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Estos genios mágicos nos presentan en este libro una parte de su mejor obra. A través de él se construye un universo de emociones, donde diferentes artistas de todo el mundo nos muestran su particular y sensual visión de la joyería actual. Dreaming Jewelry es una cuidada selección de joyería contemporánea que nace con la intención de poner la tentación en tus manos! Historias únicas en cada pieza.

Joyas. Dreaming jewelry

à es el libro perfecto para recordar todos aquellos elementos gráficos que ninguna guía turística recoge: fachadas modernistas, señales de tráfico, letreros de tiendas, mobiliario urbano, puertas, aceras, paredes, calles populares, mercadosà¡Inspírate!

Graphicity barcelona

Actar

Accionismo vienés. Günther brus, otto muehl, hermann nitsch, rudolf schwarzkogler

Según la comisaria del proyecto Estrella de Diego: "Una de las primera s metas de la exposición es la de mostrar las diferentes técnicas en l as cuales trabaja Warhol y mostrarlas sobre todo como una especie de p ropuesta de "dibujos preparatorios", enfatizando a través de las repet iciones de imágenes en los diferentes formatos la fórmula narrativa de Andy Warhol, su manera de narrar el mundo, siempre el mismo, a través de la cámara, la foto, la foto cosida, las polaroid, los fotomatones, el cine, las "pinturas". Warhol sobre Warhol aspira a mostrar un Wa rhol no tan conocido para el público español; un Warhol que a cada pas o -y lo prueba el método de trabajo- va cediendo 'la autoría' a cual quiera que esté dispuesto a mirar: usted mismo".

La Casa Encendida

Warhol sobre warhol

El desierto es una enorme paradoja. Una visión arquitectónica y urbanística de un desierto americano alternativo a través de fotografías, historia, textos, experiencias personales.Una exploración del desierto americano alterno, sitio de edificaciones insólitas, urbanismos encubiertos y otros fenómenos arquitectónicos.

Desert america

Visualkultur. Cat. Arte/diseño/libros

Los restos arqueológicos arquitecturales y los paisajes histórico-arqu eológicos, descontextualizados de su mobiliario, actividad y usos antr ópicos pretéritos, pueden resultar de difícil interpretación cuando se procede a su observación directa in situ. Como sucede con cualquier f uente primaria, en historia los problemas de interpretación son invers amente proporcionales al grado de contextualización, conservación o in tegridad que posean. En este sentido, su interpretación y comprensión puede requerir un alto grado de abstracción.Para superar esta problemá tica, desde la museografía se han ensayado diferentes tipos de estrate gias didácticas, y sobre ellas reflexiona el presente manual. Los arte factos museográficos de intermediación, colocados in situ, en espacios y yacimientos históricos y arqueológicos, con recursos iconográficos, cartográficos y textuales, y con propuestas interactivas, pueden cont ribuir a una mejor comprensión a partir de la observación directa.Esta obra plantea toda la problemática existente en torno al diseño de la museografía de intermediación al aire libre, en sus aspectos formales y en referencia a la presentación de contenidos. Las propuestas se bas an en casos reales y en experiencias empíricas desarrollados por el gr upo de investigación de didáctica del patrimonio Didpatri, de la Unive rsidad de Barcelona.

