es doble: por un lado, revisar la aportación de la psicodelia y el hippismo a nuestro universo visual a través, fundamentalmente, del análisis de las portadas de disco y los carteles de los conciertos de los grupos de música beat, cuyos exuberantes disen?os firmaron, en ocasiones, artistas como Wes Wilson, Víctor Moscoso o incluso Andy Warhol. Por otro lado, se ofrece una aproximación visceral y apasionada de los movimientos juveniles que dieron luz a esta contracultura, en dos lugares tan distintos de la California del flower power como la España franquista ?con textos de Mariano Antoli?n Rato, Patricia Godes o Juan Pablo Silvestre? o la Checoslovaquia del otro lado del Telón de Acero, con los apasionantes relatos de dos jóvenes beatniks checos en la época de la primavera de Praga (y de su posterior aplastamiento por parte del ejército soviético).

Editorial Círculo De Bellas Artes

Circulo De Bellas Artes

Psicodelia en la cultura visual de la era beat, 1962-1972

A finales del siglo XIX, cuando Japón se abría al mundo tras siglos de aislamiento abrazando con entusiasmo la modernización y la industrialización, un joven artista llamado Ogata Gekko de formación autodidacta revolucionó el panorama artístico japonés creando un nuevo estilo de grabado ukiyo-e que sintonizaba con los gustos de quienes miraban con nostalgia cómo el Japón tradicional desaparecía en la vorágine de cambios provocada por la apertura del país a Occidente. La serie Gekko Zuihitsu (Ensayos de Gekko), que comenzó a publicarse en 1887, está formada por cuarenta y siete estampas de gran calidad, una por cada letra del alfabeto japonés, que retratan dioses, dragones, emperadores, princesas, poetas, samuráis, monjes y un amplio repertorio de personajes y tradiciones niponas. Esta obra supuso toda una declaración de principios sobre la necesidad de recuperar los valores clásicos de la cultura japonesa, sus mitos y sus leyendas.

Satori Ediciones C.b.

Satori

Satori Arte

Estampas del Japón mitico

Este libro reúne buena parte de los diferentes ensayos sobre arte que Marius de Zayas escribió entre 1910 y 1917 y que hasta ahora habían tenido una difusión limitada. Artista, escritor, galerista y mecenas Marius de Zayas, figura esencial en la experiencia artística moderna de Occidente, no sólo registró con su pluma los sucesos trascendentales del arte y de las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, sino que los vivió de cerca junto con los protagonistas.

Rm + Mp

Editorial Rm

Escritos sobre arte. Marius de zayas

Tapa dura

Abada Editores

Sobre picasso

En este nuevo libro Jon Bilbao se revela como un verdadero artesano dela palabra y nos plantea temas que apelan a nuestro lado más desafiantemientras ponen en jaque nuestra realidad.

Impedimenta

Vaso Roto

Basilisco

En Arte y vision en el Imperio inca, Adam Herring analiza las experiencias visuales que tuvieron y registraron, los españoles en los primeros momentos de contacto con los incas en Cajamarca, cuando el sagrado rey Inca y su sequito se les aparecieron en to

Pucp Fondo Editorial

Fondo Editorial Pucp

Pontificia Universidad Catolica Del Peru

Fondo Editorial Pucp | Meadows School Of The Arts (Smu)

Estudios Andinos

SBS CUSCO

SBS AREQUIPA

SBS MIRAFLORES(PARDO)

