El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual.  Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio  cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.

Tapa blanda

Español

Ediciones Catedra

Catedra

Patrimonio cultural

Este volumen es el primero que publicará Ed. Cátedra en los próximos ejercicios editoriales de una completa historia del urbanismo en España.El profesor Montero es el encargado de abrir la serie con este primer volumen que estudia, en primer lugar, el concepto de ciudad,para después determinar el momento en que se puede hablar de la aparición de asentamientos considerables como &quot; ciudad &quot; y su evolución desde el Eneolítico, pasando por la ciudad hispanorromana, los núcleos islámicos y la España cristiana hasta llegar a la Baja Edad Media.El texto va acompañado de numerosos planos e ilustraciones, así como de una exhaustiva bibliografía.

Ediciones Cátedra

Alianza Editorial

Historia del urbanismo en España

Georges Duby sitúa las altas producciones del Occidente medieval en el movimiento general de la civilización y ofrece las claves para penetrar en este universo de formas fascinantes. Muestra cómo, en el siglo X, el gobierno de la producción artística pasa de manos de los reyes a las de los monjes; cómo, cien años más tarde, el renacimiento urbano establece la catedral como foco de las mayores innovaciones; y cómo, en el siglo XIV, la iniciativa artística vuelve a los príncipes y se abre a los valores profanos.

Cátedra

Grandes Temas - Cátedra

La época de las catedrales

«La historia del arte de la Antigüedad que me he propuesto no es una mera narración de los periodos y las transformaciones que aquél experimentó, puesto que tomo la palabra historia en el sentido, más amplio, que ésta tiene en la lengua griega, y mi intención no es otra que ofrecer el ensayo de una construcción teórica.» Con estas palabras inicia Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) la que puede considerarse como obra fundacional de la Historia del arte como disciplina académica, cuya primera edición vio la luz en 1764. En sus páginas aborda el arte de egipcios, griegos y romanos, describe piezas, corrige dataciones y atribuciones, pero no se limita a la simple acumulación erudita de datos, sino que, por encima de todo, busca establecer un sistema que permita una explicación coherente del conjunto, y para ello somete a crítica las fuentes, considera que es fundamental experimentar las obras en primera persona, une la producción artística a las circunstancias históricas, en suma, trata de mostrar «la esencia y la interioridad del arte», lo que, a pesar del tiempo transcurrido desde su publicación, sigue es

Ediciones Akal

Akal

3Istoria del arte en la antiguedad

Desde que, en las paredes de cuevas y abrigos rocosos, el ser humano plasmó los primeros signos pintados, se inició una historia que hoy día se sigue escribiendo de la mano de los modernos medios digitales. En este largo devenir siempre se ha prestado especial atención a sus artífices, a la evolución de los estilos, pero otras cuestiones fundamentales, como los avances técnicos, los nuevos materiales y colores, a veces han quedado en un segundo plano, y sin ellos dicha historia resulta incompleta.Con su original perspectiva sobre la forma en que el arte se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo, el presente libro pone de manifiesto el proceso que guio a los artistas a la hora de innovar y crear sus grandes obras. Ricamente ilustrado y con un diseño en el que texto e imagen constituyen un todo indisoluble, no sólo cambiará el modo de entender las creaciones artísticas, sino también la manera de disfrutarlas.

Tapa dura

Historia de la pintura

Muchos aún están convencidos de que existe una trayectoria obligada del amor que comienza con el enamoramiento y la pasión, pero luego declina y se extingue en la convivencia cotidiana, cuando no acaba en la traición y el divorcio. Pero se equivocan. Este libro demuestra que la felicidad y el placer más intensos son posible s solamente en el gran amor erótico que conserva la frescura del enamoramiento, el ardor de la pasión y que, en vez de debilitarse, se intensifica con el paso de los años. Debemos volver a dar a la palabra amor su significado más pleno, más auténtico. Porque el verdadero amor es revelación, admiración, adoración y fusión con algo que nos trasciende y da un nuevo sentido al mundo. Sólo el amor total sabe darnos el estremecimiento de lo absoluto, el estupor de lo nuevo, el terror de la pérdida y una felicidad misteriosa, maravillosa y divina. El gran amor erótico se obtiene abandonándonos al amor, al ansia de vivir, al candor de los sentimientos, a la sinceridad, a la verdad y a la libertad, pidiendo lo que nos gusta sin pudor ni miedo.

