En el quinto centenario de la muerte del Bosco, Siruela publica este ensayo profusamente ilustrado del escritor e hispanista Cees Nooteboom.    En plena polémica por la autoría de algunas de las obras catalogadas del pintor, Cees Nooteboom nos invita a repasar las pinturas del genial neerlandés a través de los recuerdos que el escritor ha ido atesorando en los últimos sesenta años. La importancia del pintor en la memoria de Nooteboom es notable, como demuestran los viajes que realizó para conocer y estudiar siete de sus pinturas en Lisboa, Madrid, Gante, Róterdam y Bolduque, la ciudad holandesa donde El Bosco vivió y trabajó. Esta obra literaria está profusamente ilustrada con detalles tomados de las pinturas del Bosco e incluye también siete obras completas.

Tapa dura

Español

Siruela

El bosco

En una conocida anécdota, el compositor John Cage cuenta que se introdujo en una cámara anecoica con la esperanza de escuchar el silencio absoluto. Llevaba poco rato encerrado cuando escuchó dos sonidos, uno agudo y otro grave. El ingeniero encargado de la cámara le explicó que el agudo era el ruido de su sistema nervioso y el grave, el de su sangre circulando. «En realidad», concluyó Cage, «por mucho que intentemos hacer un silencio, no podemos». No podemos, en efecto, acceder a ese silencio total pero podemos reflexionar, imaginar e intentar representar su complejidad e intensidad. En estos ensayos Marcela Labraña recorre y compara algunas de sus entonaciones en distintas épocas y culturas: el trayecto del gesto harpocrático desde sus orígenes herméticos hasta hoy, un mapa vacío de Lewis Carroll, un plano imposible de Juan Luis Martínez, los monocromos de Yves Klein, las curiosas páginas de Laurence Sterne, un poema erótico de Octavio Paz. Estos y otros ejemplos analizados en este libro ;écfrasis, poemas visuales, emblemas, ilustraciones, catálogos, cartografías y cuadros; se sitúan en la encrucijada entre la literatura y las arte visuales, por lo que se resisten a un estudio estrictamente disciplinario. Así, se despliega la naturaleza heterogénea del silencio, que opera como señal de respeto ante los misterios divinos, estrategia política o síntoma de una dificultad expresiva, pero también como signo de ironía, de absurdo existencial o de plenitud.

Tapa blanda

Ensayos sobre el silencio

Eduardo Salles hace un repaso de su generación a través de 72 ilustraciones en las que pasa revista a lo que considera algunos de los elementos centrales de su generación: la ansiedad, el burn out laboral o los efectos de la permanente exposición a través de las redes sociales, entre otros. A través de estas ilustraciones desprendibles a manera de postales (que hacen de cada página una ilustración independiente), Salles exhibe el asedio que trae consigo la dinámica de nuestro tiempo. A través de un humor cáustico pero emotivo, Descripción gráfica presenta una radiografía no sólo de una generación sino de toda una dinámica social catapultada por una permanente exigencia de vivir vidas estilizadas, plenas, exitosas y... felices.

