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«Si no tengo amor, no soy nada», leemos en la «Primera carta de san Pablo a los corintios», uno de textos que componen la nueva y esperada trilogía de Angélica Liddell, junto a «Tandy» (inspirado en la novela «Winesburg, Ohio» de Sherwood Anderson) y «You are my destiny», una personalísima visión de la violación de Lucrecia, cuyo montaje llenó el Teatro Odéon de París durante doce noches consecutivas.  Con prodigiosa transparencia, y desde un punto de vista pasional, Angélica Liddell explora el lado luminoso de la existencia al tiempo que indaga en el sentido de lo sagrado y lo sacrílego, y medita sobre el amor, el silencio de Dios, la vanidad, la herejía, el poder del sexo sobre la voluntad, las transformaciones mágicas de los cuerposà Una forma de «mística salvaje», ajena a toda ortodoxia y religión.  El libro lo completan unos bellos cantos de amor, en forma de Salmos, y el diario La novia del sepulturero, espejo en movimiento que nos permite observar no sólo el andamiaje mental donde nacen las obras aquí incluidas, sino también advertir de cerca la pulsación del pensamiento de una artista, según la crítica, «única, atrevida y paradójica, que no busca la adhesión fácil, y vive y crea al margen de la corrección política».

Ciclo de las resurrecciones

Según Evreinov: El instinto teatral determinaba la conducta individual y social del ser humano miles y miles de años antes de los comienzos de lo que se conoce como teatro propiamente dicho; porque el instinto de la teatralidad, idéntico al instinto de la transfiguración, es vivaz en organismos vegetales y animales, muy lejos de formular jamás un pensamiento que tuviera la mínima relación con la estética. Más aún, los animales, cuando más desprovistos del don natural del mimetismo, tanto más obligados se ven en el transcurso de la lucha secular por la existencia y por la perpetuación de las especies, a desarrollar sus métodos de transfiguración; el más alto grado de teatralidad consciente correspondía, en el reino animal, al más alto grado de inteligencia: y en el ser humano y en la sociedad, al más alto grado de civilización. Hay que volver a teatralizar el teatro, a fin de teatralizar consciente e intensamente la vida. El ser humano sabe que la vida es algo de lo cual hay que hacer otra cosa, dejar de ser esclavo y transformarse en su propio dueño. Al ser consciente de la teatralidad, la vida deja de aparecer como una trama de acontecimientos fatales, incomprensibles, insólitos. La vida, nuestra vida, es, a nuestros ojos, lo que conviene que sea: un objeto de transfiguración.&nbsp;

La teatralidad

Si al escribir Ricardo II, Shakespeare fue más allá de los avatares del juego político e indagó en la condición humana del rey y en el comportamiento de los hombres, en Enrique IV no sólo avanzó más aún por esta senda, sino que incorporó por primera vez un decisivo ingrediente de comedia al drama histórico. En pocas ocasiones planteó Shakespeare tan claramente la relación entre diversión y obligación, humanidad y autoridad, logrando una abundancia de contrastes y una riqueza de emociones que ya no volverían a aparecer en este género. La incorporación de este mundo cómico con escenas de taberna y vida popular se centra en la figura de Falstaff, una de las creaciones más extraordinarias del autor y uno de esos personajes de la literatura universal que se salen de la página. Las dos partes de Enrique IV pertenecen a la segunda tetralogía de dramas históricos ingleses de Shakespeare (que comienza con Ricardo II y concluye con Enrique V). Traducción y edición de Angel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.

Enrique IV

Salvo el título y la presencia de algún personaje, nada tiene que ver la pieza de Prieto con la de Esquilo. La trama es también muy diferente. «La obra griega --recuerda nuestro autor -- se inicia cuando Jerjes ha sido derrotado en Platea y Salamina», es decir, cuando su padre, Darío, ya ha muerto. Aquí la acción transcurre ante el palacio real de Persia, y la guerra no se ha desencadenado todavía. Darío, el Gran Rey, se presenta como una víctima trágica cuyo destino ha escrito ya la historia: «luchar contra Grecia», un país mucho más pequeño que el suyo pero que acabará venciéndolo.

Los persas (tragedia)

El director de teatro británico Declan Donnellan ha llevado a escena quince obras de Shakespeare. ¿Por qué es el dramaturgo que más le ha interesado? Este libro reúne casi diez años de entrevistas que la periodista Arantxa Vela Buendía le ha realizado en las que responde a esa y otras cuestiones que un director de teatro se hace a la hora de montarlo: ¿Deseaba Hamlet vengarse realmente? ¿Qué puede llevar a Julieta a desafiar a su familia? o la importancia del perdón de Próspero al final de La Tempestad. Un libro que indaga en los misterios de la obra de Shakespeare y en la clave de su contemporaneidad.