Gedisa

El arte de amar

Giovan Pietro Bellori (1615-1696), bibliotecario de Cristina de Suecia y responsable de las antigüedades romanas, fue uno de los personajes cruciales en la vida cultural y artística de la ciudad durante la segu nda mitad del siglo XVII y el impulsor de un mito de Roma que se mante ndrá vivo durante los dos siglos siguientes.Su obra más importante, la s 'Vite de'Pittori, Scultori ed Architetti moderni', aparecida en 1672 , inicia un nuevo tipo de biografías de artistas que se apartan radica lmente del modelo establecido por Vasari en el siglo anterior. A difer encia de las que se habían escrito hasta ese momento, en sus 'Vidas', basadas en informaciones muy exactas, Bellori selecciona, por razones de gusto, una serie de nombres no sólo italianos sino también francese s y flamencos, reflejando el ambiente cosmopolita de la Academia franc esa en Roma y poniendo a prueba, con total éxito, un nuevo método para describir y analizar las obras de arte. Enemigo del naturalismo y de l manierismo, escribe su obra con una clara voluntad polémica en defen sa de los mismos principios clasicistas que se encuentran en la pintur a de su gran amigo Nicolas Poussin.En la presente edición se han selec cionado el discurso sobre 'La idea de la Pintura, Escultura y Arquitec tura', que sirve como prólogo a la obra, y las biografías de los arti stas más importantes que aparecen en las 'Vidas': Annibale Carracci, M ichelangelo Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Nicolas Po ussin, que se ofrecen traducidas por primera vez al castellano en vers iones íntegras y anotadas.

Ediciones Akal, S.a.

Hieroglyphica

Akal Universitaria

Imagen, lenguaje e ideologia

Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido, secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sin embargo, aquella "corona real de la femineidad", como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodos de la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno, cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hasta los modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.

La cabellera femenina

Este libro es, en palabras de su autor, «una meditación a partir de asociaciones libres ?a partir, precisamente, de mi asombro? sobre cuarenta imágenes y conceptos, santos y rituales» del cristianismo. Se trata de encuentros o confrontaciones que desvelan aspectos del arte cristiano inéditos para el creyente convencional, pues la mirada del foráneo (en este caso, la del musulmán) es a veces capaz de devolver la belleza y la gracia, el temor y el temblor a las historias y escenas, a los personajes y objetos representados o evocados en determinadas obras de arte. Navid Kermani invita al lector a compartir su experiencia estética y religiosa en un recorrido hecho de perplejidades y de convicciones, de fe y de duda, de incrédulo asombro en fin. Y hace así también una apuesta muy personal por la amistad entre quienes adhieren a credos distintos, en la estela de un Francisco de Asís o de un Kazaruni.

Editorial Trotta, S.a.

Trotta

Incrédulo asombro

La historia de las mujeres artistas ha sido, hasta hace pocos años, sistemáticamente ignorada por el discurso oficial. Tirar del hilo de esa historia olvidada no supone tan sólo reparar una omisión intolerable, sino también cuestionar muchas de las categorías fundamentales (como las de &quot; genio artístico &quot; , &quot; calidad &quot; o &quot; influencia &quot; ) sobre las que asienta la disciplina de la historia del arte en su conjunto. Los orígenes del movimiento feminista se remontan al menos al siglo XVIII, pero habrá que esperar a que surja el llamado Movimiento de Liberación de la Mujer, a finales de la década de 1960, para que algunas artistas e historiadoras señalen la necesidad de intervenir, desde un punto de vista feminista, en el campo de la práctica y la teoría artísticas. Este libro es la historia de esas intervenciones, con frecuencia polémicas, no sólo en el ámbito académico e institucional sino en el del propio pensamiento feminista: la situación de las mujeres artistas, la afirmación de la diferencia sexual, la representación del cuerpo femenino, la mirada como instrumento de poder o el impacto de las nuevas tecnologías en el arte hecho por mujeres son algunos de los temas de debate que han marcado la relación entre el feminismo y la historia del arte. El resultado de esa relación entre el feminismo y la historia del arte es, sin duda, una de las renovaciones más profundas que ha conocido la disciplina histórico-artística en el siglo XX. Al tiempo que se reescribe la vieja historia, se crean otras nuevas: nuevas historias de mujeres y, por supuesto, nuevas historias del arte.