Sexto Piso

Sexto Piso Editorial

Descripcion grafica

Dora Maar murió en 1997 dejando tras de sí una aureola de misterio y de expectación. Había sido la amante de Picasso entre l936 y l943 , había fotografiado el Guernica y había sido la excepcional modelo de la serie La mujer que llora del pintor malagueño.Victoria Combalía tuvo el raro privilegio de poder conversar largamente con Dora Maar en l994 y de organizar la primera retropectiva de su obra fotográfica y pictórica en 1995. Dora Maar era hija de padre yugoslavo y de madre francesa pero se había criado en la Argentina. Dio la espalda a sus orígenes burgueses convirtiéndose en una activista política de izquierdas que participó en el grupo Contre-Attaque y fue la amante del filósofo y revolucionario Georges Bataille. Siendo miembro del grupo surrealista, Paul Eluard le presentó a Picasso. En una famosa escena en el café Les Deux Magots , Dora lo sedujo jugando a clavar una navaja entre sus dedos de largas uñas pintadas de rojo. Con él vivió una tumultuosa pasión pero también un repliegue de su actividad creadora. Pasó a ser su musa, mil veces retratada en su belleza pletórica pero sobre todo como máscara sufriente y atormentada.  Abandonada por el artista , se refugió en la religión y en la pintura,viviendo recluida en su piso de París y en su casa de Ménerbes, en el Sur de Francia. Victoria Combalía Dexeus (Barcelona,1952) es doctora por la Universidad Autónoma de Barcelona y profesora de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona desde 1974. Entre sus libros se cuentan: La poética de lo neutro. Análisis y crítica del arte conceptual (1975; reeditado en 2005); Estudios sobre Picasso (1981); Antoni Tàpies (1984); El descubrimiento de Miró (1990); Picasso-Miró. Miradas cruzadas (1998).

Otro

Circe

Salamandra

Dora maar

El loft (construcción esencialmente urbana) es una forma idónea de convertir la propia vivienda en un espacio único y singular, como un reflejo y una extensión de la personalidad de sus habitantes. En este libro hemos intentado mostrar que no solo es posible, sino que a menudo las soluciones no tienen nada que envidiar a los enormes lofts de Londres o Manhattan. Y aunque la inmensa mayoría consta de una superficie muy limitada linealmente, en todos vemos como lo que podría ser un pequeño apartamento se convierte en un amplio y original dúplex, con un diseño muy cuidado.

Inglés

Instituto Monsa De Ediciones, S.a.

Monsa

Remodeling tiny lofts

Quentin Tarantino es un cineasta referente de los 90, por sus escenas únicas, sus exquisitas bandas sonoras, la violencia y lenguaje vulgar de sus diálogos llenos de ironía. Tarantino realizahomenajes en cada una de sus películas y crea situaciones en las que lo grotesco puede llegar a ser divertido, incluso provocando algunas carcajadas.Este es un libro tributo a Quentin Tarantino y a todo el universo que ha creado. Presentamos diferentes trabajos de fan art de 31 artistas internacionales, auténticas obras de arte, que irán acompañadas de frases y anécdotas del mundo de este fantástico cineasta.Si eres de los pocos que aún no ha visto la filmografía de Tarantino, siéntate en el sofá, y disfruta del trabajo de este genio.

Tarantino -tribute-

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Centro De Estudios Europa Hispánica

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

Se trata de artistas que consagraron su existencia a una destacada creación pictórica con la común contraparte de padecer una vida de infortunios, como si el precio a pagar por su genialidad fuera el de una vida tortuosa e insatisfecha.

Editorial Sexto Piso

Memorias biográficas de pintores extraordinarios

En los momentos de ensoñación o de nostalgia, todos hemos pensado, al menos una vez, que la vida verdadera está en otra parte, en una tierra extraña donde los frutos son más dulces, el agua más pura, la luz más ligera: ahí, los hombres, las bestias y las cosas coinciden en un mismo lugar, a una misma hora, por fin reconciliados. Yves Bonnefoy -uno de los mejores poetas del siglo XX- le ha dado nombre a ese país imaginario: el territorio interior. Este libro es un recorrido por esa geografía maravillosa. Como un nuevo Virgilio, Bonnefoy nos conduce por el arte toscano del Renacimiento y, de imagen en imagen, atravesamos juntos las arenas de Amber, el desierto de Gobi, el Tíbet, la antigua Roma sepultada en el desierto, la abandonada Jaipur, Grecia, Capraia, Florencia, en una larga peregrinación que no acaba en la negación del mundo, sino en su presencia recobrada, aquí y ahora. Porque al leer este libro habremos aprendido que el sueño, igual que nosotros, es mortal, y que comparte nuestra fragilidad y nuestro destino.  Que el río en su cauce, la simple yerba, el jazmín, los olivos, el asfódelo, la cima inalcanzable de la montaña y la tierra que pisamos son nuestro único reino perdurable. Las palabras de este volumen son la llave de ese reino oculto: quien las lea, abrirá las puertas de un territorio interior, secreto, donde el fruto y los labios, la vida duradera y la vida del polvo, la realidad y el sueño, han pactado una momentánea reconciliación.

