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Next stop

El progresivo interés en el estudio de la Historia de las Artes Decorativas ha llevado a María Campos Carlés de Peña, especialista en Historia del Mueble, a la redacción de este libro. La autora ha realizado una exhaustiva investigación sobre la muy rica producción de muebles en el Perú de los siglos XVII y XVIII -a lo largo del Período Virreinal- en iglesias, conventos, monasterios, colecciones particulares. Expuso en once capítulos una minuciosa descripción de esos muebles -una parte del amplio repertorio de mobiliario de uso eclesiástico y civil que logró individualizar dentro de ese contexto histórico- inspirados en estilos artísticos que pasan del manierismo hasta llegar al neoclasicismo, con las múltiples variantes del momento y sus artífices.  A través de su lectura es posible apreciar en el mueble virreinal peruano un invalorable testigo de su tiempo, ejemplo de sincretismo de variadas y distantes culturas, dotado de simbolismo, enorme belleza y sentido iconográfico

Un legado que pervive en hispanoamérica

A growing interest in the study of the history of decorative arts has led María Campos Carlés de Peña, a specialist in furniture history, to write this book.  The author has conducted extensive research into the extremely rich furniture production of 17th- and 18th-century Peru ù during the Colonial Period ù in churches, convents, monasteries and private collections. Over eleven chapters, she provides a thorough description of this type of furniture ù a part of the vast array of secular and ecclesiastical furniture she was able to single out within that historical context ù which was inspired by artistic styles ranging from Mannerism to Neoclassicism, with their many variants and creators.  The recorded, described and chronologically arranged material which nurtured this book is extremely useful as reference material, as well as for enjoyment and the acquisition of knowledge on a topic which, so far, has been little explored. Also, the author thought it relevant to conceive the book as a source of inspiration for subsequent cultural projects related to the decorative arts in Spanish-America and the starting point for future research work.  In this book, Peruvian viceregal furniture appears as an invaluable witness to its time; an example of syncretism between diverse and distant cultures, endowed with symbolism, great beauty and iconographic meaning.

http://www.ceeh.es/coleccion.cfm?idCatPubli=98&idPublicacion=100

Códices de la capilla sixtina. Manuscritos miniados en colecciones españolas

Una hitoria del arte de obras a veces inquietantes, y a menudo hermosas, que satisfacen nuestros mayores miedos. A lo largo de la historia, los artistas han estado obsesionados con la oscuridad, creando obras que fascinan y horrorizan, hipnotizan, deleitan y juegan con nuestros miedos más íntimos. Pero, si bien estos temas pueden asustarnos, ¿no pueden ser también inspiradores y hermosos? Explorando y examinando más de 200 obras de arte con un texto reflexivo y evocador, S. Elizabeth ofrece una visión de las influencias e inspiraciones de cada artista, preguntando qué consuelo se puede encontrar al enfrentar nuestros demonios. Atrevámonos a sentarnos por un tiempo con estas sombras, para reconciliarnos con nuestro lado oscuro.

Akal

El arte de la oscuridad

sumergirse hoy en día en las obras de robert fludd (1574-1637), nos dice joscelyn godwin, es como explorar un palacio de la memoria renacentista . un inmenso y majestuoso edificio que albergaría gruesos y ricos volúmenes, espléndidamente ilustrados, sob

Imaginato Vera

Macrocosmos, microcosmos y medicina: Los mundos de robert fludd

Gerónimo comienza explicándonos los mitos de los apaches y sus costumbres, y nos relata después una vida marcada por el salvajismo de los soldados mejicanos que asesinaron a su madre, su esposa y sus tres hijos, por su venganza, por las luchas posteriores contra los norteamericanos y por el largo cautiverio en que acabó su vida, humillado pero no sometido. Cuando Manuel Sacristán decidió traducir al castellano este relato, y enriquecerlo con sus comentarios, que vienen a ser como otro libro dentro del libro, no lo hizo por el interés antropológico del relato, sino por replantear, en términos de lo que se nos presenta como un homenaje al padre Las Casas, las cuestiones que tienen que ver con el choque de culturas, el etnocidio y el genocidio en la conquista de América, enfrentándonos ?a la pregunta por la justicia?, contra ?el amoralismo cientifista, forma hoy frecuente del progresismo?.

Crítica

Planeta

Tiempo De Historia

Gerónimo. Historia de su vida

En contra de todas aquellas interpretaciones gruesas que tienden a caracterizar la obra de Duchamp como eminentemente misógina, es la mirada femenina la que, desde el Gran Vidrio hasta Étant donnés, ejercerá la hegemonía en el proyecto de definición de u

Marcel duchamp

«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfile de alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa [?] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores [?], el refinamiento de los detalles [?], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro [?] Pero la ilusión se disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató el pintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.

