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La semiótica visual proporciona los instrumentos necesarios para analizar imágenes y responde a diversas preguntas: ¿cómo conseguimos identificar un conjunto de líneas y colores como representaciones de un objeto tridimensional? ¿Qué convenciones nos permiten reconocer a personajes y situaciones descritos en un cuadro? ¿Qué hacen las imágenes para contar historias? Líneas, espacios, colores ¿pueden tener un significado independiente de aquello a lo que representan? Este texto es una introducción a las teorías y principales herramientas aplicadas por la semiótica visual y muestra la utilidad de otras disciplinas, como la iconografía y la psicología de la percepción, en el análisis de imágenes.

¿Qué es la semiótica visual?

Esta obra presenta una visión del arte del siglo XX, a mitad de camino entre el ensayo y la historia. Constituye una trama, por ser un conjunto de apreciaciones, consideraciones y reflexiones sobre el fenómeno de la modernidad artística. El contenido se divide en dos secciones: la primera presenta una narración continua estructurada en capítulos, y la segunda, a modo de diccionario, constituye un complemento y guía de la anterior. Es un instrumento fundamental para comprender los porqués y los cómos de las manifestaciones artísticas del siglo XX.

La trama de lo moderno

La presente obra está dirigida al público interesado en cuestiones rel acionadas con la educación literaria, a los estudiantes de humanidades y educación y a quienes sigan los cursos de formación del profesorado .La obra parte del momento en que se instaura el moderno sistema escol ar y reconstruye un vacío historiográfico y educacional imprescindible para levantar uno de los pilares del ámbito de la Didáctica de la Lit eratura.

Editorial Sintesis

Educación literaria

«La estética del romanticismo» analiza los diversos aspectos de la estética y la teoría del arte de los románticos, con especial atención a la reflexión de F. Schlegel y, en general, los románticos alemanes. La «nueva mitología», la «relación sujeto-naturaleza», la polémica con los clasicistas, la interpretación de las nuevas categorías estéticas, el genio, la ironía..., son algunas de las cuestiones que centran la investigación de Paolo D'Angelo

Visor Dist.

La estética del romanticismo

«Piezas sobre arte» reúne los textos de Paul Valéry (1871-1945) sobre artes plásticas, textos en modo alguno académicos en los que se cruzan la literatura y la música, y en los que se configura un mundo tan complejo como brillante. Alguno de ellos se ha convertido en un clásico, así sucede, por ejemplo, con el que dedica a Degas, pero no le van a la zaga aquellos que escribe sobre Corot, Manet o Berthe Morisot, sin olvidar los que se ocupan del aspecto material del arte, sea éste la escultura o la cerámica. Con la publicación de «Piezas sobre arte», «La balsa de la Medusa» continúa la edición de la prosa completa del poeta, una obra en la que la poesía, la música y el arte de nuestro tiempo encuentran perspectivas diferentes, aproximaciones inéditas de extraordinarios rigor y pureza.

Antonio Machado Libros

La Balsa De La Medusa

Piezas sobre arte

Franzini estudia la estética del siglo XVIII mostrando tanto su ruptura respecto del pensamiento anterior como su continuidad. La querella entre los antiguos y los modernos y la crisis del pensamiento cartesiano son, junto con el desarrollo del empirismo, los puntos de partida de las nuevas concepciones estéticas. La complejidad original se prolonga en una complejidad posterior que rechaza puntos de vista unilaterales. Como tantas veces se ha dicho, el XVIII es el siglo de la estética, pero con esto no se aclara mucho si no se añade que esta discurre por caminos diferentes, muchas veces encontrados, que expresan de forma rigurosa la diversidad que la estética, el arte y la cultura posteriores pondrán de manifiesto.

La estética del siglo XVIII

«Mujer o árbol» aborda algunos de los mitos centrales de la mujer en el imaginario contemporáneo. Roberta Ann Quance analiza la presencia de estos mitos en las obras de autores como García Lorca, Hilda Doolittle, Virginia Woolf, Sylvia Plath, etc., así como en las pinturas de µngeles Santos, Remedios Varo y Frida Kahlo, en las fotografías de Graciela Iturbe y en la iconografía popular, especialmente latinoamericana. Entre todos, destaca por su hondura e intensidad el mito de las «Diosas madre» o, como prefiere decir la autora, «Las Madres», un mito asumido por las escritoras y pintoras del siglo XX.

