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El art brut fue definido por el artista francés Jean Dubuffet como toda práctica artística, intermitente o permanente, realizada por una persona «indemne» de cultura. Aunque Dubuffet redefinió con los años la naturaleza de este concepto, el art brut permitió desde un principio reevaluar obras y artistas que habían quedado tradicionalmente fuera de los márgenes del arte "oficial". Este volumen, que recoge la totalidad de las intervenciones del ciclo En torno al Art Brut, celebrado entre los meses de febrero y abril de 2006 en el Círculo de Bellas Artes bajo la dirección de Serge Fauchereau, historiador del arte y comisario, aborda las claves de un movimiento artístico cuyas raíces históricas se remontan a mediados del siglo XX pero que a veces se interpreta en un sentido mucho más amplio. Esta extensión plantea numerosos interrogantes: ¿Hacen art brut los niños, los locos o los místicos? ¿Qué relación hay, por ejemplo, entre Adolf W"lfi, encerrado de por vida en un hospital psiquiátrico, y el minero Lesage, que obedecía a las voces de los espíritus? Los textos recogidos en estas páginas exploran el fenómeno del art brut combinando el debate conceptual, la revisión histórica y el acercamiento detallado a algunas de sus figuras centrales. El libro incluye artículos de Serge Fauchereau, Dolores Durán Ocar, Joëlle Pijaudier-Cabot, Lucienne Peiry, Guillermo Solana, Juan Manuel Bonet, Josette Rasle, Emmanuel Guigon, Carlos Pérez.

Sexto Piso Editorial

Art brut

La exposición Formas biográficas. Construcción y mitología individual revisa la dimensión narrativa del arte en su relación con lo literario. La muestra analiza la relación entre «vida y obra», así como los mecanismos de construcción de la identidad y de la biografía que operan a lo largo de la actividad artística del siglo XX. De esta manera, el relato biográfico es interpretado como constructo de una mitología individual en la que el propio artista participa a través de un proceso de búsqueda y construcción del sujeto. Tradicionalmente confrontado con las artes visuales, lo literario, que también incluye manifestaciones anti-literarias y ajenas al campo institucionalizado de la literatura, se revela como un amplio saber que integra psicoanálisis, antropología o teoría crítica y que es fundamental  para replantear una nueva escritura sobre el arte.

Formas biográficas. Construcción y mitología individual

Catálogo de la exposición celebrada en la Biblioteca Nacional, febrero-mayo 2008. Muestra obras que proceden de las colecciones conservadas en la Biblioteca Nacional de España relativas a la Guerra de la Independencia. Se complementan con el préstamo de estampas procedentes de la Bibliothèque Nationale de France, la National Gallery of Scotland, el British Museum, Hamburger Kunsthalle, la Calcografía Nacional y el Museo Nacional del Prado que aporta dibujos de Goya fundamentales para la comprensión de los Desastres de la Guerra.

Miradas sobre la guerra de la independencia

Eugeni bonet. Escritos de vista y oído

Con motivo del centenario de la muerte de José Guadalupe Posada (1852-1913), un grupo de historiadores y escritores reflexionan sobre diversos aspectos de su vida y obra.  El libro contiene ensayos escritos por Juan Villoro, Helia Bonilla, Monserrat Galí, y Rafael Barajas, a los que se suma el estudio de Mercurio López, que recopila una parte significativa de la obra de Posada, organizándola cronológicamente y en términos de las técnicas de estampación empleadas por el gran grabador.. Contiene también dos secciones complementarias: una que analiza la transición técnica de plomo a zinc en el grabado, y una segunda con ejemplos de las fuentes iconográficas que sirvieron de modelo al artista.  El libro contiene casi mil reproducciones de grabados originales de la época, entre ellas decenas de grabados nunca antes publicados. Debido a la calidad de los estudios, el diseño, la selección de las obras, y el cuidado editorial, Posada. 100 años de calavera, se perfila como el libro de referencia del artista mexicano.

Posada.

Amat/Lliure muestra parte de la antología visual del extenso diálogo cómplice entre Amat y este teatro que lleva inscrito en su nombre un compromiso que el artista comparte. La selección de obra se concentra en lo que Amat ha aportado al Teatre Lliure en los últimos veinte años, desde la escenografía de Roberto Zucco (1993), dirigida por Lluís Pasqual, coincidiendo con lo que los periódicos de la época describieron como "la ocupación del Palau de lÆAgricultura" de Montjuïc por parte del Lliure, antes de la remodelación de su nueva sede, hasta el montaje infantil Moby Dick (un viatge pel teatre) (2013), y reúne producciones tan emblemáticas como Tot esperant Godot, dirigida también por Pasqual, las colaboraciones con Gelabert en Zumzum-ka, Preludis y Ki, o la intervención con el mural Pluja de sang en la reformada sala de Gràcia.

