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Robert Walser fue introducido por su hermano, el pintor Karl Walser, en el mundo del arte de Berlín, aunque también escribió sobre pintura después de su etapa berlinesa y visitó exposiciones en Berna y en Zúrich. Así surgieron prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte: en unas ocasiones Walser se enfrenta a un cuadro de manera imaginativamente narrativa, pero en otras responde con un ensayo estricto o con una glosa más lúdica. Walser nunca se muestra académico, pues él considera que el arte es el reino incuestionable de la libertad. Los cuadros de Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Renoir y Cézanne, entre otros, a los que se refieren los textos de Walser están reproducidos en color en esta edición.

Libros Del Tiempo

Ante la pintura

El presente volumen es el primero de los cuatro que conforman la obra Arte e Historia en la Edad Media, cuyo propósito es explorar el amplio terreno en el que se encuentran las experiencias de la historia y el arte medievales. Los protagonistas de esta primera entrega son el tie mpo, el espacio y las instituciones. No obstante, habría que referirse a tiempos, en plural: los tiempos del Oriente bizantino y del Occiden te, que no son sólo los típicos de la Iglesia y de los mercaderes, sin o también los de las canterías, los del orfebre y los del escultor, ha sta llegar a los de los historiadores del arte, que, a su vez, intenta n imponer la medida y los límites constrictivos del estilo. Junto a l os tiempos, los espacios, los itinerarios, los paisajes, los de la ciu dad y los del campo y sus representaciones. Y por último, las grandes instituciones religiosas y laicas, la Iglesia, el Papado, el Imperio y , dentro de éstas, los artistas que se mueven, los modelos que circula n y las clases domin

Akal

Editorial Akal

Akal / Arte y Estética

Arte e historia en la edad media I

Marta Sanz, Julio Llamazares, el historiador Carlos Martínez Shaw, el director teatral Ignacio García May, entre otros, presentan un clásico de la literatura que les resulta afin a su contexto creativo.Acompaña a cada uno de los textos un mapa que refleja en dibujos el discurrir de su argumento para componer, a la postre, un fresco sobre la historia de la literatura. El libro ha sido coordinado por el catedrático de la UAM Pedro García Martín y cuenta con un soberbio trabajo gráfico de Agustín Comotto.  35 obras conforman estre atlas, desde el Poema de Gilgamésh a Cien años de soledad.

Nórdica Libros

Nórdica

Nórdica Ilustrados

Atlas de literatura universal

En el verano de 1928 apareció por primera vez en París una revista experimental irrepetible: Le Grand Jeu, El Gran Juego. Sus animadores eran René Daumal, Roger Gilbert-Lecomte, Roger Vailland, André Rolland de Renéville, Pierre Minet y Joseph Sima, entre otrosà Y todos ellos, con una media de edad que no pasaba de los veinte años y un espíritu de rebeldía difícil de superar, pusieron en marcha una de las aventuras poéticas más fascinantes y menos conocidas del periodo de entreguerras, un verdadero «cataclismo» cuyos efectos aún hoy siguen haciéndose notar.  El principal objetivo de estos aventureros del espíritu, más allá de cualquier consideración ética o estética, era crear un espacio vital lo suficientemente amplio como para que pudiera albergar esa «sed insaciable de infinito» que padecían. Y para ello hicieron uso de herramientas tales como la experimentación poética, las drogas y las sustancias alucinógenas, los procesos de visión extrarretiniana, la ruleta rusa, los viajes astrales, la paramnesia o la materialización de los sueños, prácticas todas ellas dirigidas a crear una vida más intensa y profunda que les permitiera recuperar la unidad fundamental.   El pensamiento de Heráclito, Hegel y Marx, junto al Upanishad, el Bhagavad-g&#299;t&#257; y los vestigios de la mentalidad primitiva en el hombre civilizado, todo ello estructurado alrededor de las figuras de Rimbaud y Nerval, concretaron el marco de influencias de estos jóvenes poetas. Un ámbito que ha permitido que el calificativo «parasurrealista» les haya sido aplicado con frecuencia, pero que les dotó igualmente de una personalidad propia e indiscutible gracias a la cual pudieron mantener su independencia durante toda su corta pero fulgurante existencia como grupo.  La presente edición, preparada y traducida por Julio Monteverde, presenta por primera vez en castellano una amplia selección de los principales textos aparecidos en los cuatro números de la revista, y da buena cuenta tanto del peculiar ambiente que rodeaba a los miembros del grupo como de los sorprendentes resultados teóricos y prácticos obtenidos por las experiencias que llevaron a cabo.