Antonio Machado

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

En su Estética de la arquitectura, Masiero analiza históricamente las diversas aproximaciones al fenómeno arquitectónico en el marco de los planteamientos estéticos generales y en relación con las demás actividades artísticas. Presta especial atención al pensamiento estético y arquitectónico que se ha producido en el siglo xx, en torno al arte de vanguardia y tras él, a los problemas teóricos, pero también a los sociales, tecnológicos y políticos.

Estética de la arquitectura

Danto propone una definición de la obra de arte como «símbolo encarnado» que pretende dar cuenta del carácter unitario de la historia del arte desde sus comienzos hasta nuestros días, evitando considerar el argumento vanguardista clásico, de carácter estético y formal, como el único capaz de dar sentido a la producción artística. Según Danto, nos encontramos en una época posthistórica, resultado de la evolución del arte hasta su autoconocimiento como actividad conceptual, más allá del modo formal o estético de representación, donde habría estado encastillado por las teorías filosóficas hasta el momento. Esta compilación de artículos aborda la crítica de Danto a lo estético como definitorio de lo artístico, central en su concepción global del arte, de su producción, interpretación y crítica, y de su carácter histórico y su relevancia para la vida humana. Diversos autores, Danto entre ellos, se aprestan a buscar un nuevo lugar para lo estético en nuestra comprensión de lo artístico, una formulación diferente de conceptos que siguen siendo valiosos, como estilo, procedimiento, crítica o experiencia, y una aproximación diferente a la relación entre arte y naturaleza o arte e historia.

Estética después del fin del arte. Ensayos sobre arthur danto

Su investigación se ha desarrollado en la intersección entre la ética y la estética, en particular la relación entre racionalidad práctica y racionalidad estética. En Las razones del arte, Gerard Vilar propone entender el mundo del arte como un mundo de razones, es decir, defiende que son las interpretaciones, los argumentos críticos, las discusiones estéticas... los que hacen posible la existencia de obra de arte. Incluso el pluralista y aparentemente arbitrario o irracional arte actual existe en el seno de prácticas comunicativas que permiten comprender cada propuesta. El autor mantiene que la especificidad de las razones estéticas estriba en que la inteligibilidad de cada obra de arte está acompañada del reconocimiento de otras posibilidades, del carácter abierto de la experiencia estética.

Las razones del arte

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba «arte» a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo XV. Este libro, en último análisis, podría ser descrito simplemente como una deriva sobre los vínculos entre el «arte» y la «vida». A lo largo de la historia, la evolución de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocarlas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilación de cualquier «arte» y cualquier «artesanía», tal como la entendía la Edad Media. También los medios de masas modernos sitúan a la par el arte y la vida, especialmente la televisión. En otras ocasiones el «arte» se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizás todavía predominante. El proceso empezó socialmente: los pintores, los escultores, los músicos, los autores de teatro, reivindicaron para sí mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. «Nosotros somos intelectuales», «la materia que utilizamos es simplemente un vehículo para expresar nuestras ideas», "La pittura è cosa mentale" -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconoció sus aspiraciones, "porque antes había reconocido su arte" como cosa "excelsa" entre las demás cosas.

Escrito, pintado

«El fenómeno del éxtasis» es el título de un collage fotográfico y de un breve texto que Salvador Dalí publicó en el número 3-4 de la revista Minotaure (1933). Ambos marcan un momento determinante en la carrera del artista. Ante todo suponen la culminación de su actividad en el grupo surrealista ortodoxo que dirigía André Breton, pero salen a la luz justo cuando la posición de Dalí dentro del grupo entra en crisis. Este libro analiza con gran agudeza y calidad literaria este importantísimo instante de inflexión, esencial para comprender tanto los caminos que seguirá la carrera de Dalí como el propio destino del surrealismo. Y lo hace planteando «El fenómeno del éxtasis» y el resto de las colaboraciones de Dalí en Minotaure como la expresión más clara del enfrentamiento entre dos formas distintas de entender el surrealismo, es decir, entre el idealismo de Breton y el materialismo de Dalí.