Narrativa Sexto Piso

El territorio interior

En una Bratislava en la que aún reverberan los ecos del socialismo, dos parejas de amigos ?el Cuarteto? pasan las horas en el Café Viena ?o Café Hiena, como ellos lo llaman? bebiendo vino y conversando sobre literatura, David Lynch, lo humano y lo divino. Pertrechados de una ironía irreverente, huyen de la seriedad fútil de un empleo estable, del sordo desarraigo que los atraviesa. Una de las integrantes del Cuarteto retrata sus vidas. Es Elza, un personaje fascinante atrapado en el barrio de Petr?alka, ese laberinto anclado a otro tiempo, donde el absurdo y el sinsentido asoman entre bloques de pisos de hormigón y evocan heridas pasadas que determinan la realidad de su errático presente.Ganadora del Premio de Literatura de la Unión Europea, Manual de despedidas es un caleidoscopio donde el humor, la confesión, el recuerdo y la digresión dan lugar a una narración alucinada en la que no caben certezas. Como si asistiéramos a una relec¡tura fragmentaria y surrealista de La insoportable levedad del ser en pleno siglo XXI, Jana Benová retrata la vulnerabilidad de una generación que creció al albur del fin del socialismo soviético y se hizo adulta anhelando un futuro que nunca llegó.«Con un sentido del humor irónico y oscuro, Manual de despedidas es una novela fascinante. Los adeptos a autores vanguardistas e introspectivos como Clarice Lispector encontrarán muchos motivos para admirarla».Michael Schaub, NPR

Manual de despedidas

Un ameno acercamiento a una de las obras más importantes de la historia del Arte a partir del análisis de sus detalles y la semblanza de un autor que quedó fascinado con la luz de la Provenza. Diseño de Loïc Le Gall Entrar en un cuadro, viajar por ese nuevo universo, explorar cada rincón, cada resquicio&#x02026; Las páginas de este libro hacen un recorrido por uno de los cuadros más importantes de la historia del Arte: &#x0201C;La habitación de Van Gogh en Arles&#x0201D;, de Vicent Van Gogh. El pintor encontró en la Provenza una luz deslumbrante para sus cuadros, que impregnó de amarillos, azules y otros colores puros, intensos y brillantes. Su habitación de muebles rústicos transmite tranquilidad; Van Gogh representa sus elementos con pinceladas rápidas y sinuosas, sin preocuparse por la perspectiva. «La visión de este cuadro debe servir para reposar la cabeza o más bien la imaginación», dijo el autor, cuya estancia parece dispuesta para recibir a su amigo Gauguin. Partiendo de los detalles, Claire d&#x02019;Harcourt plantea en este libro un acercamiento original y accesible para el público infantil a la obra y la semblanza de este artista. LA HABITACIàN DE VAN GOGH EN ARLES data de 1888 y se encuentra en el Museo d&#x02019;Orsay de París.

Kalandraka

Faktoria K De Libros

Faktoria De Libros

Un cuadro de van gogh

Diego Velázquez, pintor de cámara de Felipe IV, no consigue acabar el retrato de la princesa predilecta del rey, rodeada de sus meninas, sus guardadamas, sus bufones y su perro favorito. La infanta no quiere posar y el rey ha pedido que le cuenten cuentos para entretenerla. Así se irán desgranando, en esta corte barroca, leyendas que pudieran ser ciertas y sucesos verdaderos que parecen inventados.