El gran juego

A menudo, el tópico de la espectacularización de la sociedad contemporánea por medio de la proliferación de tecnologías de la comunicación lleva a olvidar la densidad del rarefacto éter ideológico que nos rodea. Simétricamente, en ocasiones, las críticas economicistas de la desigualdad en la era de la globalización bordean el espiritismo sociológico, en la medida en que carecen de la interlocución de un sujeto político que pueda recibir y asumir como propia la alternativa que proponen. Los ensayos de Slavoj Zizek, Jorge Alemán y César Rendueles que componen este libro se mueven a caballo entre ambos extremos. Indagan en la textura simbólica de nuestro tiempo rastreando la vivencia imaginaria de las grandes ordenaciones políticas y económicas a través de los medios de comunicación de masas. Frente a la mera queja por la estetización de la vida pública, plantean el análisis de los mecanismos de construcción ideológica que vertebran la relación de los sujetos políticos con su realidad histórica.  "El tema propuesto no puede ser más interesante y (...) su lectura no deja de merecer la pena" (Antonio García Vila, El Viejo Topo)

Arte, ideología y capitalismo

Este libro constituye la primera monografía sobre la escultura más extraña y más atípica de Giacometti: el Cubo, considerado como el único objeto «abstracto» del artista. Inexplicable, a este respecto, en una obra que parece abocada a la «búsqueda de la realidad». Pero el conjunto de cuestiones, hipótesis y análisis formales con que este libro literalmente rodea al objeto abrirá al lector toda una serie de nuevas perspectivas.

El cubo y el rostro

El paso del tiempo ha creado la ilusión de que la contracultura de los años sesenta, que se articuló alrededor del movimiento hippie en Estados Unidos y las revueltas de Mayo del 68 en Europa, fue un éxito cuyo eco sigue resonando en la actualidad. Pero lo cierto es que aquel éxito fue un mito, una construcción, y ya durante el tiempo en que la contracultura empezaba a cobrar forma, el denominado establishment empezó a crear los cauces para aplacar y dirigir aquellos aires de revuelta y así poder convertirlos en un negocio, plenamente asimilados por el capitalismo imperante. De hecho, esta conquista de lo cool ha sido una constante durante varias décadas de tensiones entre el poder y su reverso: el capitalismo siempre encuentra la manera de convertir en reclamo (o en moda) cualquier revuelta social, ya sea el movimiento obrero, el pacifismo, el ecologismo o el feminismo. En este ensayo pionero ?que ya publicó Alpha Decay en 2011 y ahora se rescata en una nueva edición revisada y engrandecida con un prólogo del crítico cultural Jordi Costa?, Thomas Frank explica cómo ya en los sesenta, y fundamentalmente desde las agencias creativas de publicidad de Madison Avenue, empezó a asimilarse el lenguaje contestatario de los movimientos juveniles en eslóganes y productos que, traspasados a la esfera del consumo, perdían toda su carga transformadora.Thomas Frank abunda en los orígenes de un procedimiento que sigue dándose en la actualidad, y cuyos efectos, aunque a veces pasen desapercibidos, tienen un profundo impacto en la evolución de las sociedades occidentales, donde los signos de cambio muchas veces aparecen transformados en una bohemia conformista y en la vacuidad hipster. Y para añadir un toque más perverso a esta relación, Frank desvela otra clave: muchas veces, la intención de revuelta y su asimilación en las dinámicas capitalistas van de la mano, se retroalimentan y colaboran para crear una fantasía en la que lo subversivo pierde su valor más allá de su interés como bien de consumo.

Ediciones Alpha Decay

La conquista de lo cool

«Getting up» es el término utilizado por los grafiteros para lograr de jar su sello personal en la red de metro. A través de entrevistas espo ntáneas, Castleman documenta las vidas y actividades de estos jóvenes artistas de la calle, a través de su jerga y mitología. Con un enfoque más descriptivo que analítico, deja que los «escritores» hablen por s í mismos, dando como resultado una historia concisa y descriptiva de l a cultura suburbana, pero también de la elástica sociedad que la creó. Al margen del debate que suscita esta controvertida forma de expresió n, cuando uno termina de leer Getting Up siente admiración por el inge nio de los jóvenes escritores.