Donnellan sobre shakespeare

Mujeres de cine es una ventana a la vida de 30 actrices clásicas del cine español, nacidasentre 1900-1970, que han influido en nuestro panorama cinematográfico. Este libro pretenderescatarlas y rendirles un pequeño homenaje para que sigan siendo referentes para las nuevasgeneraciones. Ruth Gabriel ha sido la encargada de realizar esta cuidada selección y deescribir cada historia, puesto que conoce la industria desde dentro, siendo ella misma unaactriz premiada y crítica de cine.Celebridades como Carmen Sevilla, Verónica Forqué o Lina Morgan se presentan con unrelato inédito y una fantástica ilustración de Vanessa Santos ?Fraules?.

Mujeres de cine

Científicament s'ha demostrat... A la ciutat d'Ensaïmada, elssavis de la Comissió d'Assumptes Introbables suggereixen alSobirà Babalà que empresoni tots els colors. La ciutat resta deltot grisa, apagada, sense vida, fins que un incident farà que totcomenci a canviar.Olor de cebes. A Ensaïmada, un cop destronat el Sobirà Babalà,ha pujat al tron el savi Dependecomtoqueu. Els seus habitantshan de cuinar amb ceba i han de beure només sucs de ceba.D'aquesta manera el sobirà s'assegura que la gent plori i no riguimés. El Joglar farà que tot canviï, gràcies a una petita revolta lagent plantarà flors i riurà de nou. El sobirà, però, sabrà adaptarseals nous canvis.Viatge enllunat. Adaptació teatral de la novel·la juvenil homònimade Joan Barceló. Nissos és un jove que vol veure l'altra carade la lluna i dels astres i decideix emprendre un viatge en quèl'acompanyaran altres personatges peculiars. Al llarg del trajectemàgic amb l'avió Sobrassada viuran un seguit d'aventures plenesde fantasia, coneixeran personatges curiosos i llocs singulars.Una obra amb una imaginació desbordant que és una invitacióal somni i a la recerca del sentit pur de la vida.

Teatre: Científicament s'ha demostrat... / olor de cebes / viatge enllunat

La silla rota. Teatro catalán de vanguardia (2018) recoge cien años de vanguardia de nuestro teatro catalán. Si en algo es rica y líder nuestra cultura, es en teatro. Este libro da cuenta de nuestros dramaturgos más originales, los agrupa en varias ten

La cadira trencada

En Punta de la lengua. Reflexiones sobre el lenguaje y el significado, Peter Brook indaga de un modo cautivador, divertido y sabio, sobre tópicos como las diferencias sutiles y reveladoras entre el francés y el inglés, y acerca de los muchos niveles desde los que apreciar los trabajos de William Shakespeare o Samuel Beckett, entre otros.Brook también vuelve sobre su concepto seminal del «espacio vacío», considerando cómo el teatro ùy el mundoù ha cambiado a lo largo de su larga y distinguida carrera.Atravesado de principio a fin por historias intimas y reveladoras de la propia vida de Brook, Punta de la lengua es un breve y lúcido regalo de uno de los mayores artistas de nuestro tiempo.Un libro reflexivo y sumamente personal del maestro del teatro Peter Brook, descrito por el periódico Independent como «nuestro mayor director teatral vivo».

La trinchera infinita

El texto insumiso

La interpretación arquetípica es un libro que deja claro qué tipo de "leyes psíquicas" y cánones metafisicos hay que respetar para que cada ser humano, dentro de un "espacio interpretativo" referente a la creación audiovisual, puede sentirse completamente realizado y lograr a tener la máxima atención del espectador. Este libro es una guía al respecto de las nociones básicas que cada persona debe conocer, respetar y tener en cuenta si quiere ser un director y, sobre todo, un actor eficaz. Este libro contiene la técnica de la gran maestra Stella Adler, pasada por el filtro de la psicología jungiana y la física teórica de modo que quede claro por qué, cierto tipo de actuación, genera un interés por parte del público que está muy por encima de la media.

Editorial Autografía

La interpretación aquetípica

Este libro revela la experiencia del dramaturgo Calonge con su compañía La Zaranda. En el teatro las palabras no se detienen, las frases más que en el papel quedan en la tensión del aire. El autor quiere ir más allá de los diálogos dramáticos de sus actores/personajes, para encontrarlos sin el refugio actoral, arrumbados en la memoria y, a modo de responso prosaico, despedirlos.