Trea Ediciones

Museografia didactica. E interpretación de espacios arqueológicos

¿Qué cambios puede haber ocasionado la Red en el arte? La contestación más sencilla sería decir que el arte se ha vuelto más democrático por que se encuentra al alcance de todos y ahora todos podemos participar en él. Pero tras esta afirmación existen problemas claros, porque la R ed, si bien ha creado una democratización del arte en su entendimiento y posesión, también ha provocado que la idea del propio arte se desva nezca, por el hecho de dejar de tener ese carácter mágico que hasta ah ora ostentaba por hallarse tan solo en lugares de culto ideados para é l, y también porque la Red ha generado herramientas para que cualquier a de nosotros seamos artistas.En el ciberespacio no se puede plantear el arte como hasta ahora había sido entendido, porque, sea la categorí a artística que sea, una obra de teatro, una performance, una escultur a, un lienzo, una obra literaria o una partitura musical, en el medio cibernético no será más que un mensaje digital, por lo cual pierde el soporte y su esencia, ya que lo digital no puede interpretarse por la cualidad de la materia que transmite, ni tan siquiera el tipo de susta ncia que expresa, puesto que lo digital se alimenta de lo cuantitativo , y por tanto, no discrimina, no relaciona ni tampoco duda de aquello que transmite.Quizá también se nos ha olvidado que los conceptos con l os que se evalúa el arte fuera de la Red no son los mismos con los que se ha de contemplar el arte dentro de ella, porque, del mismo modo qu e no podemos caminar sobre el agua, tampoco debemos creer que el ciber espacio es un reflejo de los parámetros inalterables con los que enten demos el arte fuera de ella? ¿O sí?

Cómo la red ha cambiado el arte

Aache Ediciones

El románico de guadalajara

James Dean ha pervivido en la memoria de los mayores y en la fantasía de los jóvenes, pero nadie hasta hoy había ido más allá del póster, del icono que Hollywood quiso vender al gran público. Tras años de rigurosa investigación, basada en documentos nuevos y fotos inéditas, el autor ha conseguido descubrirnos al hombre de carne y hueso que se escondía tras la leyenda, desvelando los enigmas de la vida íntima de ese obscuro objeto del deseo que la muerte se llevó para devolvérnoslo cada día más hermoso e intocable

Torres De Papel

Torre De Papel

James dean

Museo Thyssen - Bornemisza

El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de picasso

En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale de dos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza oculta incluso entre los sencillos objetos, y el poder del genio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado y perfecto.

Olañeta, Jose J. De

Rembrandt seguido de chardin y rembrandt

Uno de los proyectos más osados y geniales de todos los tiempos consistió en transformar la mente humana en un organismo artificial infinito haciendo de él un teatro poblado de palabras, imágenes e ideas posibles, una enciclopedia de todos los saberes, una biblioteca capaz de producir mediante una combinatoria relaciones ordenadas y visibles entre aquellas ideas, aquellas imágenes y aquellas palabras. Así, en los primeros años del Cinquecento, en la civilización de un Américo Vespúcio, Copérnico, Ariosto, Miguel Ángel, Erasmo de Róterdam e Ignacio de Loyola, un humanista italiano, amigo de poetas y de médicos, de pintores y de monarcas, Giulio Camillo, soñaba con mutar la propia mente y la de cualquier ser humano en un edificio interior, en una estupenda máquina de memoria y creatividad, capaz de realizar una metamorfosis de sí mismo y del mundo por medio de la concentración, el ejercicio espiritual y el dominio de la abisal red de la Sabiduría.    A principios del siglo XX, estudiando también las obras de Camillo, Aby Warburg, historiador del arte, formidable erudito y antropólogo, inventó una extraordinaria ;ciencia sin nombre;, que hoy se ha convertido en un método de investigación acerca de las relaciones de imágenes y textos. Warburg buscaba en los textos e imágenes de cualquier época las huellas dinámicas (dinamogramas) del imaginario, según un modelo no muy distante del de Jung, reconociendo en cada gesto cultural un síntoma colectivo, revivido por los individuos.

El teatro de la mente

«Padre de la teoría del genio, este eminente escocés es prácticamente un desconocido en lengua castellana. Sin embargo, fue un célebre pensador con cierto éxito en el ámbito anglosajón y luego con gran repercusión en el pensamiento occidental. Alexander Gerard (1728-1795), un clérigo, estudia al genio desde las ciencias experimentales, analizando su psicología, y evita las clásicas explicaciones ancladas en lo sobrenatural. Kant lo leyó y consideró su teoría del genio la mejor y más esclarecedora. También se apoyó en él para escribir varias de sus obras. Hoy, más de dos siglos después, nos parece completamente actual. Este libro, un clásico en la teoría del arte, puede ser útil para comprender en qué consiste el genio, sus características y problemas, tanto en las artes como en las ciencias, pero también para ayudar a desarrollar la genialidad, para evitar que languidezca o sea poco provechosa. Según los críticos de su tiempo, fue uno de los más entretenidos, curiosos, interesantes, penetrantes y elegantes trabajos de entonces. Atrevidas imágenes y hermosas comparaciones hacen de este pensamiento redactado con gran claridad una lectura muy amena.» Ilia Galán

