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Cuando George Grosz murió en 1959, en Berlín, después de caer borracho por unas escaleras, muchos se asombraron de que siguiera vivo hasta e ntonces. Su nombre, sus caricaturas de guerra y descomposición, estaba n en los libros de historia del arte y en los

Capitán Swing

Entrelíneas

Un sí menor y un no mayor

En la estela de su admirado Marcel Duchamp, que nos legó un extraordinario volumen de conversaciones, en Fuera de aquí, Enrique Vila-Matas, incitado por su traductor al francés y amigo, André Gabastou, repasa la gestación y el inagotable anecdotario que se esconde detrás de cada uno de sus libros y traza una inimitable panorámica de su poética singular, desde sus narraciones juveniles hasta su producción última aún pendiente de publicarse. Dotando al diálogo de un sentido nuevo que permite conocer los entresijos de toda su obra, Vila-Matas se nos muestra como el creador de mundos de los shandys o los bartlebys, explorador de nuevos conceptos, como el mal de Montano, inventorde personajes inolvidables como el doctor Pasavento, revisitador de ciudades como París, Veracruz, Lisboa o, tras su salto inglés, de ese Dublín joyciano, que tanto ha marcado el curso de esa enorme aventura que es su obra literaria. Al mismo tiempo, sin perder la solapada ironía siempre presente en sus escritos, nos permite asistir a la galería de escritores que le han influido, de Kafka a Walser, pasando por una extensa lista absolutamente definidora de su particular gusto literario. Y también adentrarnos en los lugares, lecturas e imágenes que han hecho de Vila-Matas uno de los escritores más singulares de nuestro tiempo y un motor inagotable de ideas literarias. Esta especie de autobiografía conversada conforma, pues, un eslabón más en la trayectoria de uno de los grandes creadores de ficciones de la literatura contemporánea, y se erige en un título imprescindible de su bibliografía. Fuera de aquí se completa con una extensa antología de fragmentos escogidos de la obra vilamatiana y con una selección de textos nunca hasta ahora publicados en libro.

Galaxia Gutenberg

Fuera de aquí

Primera versión en castellano de los siete capítulos iniciales, y presumiblemente los únicos auténticos, de la obra del fundador del taoísmo filosófico Zhuang Zi. Con un estilo heterogéneo, que evoca en cierto modo la idea del caos original, Zhuang Zi nos pasea voluntariamente tanto por los laberintos lógicos del discurso filosófico como por los espacios abiertos y liberadores de la poesía y la mística.

Trotta

Los capítulos interiores de zhuang zi

Han pasado más de cien años desde que la exposición de Manet en la Galería Martinet proclamara el descontento de una generación con el modo académico de ver el arte. Viviendo el estilo de vida bohemio del mito moderno, los artistas más tarde denominados «impresionistas» formaron su propia sociedad alternativa, cuyos encuentros tenían lugar en cafés de Monmartre y en sus propios estudios. Obras de Pissarro, Monet, Renoir y Cézanne fueron rechazadas de plano por el Salón de 1873, pero el siguiente fue el primero de ocho años de exposiciones «impresionistas»: el grupo se hizo célebre por el comentario burlón de un periodista sobre «Impresion: Soleil levant de Monet» y por una reseña aparecida en «Le Figaro» que describía a los artistas como un grupo de desdichados corrompidos por la locura de la ambición. Pero, ¿eran los cuadros impresionistas sólo superficies decorativas que no tenían valor más allá de sus agradables combinaciones de forma y color, o representaban la influencia de fuerzas sociales de mayor calado, la alienación de la metrópoli moderna? ¿Eran los colores experimentos a modo de juego o reflejaban medidas creencias filosóficas y científicas? Adoptando un punto de vista alternativo sobre estos artistas y sus métodos, y teniendo en cuenta sus propias investigaciones sobre la percepción, Paul Smith examina el contexto social, político e intelectual en el que surgió el Impresionismo. En los distintos capítulos, trata de disipar la idea de que al Impresionismo no le importaba el mundo social del que surgió, y, al hacerlo, ofrece una oportuna y nueva apreciación del grupo que inspiró el ideal moderno del rebelde artístico.

