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El autor, especialista en Japón y su cultura, reúne en este volumen toda la historia del teatro japonés enfocada a la mujer como protagonista. Es un itinerario que traza desde el origen de los mitos fundacionales nipones hasta llegar a la actualidad en que la mujer ha diversificado sus labores en las artes escénicas. Gracias a las interesantes descripciones de las diferentes facetas del teatro japonés, podremos conocer un poco mejor la poliédrica idiosincrasia del pueblo del País del Sol Naciente.

Universitat Jaume I. Servei De Comunicació I Publi

Mujeres en la historia del teatro japones: De amaterasu a minako seki

Meyerhold es uno de los más trascendentales innovadores del arte del teatro. Creador de inmenso talento, de una energía casi inagotable y de puestas en escena nada tradicionales desarrolló la biomecánica, método de interpretación que cambia y profundiza en el arte del actor.El juego biomecánico implica elasticidad corporal, eficacia, coherencia, economía de gestos, precisión, velocidad de realización, evaluación exacta de los espacios, capacidad de orientación, conciencia de los códigos del equilibrio y del centro de gravedad del cuerpo, coordinación con el compañero, etc.Todo este despliegue físico y emocional despierta en los espectadores un torrente emotivo, porque las acciones y las relaciones entre los actores cristaliza en un pensamiento plástico que no es ilustración del texto, sino su metáfora. Meyerhold, como él mismo lo definió buscaba con su método un actor total.En sus creaciones siempre había algo que organizaba la verdad de las emociones en las circunstancias dadas que Stanislavski consideraba de lo más significativo en el arte del teatro.Afirmaba además que:&nbsp;La dificultad primordial del teatro contemporáneo es cómo hacer para salvaguardar la destreza de la improvisación que tiene el actor, sin transgredir la forma concreta y compleja que el director ha de asignar a la puesta en escena. Stanislavski es de la misma opinión que yo. Ambos acometemos la solución de la tarea como los constructores de un túnel bajo los Alpes: cada uno avanza por su lado, pero en el medio, con total seguridad nos encontraremos.Las puestas en escena de Meyerhold se destacaban por una singular unidad, en extremo coherente, de la forma y el contenido. Pero al mismo tiempo le gustaba repetir que: en el entrelazado de la forma y el contenido existe un tercer elemento: cómo conseguir que eso suceda.Meyerhold quería que la forma estuviera respirando y pulsando con la profundidad del contenido.En 1905, Meyerhold pone en escena La muerte de Tintagiles del dramaturgo belga Maurice Maeterlinck. Descubre a través de las dificultades que este texto plantea, los principios del teatro de la convención consciente, basados en el ensueño, la energía del lenguaje gestual, musical y pictórico de líneas, colores, y en la participación creativa de los espectadores al colaborar estos en el hecho teatral.En octubre de 1917 se produce la revolución bolchevique y Meyerhold la apoya incondicionalmente anunciando que trabajaría al servicio de dicha revolución pues consideraba que a la revolución social debería acompañarle una revolución teatral.Siguiendo este precepto, en 1918 pone en escena Misterio bufo del poeta y dramaturgo ruso Maiakovski. Una obra que rompía con todas las convenciones y que fue considerada como la primera elaboración del teatro soviético.El espacio escénico unía escenario y patio de butacas mediante rampas, escaleras, andamios y una imponente semiesfera que se insertaba parcialmente en el escenario y las primeras filas del patio de butacas. El final de la obra unía a los actores y a los espectadores en el escenario, y desgarrando simbólicamente el telón del viejo teatro, significaba la ruptura con la tradición, así como el nacimiento de un nuevo arte del teatro.Pero a partir de 1921 la situación política comenzó a vivir un proceso de cambio y a los dirigentes políticos ya no le agradaban las creaciones de Meyerhold.Meyerhold continuó con su trabajo de investigación y en 1922 con la puesta en escena de El magnífico cornudo, del dramaturgo belga Fernand Crommelynck, Meyerhold exhibió lo que para él era un arte del teatro constructivista y biomecánico, enteramente asentado en el movimiento, la gestualidad, el dominio del espacio escénico y el ritmo.La pintora y escenógrafa rusa Liubov Popova suprimió el telón y diseñó un espacio en donde construyó la estructura que propiciaría el juego de los actores. Era un conjunto de plataformas, escaleras, rampas y ruedas que giraban, dándole al dispositivo escénico un dinamismo autónomo. El trabajo de los actores fue llevado casi al extremo de las acciones físicas profundizando en las emociones de los personajes. El jazz fue la banda sonora de la puesta en escena.&nbsp;Disintió con el teatro que se quería imponer en el llamado&nbsp;realismo socialista, al que definió como: Si es solo razón, el teatro es una conferencia en donde se exponen ideas. Nosotros no aceptamos esto, la propaganda racional es nociva, el teatro puede lanzar ideas al espectador, pero debe ocuparse también de otro aspecto: la sensibilidad.&nbsp;En 1930, cuando Stalin&nbsp;arremetió contra toda manifestación artística considerada&nbsp;arte de vanguardia, las puestas en escena de Meyerhold fueron considerados&nbsp;alienantes&nbsp;para el pueblo soviético.En 1938 Meyerhold fue encarcelado.El 15 de julio de 1939, su mujer, Zinaida Rajch, apareció degollada en su domicilio en circunstancias nunca aclaradas.&nbsp;A Meyerhold se lo obligó, mediante la tortura, a arrepentirse de lo que el régimen stalinista consideraba su desviación política.El 2 de febrero de 1940 fue fusilado y su cadáver arrojado a una fosa común.En&nbsp;1955, dos años después de la muerte de Stalin, su nombre fue reivindicado y exonerado de todos los cargos.Meyerhold está considerado un creador de extraordinario talento. Talento que utilizó para desarrollar uno de los aportes más trascendentales para el arte del actor: la bio mecánica. Método que supone un enorme revulsivo para las técnicas de interpretación.El legado que deja Meyerhold es quizá de los más importantes en lo que respecta al arte del teatro. Encontramos influencias en dramaturgos como Bertolt Brecht o Ernst Toller; también en directores escénicos como Jacques Copeau, Erwin Piscator, Max Reinhardt, Jerzy Grotowsky, Eugenio Barba y Peter Brook.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp

Dirección escenica

Alejandro Casona juega con la fantasía y la realidad en el teatro. Estamos, y se ve desde la primera escena, ante una escenificación del teatro dentro del teatro, no al modo pirandeliano, sino instrumentando elementos del vodevil.Los árboles mueren de pie nos ofrece un mundo tocado de fantasía y unos personajes que ejemplifican una idea moral. Desde la escena pretenden mostrar y demostrar al espectador el bien, la belleza, la vida en su expresión más genuina, bondadosa y maravillosa. La función de esta obra es orientar hacia el sendero de las fuentes cristalinas y limpias de una vida mejor.«Que no me vean caída. Muerta por dentro, pero de pie. Como un árbol».

Los arboles mueren de pie

«El teatre es basa en el record. El seu motor, i l'únic que en quedarà, és el record que arribarem a deixar al cor de l'espectador, i com maldarà per mantenir-s'hi».A l'hora d'enfrontar-se a una obra d'art, pot ser la bellesa un fi en ell mateix? Quina és la feina real d'un director de teatre que es proposa aixecar una funció que perduri en el record de l'espectador? Com treballa aquest director que sap que el dia que la seva feina fructifiqui, no serà en escena per recollir els aplaudiments? Totes aquestes preguntes i moltes més són les que intenta respondre Oriol Broggi en aquest assaig essencial sobre la creació artística.Amb El record de la bellesa, una de les personalitats més determinants del teatre català del segle XXI ens parla del seu procés creatiu, ens convida a conèixer la seva personalitat i ens aporta noves visions sobre Sòfocles, Shakespeare, Txékhov, Lorca, Espriu, la tradició i el teatre contemporani.