Siete historias para la infanta margarita

A lo largo de su trayectoria como escritor, Alberto Manguel ha dedicado un espacio importante al tema de los libros y la lectura, una de sus grandes pasiones. En este libro algunas reflexiones y pequeños homenajes de Manguel a la literatura dialogan con las originales fotografías de Alvaro Alejandro. Para cada tiempo hay un libro es a la vez un registro y un homenaje a ese objeto que, pese a las múltiples amenazas sobre su extinción, continúa formando parte fundamental de nuestra cultura. Y es que, como bien explica Alberto Manguel, podrán cambiar muchas cosas, pero mientras existan esos seres extraños llamados lectores, el acto literario esencial permanecerá vigente e inalterado por la fuerza misma de quienes, como él, no conciben su existencia sin la presencia constante de ese acto.

Sexto Piso Realidades

Para cada tiempo hay un libro

Una inmersión gráfica en el universo de Salvador Dalí  Edmond Baudoin, el prestigioso autor de cómic, descifra la vida y la obra del enigmático pintor, con motivo de la magna exposición retrospectiva que el parisino Centro Pompidou le dedica al creador de Figueres desde el 21 de noviembre   Con motivo de la gran exposición retrospectiva sobre la obra de Dalí que se inaugura en París el 21 de noviembre, el Centro Pompidou invita a Edmond Baudoin, uno de los más prestigiosos autores de cómic europeo, a reflexionar sobre el pintor. Baudoin se adentra en la vida y la obra de Salvador Dalí, artista legendario y enigmático, amigo de Buñuel y Lorca, icono del surrealismo; se sumerge con su trazo virtuoso en el universo audaz y desenfrenado de Dalí, para iniciar con él un diálogo íntimo, ofreciéndonos su visión personal de uno de los grandes creadores del siglo XX.  El álbum sigue la vida de Dalí de manera cronológica, pero alternando datos claves de su recorrido vital con reflexiones personales de Baudoin sobre el pintor y anécdotas de su infancia que el autor decide realzar por su especial significado. El autor de cómic pasea por la existencia del extravagante pintor, intentando descifrar sus anhelos, sus miedos, los entresijos de sus cuadros y de su personalidad, apoyándose en la fuerza de su propio dibujo. Baudoin comenta: "No me gustaba especialmente su pintura, ni el hombre a priori, pero al estudiar sobre él, empecé a quererle. Leí muchísimo sobre él, vi películas, miré imágenes, entré en su mundo, y vi a un ser humano. Y un ser humano siempre es conmovedor, incluso el peor de los criminales. Dalí es ante todo un ser humano. Era alguien que quería vivir por encima de todo, y ese rasgo es algo extraordinario".

Astiberri Ediciones

Astiberri

Dalí

La presente obra presenta un manual de contenido teórico-práctico, con forme al currículo académico, concebido para la formación de los estud iantes en el ámbito de la restauración de pintura.	En sus diversos cap ítulos el lector encontrará las pautas necesarias para conocer todo lo relacionado con los soportes y pigmentos pictóricos, la metodología a emplear, cómo abordar los procesos de alteración y envejecimientos de los cuadros, o cuáles son las condiciones ideales para su conservació n.

Ediciones Akal, S.a.

Akal

Restauración de obras de arte

Desde su blog, El Hematocrítico selecciona y da nuevos e insospechados sentidos a un buen número de pinturas clásicas a través de reveladores pies de foto. Santos, pintores, mártires y figuras celestiales en actitudes que parecen propias de la actualidad,