Impresionismo

Giovan Pietro Bellori (1615-1696), bibliotecario de Cristina de Suecia y responsable de las antigüedades romanas, fue uno de los personajes cruciales en la vida cultural y artística de la ciudad durante la segunda mitad del siglo XVII y el impulsor de un mito de Roma que se mantendrá vivo durante los dos siglos siguientes. Su obra más importante, las Vite de?Pittori, Scultori ed Architetti moderni, aparecida en 1672, inicia un nuevo tipo de biografías de artistas que se apartan radicalmente del modelo establecido por Vasari en el siglo anterior. A diferencia de las que se habían escrito hasta ese momento, en sus Vidas, basadas en informaciones muy exactas, Bellori selecciona, por razones de gusto, una serie de nombres no sólo italianos sino también franceses y flamencos, reflejando el ambiente cosmopolita de la Academia francesa en Roma y poniendo a prueba, con total éxito, un nuevo método para describir y analizar las obras de arte. Enemigo del naturalismo y del manierismo, escribe su obra con una clara voluntad polémica en defensa de los mismos principios clasicistas que se encuentran en la pintura de su gran amigo Nicolas Poussin. En la presente edición se han seleccionado el discurso sobre La idea de la Pintura, Escultura y Arquitectura, que sirve como prólogo a la obra, y las biografías de los artistas más importantes que aparecen en las Vidas: Annibale Carracci, Michelangelo Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Nicolas Poussin, que se ofrecen traducidas por primera vez al castellano en versiones íntegras y anotadas.

Vidas de pintores

Cómo leer la moda identifica las principales tendencias de moda de los últimos doscientos años y nos enseña a relacionarlos con los estilos actuales. Desde el neoclásico al gótico, pasando por el estilo imperio , el punk, el militar, y las marcas de diseño, explica las característ icas definitorias de cada «look». Partiendo de varios capítulos sobre técnicas y materiales, el libro pasa luego a explicar su aplicación en las modas masculina y femenina, incluyendo el vestido formal, informa l y casual, así como en accesorios, joyería, peluquería y maquillaje. Cómo leer la moda es un libro de referencia serio a la vez que una fue nte con estilo que le aportará el vocabulario visual necesario para co mprender, investigar e interpretar los estilos.

Editorial Akal

H. Blume

Cómo leer la moda

Primer libro de una serie que pretende acercar el arte a los más pequeños de una manera diferente a la de otros libros. - Un libro para niños de 2 a 9 años en los que explicamos los diferentes tipos de amor que existen a través de

Phaidon Press Limited

Mi libro de arte amor

En este volumen se reúnen cuatro conferencias del curso impartido por Erwin Panofsky en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952. Estos textos muestran su talento para complementar el puro análisis iconográfico (la descripción de las imágenes, historias o alegorías que contiene el cuadro) con la interpretación iconológica del significado intrínseco y los valores simbólicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios históricos de sensibilidad y mentalidad).

Renacimiento y renacimientos en el arte occidental

«En adelante, a mis ojos, Francis Bacon iba a encarnar la pintura más que ningún otro artista. [à] Desde esos tiempos de juventud, su pintura ya nunca me abandonaría. Porque se engancha a ti, vive en ti, contigo. Un tormento que se aferra y no te suelta más. Sus "personajes en crisis generalizada"ùcrisis moral, crisis físicaù, como escribe el crítico inglés John Russell, viven a tu lado y te recuerdan sin cesar que la vida es esa cuerda tirante tendida entre el nacimiento y la muerte. Esa vida que te aporta visiones exacerbadas, un vecino de hospital, de asilo [à]. La pesadilla está cerca: dolores, gritos, un cuerpo replegado sobre sí mismo, concentrado en las contorsiones, en el sufrimiento incluso. El terror se mantiene ahí, instalado en esos personajes que aúllan en silencio. Una crueldad desplegada y visible, revelada por esos hombres tapiados en un cuadro espacial».