El record de la bellesa

'Un señor... cualquiera' es una obra dramática que se erige como el testimonio del final de las costumbres de una época, a favor del surgimiento de un nuevo modelo de mujer moderna. Este volumen, que parte de la edición de 1930 publicada en Montevideo, incluye un anexo en el que se reproduce la totalidad de los fragmentos de prensa que la autora incluyó en su primera publicación y dan cuenta del éxito rotundo que supuso el estreno de la obra.

Un señor cualquiera

En el ciclo que forman El espíritu de la tierra (1895) y La caja de Pandora (1904) Frank Wedekind creó su heroína más famosa, Lulú, un ser de naturaleza vampiresca, la encarnación misma de la femineidad y el sexo; no una pecadora ni un mero producto de su medio social, sino la exaltación de la vida natural y el deseo. El dramaturgo alemán Frank Wedekind nació en Hanover (1864) y murió en Múnich (1918). Su tempestuosa obra fue precursora del expresionismo. Colaboró desde 1896 en la publicación satírico-política Simplicissimus. Sus contemporáneos dejaron numerosos testimonios de su electrizante personalidad.

Lulu

Lluís Pasqual rememora su relación con García Lorca y se nos revela un narrador preciso, elegante, conmovedor. Un relato delicioso, de una sensibilidad y una fuerza narrativa excepcionales. «Al igual que cuando uno se enamora por primera vez se está enamorando de alguien y del amor al mismo tiempo, García Lorca era para mí «el autor» y la Literatura: el descubrimiento de la compañía espiritual y de la capacidad de aventura que encierra un libro. Aunque leía a otros autores, la sensación de extraña cercanía no era la misma. Tal vez por esa misma cercanía, en algún momento debí de sentir que si uno puede elegir a sus amigos entre los vivos, también lo puede hacer entre los muertos si, como en este caso, sus palabras, que albergan sus emociones más íntimas, te acompañan y te sirven, en algunos momentos de la vida, para darle un nombre a las tuyas. Enamorarse del Federico amigo era demasiado fácil y, sobre todo, peligroso. (à) La fascinación que desde el primer momento sentí ùy sigo sintiendoù por la escritura de García Lorca me decía que Federico podía acompañarme por lo menos un largo espacio de mi vida, alimentando durante mucho tiempo la cálida sensación de fraternidad que me producía su lectura: amor de hermano. Ahí estaba. Esto iba a ser, mi hermano. Y puestos a pedir, mi gemelo. Un espejo al que poder mirarme, un reflejo en forma de refugio, mucho más sabio que yo por el hecho de ser poeta, y cuyos pensamientos y emociones se parecían a los míos, o más bien los míos encontraban su libre expresión en la manera cómo él los contaba.» (De ôA modo de Introducciónö).

De la mano de federico

Dalí versus picasso

El 19 de abril de 1616, Miguel de Cervantes estaba escribiendo la Dedicatoria del «Persiles», el libro que prometía ser «el mejor que en nuestra lengua se haya compuesto». Advertía que, «al paso de las efemérides de mis pulsos», en tres días a más tardar acabaría la carrera de su vida. En esto, como en otras cosas, el vaticinio fue exacto. Este libro intenta contar la historia de las contrariedades de la vida de un hombre genial, ávido lector hasta de los papeles rotos de las calles, que, sin pasar por la universidad, elevó el género «novela» desde la nada hasta la admiración unánime de lectores y escritores durante cuatro siglos.