Astiberri Ediciones S.l

Costa Punto

El hematocrítico de arte 2

Este volumen, catálogo de la exposición homónima celebrada en el Círculo de Bellas Artes, examina diversos aspectos de un gran tema general: la estrecha relación que, desde las primeras culturas históricas hasta la modernidad más reciente, ha existido entre Literatura y Arquitectura.  Desde el Poema de Gilgamesh, la pieza «literaria» más antigua de la humanidad, hasta las obras de autores contemporáneos como Jorge Luis Borges, Georges Perec o Umberto Eco, la exigencia de definir y evocar los lugares y espacios que sirven de marco a narraciones, obras dramáticas y poemas ha motivado con frecuencia que estas arquitecturas ficticias, imágenes construidas con palabras, desempeñen un papel tan relevante como el de los mismos personajes humanos. En este sentido, puede decirse que muchos escritores llevan dentro de sí un arquitecto, un creador de espacios. Y lo mismo sucede a la inversa: la historia de la arquitectura está hecha no sólo de edificios sino también de textos, de escritos que acogieron las ideas arquitectónicas o urbanísticas de sus autores o los sueños utópicos de quienes no pudieron plasmar sino en el papel sus casas o ciudades soñadas.  Este volumen persigue el objetivo de impulsar el conocimiento y la reflexión interdisciplinar sobre estos fructíferos intercambios y presentar al lector, de un modo visualmente atractivo, algunos de sus aspectos principales. Además de numerosos ensayos de corte general a cargo de reconocidos estudiosos sobre el tema, se incluyen breves exámenes de obras literarias que abarcan casi dos mil quinientos años de historia humana: desde la Antigüedad clásica (Platón, Plinioà) y la Edad Media (Las mil y una noches), pasando por el Renacimiento (las diversas utopías del siglo XVI), el Barroco o el siglo XVIII, hasta llegar a la literatura más contemporánea, de los siglos XIX y XX, con nombres fundamentales como J. W. Goethe, Edgar Allan Poe, Emile Zola, Theodor Fontane, Franz Kafka, Herman Hesse, Jorge Luis Borges, George Orwell, Ernst Jünger o Stanislaw Lem, entre otros muchos.

Editorial Círculo De Bellas Artes

Circulo De Bellas Artes

Arquitectura escrita

Aunque su actividad como dibujante fue constante y prolífica, Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) no quiso ni pretendió nunca defender una competencia profesional. A diferencia de otras facetas de su trabajo creativo -como poeta, autor literario, pensador y científico- con las que obtuvo una excepcional notoriedad pública, la dedicación al dibujo tuvo para Goethe una dimensión estrictamente privada. Con todo, ese trabajo artístico, limitado en principio al espacio de la intimidad, adquiere una poderosa significación tan pronto consideramos el gran número de dibujos de Goethe que se ha conservado, su calidad y el enorme valor que tienen para comprender el rendimiento artístico e intelectual de su obra. Por otro lado, aunque esta dedicación al dibujo puede entenderse como el atributo de un aficionado, algo de lo que el joven Goethe era plenamente consciente, con el tiempo le sirvió para entender las profundas exigencias y requerimientos del trabajo artístico y formular su conocida crítica del diletantismo. En esto, como en el conjunto de su sensibilidad y su intelecto, el viaje que hizo a Italia entre los años 1786 y 1788 fue una verdadera revelación, una puesta en crisis de los principios rectores de su trabajo.  El paisaje ocupa un lugar particularmente destacado entre los motivos que Goethe trata en sus dibujos. De 1765 en adelante Goethe dibujó incansablemente la naturaleza, tanto con vistas a documentar la contemplación directa de paisajes concretos como por servirse del dibujo como medio de recreación imaginativa. El paisaje es un motivo privilegiado en todo su legado de dibujante, además de asunto indisociable de su curiosidad intelectual y artística. Para el presente catálogo, coordinado por el historiador del arte Javier Arnaldo, se muestran dibujos seleccionados en siete secciones que dan cuenta de obsesiones y episodios característicos. Los dibujos se acompañan de comentarios técnicos que detallan las circunstancias de su creación, fechas y materiales, motivos e influencias, creando una minuciosa biografía artística de Goethe que abarca desde su temprano aprendizaje en Frankfurt hasta los años de madurez en que aborda el sentido de la imagen paisajista como correlato visual del texto poético. Los ensayos de Javier Arnaldo, Hermann Mildenberger, Werner Hofmann, Petra Maisak y Federico Vercellone completan este acercamiento conjugando la lectura histórica, el estudio de fuentes y magisterios, la perspectiva biográfica, los vínculos entre práctica y teoría y su influencia en el ámbito de la Estética. Así, la frecuentación de estos dibujos nos permite no sólo abordar la obra de Goethe desde un ángulo inédito hasta la fecha sino también vislumbrar el magma ideológico que está en el origen de la modernidad.