Aquí yacen

La duda

Psicologia Del Arte Dramatico

La difusión del revolucionario «sistema» con que Stanislavski enriqueció el teatro del siglo xx, ha sufrido una serie de oscurecimientos que han dificultado su recta apreciación. Solo pudo supervisar en vida la primera parte de su libro. El trabajo del actor sobre sí mismo. La visión de su trabajo es incompleta si no se la considera conjuntamente con El trabajo del actor sobre su papel. La aproximación norteamericana tiene su fuente en un encuentro de pocas semanas entre el mismo Stanislavski y Stella Adler en un momento en que las investigaciones del director ruso no habían alcanzado el contraste al que las sometió más tarde. La mayor parte del conocimiento que tenemos de Stanislavski llega a España y Latinoamérica a través de la versión estadounidense que soslaya la enorme importancia del habla escénica, reduciéndola a la mera interioridad. La prueba a que fue sometido el sistema por E. Vajtángov, V. Meyerhold y M. Chéjov hizo revisar al gran maestro sus aproximaciones; y así surge al final de su vida el sistema de las acciones físicas donde la aceleración del proceso de construcción del personaje se halla en la elucidación física de la acción, mucho más potente que la elucidación psíquica a la que hasta entonces se había dado preeminencia. María àsipovna Knébel fue discípula directa de Stanislavski, compañera y amiga de E. Vajtángov y M. Chéjov, de quien editó su legado fundamental, El arte del actor. El último Stanislavski -el análisis activo- es una extraordinaria herramienta empleada por muchos directores de todo el mundo, que ya da sus frutos en los trabajos del Teatro de la Abadía (Madrid) y que en la práctica se convierte en una guía esencial para el actor, un mapa para orientarse en el océano de palabras que es el texto teatral.

El último stanislavski (ed. Revisada)

Edición de Josep Maria Sala Valldaura.Numer osos contemporáneos afirmaron que en el siglo XVIII no se iba al teatro «por la comedia sino por los sainetes» y que la representación de la obra principal se tomaba «como mero pretexto para los mismos». Transidos de realismo, al arrimo de los problemas sociales y políticos y de las preocupaciones de actualidad, en losásainetesáde Ramón de la Cruz se desarrolla la nueva concepción del teatro que abre el camino a la comedia moderna. Para ofrecer una imagen completa y orgánica de la labor del gran sainetero madrileño, J.M. Sala Valldaura edita aquí las piezas más célebres de don Ramón y una amplia muestra de otras menos conocidas o inéditas, partiendo en cada caso de los testimonios más fidedignos y significativos y tomando muy en cuenta las copias con apuntes y acotaciones que permiten la lectura más propiamente teatral de las obras.

Sainetes

Ser Actriz En El Madrid Teatral

Como decía el actor inglés Edmund Gwenn, «morir es fácil; la comedia es difícil». Hacer reír no es sencillo. Con esta premisa, Marc Martín ofrece una visión global y completa sobre el funcionamiento del humor, con la aspiración de reconstruir el «elefante completo» de la comedia. La hipótesis central que defiende el libro es clara: lo que hace estallar nuestras risas son las ineptitudes o, dicho de otra forma, la falta de control. El combustible de la carcajada es la tensión constante por controlar la realidad, una tensión a la que estamos sometidos por el simple hecho de existir. El humor convierte la ineptitud en un arte, revelando el fracaso del intento humano de moverse con éxito por la vida. Marc Martín, que ha sido realizador de la exitosa sátira política "Polònia" durante más de catorce años y que ha participado en la dirección de otros programas como "Señoras que..." o "Vinagre", y que además ha enseñado las claves del humor en diversas instituciones universitarias, recoge en este volumen una herramienta útil para quien desee entender y practicar la comedia. Esta obra es un manual que celebra la carcajada que libera la presión de la existencia y nos recuerda que la ineptitud humana es universal. Porque, como ya sabía Groucho Marx, comparada con hacer reír, «la interpretación dramática es como tomarse unas semanas de vacaciones en el campo». Marc Martín es director de televisión especializado en comedia. Estudió cine en New York University e interpretación en la escuela HB Studio, también de Nueva York. Ha sido realizador de "Polonia" (TV3). También dirigió "Señoras que..." (Neox), codirigió "Vinagre (TV3)" y participó del éxito televisivo "Homo Zapping" (Antena 3). Desde hace unos años imparte cursos de dramaturgia avanzada y dirección de actores en la Sala Beckett, así como clases de dirección de comedia en la ECIB (Escuela de Cine de Barcelona) y en el posgrado Guion y realización de humor para radio y televisión de la Universidad Blanquerna.