La última dedicatoria de cervantes

«La autoficción es una ficción de acontecimientos y de hechos estrictamente reales», así define Serge Doubrovsky, creador del término, un género literario inclasificable hasta los años 70 y que ha generado abundante bibliografía. Sin embargo, no es habitual encontrar a un creador que nos desvele su propia escritura del yo, que es precisamente lo que hace el autor de este ensayo.Sergio Blanco entiende la autoficción como un cruce de relatos reales y ficticios en los que se establece un pacto de mentira, en contraposición al pacto de verdad de la autobiografía. De esta forma, ambos géneros se separan sin remedio: la autoficción se transforma en el lado oscuro de la autobiografía.Después de realizar un breve recorrido histórico a través de las diferentes escrituras del yo desde la Antigüedad hasta nuestros días, el autor plantea un «Decálogo de un intento de autoficción», donde desarrolla su propia teoría a partir de sus obras autoficcionales.

Autoficcion

Literatura y escena es una travesía apasionada por la historia del teatro español en lengua castellana, desde sus orígenes litúrgicos hasta las voces más recientes de la dramaturgia contemporánea. José Luis González Subías traza un relato riguroso, personal y vibrante, en el que la escena ?entendida como espejo cultural, social y político? se convierte en el hilo conductor de siglos de creación dramática.Lejos del tono enciclopédico, esta obra despliega una mirada crítica e incisiva sobre más de cinco siglos de tradición teatral. El autor rescata autores olvidados, revisita con nuevos ojos figuras esenciales del canon y analiza la escena como territorio de expresión, conflicto y memoria colectiva. Su escritura, clara y sugestiva, permite leer esta historia como un ensayo narrativo que invita tanto a la reflexión como al disfrute.Con prólogo de José Luis Alonso de Santos, este libro se dirige a investigadores, estudiantes y amantes del teatro que deseen adentrarse en su evolución histórica, estética y simbólica. Una obra que no solo informa, sino que contagia el entusiasmo por las artes escénicas como forma viva de conocimiento, emoción y representación del mundo.

Literatura Y Escena

Para la autora de este libro, un cineasta es un cazador de mariposas que intenta dar con la mariposa justa, justo la que estaba buscando, la que le intrigó, le robó el corazón, le hizo sentirà Es esa imagen que encuentra toda su belleza, como la mariposa, en el vuelo, siendo volátil, inatrapable, inexplicable, un misterio imposible de fijar. En busca de esa æimagen - mariposaÆ, la autora nos dice que escribir cine es trabajar en tres capas que se pertenecen y dialogan entre sí: la de lo concreto (la superficie que vemos, la tierra que pisamos, la materia con la que trabajamos), la de lo general (no siempre se ve, pero sabemos que está) y la de lo universal (al fondo, en la profundidad, sosteniéndolo todo). De estas tres capas nacen la escritura creativa (la que alumbra la obra) y la escritura social (la que nos permite comunicarla y hacernos entender ). Este libro se adentra en sus secretos y recovecos para arrojar luz sobre ambos procesos y proponer vías provechosas que nos ayudan a recorrerlos.

El cazador de mariposas

Nueve preguntas para el Mago del Siam Reúne diez piezas de microteatro de Caridad Fernández estrenadas en Microteatro por Dinero. Las piezas vienen acompañadas de recuerdos de quienes las llevaron a escena y las convirtieron en verdad. También se rehace e

Microteatro. Nueve preguntas para el mago de siam

El Lenguaje Corporal En La Actuacion

Cierva acosada es la única de las obras dramáticas conocidas de Alfonsa de la Torre, que se ha conservado tras el expolio de su archivo personal y que ha permanecido inédita hasta la actualidad. Escrita entre los años 1946 y 1958, está basada en el asesinato de una joven acaecido en la localidad natal de la autora en 1935, que la impresionó profundamente y la impulsó a redactar este testimonio literario.