El fenómeno del éxtasis

El simulacro es un objeto hecho, «un artefacto», capaz de producir un efecto de semejanza y de enmascarar la ausencia de modelo con la exageración de su propia «hiperrealidad». Este ensayo se interesa por la imagen que de repente se percibe poseyendo una existencia propia. Según el autor, el simulacro arranca del mito de Pigmalión, el escultor chipriota que se enamoró de su obra, a la que, en un rasgo de magnanimidad, los dioses le otorgaron vida. Nace así un ser extraño, un artefacto dotado de alma y cuerpo. La historia de Pigmalión se revela como un relato fundador que tematiza el triunfo de la ilusión estética; su argumento es «el arte de ocultar el arte», del cual, según Ovidio, Pigmalión tenía el secreto. El efecto Pigmalión nace en un texto muy astuto: las Metamorfosis de Ovidio. En él la «animación» se confía a los poderes del texto y sólo del texto. Pero será con la irrupción de la «imagen en movimiento», es decir, de la imagen fílmica, cuando se podrá, por fin, responder a las necesidades exigidas por las prácticas de animación de la estética moderna, prácticas no exentas de desafíos de orden técnico e incluso de un atisbo de «brujería». Precisamente es en el umbral de la traslación cinematográfica del mito de Pigmalión, tal y como Alfred Hitchcock lo aborda, donde termina este magnífico ensayo.

«Figura» constituye un texto central para comprender una concepción del tiempo histórico, decisivo en la tradición cultural y literaria europea. En este ensayo, Auerbach no sólo reconstruye los múltiples sentidos que el término «figura» ofrece desde sus primeras apariciones y transformaciones en las obras más significativas de la literatura grecolatina, pagana y cristiana, sino también el valor interpretativo de una palabra que, recreada por el cristianismo, contiene una visión completa de la Historia como acontecer provisto de sentido. Entre lo poético y lo histórico, lo estético y lo real, lo sagrado y lo profano, «Figura» relata intensamente la formación de una conciencia del tiempo que atraviesa las más diversas manifestaciones de la civilización occidental.

Trotta

Figura

Pre-Textos

Ásanta lucía y los bueyes

El museo en sí

El siglo pasado agotó la estética de la confrontación absoluta y ahora los vínculos estéticos emergen como garantes de la paz y de la unidad . La estética está para convertir lo absoluto en lo meramente necesari o y la confianza es condición y guía de ese proceso.Este libro muestra varios aspectos filosóficos, poco matizados en el pensamiento español , en los que se hace imperativa una estética de la confianza: la natur aleza, el sujeto, el inconsciente y la verdad misma ocasionan una expe riencia dual y escindida que exige confiada aceptación. Por otro lado, técnica y moral se concentran en el arte cual lenguaje nuevo que prop orciona las imágenes regulativas que suministrara otrora la metafísica . La vida es representación y la época del æarte de las obras de arte' (Nietzsche) ha concluido.Como dice Gianni Vattimo en el prólogo, la f ilosofía "tiene la tarea de corresponder a esta transformación, si es tal. Y la obra de Álvarez supone un paso significativo en ese camino".

Herder

Estética de la confianza

En el presente texto, pensado como un manual, Sixto J. Castro detalla sus desarrollos con respecto a cuestiones de estética y el papel que ejercen en su pensamiento el arte, la belleza y los objetos que habitualmente caen en aquel campo de estudio. En l

Filosofia del arte

Andrea Giunta parte de un hecho consumado: la crisis del Covid supuso un gran cambio social que afectó de manera vertical y horizontal a todas las sociedades del planeta. Observar esa capacidad de cambio que ha mostrado la humanidad, la lleva a pensar acerca de los cambios en el mundo de la creación artística que han permitido abrir los museos de arte contemporáneo a aquellas obras que nunca pudieron formar parte del canon y la discusión. ¿Cuánta parte de este cambio debemos a los propios artistas? Es así como Andrea crea una discusión en torno a seis artistas que con sus obras y discursos se posicionaron, de maneras muy variadas, contra lo establecido. Cada una de sus historias en la de la ruptura de un techo de cristal, ya sea impuesto por el género, la identidad sexual o la procedencia.

Siglo Xxi Editores S.a De C.v.

Diversidad y arte latinoamericano

Este libro tiene forma de díptico. En primer lugar, Victor Stoichita escribe sobre la pintura impresionista, verdadera revolución frente a los tradicionales hábitos pictóricos. Y en segundo lugar, se propone el análisis de tres films que tienen como tema principal la intriga visual. Entre ambos mundos se establecen diferencias y se tejen correspondencias. La simetría es compleja, dado que la irrupción de la mirada fotográfica se cruza con la experiencia pictórica del siglo XIX y confluye en la cinematográfica del siglo XX. El propósito del autor es ofrecer, en la interacción de pintura, fotografía y cine, un cuadro coherente, aunque matizado, del papel que el arte desempeña en la construcción de nuestra percepción del mundo.