El Acantilado

Cuadernos del Acantilado

El olor a sangre humana no se me quita de los ojos

Hace un siglo, la belleza era considerada de forma unánime como meta suprema del arte y hasta como sinónimo de excelencia artística. Hoy, en cambio, algunos la contemplan como algo parecido a un delito estético. En nuestros días, determinada crítica increpa a los artistas cuando sus obras parecen aspirar a la belleza.  En los últimos años, sin embargo, algunos artistas, críticos y comisarios de exposiciones han empezado a contemplar la belleza de distinta manera. A menudo el debate resulta confuso: en ocasiones los especialistas ven la belleza como una traición frente al verdadero rol del artista, mientras que en otras se esfuerzan por encontrar belleza en lo aparentemente grotesco o repulsivo.   El gran crítico de arte y filósofo Arthur Danto explica en este libro cómo se gestó la revolución contra la belleza y cómo fue derrocada por la vanguardia moderna. Danto sostiene que los modernos tenían razón al negar que la belleza fuera consustancial al arte; al mismo tiempo, sin embargo, la belleza es esencial para la vida humana y no siempre debe ser desterrada del arte.

Ediciones Paidós

Paidós

El abuso de la belleza

Hermeneutica del patrimonio

El abanico de Lady Windermere (1892) inicia la producción teatral de Oscar Wilde. Audaz para la época en que fue escrita, significó su primer éxito con el público. La historia gira en torno a Lady Windermere, una mujer de conducta intachable, felizmente casada con Lord Windermere y madre de un hijo. Todo parece perfecto hasta que, en el día de su cumpleaños, una de sus amigas, la Duquesa de Berwick, la alerta sobre una supuesta infidelidad de su marido que, casualmente, esa mañana le ha obsequiado un hermoso abanico. Todo parece indicar que su esposo tiene una amante y Lady Windermere logra confirmar que él envía mensualmente una fuerte suma de dinero a una desconocida. Irónica y aguda, la obra refleja todo el desprecio que Wilde sentía por la sociedad victoriana de la época, donde la hipocresía, la murmuración y la falsa moral eran moneda corriente, con un espíritu crítico que se convertiría en su sello personal y al que no abandonaría hasta su muerte.

Editorial Verbum (Pa)

El abanico de lady windermere

Reiji Kurose, un estudiante de instituto, vive ôpasivamenteö en un pueblo donde no hay nada y los días transcurren sin cambio alguno. Su familia, sus circunstancias y sus amigos de la infancia lo atan a ese lugar. Reiji creía que seguiría viviendo su ômonótonaö vida hasta que la conoce a ella... ¿Trae esperanza el simple hecho de seguir vivo? ¿Habrá luz en un futuro? Da comienzo la historia de un chico y una chica que se conocen en el fin del mundo, una historia que refleja una realidad ôactualö...

Milky Way

Boy's abyss 1

Los años sesenta han quedado fijados en nuestra memoria colectiva como una era de subversión política y experimentalismo cultural. Los artistas visuales, que trabajaban en un medio volátil, respondieron a través de distintas vías a la confusion que imperaba en la esfera de lo público y lucharon por dejar su huella en un mundo preocupado por las crisis sociales. En este convincente relato sobre el arte que se produjo entre los años 1955 y 1969, Thomas Crow contempla el amplio espectro de artistas que trabajaron en Europa y América durante este periodo, explorando las relaciones entre arte y política, y mostrando como la retórica de ésta a menudo determinó ?o trastornó? la otra. Crow traza la aparición de un nuevo clima estético que desafió las nociones establecidas de contenido, estilo, medios y público, y desarrolla una idea de los sesenta mucho más orgánica de lo habitual: se trata de una nueva definición del concepto de este arte tal como lo siguen empleando, por una parte, los críticos conservadores de hoy día, que continúan considerándolo la fuente de todos los escándalos contemporáneos, y, por otra, los de izquierdas, que lo aprecian como un caso poco frecuente de feliz radicalismo estético.

El esplendor de los sesenta

Segundo libro de una serie que pretende acercar el arte a los más pequeños de una manera diferente a la de otros libros. - Un libro para niños de 2 a 9 años en los que explicamos las diferentes formas de irse a la cama y soñar que existen a t

Mi libro de arte sueño

De todos los misterios del universo, ninguno más profundo. que el de la creación.