SBS TRUJILLO

SBS CHICLAYO

SBS ESAN

SBS PIURA

SBS ENCALADA

SBS SAN.ISIDRO

SBS SAN.MIGUEL

SBS LOS OLIVOS

Arte y visión en el imperio inca andinos y españoles en cajamarca

Junto con Miguel Ángel y Leonardo, Rafael (1483-1520) fue uno de los artistas más importantes del Alto Renacimiento italiano. En su breve vida realizó alrededor de 100 pinturas y nueve ciclos de frescos en los que abordó una variedad de temas inigualable: desde sensuales bellezas femeninas, mitos antiguos y retratos hasta ciclos históricos y escenas bíblicas. También realizó retablos, diseñó tapices para la Capilla Sixtina y dirigió la construcción de la Basílica de San Pedro. Su Madonna Sixtina es una de las pinturas religiosas más reproducidas de todos los tiempos.Rafael fue un aprendiz infatigable que no concebía la autocomplacencia ni se limitaba a repetir soluciones ya intentadas y comprobadas, sino que seguía únicamente el constante impulso hacia adelante de una imaginación inagotable. Transformó su tema central, la experiencia visionaria de la gracia divina, en una realidad pictórica visible. En especial su obra madura en Roma y sobre todo los frescos en el palacio Apostólico del Vaticano le aseguraron un lugar en la historia del arte. Admirado ya en vida como el artista más moderno de su tiempo, la maestría de Rafael allanaría el camino para el manierismo y la época barroca.&lt; p>Esta edición XXL es la obra más exhaustiva sobre Rafael jamás publicada. El volumen abarca en total 112 pinturas y todos los frescos, proyectos arquitectónicos y tapices en muchas fotografías nuevas y numerosos detalles, así como el catálogo razonado de la obra del artista. Un equipo de expertos en Rafael inicia al lector en la fascinante interacción entre arte y poder en el Alto Renacimiento.

Taschen

Rafael. La obra completa

Desde que TASCHEN publicase por primera vez The Great American Pin-up, el interés por una modalidad artística tan intrínsecamente americana ha aumentado de manera exponencial. Las imágenes creadas por artistas destacados como Alberto Vargas, George Petty y Gil Elvgren, que en 1996 podían adquirirse por 2.000 dólares, se venden hoy por un mínimo de 200.000. El arte de las pin-ups (es decir, los dibujos y cuadros de muchachas ligeras, a veces ligerísimas, de ropa) se desarrolló entre las décadas de 1920 y 1970 para su uso en calendarios, portadas y páginas centrales de revistas. Los editores y quienes imprimían los calendarios a menudo se deshacían de los originales una vez publicados, lo cual hace que los que se han conservado sean aún más valiosos.Esta edición presenta a los 10 artistas más importantes del género. Cada capítulo comienza con una exquisita reproducción de un calendario o portada de revista de uno de ellos. La calidad de reproducción de los cuadros, pinturas al pastel y esbozos preliminares (reproducidos en gran parte a partir de los originales) invita al espectador a seguir el rastro de las pinceladas, mientras que las exquisitas reproducciones de calendarios o portadas de época, así como las fotos originales de las modelos, documentan el proceso creativo de los artistas. Muchas de estas piezas efímeras fueron fotografiadas directamente en las instalaciones de la histórica Brown & Bigelow Company, que alberga el mayor archivo de calendarios pin-up de época.

Inglés

The Art Of Pin-Up. 40Th Ed.

La conservación y restauración del arte contemporáneo es una disciplina compleja, en constante evolución, y que plantea la necesidad de actualización de los paradigmas sobre los que tradicionalmente se ha venido asentado la conservación de los bienes culturales. Tras varios años de investigación en el área, esta publicación recoge la visión particular de aquellos aspectos que, bajo un acercamiento propio, más sobresalen de una disciplina en continuo desarrollo. En este sentido, se ha descrito la naturaleza material de los objetos que forman el patrimonio reciente, estudiando la doble polaridad de la materia constitutiva del arte contemporáneo, pues es útil para concretar la idea de la obra, y a la vez lleva implícitos una serie de valores semánticos y culturales que la sustancian y dotan de importancia. Por otro lado, se ha realizado un acercamiento teórico y práctico a la disciplina de la conservación y restauración del arte contemporáneo, actualizando el marco deontológico y analizando los distintos sectores de actuación que podemos encontrar en la actualidad, o lo que es lo mismo, abordando las distintas categorías de problemas con las que el restaurador puede tener que enfrentarse: pintura contemporánea, instalaciones, videoarte, arte cinético, eat-art, obsolescencia tecnológica, necesidades específicas de documentación y conservación preventiva para el arte no convencional?