Amat lliure

Atomic Ed revela la historia de Ed Grothus, desde que empezó a trabajar como técnico en el Laboratorio Nacional de Los Álamos, donde los científicos desarrollaron el armamento atómico utilizado en Hiroshima y Nagasaki, hasta convertirse en un reconocido activista antinuclear.Documentos de archivo, fotografías antiguas y recientes y una selección de cartas de los más de 50 años de correspondencia entre Ed Grothus y políticos, científicos, medios de comunicación y su familia, nos descubren datos relevantes de la historia nuclear de los EEUU.

Atomic ed

Mitos oficiales contiene microhistorias de artistas, curadores y críticos de arte quienes le dan volumen, complejidad y una gama amplia de tonalidades respecto a la unidireccional historia oficial  Las imágenes están acompañadas con una muestra de memoria de cada uno de los artistas que dieron origen a sus obras; relatos que se tejen entre el recuerdo de los eventos vividos, las historias escuchadas y la Historia aprendida. La segunda parte es una crónica colectiva de los años 90, esbozada a partir de pequeños fragmentos de recuerdos de 36 participantes, todos ellos involucrados de diferentes maneras en el ámbito artístico y cultural de México.  El libro, que ofrece múltiples miradas sobre diversos temas: el arte, la corrupción, la identidad, el narcotráfico, el racismo, la violencia es, primero, una publicación anti neoliberal, cuyos colores en la portada (negro y rojo) la delatan. Segundo, es un concierto de voces marcadamente desigual, en el que las sensatas son más bien escasas. Y tercero, es un contenedor de memoria y también de nostalgia por un pasado que el neoliberalismo arrebató.

Mitos oficiales

Elmyr de Hory (nacido Hoffmann Elemér, Budapest, 1906 Ibiza, 1976) es uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que colgó en museos y colecciones de todo el mundo, atribuidos a Picasso, Modigliani, Matisse, Derain y otros pintores consagrados. Protagonista del libro Fake!, de Clifford Irving, y del célebre documental F for Fake (1973), de Orson Welles, historia de engaños que reflexiona sobre los conceptos de autoría, realidad y falsedad en el mundo de la creación artística, de Hory fue un personaje novelesco cuyo historial de engaños sigue suscitando fascinación y controversia.  Proyecto Fake! Elmyr de Hory reúne una selección de sus trabajos a la manera de (Picasso, Matisse, Dufy, Vlaminck, van Dongen) junto con obra que firmó como propia y que sólo al final de su vida, cuando ya su actividad como falsificador le había hecho célebre, pudo exponer en galerías, algunas de ellas españolas. La producción artística de Elmyr de Hory plantea, en última instancia, cuestiones fundamentales sobre la esencia de la obra de arte y el concepto de autoría y nos permite debatir sobre las verdades y las mentiras del arte -creación, apropiación, autenticidad- dentro de un mundo no ajeno al negocio y el interés crematístico.  Completa el catálogo el documental Historias como cuerpos, cristales como cielos, reflexión cinematográfica que reúne materiales de muy diversa procedencia, «desprovistos momentáneamente de su firma», para, desde su fragmentación y su anonimato, iluminar el concepto de autoría en el arte y en la vida.

Proyecto fake! Elmyr de hory

Catálogo de la exposición: "DE CARAVAGGIO A BERNINI. OBRAS MAESTRAS DEL SEICENTO ITALIANO EN LAS COLECCIONES REALES"

Patrimonio Nacional

De caravaggio a bernini. Obras maestras del seicento italiano en las colecciones reales

"Fenómeno fotolibro" rinde homenaje a los fotógrafos que han considerado el libro como el lugar ideal para que sus fotografías adquieran sentido. En sus páginas se recoge la influencia de publicaciones esenciales como New York de William Klein, los fotolibros de protesta, la fotografía vernacular, la óptica del coleccionista, las bibliotecas de grandes maestros y una muestra de la producción más creativa de los autores contemporáneos. Los autores de la selección de obras son precisamente algunos de los principales protagonistas de este movimiento. Así destacan nombres de la talla de Martín Parr, Gerry Badger, Horacio Fernández, Ryuichi Kaneko y Markus Schaden. Desde la diversidad de temáticas que abordan y con sus comprometidas propuestas, las páginas de este libro conforman una poliédrica e indispensable aproximación al universo del fotolibro.

Fenónemo fotolibro

DRAW es la exhibición de dibujo contemporáneo más grande que ha emergido en la ciudad de New York. Es una muestra que presenta dibujos originales de más de 500 artistas de disciplinas como la ilustración, grafiti, tatuaje, literatura, diseño, animación, skating, música, artes psicodélicas. DRAW es un tributo al comúnmente devaluado pero fundamental bloque visual de las artes gráficas: el dibujo.