Un ensayo sobre el genio

En La gaviota asistimos a un duelo entre cuatro personas: una madre, Irina Arkádina, su amante Trigorin, escritor famoso, su hijo Tréplev, escritor en ciernes y la amada de éste, Nina. Tío Vania relata la historia de la monótona y tranquila vida de la hacienda campestre de Serebriakov, que se ve alterada con el retorno de su propietario. Este, enfermo de gota y malhumorado, reunirá a todos los personajes para proponerles la venta de la finca.

Alba

Artes Escénicas

La gaviota / tío vania

Este libro tiene por objeto mostrar una parte de los contenidos de la asignatura Los Realismos en el Arte Barroco, que se imparte en el tercer curso del Grado en Historia del Arte.

Los realismos en el arte barroco

«Voy a contar como testigo la apasionada vida de Amedeo Modigliani, artista angustiado que combatió la desgracia con toda su innata nobleza; la apasionada vida de Amedeo Modigliani, cuyo destino se cumplió en Francia y que en su miserable lecho de muerte susurró: "Cara Italia! "». Artista genial, Amedeo Modigliani llegó a París desde la lejana y luminosa ciudad toscana de Livorno y vivió con intensidad «les Années folles» de Montparnasse, nuevo centro de la bohemia artística. Fallecido con treinta y cinco años a principios de la década de 1920, consumió su vida entregándose con el mismo frenesí a la creación artística y al amor, como si confiara en desafiar a la muerte haciendo que cada instante valiera el doble. El poeta y crítico de arte André Salmon, amigo y compañero de Modigliani, recuerda al pintor en este libro, en el que, como si de una novela se tratara, pinta un magnífico fresco de la extravagante y tumultuosa vida en París a principios del siglo xx.

El Acantilado

La apasionada vida de modigliani

En este libro, basado en las conferencias que dictó en Roma en 1976, Iris Murdoch examina la visión de Platón sobre el arte y, en particular, las razones de la manifiesta hostilidad del filósofo hacia él.   Para ello la autora, al tiempo que realiza un sintético recorrido por los elementos que fundamentan las teorías platónicas sobre la Belleza, busca una explicación al hecho de que el pensador griego atribuyera tanta importancia en su obra al papel que desempeña la Belleza, pero, paradójicamente, denigrara a los artistas. Apoyándose en el contraste entre las engañosas sombras del fuego de la Caverna y la luz del sol, iluminadora de la Verdad, Murdoch pone de relieve la labor primordial que desempeñan los creadores en la revelación de lo trascendente.   Su certero examen se ve además enriquecido con las ideas sobre esta inagotable y apasionante cuestión de figuras tan destacadas como Kant, Kierkegaard, Freud, Tolstói o Jane Austen.

Biblioteca De Ensayo - Serie Mayor

El fuego y el sol

«La estética del romanticismo» analiza los diversos aspectos de la estética y la teoría del arte de los románticos, con especial atención a la reflexión de F. Schlegel y, en general, los románticos alemanes. La «nueva mitología», la «relación sujeto-naturaleza», la polémica con los clasicistas, la interpretación de las nuevas categorías estéticas, el genio, la ironía..., son algunas de las cuestiones que centran la investigación de Paolo D'Angelo

Visor Dist.

La estética del romanticismo

En la ingeniosa unión del pasado con el presente reside el secreto de la arrasadora y milagrosa fuerza vital del arte barroco del ingenio, que posee poderes casi divinos: las cosas mudas hablan; viven las insensatas, resurgen las muertas: las tumbas, los mármoles, las estatuas; de esta encantadora de las almas reciben voz, espíritu y movimiento. Razonan ingeniosamente con los hombres de ingenio. En fin, no puede decirse muerto a algo que el ingenio no haya tratado de avivar. Este arte no solo es rival de la naturaleza, la supera derrotando los ruinosos efectos del tiempo y de la muerte.