Tecnos

Editorial Tecnos

Arte contemporáneo y restauración. O cómo investigar entre lo material, lo esencial y lo simbólico

En 1600, durante un viaje a Italia, Rubens conoció en Venecia a Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y generoso mecenas que le ofreció el prestigioso puesto de pintor de corte. Esta circunstancia permitió a Rubens familiarizarse con la obra de los grandes maestros de la pintura italiana, pero además le brindó la oportunidad de conocer a Claudio Monteverdi, miembro de la capilla ducal. Durante los ocho años que compartieron en la corte de Mantua, el pintor y el compositor desplegaron su arte en un momento crucial tanto de la música como de la pintura. A través del análisis de una obra de Rubens, el Consejo de los dioses (1624), cuyo origen ha sido un misterio para diversas generaciones de historiadores del arte, Hans Ostabre interesantes perspectivas sobre la relación entre distintas disciplinas artísticas.

Acantilado

El Acantilado

Rubens y monteverdi en mantua

El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo xx, un emblema universal del ser humano en el que Giacometti trabajó incesantemente durante sus últimos años. Franck Maubert rastrea las circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que, más allá del significado que cobró tras la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la obra ha trascendido su época y dialoga tanto con las manifestaciones más primigenias de la civilización humana como con los hombres y las mujeres de hoy y de mañana.

Cuadernos del Acantilado

El hombre que camina

Célebre tanto por su ambición como por su belleza, la condesa de Castiglione, oren- tina a ncada en la París de Napoleón III, se convirtió en una heroína de Italia. Aman- te del emperador, desempeñó un papel de- cisivo en la uni cación italiana de 1 8 6 1, aunque quizá su mayor legado fueron los más de setecientos retratos para los que posó en el estudio de Pierre-Louis Pierson a lo largo de su vida. La narradora de este singular y hechizante relato topa por ca- sualidad con una de las fotografías de «la Castiglione» e inicia una indagación sobre el destino de una mujer que se convirtió en un absoluto enigma a fuerza de mos- trarse hasta la extenuación. Y al examinar las fotografías para revelar su secreto, va descubriendo todo lo que se ha ocultado a sí misma y exponiendo su historia per- sonal. Nathalie Léger nos ofrece así una auto cción que es también una re exión sobre el espacio de lo femenino.

La exposición

Misteriosos y elegantes, amorosos pero independientes, compañeros silenciosos o, en ocasiones, demasiado expresivos, dueños de su espacio y observadores implacables. Son los gatos. En este libro que entusiasmará a los amantes de este fascinante animal, la etóloga Paola Valsecchi traza su historia y cuenta el papel que ha desempeñado en ella desde el antiguo Egipto hasta hoy, explicando asimismo su evolución, su domesticación, su comportamiento en los muchos medios -silvestres y domésticos- en que se da su presencia, sus características físicas y conductuales, sus habilidades sensoriales y sociales, y también sus emociones. La larga relación que tenemos con los gatos se está viendo incrementada en nuestra sociedad moderna, en la que predominan soledades compartidas y convivencias con límites definidos, pero esto no impide que siga marcada por el aire hierático e inescrutable que parece siempre envolverlos.