Historias de mujeres, historias del arte

Durante más de 30 años, Jameson ha sido uno de los teóricos de la literatura más productivos en el mundo anglosajón. En el momento de su publicación, este libro fue un estudio pionero de la obra de los grandes teóricos marxistas europeos (Adorno, Benjamin, Marcuse, Bloch, Lukács, Sartre), desatendidos durante muchos tiempo (desatención que, en más de un caso, sigue vigente) por el mundo académico. Mediante penetrantes lecturas de cada uno de ellos, Jameson desarrolla un método crítico que ha tenido una gran influencia, al proporcionar un marco para analizar las conexiones entre el arte y las circunstancias históricas de su realización, en particular el modo en que los artefactos culturales deforman, reprimen o transforman sus circunstancias mediante las abstracciones de la forma estética.La presentación del pensamiento crítico de este marxismo hegeliano ha constituido una fuerte y convincente alternativa tanto a las corrientes empiristas y humanistas, en un primer momento, como posteriormente al postestructuralismo y la deconstrucción cuando estas tendencias metodológicas se convirtieron en metodologías dominantes de la crítica estética.

Marxismo y forma

* El recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica: una guía completa para aprender a dibujar de forma rápida y segura.* Un sistema paso a paso para crear esbozos y dibujos llenos de encanto. * Incluye dibujos de hombres, mujeres, niños, ancianos, dibujos anatómicos, personas en reposo o en movimiento, desnudos y consejos prácticos para detalles como la nariz, la boca, los ojos o el cabello. Ser capaz de dibujar la figura humana de manera realista es divertido para uno mismo y para las personas a las que se retrata: con este libro, ¡aprenderá a hacerlo!La introducción explica los materiales, la perspectiva y las sombras correctas, el trabajo con líneas auxiliares y la estructura correcta de la imagen. ¡Además de eso! Cualquiera que pueda dibujar la figura humana con destreza querrá probar nuevos ámbitos, tales como motivos sofisticados, técnicas inusuales, manga, dibujos animados y fantasía.

Blume (Naturart)

Blume

Guía completa de dibujo. Figura humana

El derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha suscitado un asombroso repertorio de respuestas artísticas y críticas. Los veinticinco ensayos que recoge Arte después de la modernidad proporcionan una perspectiva general de las direcciones más interesantes que han seguido el arte y la crítica recientes, al abordar temas como el declive de la ideología moderna en las artes o la emergencia de una amplia gama de prácticas artísticas posmodernas. las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía. las investigaciones de artistas pertenecientes al ámbito de las artes plásticas en torno a los medios de comunicación y el tipo de imágenes que emplean. o la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación es una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que animan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance que se ha dado en llamar posmodernidad.

Otro

Arte después de la modernidad

El presente libro reúne los textos más recientes sobre estética de los media, cultura visual y simbolismo artístico de uno de los autores que ayudó a lanzar y fundamentar los Estudios Visuales. En sus distintos capítulos se abordan, entre otros temas, la

Estudios Visuales

La ciencia de la imagen

Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El " fake " surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.

La competencia de lo falso

"Estética de la novela" expone una his¡toria de la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad has¡ta la actualidad. Partiendo de una con¡cepción del complejo fenómeno "novela" como puente entre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéti¡cas como el recorrido del espíritu de la sociedad abierta al despegarse de la tra¡dición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orí¡genes de la novela (la "protonovela"), se recorren las dos orientaciones de la no¡vela premoderna (la cortesana y la po¡pu¡lar) y la gran fusión que significa la no¡vela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.

Estética de la novela

Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías, dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómeno óptico, implica también pactos y procesos sociales. La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como la cámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados en nuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras.Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esos itinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo; Cervantes y Borges; Goya y Solana; Einstein, Escher y Moebius; Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini, Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivencia espaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.

Ediciones Catedra S.a.

Genealogías de la mirada

El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión "bellas artes", pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.