Antonio Machado

La estética del barroco

«Piezas sobre arte» reúne los textos de Paul Valéry (1871-1945) sobre artes plásticas, textos en modo alguno académicos en los que se cruzan la literatura y la música, y en los que se configura un mundo tan complejo como brillante. Alguno de ellos se ha convertido en un clásico, así sucede, por ejemplo, con el que dedica a Degas, pero no le van a la zaga aquellos que escribe sobre Corot, Manet o Berthe Morisot, sin olvidar los que se ocupan del aspecto material del arte, sea éste la escultura o la cerámica. Con la publicación de «Piezas sobre arte», «La balsa de la Medusa» continúa la edición de la prosa completa del poeta, una obra en la que la poesía, la música y el arte de nuestro tiempo encuentran perspectivas diferentes, aproximaciones inéditas de extraordinarios rigor y pureza.

Antonio Machado Libros

La Balsa De La Medusa

Piezas sobre arte

Franzini estudia la estética del siglo XVIII mostrando tanto su ruptura respecto del pensamiento anterior como su continuidad. La querella entre los antiguos y los modernos y la crisis del pensamiento cartesiano son, junto con el desarrollo del empirismo, los puntos de partida de las nuevas concepciones estéticas. La complejidad original se prolonga en una complejidad posterior que rechaza puntos de vista unilaterales. Como tantas veces se ha dicho, el XVIII es el siglo de la estética, pero con esto no se aclara mucho si no se añade que esta discurre por caminos diferentes, muchas veces encontrados, que expresan de forma rigurosa la diversidad que la estética, el arte y la cultura posteriores pondrán de manifiesto.

La estética del siglo XVIII

«Mujer o árbol» aborda algunos de los mitos centrales de la mujer en el imaginario contemporáneo. Roberta Ann Quance analiza la presencia de estos mitos en las obras de autores como García Lorca, Hilda Doolittle, Virginia Woolf, Sylvia Plath, etc., así como en las pinturas de µngeles Santos, Remedios Varo y Frida Kahlo, en las fotografías de Graciela Iturbe y en la iconografía popular, especialmente latinoamericana. Entre todos, destaca por su hondura e intensidad el mito de las «Diosas madre» o, como prefiere decir la autora, «Las Madres», un mito asumido por las escritoras y pintoras del siglo XX.

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba «arte» a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo XV. Este libro, en último análisis, podría ser descrito simplemente como una deriva sobre los vínculos entre el «arte» y la «vida». A lo largo de la historia, la evolución de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocarlas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilación de cualquier «arte» y cualquier «artesanía», tal como la entendía la Edad Media. También los medios de masas modernos sitúan a la par el arte y la vida, especialmente la televisión. En otras ocasiones el «arte» se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizás todavía predominante. El proceso empezó socialmente: los pintores, los escultores, los músicos, los autores de teatro, reivindicaron para sí mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. «Nosotros somos intelectuales», «la materia que utilizamos es simplemente un vehículo para expresar nuestras ideas», "La pittura è cosa mentale" -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconoció sus aspiraciones, "porque antes había reconocido su arte" como cosa "excelsa" entre las demás cosas.

Escrito, pintado

Joyas. Dreaming jewelry (2010)

Graphicity barcelona (2009)

Accionismo vienés. Günther brus, otto muehl, hermann nitsch, rudolf schwarzkogler (2008)

Warhol sobre warhol

Desert america

Visualkultur. Cat. Arte/diseño/libros (2007)

Museografia didactica. E interpretación de espacios arqueológicos (2012)

Cómo la red ha cambiado el arte (2012)

El románico de guadalajara

James dean (2015)

El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de picasso

Rembrandt seguido de chardin y rembrandt (2020)

El teatro de la mente (2017)

Un ensayo sobre el genio (2009)

La gaviota / tío vania (2010)

Los realismos en el arte barroco (2016)

La apasionada vida de modigliani (2017)

El fuego y el sol (2016)

La estética del romanticismo

La estética del barroco (2014)

Piezas sobre arte

La estética del siglo XVIII

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

Escrito, pintado