Sequitur

El misterio de la creación artística

Este libro explica, de forma sencilla, al estudiante de diseño y al profesional la práctica del dibujo partiendo del planteamiento conceptual y esquemático:desde los rápidos esbozos hasta los consejos y trucos técnicos para conseguir un elevado nivel de calidad y sofisticación en los acabados finales.El dibujo es la unión de la técnica, práctica, sensibilidad y creatividad, pero para representar una idea también es necesario saber observar, analizar y sintetizar. En el diseño gráfico, la representación técnica de una idea se halla estrechamente vinculada al concepto que se desea comunicar y al conjunto de valores que esta imagen debe transmitir para ser eficaz en su mensaje.Lo que hace de este libro una obra especial en su enfoque. Muestra, mediante estudios de caso con distintos lenguajes gráficos, una perspectiva amplia del dibujo como herramienta o como resultado final. Han colaborado en ella figuras de prestigio y jóvenes diseñadores de distintos lugares del planeta, portadores de estilos y culturas diferentes, que se han agrupado en función de las distintas especialidades del diseño gráfico para mostrar sus procesos y sus técnicas de trabajo particulares.

Parramon Ediciones S.a.

Dibujo para diseñadores gráficos

Surcos antropologicos de arte y literatura

Atalanta

Imaginato Vera

Hilma af klint, visionaria

Una apasionante investigación sobre las artes practicadas por ilusionistas, magos y médiums desde comienzos del siglo XVIII.Matthew l. Tompkins, mago y psicólogo experimental, expone cómo la destreza manual y el poder de la sugestión han sido capaces de engañar incluso a las mentes de los observadores más cínicos y racionales.

El espectáculo de la ilusión

¿Estamos asistiendo a un fase de nuestra civilización en la que muchos aspectos culturales, artísticos o, simplemente, vitales estarían atrapados en un proceso, más o menos generalizado y voluntario, de adulteración y falsificación?

Falsificaciones y fetiches

Caligrafía

Frente al tiempo lineal,_x000D_acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de_x000D_artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia_x000D_temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones..._x000D_contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede_x000D_buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días,_x000D_multiplicados y expandidos.Partiendo del_x000D_análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando_x000D_Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin,_x000D_Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a_x000D_través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia_x000D_crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de_x000D_historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la_x000D_heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el_x000D_fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la_x000D_potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción_x000D_de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura_x000D_como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado,_x000D_habitar el presente e imaginar el futuro.

Akal / Arte Contemporáneo

El arte a contratiempo

El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros.    La exposición usa el término playground para proponer una aproximación histórico-artística al espacio de juego y a su potencial socializador, transgresor y político desde los inicios de la modernidad hasta nuestros días.     La idea de «área de juego en descampado» ;propuesta por el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen en 1935; y la de «parque infantil de aventuras» ;impulsada por la arquitecta paisajista Lady Allen of Hurtwood en Londres, y difundida a varias ciudades europeas después de la Segunda Guerra Mundial; sirven para recuperar y significar terrenos residuales o zonas bombardeadas como espacios de juego destinados a la autonomía infantil. En los años sesenta, el niño es reivindicado como sujeto político autónomo, en un contexto dominado por el reclamo del derecho a la ciudad y coincidiendo con el momento álgido de la revuelta del homo ludens ;retomando el ensayo homónimo de Johan Huizinga; en torno a Mayo del 68. Los movimientos de 2011 diseminados por plazas, calles y barrios devolvieron a esos espacios su dimensión pública y democrática. Esta ocupación temporal, articulada por redes virtuales de comunicación, implicaba una reapropiación de lo político y la experimentación de otras formas de organización y vida en común.

Playgrounds

Un sí menor y un no mayor (2011)

Fuera de aquí (2013)

Los capítulos interiores de zhuang zi

Impresionismo

Vidas de pintores (2005)

Cómo leer la moda (2011)

Mi libro de arte amor (2019)

Renacimiento y renacimientos en el arte occidental (2014)

El olor a sangre humana no se me quita de los ojos (2012)

El abuso de la belleza (2011)

Hermeneutica del patrimonio (2023)

El abanico de lady windermere (2020)

Boy's abyss 1 (2021)

El esplendor de los sesenta

Mi libro de arte sueño (2019)

El misterio de la creación artística (2015)

Dibujo para diseñadores gráficos (2012)

Surcos antropologicos de arte y literatura (2023)

Hilma af klint, visionaria (2023)

El espectáculo de la ilusión (2019)

Falsificaciones y fetiches (2010)

Caligrafía (2005)

El arte a contratiempo (2020)

Playgrounds (2014)