Getting up hacerse ver. El gratifi metropolitano en nueva york

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

Oráculo manual y arte de prudencia, de Baltasar Gracián, vio la luz en Huesca en 1647. El tratado ofrecía trescientas máximas sucintamente comentadas sobre cómo prosperar en una sociedad en crisis mediante la prudencia, la sagacidad y la sabiduría de la experiencia. Este «arte de vivir», que extendía los valores de lanobleza a todos los individuos letrados con independencia de su estamento, se anticipó a los postulados del Siglo de las Luces. A la extraordinaria difusión de este manual laico de filosofía moral contribuyó en buena medida el éxito de su traducción francesa en una época en que el francés era la lengua de cultura en toda Europa. Marc Fumaroli reconstruye en este ensayo el contexto en que fue concebida, publicada y recibida la obra de Gracián y su versión francesa tras la Reforma, una época de fractura entre razón y fe que escindió la inquieta concienciade Europa.

El Acantilado

La extraordinaria difusión del arte de la prudencia en Europa

Frank Frazetta ha sido el rey indiscutible del arte fantástico durante 50 años, y su fama no ha dejado de crecer en los 12 años transcurridos desde su muerte. Ahora que sus pinturas baten récords en subastas (Egyptian Queen se vendió por 5,4 millones de dólares en 2019), se hace evidente la necesidad de dedicarle una monografía completa.Nacido en una familia de inmigrantes sicilianos en Brooklyn en 1928, Frazetta fue un deportista de ligas menores, un delincuente de poca monta y un seductor en serie con apariencia de estrella de cine y un talento extraordinario. Afirmó que solo hacía arte cuando no tenía nada mejor que hacer (prefería jugar al béisbol), pero comenzó su carrera profesional en los cómics a los 16 años. Su trabajo como dibujante de tiras cómicas lo llevó a EC Comics y de ahí a pintar óleos para las portadas de ediciones baratas de Tarzán y Conan. Ambos personajes fueron interpretados por muchos antes que él, pero como explicó en la década de 1970, ?Pongo mucho énfasis en la físico. En Brooklyn, conocí a Conan. Conocí a tipos como él?. Frazetta usó ese conocimiento de primera mano de los músculos y de la figura del macho para redefinir a los héroes de fantasía haciéndolos más grandes, amenazantes y testosterónicos que nunca. Como contrapartida, creó una nueva generación de mujeres, tan desnudas como lo permitía la censura, con caras de duendecillas y cuerpos rotundos: muslos gruesos, nalgas rotundas y senos firmes combinados con vientres suaves y toques de celulitis, creíblemente reales. Añada la acción, las criaturas y los mundos crepusculares de sombras inquietantes y el resultado es una obra tan adictiva como las patatas fritas.Esta monografía, la más grande y completa que se ha dedicado al artista, se ha realizado en colaboración con la familia Frazetta y grandes coleccionistas.

The Fantastic Worlds Of Frank Frazetta

Contemplar un cuadro o un paisaje, escuchar una obra musical, sumergirse en un universo sonoro, leer un poema, ver una película: esa es la experiencia estética. En el marco de la cultura humana, entre todas las experiencias vividas, es al mismo tiempo la más banal y la más singular. Es singular porque tiene como condición que uno se dedique a ella sin otro fin inmediato más que esa misma actividad; es banal porque no deja de ser una de las modalidades básicas de la experiencia común del mundo. Por lo tanto, se trata de comprender, como lo demuestra Jean-Marie Schaeffer, no la experiencia de las obras de arte en su especificidad, sino la experiencia estética en su carácter genérico, es decir, independientemente de su objeto.