Comedia, La

El Festival de Teatro Clásico de Mérida lleva décadas exhibiéndose como orgullo cultural de Extremadura y referente de la escena española. Sin embargo, tras el fulgor de los focos se extienden zonas de sombras, silencios interesadamente pactados y maniobras de poder que las narrativas oficiales han evitado iluminar deliberadamente. Con la complicidad -y el testimonio irrebatible- de Diana Carmen Cortés, cuya voz crítica fue cercenada en las crónicas institucionales, José Manuel Villafaina alza esta ?trinchera? literaria para restituir la memoria borrada. Juntos convierten la palabra en un acto de justicia: rescatan críticas censuradas, denuncian agravios soterrados y reivindican la dignidad de un teatro que, cuando es verdadero, se enfrenta sin miedo a su tiempo.Villafaina -decano de la crítica teatral española, director del Centro Dramático de Badajoz y agitador cultural de referencia- ha vivido cada etapa. Desde el auténtico renacimiento en 1983 hasta los vaivenes contemporáneos, disecciona la sucesión de directores (José Monleón, Manuel Canseco, Espectáculos Ibéricos, Jorge Márquez, Francisco Carrillo, Francisco Suárez, Blanca Portillo y Jesús Cimarro) y radiografía los intereses cruzados que han marcado el rumbo del Festival.

Historia No Oficial Del Festival De Teatro Clasico De Merida

El siglo I a.C. fue, sin duda, una de las centurias más apasionante y convulsas de la historia. Una serie de personajes y hechos imprescindibles surgen para modelar la nueva Roma, que abandona definitivamente las formas republicanas para asumir su carácter imperial. En este contexto aparece Quinto Sertorio, el incómodo general sabino. Exiliado en Hispania, aliado con los nativos, pone a prueba, durante ocho años, a todo el enorme potencial bélico de las legiones romanas. Sólo la traición, al igual que con Viriato, acabó con su vida. Sertorio hizo renacer el sentimiento nacionalista que el héroe lusitano apagó con su muerte. Hispania quiso ver en éste general rebelde, odiado por Sila y perseguido por Roma, a su liberador, al personaje indispensable que, de alguna manera, había conseguido unirlos, y que poseía fundamentos para desatarlos del yugo imperialista.

Sertorio

Ignacio Aranguren sienta las bases pedagógicas del teatro en las aulas, además de explicar el valor del teatro como actividad grupal, proponer pautas y compartir experiencias. El autor también hace una reflexión sobre los procesos y el sentido de las rep

El actor adolescente

El método es un libro indispensable para todas aquellas personas que se interesen por el arte del actor.Para crear un personaje, al actor no le basta con conocer las leyes específicas de su arte, no le es suficiente mantener una gran concentración, tener mucha imaginación, sentido de la verdad y memoria emotiva, una voz expresiva, plasticidad, ritmo y demás componentes de la técnica. Tiene que saber utilizar todos estos elementos en escena y experimentar, con una práctica constante, las maneras de incorporarlos al proceso creador.¿Cómo hacer que las generaciones jóvenes asimilen mi saber y además advertirlas de los errores que son producto de la inexperiencia? Cuando vuelvo mi mirada hacia atrás en lo que se refiere a mi vida en el arte del teatro, muchas veces me comparo con un buscador de oro que ha tenido que andar mucho tiempo por campos agrestes para descubrir un filón y lavar después centenares de kilos de arena y piedras para extraer de ellas unas pepitas del precioso metal. De nada sirve que yo divulgue mi trabajo, mis búsquedas, mis decepciones y alegrías; como el buscador de oro tengo que trasmitir lo que de metal noble he obtenido en mi trabajo.Esta reflexión de Konstantín Stanislavski puede entenderse como una buena síntesis de su búsqueda en el arte del teatro hasta que llegó a desarrollar lo que se conoce como el método.El libro que La pajarita de Papel ediciones presenta hoy, está compuesto en gran parte, por las innumerables notas que tomó Stanislavski desde 1935 hasta 1938, y que se conservan en la actualidad en los archivos del Teatro de Arte de Moscú.En El método Stanislavski presenta una serie de herramientas que sirven como orientación en el camino que lleva a la vivencia y a la encarnación de los personajes.Stanislavski era enemigo acérrimo de los dogmatismos y los formalismos, y siempre preconizó, en su trabajo como pedagogo, que la utilización de su método se hiciera de una manera específica para cada actor, y no como si de una regla general se tratase; esta práctica del método implica, necesariamente, una flexibilidad rica y variada, es decir, cuanto más personalizada sea su aplicación, más fecundo será el resultado obtenido en el proceso creador.El método es un manual para el entrenamiento de los actores, así como una serie de ejercicios que Stanislavski creó conjuntamente con sus alumnos para poder explicar, de una manera clara y sencilla, el complejo proceso de la ôconstrucciónö de los personajes.