El Acantilado

Alta costura

Elegancia

Centrado en el análisis y caracterización de esta segunda fase del net art y de su desarrollo hasta la actualidad, el texto presenta un pormenorizado estudio de todas las nuevas formas y variantes que han ido apareciendo &#150;blog-art, net-cinema, intervenciones y performances en metaversos como «Second Life», propuestas bas adas en visualizaciones de datos, arte locativo&#133;&#150;, lo que lo convierte en un libro fundamental para saber cómo está evolucionando esta importante faceta del arte de nuestro tiempo.

Akal / Arte Contemporáneo

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales

Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española.  Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad.   Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.

Juan caramuel y la probable arquitectura

«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the Occult Durante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club FranÇais du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos. La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas del surrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein, Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, B"cklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau, De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de las más diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico en nuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz, René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss, Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington, Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Una de las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio del siglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Breton creía que el ser humano es como un animal encerrado en una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo, y asumió una suerte de pasión amorosa por la pureza salvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido. Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potencia del deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionó tan cuidadosamente para este libro.

El arte mágico

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

El desbarate sufrido por el patrimonio artístico español entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del XX nos ofrece un triste relato: la crónica de un tiempo en el que un país pobre e inculto hizo almoneda de su casa, vendiendo sus enseres al mejor postor. Una historia donde se dan cita las dudosas actividades de vendedores, intermediarios, consentidores, encubridores y compradores de un acervo cultural acumulado a lo largo de siglos de historia. El resultado es un estremecedor catálogo de piezas artísticas, de diversa naturaleza, que fueron perdidas la mayor parte de las veces en dolorosas circunstancias y hoy se encuentran desperdigadas en colecciones de todo el mundo, principalmente en Estados Unidos. William Randolph Hearst es el gran protagonista de esta narración; el todopoderoso empresario de la comunicación, tristemente vinculado a la página final de nuestra historia colonial, y fuente de inspiración para Orson Welles en su mítica película &quot; Ciudadano Kane &quot; . Hearst fue el mayor comprador de arte español de su tiempo, un comprador compulsivo que, a través de turbias maniobras, no dudó en vulnerar todo tipo de obstáculos legales a fin de satisfacer su insaciable apetito como coleccionista. Para ello, a golpe de talonario, contó con cooperadores en todos los estamentos sociales, desde modestos operarios, hasta dignísimos intelectuales, clérigos y políticos, quienes, por su condición, más obligados estaban a la defensa  del legado artístico. A su lado estuvieron Arthur Byne y su esposa, Mildred Stapley; cultos, ricos y bien posicionados socialmente, ellos fueron sus principales agentes en España y protagonistas fundamentales del negocio clandestino de venta y exportación de tesoros artísticos del país. Autores de importantes estudios sobre arte, mobiliario y arquitectura españoles, los Byne utilizaron dichas publicaciones como catálogos de las piezas que ofrecían a museos y coleccionistas americanos.

Cátedra

La destrucción del patrimonio artístico español. W. R. Hearst: "el gran acaparador"

Cómo leer Nueva York nos descubre y facilita la comprensión del rico lenguaje arquitectónico de una de las ciudades más grandiosas del mundo, desde sus famosos rascacielos a sus tesoros menos conocidos. Haciendo un recorrido por los avances técnicos clave y los movimientos estéticos que han influido en la arquitectura de la Gran Manzana, esta accesible guía:  · explora la evolución del célebre skyline neoyorquino, del edificio Chrysler a la Torre Trump.  · examina en profundidad los principales estilos arquitectónicos que han contribuido a crear uno de los paisajes urbanos más famosos del mundo.  · explica los aspectos formales y funcionales de los iconos arquitectónicos de Nueva York mediante ilustraciones hermosamente detalladas y textos de acreditado rigor.

H. Blume

Blume

Cómo leer nueva york

Rasgo distintivo estético y estructural de las ciudades del siglo XX, cuyo perfil ha transformado, la "arquitectura moderna" nace y se desarrolla en buena parte del globo entre 1910 y 1970. Su concepción trajo aparejada una promesa de transformación, por su aparente capacidad para transformar ciudades sucias y abarrotadas en espacios amplios de viviendas generosas ubicados en paisajes modelados. En esta breve introducción, Adam Sharr expone el desarrollo de esta arquitectura, que ha creado poderosísimas imágenes culturales apoyándose en las innovaciones de las técnicas de construcción, así como de los materiales que la identifican, como son el acero, el cristal y el hormigón, y teniendo en cuenta de forma insoslayable la incorporación de instalaciones como las correspondientes a la luz eléctrica y el aire acondicionado, para acabar planteándose si la arquitectura contemporánea sigue siendo fundamentalmente moderna.

El Libro De Bolsillo

Arquitectura moderna: Una breve introducción

Catálogo de la exposición celebrada en el MNCARS del 12 de noviembre de 2008 al 16 de febrero de 2009 sobre Carl Einstein, historiador, crítico del arte y una de las figuras clave de la vanguardia artística del siglo XX. En la exposición se muestran obras significativas de los artistas más importantes de las vanguardias, a quienes Einstein conoció y sobre cuyas trayectorias reflexionó y escribió.