La Marca

La experiencia estetica

Desde principios de los años ochenta hemos disfrutado con la escritura de Mireia Sentís, su crítica de arte, sus libros sobre la vanguardia neoyorquina de los setenta y la cultura afroamericana; sus comisariados de exposiciones y, por supuesto, sus fotografÆas. Este catálogo, al igual que la exposición de la que es fruto y testimonio, pretende mostrar cómo la fotografía es en ella una constante necesaria para buscar esa dimensión escondida que sólo se da en las obras de arte.  Mireia Sentís se ha considerado siempre desmarcada generacionalmente, pero sus trabajos fotográficos, que ha ido mostrando en exposiciones dispersas, guardan un tono de época que va más allá de lo formal puesto que, como ella suele decir, siempre persigue una idea, algo que no sólo rebasa las modas sino que hace aún más inquietante la presencia del tiempo en la imagen. Su obra responde a inquietudes vitales más que a impulsos formales. Mireia Sentís fotografía porque quiere reflexionar: sobre el cuerpo y el sexo, los paisajes del entorno que visita o habita, las costumbres, la sociedad y el poder. Todo ello desde una mirada irónica y poética, único estilo en el que se reconoce.

Mireia sentís. Fotografía 1983-2008

«Una educación sensorial es el título de este libro, pero, asimismo, exactamente, lo que en él se narra bajo la doble experiencia de un adolescente que descubre en el arte lo que la vida todavía no le ha ofrecido, y de un adulto que evoca, tras el paso de los años, lo que fue aquel aprendizaje singular y en muchos sentidos mágico. Sin embargo, también el subtítulo es ajustado, puesto que, como se observará, la narración implica a la par una reflexión sobre el erotismo y una auténtica historia del desnudo en la pintura, construida siempre, eso sí, desde la experiencia subjetiva del narrador».   Rafael Argullol

Una educación sensorial

Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista.á Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y la personalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.

La ardilla de braque

El esfuerzo secular en la disolución de las fronteras entre culturas ha generado condiciones nuevas para el arte que afectan a la propia definición de su naturaleza y de sus funciones sociales. En la actualidad, instancias como el mestizaje y la globalización determinan de forma masiva la comunicación visual.  Un efecto sintomático de esa nueva realidad cultural, marcada por una activa substracción de las diferencias, es el desarraigo. Por otro lado, territorios de los cinco continentes que antes eran considerados marginales para la producción artística moderna han entrado en sintonía en los últimos tiempos con los centros dominantes, donde son valorados como lugares culturalmente emergentes. La modernidad globalizada ha generado un nuevo mapa en el que la identidad es una noción a redefinir y se aboga por un arte que no hunde ya sus raíces en un territorio concreto.  El arte en su destierro global. Cultura contemporánea y desarraigo, que recoge ensayos de reconocidos artistas, comisarios y críticos de arte contemporáneos, se ocupa de diversos aspectos característicos de este nuevo episodio de la realidad artística y de algunos de los términos que frecuenta el lenguaje de la creación visual en ese territorio globalizado.  Incluye ensayos de Javier Arnaldo, Eva Fernández del Campo, Uwe Fleckner, Ticio Escobar, Joan Fontcuberta, Jean-Hubert Martin, Partha Mitter, Mireia Sentís y Sami Naïr.  Javier Arnaldo es titular de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Fue Conservador del Museo Thyssen-Bornemisza entre 2001 y 2011. Entre sus publicaciones están los libros Estilo y naturaleza (1990), Las vanguardias históricas (1993), Yves Klein (2000), Analogías musicales (2003) y ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra (2008), estos últimos textos del mismo título de dos de las exposiciones que ha comisariado.

El arte en su destierro global

En estos ensayos el autor caracteriza un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.
Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta “¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?”.

Estética relacional

Robinsón

· Para aproximar el tema universal de la belleza este libro se construye con el fragmento y la cita. Lo integran tres amplios capítulos: «Las construcciones de la belleza», «Las negaciones a la belleza» y «Certeza y enigma», que responden desde diversos enfoques a la pregunta: «¿Qué es para ti la belleza?». Y desde esa interrogante se invita a otro modo de lectura, que no solo interpela a los personajes que a lo largo de la historia y hasta nuestros días han pensado ùy han creadoù la belleza, sino que también se dirige al lector, como pregunta abierta que se deja entre sus manos. · La belleza nos conmueve cada vez como un advenimiento y, para quien sepa encontrarla, puede esperarnos en lugares impensados o puede subsistir como aliento en los momentos trágicos. La belleza aparece, se muestra, insiste. A veces es sojuzgada y destruidaà pero también sabe ser resistente. La amplia variedad de testimonios en esta publicación da fe de las certidumbres que ella genera, pero también deja constancia de su frágil condición.