Alianza Editorial

Anaya Em

Gatos: (casi) una historia natural

* Una retrospectiva inédita de los grabados más bellos y los cuadros más destacados de Gustave Doré, elegidos entre su obra, constituida por más de 10 000 ilustraciones.* Gustave Doré es un artista completo: dibujante, grabador, pintor y escultor. Su genio en la ilustración literaria le valió haber pasado al inconsciente colectivo, haber influido en el cine, la animación, el cómic y la publicidad. * Uno de los dibujantes con mayor talento, y de los más prolíficos del siglo xix, Doré abarcó todos los temas: desde la caricatura de los hombres de su época hasta el reportaje de guerra, pasando por la fábula, la poesía, la novela y también la alegoría y el paisaje.La selección de las obras que se reproducen y comentan se basa en un conjunto de criterios cronológicos, temáticos y estéticos. Doré realizó caricaturas cómicas e imágenes serias, visiones épicas y vistas contemplativas, observando la realidad y comportándose de manera virtuosa en la fantasía. Los encuentros temáticos, estilísticos y formales hacen surgir con fuerza la personalidad artística de Gustave Doré. Además de su virtuosismo, su gusto trasluce otro tanto. Sus temas predilectos son variados: le gustan las noches estrelladas, los bosques de altos pinos negros, los paisajes escarpados, los combates de espada, los castillos mágicos, las criaturas voladoras, los monstruos marinos... En otras palabras, a Doré le gusta soñar y hacer soñar. Cultiva lo maravilloso.

Blume (Naturart)

Blume

Fantastico. Gustave dore

* A Yves Saint Laurent se le atribuye el haber llevado la alta costura a la categoría de arte, convertir los desfiles en un espectáculo de proporciones impresionantes y modernizar el concepto de moda femenina con sus clásicos andróginos. * Saint Laurent, que nació en Argel, pasó de ser un estudiante de moda a la mano derecha del mismísimo Christian Dior en un tiempo récord. Esa trayectoria culminó cuando Saint Laurent se encargó de dirigir la marca Dior tras la muerte de su fundador. * En 1961 fundó su propia casa de moda y creó su famoso traje de pantalón Le Smoking y el vestido Mondrian, popularizó la chaqueta de cuero y asombró al mundo de la moda con su mezcla de lujo y espectacularidad artística. Sesenta años después de la fundación de su casa de moda, el Pequeño libro de Yves Saint Laurent documenta la vida y la obra del enigmático, audaz y asombrosamente creativo diseñador mediante magníficas imágenes y un texto escrito por una mano experta."Las modas pasan, el estilo es eterno. Mi sueño es ofrecer a las mujeres las bases de un armario clásico que escape a la moda del momento y les ofrezca una mayor confianza en sí mismas".

Pequeño libro de yves saint laurent

La creencia en la magia y el misticismo es como un hilo que recorre toda la historia humana. Asombrosamente entretejidos con esa historia encontramos tanto a los practicantes de las artes arcanas como a los artistas plásticos que, atraídos por estas esferas desconocidas, han creado curiosas obras que nacen de un profundo deseo de alcanzar la verdad y el conocimiento. Desde el Zodiaco y la alquimia a la teosofía y la cábala; del espiritualismo y la magia ceremonial hasta los elementos y la geometría sagrada. En El arte de lo oculto, S. Elizabeth ha seleccionado cuidadosamente 175 obras que aspiran a descifrar los secretos de la naturaleza y del destino humano. Descubre los dibujos automáticos de Hilma af Klint y Madge Gill; la surrealista interpretación de la alquimia y la cábala de Leonora Carrington; el visionario mundo espiritual de Vali Myers; fotógrafos que exploran la identidad a través de la brujería; y muchas más obras que trascienden el tiempo y el espacio. «El arte es, como la magia, la ciencia de manipular símbolos, palabras o imágenes para lograr cambios en nuestra conciencia». Alan moore.

Ediciones Akal

Akal

Akal Grandes Temas

El arte de lo oculto

Como su propio nombre indica, "Del construir" se centra en el mundo de la arquitectura, de la producción de las obras, de quienes las concibieron y realizaron, de las técnicas usadas, de los materiales empleados. Ahora bien, en el Medievo todo esto se entendía de una manera bastante diferente a la nuestra. El edificio no sólo se consideraba un referente en el tejido urbano, o el definidor de un espacio interior de fuerte carga simbólica, sino un todo coherente en el que a la obra propiamente constructiva se unían el resto de elementos que la ornaban: pinturas murales, esculturas, vidrieras, telas, piezas de orfebreríaà Ciertos materiales podían llevar implícitos unos significados que hoy ya no somos capaces de percibir; los productos de las llamadas «artes mayores», una división jerárquica ajena por completo al hombre medieval, no eran necesariamente los más apreciados -una rica tela podía despertar impresiones y emociones más intensas de cuanto pudiese hacerlo una portada esculpida, hacia la que, sin embargo, hoy dirigiríamos principalmente nuestra atención-¬, y el comitente, en fin, podía ser -y durante mucho tiempo lo fue- considerado mucho más importante que el artista o, por lo menos, estar implicado en la creación de la obra tanto como éste. El presente volumen constituirá, sin duda, un importante paso para corregir la visión tópica, distorsionada y simplificada que, fruto de muchos siglos de propaganda contraria, se sigue teniendo de la Edad Media y que ha ayudado a ocultar una realidad mucho más rica y compleja de lo que se piensa.