El metodo

La premisa de este libro es el estudio de lo humano.El camino para este estudio parte de lo que denominamos teatro creativo.El teatro es un laboratorio donde se estudia al ser humano.El teatro, desde su origen, es un contenedor de conocimientos sobre nuestra especie.Que este no pretenda ser un libro de autoayuda, ni un manual científico, no significa en ningún caso que su contenido, extraído de la práctica del teatro, no pueda arrojar algunos puntos de luz sobre una sociedad que por un exceso de luminotecnia resulta ser en ocasiones demasiado cegadora y a menudo, por una carencia en el suministro de velas, nos deja demasiado en la penumbra.

La vida no es puro teatro

Estos treinta y seis pasos perdidos son una suspendida realidad en la vida de Antonin Artaud, es muy conocido su viaje sobre la Tarahumara así como del Teatro de la crueldad o sobre el Teatro Alfred Jarry. Pero, ¿qué sabemos sobre esa transición entre el viejo continente y la espiritualidad mexicana? ¿Qué sabemos sobre sus andanzas en la inmensidad de la noche por los mil y un vericuetos de las zonas más sórdidas y espeluznantes del lumpenaje mexicano, que para el poeta francés significaron un sendero alterno a la salvación del espíritu? ¿Cómo era México cuando llega Artaud en 1936? ¿Cómo eran sus espacios callejeros de la clandestinidad? ¿Quiénes eran los poetas y artistas que tuvieron cierta noción del poeta francés y que algunos le brindaron ayuda, consciente o inconscientemente? Seguir el rastro del autor de El Pesanervios implica trasladarnos al reflejo de la memoria de lo que en ese entonces era la cultura mexicana, su entorno y su locura cotidiana que, aunque Artaud evadió y que prefirió la seducción de los bajos fondos del famoso cuadrante de la soledad, da paso para vislumbrar las huellas perdidas y el infierno que vivió Antonin Artaud en la Ciudad de México. Marco ItzammáUna breve temporada en el infierno mexicano, crucial para desembocar en lo que Artaud denominó, cuando estuvo en la Tarahumara, como los tres días más felices de su existencia.Agustín Jiménez (Ciudad de México, 1955). Poeta, narrador, traductor y periodista. Bibliófilo y dueño de la librería La Torre de Lulio. Ha coordinado suplementos culturales y su obra ha merecido el Premio Nacional de Poesía Efraín Huerta por su libro A golpes de cábala: Xilitla (2003) y el Premio Internacional de la Fundación Japón en México por su libro Camino del haikú. Antología del haikú hispanoamericano (2004). Sus obras más recientes son Cantos para una Dama Huichola (2016), De inoportuna muerte (2ª edición, Ediciones Ulises, 2020) y Manual de buenas costumbres para políticos inteligentes (2021). Su primer libro, Para distraer a Epifanio (1996), fue finalista en el Premio Nacional de Poesía de Aguascalientes. Ha publicado varios libros de literatura infantil. Realizó una selección de greguerías de Ramón Gómez de la Serna con el título de Zoológico de greguerías.

36 Pasos perdidos para encontrar a antonin artaud en México

Ciclo de las resurrecciones (2015)

La teatralidad (2023)

Enrique IV (2014)

Los persas (tragedia) (2019)

Donnellan sobre shakespeare (2020)

Mujeres de cine (2024)

Teatre: Científicament s'ha demostrat... / olor de cebes / viatge enllunat (2020)

La cadira trencada (2018)

La trinchera infinita (2023)

El texto insumiso (2018)

La interpretación aquetípica (2017)

Aquí yacen (2020)

La duda (2017)

Psicologia Del Arte Dramatico (2026)

El último stanislavski (ed. Revisada) (1996)

Sainetes (2026)

Ser Actriz En El Madrid Teatral (2026)

Comedia, La (2026)

Historia No Oficial Del Festival De Teatro Clasico De Merida (2026)

Sertorio (2022)

El actor adolescente (2017)

El metodo (2022)

La vida no es puro teatro (2016)

36 Pasos perdidos para encontrar a antonin artaud en México (2022)