Cierva acosada

JOSEFINA DE LA TORRE (Las Palmas de Gran Canaria, 1907-Madrid, 2002), poeta, novelista, cantante, actriz y guionista, fue una de las poetas más representativas durante las vanguardias en España. No obstante, durante el conflicto bélico y hasta el momento de su fallecimiento, la autora no cesó en su actividad poética, aunque se dedicase, sobre todo, a su carrera de actriz teatral. La presente edición, a cargo de Fran Garcerá, constituye el segundo volumen (1936-1989) de la Poesía completa de Josefina de la Torre, que reúne sus poemarios Marzo incompleto (1968), Medida del tiempo (1989) y Mi dolor, que fue escrito tras la muerte de su marido en 1980 y ha permanecido inédito hasta el presente. Además, se han recopilado en torno a un centenar de poemas inéditos, que la autora canaria dejó en hojas sueltas, así como algunos publicados en la prensa y en revistas durante estas décadas. También acompaña a esta edición una introducción biográfica que recupera su memoria, así como un anexo fotográfico de esta época.

Poesía completa josefina de la torre volumen 2

Carlota O'Neill (Madrid, 1905-Caracas, 2000) fue una escritora, periodista y dramaturga, quien vivió el auge cultural y social del primer tercio del siglo pasado en España, especialmente en las décadas de 1920 y 1930. Modelo de la nueva mujer moderna, su preocupación por los problemas de la sociedad y por la situación política de su momento histórico le convirtió en una de las pioneras del teatro proletario. Por todo ello, tras el golpe de estado a la II República española, su familia sufrió una dura represión: su marido fue asesinado y ella fue encarcelada por un largo tiempo. Tras sobreponerse a todas estas experiencias, logró exiliarse con sus hijas a México y a Venezuela.Esta edición, reúne tres de sus obras dramáticas que han permanecido hasta la actualidad inéditas: 'Al Rojo', representada en 1933 y en la que aborda la complicada situación de la mujer obrera; 'El paraíso perdido', de la que se realizó una lectura dramatizada en 1936 y muestra la plenitud del teatro de O´Neill; y 'Paraíso recobrado', que fue escrita durante la década de 1940 bajo su seudónimo de Laura de Noves y, aunque presentada como comedia, constituye un testimonio de la pérdida y las miserias que ocasionan las guerras.

Al rojo - el paraiso perdido - paraiso recobrado

'Una mujer desconocida (comedia en tres actos)' despertó el interés del público por su ironía y humor. El 28 de mayo de 1946 se estrenó en el Teatro Cómico de Madrid por la compañía de la actriz Josita Hernán. Unos meses más tarde se incluyó en el repertorio de la Compañía de Comedias de Josefina de la Torre en gira por el norte de España. La edición del texto original, de gusto "jardielesco", se acompaña de un anexo fotográfico y una introducción elaborada por Alejandro Coello Hernández, quien reflexiona sobre la figura de Mercedes Ballesteros y este ejemplo único del teatro cómico y absurdista escrito por una dramaturga española durante los años cuarenta

Una mujer desconocida

Una obra de teatro representa siempre un doble desafío: enfrentarnos a su estructura como obra literaria y adaptarla para su realización escénica. En este caso, Medea o el herido corazón de la granada consigue superar el desafío a la vez que nos incita a la curiosidad. Medea es una figura muy tipificada y arraigada en nuestra cultura, que ha soportado muy bien los envites del tiempo y ha sido versionada sobre todo en los siglos XX y XXI. Con un interesantísimo ritmo ascendente, la autora ha asumido el riesgo de mostrarla en la local realidad del mundo del flamenco, acaso para dar esa transversalidad de cómo un tema clásico puede llevarnos a una reflexión en un tema coetáneo, como el que engloba lo que ha significado la mujer, su mundo social y psicológico que ha facilitado o impedido los diferentes caminos por los que ha transitado. Esta Medea es un personaje catalizador de inquietudes, con un enfoque de vigente actualidad. Medea es el eje de su propia historia, un personaje cuya alma ha sido reflejada en el teatro clásico, al que ha transcendido, hasta llegar al siglo xxi. La grandeza del personaje admite diversas formas de tratamiento, sin perder nunca el asombro del primer descubrimiento. Todo ello, unido a la a la música y el baile como medio de expresión, logra adentrar la obra en la cultura andaluza y crea un mundo propio donde el uso del flamenco aporta cercanía, intensidad emocional y poderío que no deja de ser reflejo del alma de la propia Medea. La fuerza con la que se evidencia un mito clásico como es Medea, con diferentes interpretaciones y abriendo caminos a otras líneas de expresión, llega renovado a través de Elisa Constanza, que nos presenta a una mujer injustamente temida y calumniada, que a pesar de que se sabe sola, intentará reconstruirse interiormente para enfrentar el duelo por sus hijos; una mujer que todavía cree en la razón y el diálogo, y que, fiel a sí misma y con valentía, se enfrenta a la turba inflamada que la espera. Medea o el herido corazón de la granada es una muestra de cómo es posible unir pasado y presente, lo individual y lo colectivo, la ética y la belleza.