Ediciones Akal, S.a.

Akal / Arte y Estética

Arte e historia en la edad media II

La narrativa está estructurada a través de la mirada de niños que conocieron o vivieron cerca de estos artistas, lo que facilita que los jóvenes lectores se conecten emocionalmente con figuras históricas —y humanas— de la historia del arte. Las ilustracio

Small Stories Of Great Artists

Fondo Cultural Banamex

Imágenes de los naturales en el arte de la nueva España

La conservación del Patrimonio Cultural en la actualidad implica la conjugación de intereses contrapuestos debidos a la noción de propiedad privada por un lado, con la especulación, explotación y destrucciones que conlleva en ocasiones, y por otro la noción del Patrimonio Cultural como una herencia colectiva; estos factores condicionan enormemente las actitudes, criterios e intervenciones en la conservación de los objetos con un valor artístico y cultural lo que requiere la regulación de las intervenciones a través de pautas y normas de intervención, a fin de salvaguardar los valores y significados estéticos, históricos, documentales y funcionales de los Bienes Culturales que lo constituyen. El vertiginoso desarrollo de las ciencias, las nuevas tecnologías, el láser, la informática, el cine, el vídeo y los medios de comunicación, serán los nuevos instrumentos, tanto para la producción y creación de obras de arte contemporáneo, como para la conservación y restauración de los objetos, y la difusión de la cultura, por lo que una característica y peculiaridad de la conservación y restauración contemporánea es la problemática que plantean estos materiales y técnicas presentes en las obras de arte, a la vez que su incorporación en la práctica de la restauración ha permitido la resolución de múltiples y complejos problemas técnicos. En esta nueva edición, se aborda la evolución de los criterios, técnicas y metodologías desde principios del siglo XX hasta la actualidad, examinando algunos casos ilustrativos y relevantes de la conservación y la restauración en este período, así como las normativas y sistemas de protección del Patrimonio Cultural nacionales e internacionales, y los principales organismos e instituciones responsables. Se han ampliado algunos capítulos y apartados como el concerniente a las copias y reproducciones y se ha incluido un apartado específico sobre el expolio en todas sus formas, tan serio y grave inclusive en los últimos años.

La fuerza del arte (2017)

¿Que es el arte? (2013)

Frida y zapata y la flor de la muerte (2018)

Devenir obra de arte (2023)

Psicodelia en la cultura visual de la era beat, 1962-1972 (2018)

Estampas del Japón mitico (2020)

Escritos sobre arte. Marius de zayas (2017)

Sobre picasso (2020)

Basilisco (2020)

Arte y visión en el imperio inca andinos y españoles en cajamarca

Rafael. La obra completa

The Art Of Pin-Up. 40Th Ed. (2023)

Arte contemporáneo y restauración. O cómo investigar entre lo material, lo esencial y lo simbólico (2014)

Rubens y monteverdi en mantua (2019)

El hombre que camina (2019)

La exposición (2019)

Gatos: (casi) una historia natural (2024)

Fantastico. Gustave dore (2022)

Pequeño libro de yves saint laurent (2023)

El arte de lo oculto (2024)

Arte e historia en la edad media II (2013)

Small Stories Of Great Artists

Imágenes de los naturales en el arte de la nueva España

La conservación y la restauración en el siglo XX (2011)