Johann wolfwang von goethe. Paisajes

Como crece una pluma es el resultado de un intercambio creativo entre Marisa Camino y John Berger que se remonta a 1992, pero que no comenzó a plasmarse en dibujos hasta siete años más tarde. Estas obras viajaron en numerosas ocasiones -en coche, en avión, por correo...- entre ambos artistas para completarse con aportaciones sucesivas de uno u otro. De tamaños moderados, con un uso puntual del color y en muchos casos cercanos al collage, son dibujos de factura íntima que registran un encuentro con la naturaleza y su rastro, pero que también conversan con silenciosas inspiraciones humanas, como el claustro de una abadía o las pinturas del cro-Magnon. Como explica el propio Berger en una conversación con otro pintor, su hijo Yves: «Creo que estábamos buscando un lenguaje común, y finalmente encontramos un diálogo con el dibujo. Nuestros dibujos me recuerdan la conexión que hay entre papel y tela. Marisa se identifica mucho con los pájaros. Menciono esto porque los pájaros pesan muy poco, son ligeros, como ella. Y la ligereza tiene algo que ver con los dibujos que hacemos juntos». El libro incluye textos de Alfonso Armada y Chema Gómez de Lora.

Cómo crece una pluma

Mário Cesariny (Lisboa, 1923) es ampliamente conocido como una de las voces poéticas más significativas y polémicas del surrealismo portugués. Sin embargo, durante mucho tiempo su obra plástica, que acompaña e incluso precede a algunos de los momentos más intensos de su poesía, no ha recibido el mismo reconocimiento, una situación que sólo en los últimos años ha comenzado a cambiar. Históricamente, la producción de Cesariny se integra dentro del movimiento de abstracción no geométrica de la posguerra y desempeñó un papel destacado en la ruptura con la figuración surrealista más ortodoxa. Navío de espejos pretende contribuir al redescubrimiento de la profunda unidad que subyace en las distintas vertientes de la obra de Cesariny a través de una amplia muestra de dibujos, pinturas, collages, objetos y ensamblajes creados entre la segunda mitad de los años cuarenta y la actualidad. El volumen se completa con una antología poética y una selección de textos breves del artista, así como diversos ensayos y artículos sobre Cesariny escritos por reconocidos expertos en su obra, como Joao Pinharanda y Perfecto E. Cuadrado, y una exhaustiva biobibliografía.

Mario cesariny. Navío de espejos

Raphaël Lonné (1910-1989) es considerado una de las figuras centrales del art brut, definido por el artista y coleccionista francés Jean Dubuffet como toda práctica artística, intermitente o permanente, realizada por una persona "indemne" de cultura.  A pesar de sus periodos de silencio, Raphaël Lonné ha dejado una obra importante. Por haber adquirido con rapidez una sorprendente técnica, recurría tanto a los lápices de colores, los rotuladores y la pintura al agua y la cera como al bolígrafo, la tinta china y la mina de plomo, en cuyo manejo era muy diestro. Lonné también ha dejado algunas pinturas vigorosas sobre papel, una especie de composiciones-relieves que lo acercan a los surrealistas.  Este volumen incluye dos reveladores ensayos a cargo de Josette Rasle y Christian Delacampagne, acreditados especialistas sobre su figura y su obra, así como una amplia selección (inédita en España hasta la fecha) de sus trabajos, que conforman uno de los conjuntos más singulares y sugerentes dentro del ámbito del art brut.