Medea o el herido corazon de la granada

El estudio se detiene en la evolución de tales políticas desde el siglo XX y hasta la actualidad, dentro de un contexto comparado, en la descripción de la estructura actual del sector público respectivo en cada uno de los países nucleados en: 1) el Sistema Centroamericano de Integración; 2) la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América; 3) el Mercado Común del Sur; o 4) la Alianza del Pacífico. La quinta parte está dedicada a la problemática financiera de las políticas culturales públicas y, finalmente, puesto que no puede hablarse de la política cultural de un país sin atender a los parámetros constitucionales dentro de los cuales debe encuadrarse, la obra concluye con el análisis de los principios y prescripciones en la materia consagrados por las constituciones políticas vigentes en la región. El trabajo se completa con una extensa bibliografía en la que destacan publicaciones provenientes de los países involucrados.

Politicas culturales en america latina.

El libro desarrolla una teoría de la oposición entre narración y drama, basada en la distinción aristotélica entre los dos modos de imitación, pero puesta al día para dar cuenta de los conflictos que sigue suscitando en el teatro más actual (por ejemplo, el "posdramático"), aunque también los que ya planteaba en nuestro teatro del Siglo de Oro. La teoría se aplica al teatro en español con el análisis de algunos casos ejemplares: las teatralidades del Quijote, la adaptación en Persiles y Sigismunda de Rojas Zorrilla o los "efectos de inmersión" de Buero Vallejo. También en la discusión de una serie de "géneros imposibles": el teatro de viajes, el épico, el autobiográfico y, sobre todo, la autoficción dramática, con especial atención al franco uruguayo Sergio Blanco.

Drama y narración

Por primera vez en castellano se reúnen en un solo volumen las cuatro obras que componen La sangre de las promesas de Wajdi Mouawad ?Litoral, Incendios, Bosques y Cielos?, una de las cumbres del teatro del siglo XXI, y ya parte esencial de la historia de la literatura contemporánea.Esta edición incluye además una minuciosa y cuidadosa entrevista a Mouawad por Sylvain Diaz, inédita en español, en la que el autor reflexiona sobre su poética.«Tenía 25 años cuando comenzó esta aventura. La terminé con 41. Puedo decir, entonces, que no he hecho otra cosa en este periodo de tiempo?, y recién ahora me doy cuenta.Litoral, Incendios, Bosques, Cielos.Son cuatro palabras que me enseñaron a leer, a escribir, a hablar, a contar. Me enseñaron a pensar. Me enseñaron que en el cruce de caminos podía estar el otro. Que la infancia era un cuchillo clavado en la garganta. Que la vida está hecha para ser entregada, aunque eso signifique perderla, romperla, aniquilarla.*Litoral, Incendios, Bosques, Cielos, un deseo de recomponer lo perdido, de traer de nuevo los elementos a la vida. Arrancado del mar, nace Litoral; arrancado del deseo, surge Incendios; arrancado de la montaña, brota Bosques; arrancado de los pájaros, Cielos».Wajdi Mouawad