Ediciones Catedra S.a.

El efecto sherlock holmes. Variaciones de la mirada de manet a hitchcock

La vida es demasiado aburrida, se quejaba un joven Joyce cuando la modernidad había comenzado a estragar el ánimo del siglo XX. Sin embargo (animaba también el autor deá"Ulises"), incluso del tedio es posible hacer arte. Décadas después, David Foster Wallace repetiría la promesa del goce del aburrimiento ená"El rey pálido": resiste y sentirás un éxtasis absoluto en cada uno de tus átomos, decía. Con esta convicción, apoyándonos en ellos y en otros autores, este libro defiende el uso del tedio como artificio literario y esboza una estética del aburrimiento a partir de las divagaciones de Leopold Bloom, de la banalidad de la señora Da¡lloway o de la incertidumbre de "Molloy", así como de la espera en "El desierto de los tártaros", mientras avanzamos viscosamente en "La ciénaga definitiva"áo nos enredamos en el discurso de los personajes de Thomas Bernhard, entre otros. Todo para corroborar, como ya aseguraba Bar¡thes, que el placer del texto no tiene por qué ser siempre triunfante o heroico, sino que, en este caso, hay mucho que descubrir más allá del posible bostezo.

Tedio y narracion

El turismo es una industria de creación de imágenes que entiende la fotografía como el instrumento perfecto para dar forma a su discurso del deseo: el destino turístico es, antes que nada, una imagen ideal e irreal construida y fabricada para generar necesidad (ir, estar, disfrutar). Esta alianza tiene una explicación histórica: turismo y fotografía son manifestaciones culturales del siglo XIX, son procedimientos coetáneos diseñados para entender y transitar la realidad, y, en consecuencia, son prácticas que comparten un mismo espíritu del tiempo, una misma nueva sensibilidad que intentaba imponerse sobre un orden en crisis. De ahí que podamos hablar de unas lógicas turísticas de la fotografía pero también de unas lógicas fotográficas del turismo. No es casualidad que las líneas finales de uno de los «Poemas en prosa» de Charles Baudelaire que aludían al cansancio de la vida cotidiana y la necesidad de huir, evadirse o cambiar, acabasen siendo el eslogan de una campaña publicitaria de la em¡presa Virgin en su rama dedicada al turismo espacial en el año 2006: «¡En cualquier sitio, en cualquier sitio!, ¡mientras sea fuera de este mundo!».

Ediciones Catedra

Logicas turisticas de la fotografia

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco.  A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.

La idea de arte abstracto en al España de franco

La multiplicación de instituciones artísticas y la gran abundancia de creaciones de todo tipo y condición son dos fenómenos interrelacionados que influyen en el panorama artístico contemporáneo. Es tal la riqueza y diversidad de propuestas que no parece fácil distinguir entre ellas algunas líneas predominantes. Por otra parte, parece evidente que abundan los artistas con voluntad de ocupar determinados espacios ideológicos, técnicos o institucionales, es decir, de tomar posiciones claras en un universo inestable y muy complejo. Dos preguntas surgen inmediatamente: ¿Está sustituyendo la &quot; voluntad de tendencias &quot; a la &quot; tendencia artística? ¿Esta dinámica se ha visto impulsada por el desplazamiento del mercado por la iniciativa institucional en la última década? A través de la observación de críticos, creadores e historiadores del arte, este libro pretende responder a estas preguntas, que aunque no son fáciles de contestar, tampoco parece posible evitar.

Catedra

Tendencias del arte, arte de tendencias

¿Qué es la semiótica visual? (2016)

La trama de lo moderno (1993)

Educación literaria (2001)

La estética del romanticismo

Piezas sobre arte

La estética del siglo XVIII

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

Estética de la arquitectura

Estética después del fin del arte. Ensayos sobre arthur danto (2005)

Las razones del arte

Escrito, pintado

El fenómeno del éxtasis

Hhh

Figura

Ásanta lucía y los bueyes

El museo en sí

Estética de la confianza (2006)

Filosofia del arte (2018)

Diversidad y arte latinoamericano (2024)

El efecto sherlock holmes. Variaciones de la mirada de manet a hitchcock (2018)

Tedio y narracion (2024)

Logicas turisticas de la fotografia (2010)

La idea de arte abstracto en al España de franco

Tendencias del arte, arte de tendencias (2004)