Raphal lonné. Dibujos

Bonifacio (San Sebastián, 1933) es uno de los pintores españoles más relevantes y originales del último medio siglo. Aunque Bonifacio fue aficionado al dibujo desde su infancia, el inicio de su trayectoria artística se remonta a 1955, cuando obtiene el primer premio en un concurso de pintura con una composición de influencia cubista e ingresa en la Escuela de Artes y Oficios. Tras diversas ocupaciones, comienza a trabajar como dibujante en un estudio de publicidad.  Su amistad con el pintor Julio García Sanz le permite depurar sus habilidades pictóricas. En 1958, celebra su primera exposición individual, que tiene lugar en el Ateneo de Guipúzcoa. Tras una corta experiencia parisina, en la que conoce a Mompó, Cuixart y Saura, se instala en Bilbao, donde entra en contacto con la galería Grises, espacio en el que solían exponer los artistas del movimiento El Paso, y donde presenta varias exposiciones individuales en la segunda mitad de la década de los sesenta. Tras trabajar como grafista y músico de jazz en Bilbao -anteriormente había desempeñado otras ocupaciones variopintas: torero, pescado, cocinero...-, a partir de 1968 se dedica definitivamente a la pintura y al grabado y, animado por Fernando Zobel, decide trasladarse a Cuenca, donde entabla una estrecha relación profesional con Antonio Lorenzo, que le introduce en las técnicas del grabado y con Antonio Saura, Manuel Millares o el editor Antonio Pérez. Su estancia en Cuenca se revela fundamental para su evolución artística.  Su estilo vira hacia una figuración de dibujo rotundo que traslada tanto a sus óleos como sus estampaciones de criaturas biomórficas, directamente inspiradas en una amplia colección de insectos que acapara en su estudio. En 1970 firma un contrato con la galería Juana Mordó, a la que queda vinculado hasta comienzos de la década de los noventa. Durante los años setenta su pintura se enriquece. Sin renunciar al valor gráfico del dibujo, trabaja con mayor atención el tratamiento cromático de sus composiciones. Tras pasar prolongadas temporadas en México, en 1989, año en que traslada su residencia a Madrid, recibe el encargo de diseñar veintiséis vidrieras para la Catedral de Cuenca.  Con más de una treintena de ediciones originales, la calidad y originalidad de su producción le hacen valedor del Premio Nacional de Grabado, concedido por la Calcografía Nacional en 1993. Además, en 2005 recibió el Premio de las Artes de la Comunidad de Madrid. El volumen Bonifacio. En los campos de batalla recoge una amplia retrospectiva de Bonifacio: lienzos, dibujos, series de grabados y litografías realizados entre 1968 y 2005. El libro incluye un DVD con el documental La cicatriz interior (CBA, 2007), el primero de una serie de documentales de producción propia basados en entrevistas a artistas e intelectuales de prestigio vinculados al CBA. En una apuesta por la libre difusión de la cultura, este documental se edita con una licencia Creative Commons (http://es.creativecommons.org), que permite la distribución, copia y exhibición por terceros con fines no comerciales.