La Sangre De Las Promesas

Teatro 1989-2014 es una puerta de acceso perfecta al universo de Mayorga: veinte títulos ordenados cronológicamente, seleccionados por el autor, desde los más antiguos -hoy muchos de ellos inencontrables- hasta los más recientes, entre los cuales se incluyen tres inéditos. Una singular trayectoria que pone en escena un mapa donde se trazan las distintas geografías que atraviesan su obra a lo largo de veinticinco años.

Teatro 1989-2014

Qué tienen en común un filósofo, un asesino a sueldo y una peonza? A saber, porque este libro no es lo que parece. No es un manual para aprender a filosofar, ni a presidir un país, ni desde luego enseña a asesinar ni a resucitar a nadie.  El grupo Oulipo, fiel a su costumbre, más vivo que nunca, se ha confabulado para tramar una divertida galería de «autorretratos de hombres y mujeres en reposo», un original artefacto que nos invita a jugar y a reírnos de lo divino, de los hombres y, por qué no, de la raíz de 2. Así, cuando Paul Fournel escribió un texto que describe a un esquiador en pleno trabajo, otro oulipiano, Hervé Le Tellier, recogió el guante y compuso su retrato del «seductor». Después, otros hicieron lo mismo: el psicoanalista, el biógrafo, el bebedor... Aún hoy, los oulipianos siguen escribiendo autorretratos. Cuentos que también hablan del oficio de cuentista, y de ese reposo final que nos aguarda a todos.  Pero antes, ¿se animaría usted a escribir un autorretrato? Es sencillo, basta con adaptarse lo más fielmente posible al texto de partida y dibujar el retrato de otro personaje. Y luego ríase, si puede.  Con textos de Michèle Audin, Marcel Bénabou, Frédéric Forte, Paul Fournel, Michelle Grangaud, Jacques Jouet, Hervé Le Tellier, Daniel Levin Becker, Ian Monk, Olivier Salon y Eduardo Berti (véase más abajo el índice).  La traducción corre a cargo de Pablo Martín Sánchez, miembro n.º 40 del Oulipo, y Pablo Moíño Sánchez.  «¿Y qué es un autor oulipiano? Es una rata que construye el laberinto del que se propone salir. ¿Un laberinto de qué? De palabras, sonidos, frases, párrafos, capítulos, bibliotecas, prosa, poesía y todo eso.» Raymond Queneau  «Soy oulipiano. Tuvimos a Raymond Queneau, tuvimos a François Le Lionnais, tuvimos a Italo Calvino [...]. Georges Perec llegó con sus lipogramas, sus monovocalismos y su fama de "what a man" [à].» Eduardo Berti, Autorretrato del oulipiano, incluido en el libro.

Es un oficio de hombres

Mujeres en la historia del teatro japones: De amaterasu a minako seki (2012)

Dirección escenica (2023)

Los arboles mueren de pie (2025)

El record de la bellesa (2022)

Un señor cualquiera (2022)

Lulu (2014)

De la mano de federico (2016)

Dalí versus picasso (2014)

La última dedicatoria de cervantes (2013)

Autoficcion (2025)

Literatura Y Escena (2025)

El cazador de mariposas (2025)

Microteatro. Nueve preguntas para el mago de siam (2025)

El Lenguaje Corporal En La Actuacion (2025)

Cierva acosada (2019)

Poesía completa josefina de la torre volumen 2 (2020)

Al rojo - el paraiso perdido - paraiso recobrado (2021)

Una mujer desconocida (2022)

Medea o el herido corazon de la granada (2024)

Politicas culturales en america latina. (2014)

Drama y narración (2018)

La Sangre De Las Promesas (2026)

Teatro 1989-2014 (2014)

Es un oficio de hombres (2015)