El libro de la belleza

En muchas ocasiones manifestó Leonardo la voluntad de ordenar sus materiales y escribir un libro del agua, algo que nunca realizó. La presente edición de Patxi Lanceros y Juan Barja no pretende tanto restaurar dicho libro como dar cuenta de un trabajo que se prolongó durante toda la vida de Leonardo. Para ello, rescata y ordena multitud de fragmentos, tramando así una diversidad de argumentos con los que recorre todos los registros -físico, geográfico, geométrico, literarioà-. Al mismo tiempo, acompañando a su escritura torrencial, encontrará el lector en estas páginas la obra gráfica (bocetos, esquemas, dibujos) relativa al líquido elemento: 79 ilustraciones a todo color donde Da Vinci muestra su genio artístico.

Astiberri Ediciones

Abada Editores, S.l.

Abada

El libro del agua

Leda y el cisne

El kitsch como categori´a este´tica es el resultado de una angustia particular. Lo kitsch esta´ en todas partes: en una figura, en la voz, en la poli´tica. Hay familias kitsch, padres kitsch, colores misteriosamente kitsch. ¿Tal vez este concepto es producto de una ausencia o li´mite del lenguaje ante el cual no queda ma´s que el gusto sin forma, carente de espacio simbo´lico? ¿Ma´s que una categori´a este´tica, se trata del recurso de un determinado sistema de produccio´n? El silencio de la realidad tiene muchos rostros, uno de ellos es el kitsch. Alonso Posada Majluf plantea en este libro una reflexio´n cri´tica sobre este concepto, en especial sobre su lo´gica y sus me´todos de operacio´n. [...] lo kitsch permanece igual de estorboso en las calles despue´s de haber sido elevado a obra de arte en un museo, la adoracio´n ingenua de los i´dolos de telenovela, las decoraciones grotescas de lo dulce seguira´n perturbando aunque se hayan exhibido en un museo y se haya gozado con ellas porque lo kitsch es el juicio, no la obra.

El kitsch. Ensayo psicoanalítico

ARTE ANDRÓGINO

Nathwell Tate, gran pintor abstracto y desventurado, se arrojó a las aguas neoyorquinas en enero de 1960. Nunca se halló su cadáver y a duras penas se hallarían dieciocho briznas de su trabajo, pues él mismo se había encargado de destruirlo. Muchos años después, David Bowie, Gore Vidal, William Boyd y John Richardson convocaron una fiesta de homenaje en el loft de Jeff Koons. Allí se leyeron fragmentos de este libro a la élite cultural de Manhattan, la cual, según las crónicas, recordaba vagamente al malogrado artista, apreció el formidable mérito de sus obras residuales y se sintió muy impresionada por su destino.Ocurría, sin embargo, que los cuadros festejados actuaban como perfectos trampantojos y que la auténtica creación era el guateque. También la delicada biografía que ahora se publica en castellano. ¿Una impostura para delatar las milongas del juicio estético? Tal vez, mas no del todo si un papel titulado Puente n.º 114 fue adjudicado hace algún tiempo por nueve mil y pico euros. ¿Dónde está la irrealidad? Por lo pronto en el realismo pérfido de un ensayo que miente perono engaña. ¿Ficción biográfica? Más bien radiográfica cuando nos devuelve la imagen de una sandez furiosamente moderna.

Ante la pintura (2009)

Arte e historia en la edad media I (2008)

Atlas de literatura universal (2017)

El gran juego (2016)

Arte, ideología y capitalismo (2008)

El cubo y el rostro

La conquista de lo cool (2020)

Getting up hacerse ver. El gratifi metropolitano en nueva york (2012)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

La extraordinaria difusión del arte de la prudencia en Europa (2019)

The Fantastic Worlds Of Frank Frazetta (2023)

La experiencia estetica (2019)

Mireia sentís. Fotografía 1983-2008 (2008)

Una educación sensorial (2012)

La ardilla de braque (2013)

El arte en su destierro global (2012)

Estética relacional (2017)

Robinsón (2004)

El libro de la belleza (2015)

El libro del agua (2017)

Leda y el cisne (2004)

El kitsch. Ensayo psicoanalítico

ARTE ANDRÓGINO (2010)

Nat tate 1928-1960. El enigma de un artista americano (2014)