Bonifacio. En los campos de batalla

Un mundo construido: Polonia 1918-1939, catálogo de la exposición homónima organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid y el Museo de Arte (Museum Sztuki) de Lodz, presenta por vez primera en España un generoso conjunto de las obras más representativas de la vanguardia constructivista polaca. Si algo define a estos artistas es su capacidad para asimilar el influjo de sus poderosos vecinos -la lección de audacia del futurismo y el rigor geométrico y la sabia lectura del espacio de la Bauhaus- así como la onda expansiva de los ismos de París. Su trabajo se desplegó en muchos frentes que incluyen la pintura, la escultura, la fotografía y el diseño gráfico.  La vanguardia fue en toda Europa sinónimo de una rica producción editorial en forma de revistas, libros y manifiestos, y Polonia no fue una excepción. A pesar de su corta vida, revistas como Zwrotnica, Blok y Praesens tuvieron un impacto decisivo en la conciencia estética de sus lectores en virtud de su dinámica maquetación y su cuidada tipografía, así como por su afán por tender puentes con otras artes, en especial la poesía.  Los ensayos de Juan Manuel Bonet y Monika Poliwka, Paulina Kurc, Serge Fauchereau y Zenobia Karnicka completan esta revisión desde una perspectiva histórica y contextualizadora que no desdeña el trato con la materialidad de la obra. El resultado ilumina un periodo decisivo del arte polaco y añade una pieza de gran importancia al complejo puzzle de la vanguardia europea.

Un mundo construido. Polonia 1918-1939

La obra de Walter Benjamin es un audaz esquema de la historia, del arte y del pensamiento. Entendido como un todo, un archivo se compone de numerosos archivos secundarios que, además de reunir imágenes, textos y dibujos, también contiene experiencias, ideas y esperanzas que el propio autor anotó y analizó. Con el ethos de un archivero, Benjamin estableció las condiciones para la conservación de su legado. Las técnicas archivísticas, que Benjamin puso fervorosamente en práctica, determinaron el proceso de la escritura: sistematizar, reproducir, establecer siglas, elaborar extractos y transmitir.  Se han examinado trece archivos: manuscritos minuciosamente maquetados; esquemas y signaturas en color para la organización del saber; fotografías de una vivienda ostentosamente amueblada, imágenes de pasajes y juguetes rusos; postales de la Toscana y de las Baleares; un registro cuidadosa y voluntariosamente llevado, ficheros e índices; libros de notas en los que se aprovecha cada centímetro cuadrado; una recopilación de las primeras palabras y frases de su hijo; acertijos y misteriosas sibilas. Todo está conectado de la manera más sutil.  Los archivos de Walter Benjamin son sumamente complejos y muy personales, en ocasiones parecen irracionales y singulares, y sin embargo nos conducen al corazón de su obra, dibujando el retrato del autor.  «He aquí un hombre que ha de recoger la basura de una jornada de la capital. Todo lo que la gran ciudad desechó, todo lo que perdió, todo lo que despreció, todo lo que hizo pedazos, él lo registra y lo recoge. Coteja los anales del exceso, el Cafarnaún de los desechos. Clasifica las cosas, hace una selección acertada; se comporta como un avaro con su tesoro reuniendo las basuras que, entre las mandíbulas de la diosa industria, se convertirán en objetos útiles o agradables.» Esta descripción es una única y prolongada metáfora del proceder del poeta según el sentir de Baudelaire. Trapero o poeta, a ambos les conciernen los desechos. W. B.

El bosco (2016)

Ensayos sobre el silencio (2017)

Descripcion grafica (2021)

Dora maar (2013)

Remodeling tiny lofts (2017)

Tarantino -tribute- (2019)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

Memorias biográficas de pintores extraordinarios (2008)

El territorio interior (2014)

Manual de despedidas (2020)

Un cuadro de van gogh (2013)

Siete historias para la infanta margarita (2018)

Para cada tiempo hay un libro (2014)

Dalí (2012)

Restauración de obras de arte (2012)

El hematocrítico de arte 2 (2014)

Arquitectura escrita (2010)

Johann wolfwang von goethe. Paisajes (131)

Cómo crece una pluma (2006)

Mario cesariny. Navío de espejos (2006)

Raphal lonné. Dibujos (2007)

Bonifacio. En los campos de batalla (2007)

Un mundo construido. Polonia 1918-1939 (2011)

Archivos de walter benjamin. Fotografías, textos y dibujos (2010)