Materialidad y técnica

Un poderoso alegato contra el sometimiento histórico de la mujer, una denuncia de la guerra como fundamento de la violencia del patriarcado.En el presente libro se abordan las construcciones, narraciones y tecnologías históricas, religiosas, filosóficas y científicas del lenguaje y del discurso del «saber» que han determinado la identidad, la función y la constitución psíquica y corporal de las mujeres, así como su inscripción en los roles simbólicos, sociales, sexuales y laborales de género y su exclusión del espacio público. Aporta materiales y (con)textos para una crítica feminista de la violencia y enfoca las luchas de las mujeres para enfrentarse al silencio y a la injusticia de su condición, desde figuras trágicas como Antígona, Casandra e Ifigenia hasta las declaraciones, escritos y miradas de ilustradas, revolucionarias, filósofas, teóricas y artistas en la actualidad, a través de sus escritos, argumentos y razonamientos.Erigidas en sujetos políticos de lenguaje, las autoras afrontan y desenmascaran en la escritura y las obras artísticas las mitologías, los discursos y las leyes que las han sometido ?aunque no acallado?, manifiestan su resistencia al victimismo y a la esclavitud, y denuncian la guerra ?de Troya a Bosnia, Palestina o Iraq? como fundamento de la violencia del patriarcado.

Akal / Arte Contemporáneo

La mordaza de ifigenia

* El surrealismo surgió como un movimiento literario y artístico dado a conocer por el poeta francés André Breton en 1924, con el Manifiesto surrealista.  * Los artistas surrealistas ahondaron en el inconsciente y gozaron con yuxtaposiciones de raros objetos sin relación entre ellos. * Utilizaron medios de todos los tipos imaginables, desde la sorprendente taza cubierta de pieles de Meret Oppenheim hasta el jardín fantástico de Edward James, Las Pozas, en lo más profundo de la selva mexicana. Cuando murió Breton en 1966, el surrealismo se había extendido por todo el mundo y era uno de los movimientos artísticos más populares del siglo XX.  "Una notable y equilibrada presentación de pinturas bien conocidas e inusuales obras de arte de todo el mundo. Una visión maravillosamente original que abre nuevas vías a la investigación". Dawn Ades  En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

Surrealismo

Vilém Flusser propone un nuevo modo de ver la fotografía: el análisis de la fotografía en sus aspectos estéticos, científicos y políticos le sirve de clave para el estudio de la actual crisis cultural y de la n ueva forma de existencia y sociedad que está en vías de generar. El au tor demuestra que la transición de la cultura del texto a la cultura d e la imagen (de la linealidad de la historia a la bidimensionalidad de la magia) corre pareja con la transición de la sociedad industrial a la sociedad postindustrial (del trabajo al juego) y cómo esta mutación puede reconocerse y observarse con especial evidencia en la fotografí a.

Sintesis

Una filosofía de la fotografía

Abordar el encuentro con el Otro no es tarea fácil. El Otro no se brinda de buena gana a la mirada de uno mismo. El &quot; judío &quot; , el &quot; gitano &quot; , el &quot; negro &quot; y el &quot; musulmán &quot; son las cuatro figuras de la alteridad objeto de este libro. Seguir su presencia en las artes figurativas occidentales desde los albores de la Edad Moderna hasta la Revolución francesa significa poner al desnudo un proceso complejo, en el cual se entretejen descubrimiento, construcción e invención. La colisión entre el canon visual occidental que acaba de cristalizar en el Renacimiento y la aparición de la imagen del Otro supone reconsiderar la propia identidad frente a este Otro. Tiziano, Durero, Carpaccio, Caravaggio, Rubens, por no citar sino algunos de los más contundentes ejemplos, se enfrentaron con &quot; el extranjero &quot; y dieron diversas soluciones.

Ensayos Arte Cátedra

La imagen del otro

La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan &quot; historia de la cultura visual &quot; ; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.

Patrimonio cultural (2015)

Historia del urbanismo en España (2010)

La época de las catedrales (2016)

3Istoria del arte en la antiguedad (2024)

Historia de la pintura (2020)

El arte de amar (2015)

Hieroglyphica

Imagen, lenguaje e ideologia (2023)

La cabellera femenina (2021)

Incrédulo asombro (2018)

Historias de mujeres, historias del arte (2003)

Marxismo y forma (2016)

Guía completa de dibujo. Figura humana (2021)

Arte después de la modernidad

La ciencia de la imagen (2019)

La competencia de lo falso (2018)

Estética de la novela (2021)

Genealogías de la mirada (2020)

Materialidad y técnica (2022)

La mordaza de ifigenia (2022)

Surrealismo (2019)

Una filosofía de la fotografía (2001)

La imagen del otro (2016)

El espíritu de la imagen (2017)