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Ministerio De Cultura

La invención del siglo XX. Carl einstein y las vanguardias

España

Pinturas, esculturas, instalaciones, vídeo, arte ambiental y público, performance, la contribución de las últimas tecnologías... Las artes visuales en el siglo pasado han adquirido un vocabulario complejo. A pesar de que al público le resulta difícil de entender y muchos críticos lo han declarado muerto, el arte nunca ha estado más vivo que en la actualidad.En sus nuevas formas que han invadido el mundo, en un contexto internacional cada vez más dinámico, por todas partes surgen exposiciones, museos y colecciones. ¿Se trata de una expansión únicamente mercantil, o hay que reconocer que todavía queda poesía en el arte contemporáneo? ¿Cómo estamos dispuestos a definir el arte? ¿Cómo funciona el sistema que le atribuye valor?

Ediciones Rialp S.a.

Ediciones Rialp

Rialp

Rialp Bolsillo

El arte contemporáneo

Miró

Obra planteada a manera de diccionario de términos de arte y cultura o rientales, pero que conforma una trama de caminos que permite diversas lecturas enriquecedoras tanto para aquel que por primera vez se acerc a a su objeto de estudio, como para quien esté familiarizado con él. A rte y cultura en China contiene información amplia, detallada y precis a que recoge los últimos descubrimientos arqueológicos y los conocimie ntos técnicos y artísticos más avanzados sobre formas, materiales, esc uelas y períodos.

Ediciones Del Serbal

Arte y cultura en china. Conceptos, materiales y términos de la a. A. La z

Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático ?no pretende apelar a la razón y al cerebro?, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.

De lo espiritual en el arte

Obras que blasfeman o hablan de sexo con crudeza, creaciones a base de sangre, orina y heces... En el mundo del arte, a menudo las imágenes más extrañas o chocantes se consideran geniales, algo que resulta confuso o incluso indignante para muchos espectadores. A ellos, en parte, se dirige Cynthia Freeland con este libro valioso y audaz convertido en un clásico de referencia. En él, basándose en un sinfín de magníficos ejemplos y remontándose a los antecedentes filosóficos, antropológicos y teóricos del debate, explica por qué en el terreno artístico se valoran la innovación y la polémica, y nos convence de la rica diversidad en el arte. El libro traza una completa panorámica de las teorías que han explorado los significados culturales del arte; rastrea los hilos y tradiciones que conectan las más sensacionales obras modernas con el Partenón, la catedral de Chartres o Goya; y nos impulsa hacia el futuro al examinar los mundos emergentes del arte digital o las últimas investigaciones sobre el papel del cerebro en la percepción del arte. En el camino, pensadores como Aristóteles, Hume, Benjamin y Baudrillard arrojan luz en tan compleja discusión. Este libro accesible y provocador es la perfecta introducción al arte contemporáneo para interesados, escépticos o perplejos.

Pero esto es arte

La exposición Formas biográficas. Construcción y mitología individual revisa la dimensión narrativa del arte en su relación con lo literario. La muestra analiza la relación entre «vida y obra», así como los mecanismos de construcción de la identidad y de la biografía que operan a lo largo de la actividad artística del siglo XX. De esta manera, el relato biográfico es interpretado como constructo de una mitología individual en la que el propio artista participa a través de un proceso de búsqueda y construcción del sujeto. Tradicionalmente confrontado con las artes visuales, lo literario, que también incluye manifestaciones anti-literarias y ajenas al campo institucionalizado de la literatura, se revela como un amplio saber que integra psicoanálisis, antropología o teoría crítica y que es fundamental  para replantear una nueva escritura sobre el arte.

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía/ Siruela

Formas biográficas. Construcción y mitología individual

Next stop (2017)

Un legado que pervive en hispanoamérica (2014)

Un legado que pervive en hispanoamérica (2013)

Códices de la capilla sixtina. Manuscritos miniados en colecciones españolas

El arte de la oscuridad (2023)

Macrocosmos, microcosmos y medicina: Los mundos de robert fludd (2018)

Gerónimo. Historia de su vida (2013)

Marcel duchamp (2016)

Alta costura (2019)

Elegancia

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales (2015)

Juan caramuel y la probable arquitectura (2014)

El arte mágico (2019)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

La destrucción del patrimonio artístico español. W. R. Hearst: "el gran acaparador" (2012)

Cómo leer nueva york (2013)

Arquitectura moderna: Una breve introducción (2020)

La invención del siglo XX. Carl einstein y las vanguardias (2009)

El arte contemporáneo

Miró (2009)

Arte y cultura en china. Conceptos, materiales y términos de la a. A. La z

De lo espiritual en el arte (2023)

Pero esto es arte (2025)

Formas biográficas. Construcción y mitología individual (2013)