Draw

Luis barragán

frecemos en este volumen una edición íntegra y comentada -al cuidado del arquitecto y profesor Iñaki Abalos- de Arquitectura Alpina, conjunto de dibujos y textos que el arquitecto alemán Bruno Taut (1880-1938) compuso entre 1917 y 1919, movido por un profundo anhelo utópico y visionario en el que tuvieron un peso decisivo sus lecturas de Nietzsche y su colaboración con el escritor y dibujante Paul Scheerbart, creador de la emblemática Arquitectura de cristal. El resultado nos permite un doble acercamiento: por un lado, la revisión historiográfica de un momento fundacional y al cabo malogrado de la modernidad; por otro, la reflexión sobre la vida que muchas de las ideas plasmadas en él tienen en distintas prácticas materiales actuales, tanto arquitectónicas como paisajísticas.  Parte sustancial de este volumen, catálogo de la exposición homónima celebrada en el Círculo de Bellas Artes, es una serie de escritos de arquitectos y paisajistas en activo (Farshid Moussavi, Philippe Rahm, Michael Jacob, Ciro Najle y el mismo Iñaki Abalos) que comentan desde su propia visión cada una de las cinco partes que componen Arquitectura Alpina. Sus comentarios cumplen una doble función, pues sirven de preámbulo a su lectura al tiempo que explicitan los nexos y diferencias de sus propias investigaciones proyectuales con la obra de Taut. Se ofrece, así, al lector interesado un marco reflexivo donde proyectarse y construir sus propios vínculos y reflexiones.

Bruno taut. Arquitectura alpina

En los años 30Æs, México representó para los surrealistas europeos el sitio ideal para desarrollar su invención artística, motivados en primer lugar por las visitas a nuestro país de Antonin Artaud y André Breton, padre del surrealismo, quien en 1938 bautiza a nuestro país como "el lugar del surrealismo por excelencia", haciendo referencia con esta frase alsitio donde la idea de transformar el mundo y cambiar la vida, era factible a través de la creación artística y la revolución. A su regreso a Europa, Breton organiza en la Galería Renou & Colle de París (1939), una exposición dedicada a México, donde incluye obras de Manuel Alvarez Bravo, Frida Kahlo y José Guadalupe Posada, así como una serie de objetos de arte popular que en su conjunto, mostraron la decisión surrealista de abolir toda jerarquía entre los productos de la creatividad humana, siempre que se pudiera descubrir en ellos la presencia de la imaginación en libertad.70 años después de la tentativa de Bretón, el Centro Georges Pompidou en conjuntocon el Museo Amparo proponen un diálogo abierto entre imágenes, que más que con-centrarse en intentar definir una identidad o una naturaleza de la fotografía surrealista,pretende esbozar algunos lazos internacionales, proponer algunos nuevos encuentros, convocar a algunas figuras menos conocidas e insistir en un "espíritu surrealista", que va desde los años veinte hasta los cuarenta en Europa y en México hasta los años 60's.

El sabotaje de lo real

La importancia de la colección de títeres guiñol del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura proviene tanto de su valor artístico como de lo que estas piezas representan para la memoria histórica del teatro de títeres en México. Germán y Lola Cueto, tras haber pasado algunos años en Europa, junto a un multidisciplinar grupo de creadores, formaron el primer grupo de teatro guiñol mexicano.El teatro guiñol como vehículo de comunicación empataba bien con la política cultural del México posrevolucionario, y su lenguaje se prestaba para reforzar las campañas de alfabetización e higiene de manera divertida. En ese contexto surgieron las primeras contrataciones de lo que se convertiría en el Teatro Guiñol de Bellas Artes. La colección presentada deja constancia de su época dorada ùlos años treinta y cuarentaù y de los más de treinta años posteriores en que operó.

El teatro guiñol de bellas artes. Epoca de oro

Iceberg tropical. Luis gordillo. Antológica 1959-2007

Gabriel orozco

http://www.ceeh.es/coleccion.cfm?idCatPubli=32&idPublicacion=605

Las últimas obras de velázquez. Reflexiones sobre el estilo pictórico

Intensamente activo desde hace más de medio siglo, Manuel Felguérez (1928) se ha consolidado como uno de los más destacados artistas mexicanos, siendo fundamental su participación en la renovación del escenario cultural latinoamericano. Su obra nunca ha dejado de renovarse, virtud de una creatividad al mismo tiempo inquieta, rigurosa y sistemática. Dos denominadores comunes de la gran variedad de soportes y medios artísticos que ha abordado son su apuesta por la abstracción como campo abierto a una amplia gama de recursos compositivos y expresivos, y el equilibrio que logra entre emotividad y racionalidad. El libro también reúne la selección de obra pictórica y escultórica comprendida en la exposición, así como una semblanza cronológica de su vida y contexto histórico, convirtiéndose en una excelente manera de acercarse, desde varias perspectivas, al legado de Manuel Felguérez.

Manuel felguerez

La siesta del fauno presenta una selección de los más de doscientos dibujos realizados por el artista español Francisco Bores (Madrid, 1898-París, 1972) para una edición del célebre poema de Stéphane Mallarmé LÆAprès-midi dÆun faune, programada por E. Tériade en 1943 como una de las primeras entregas de las «éditions de luxe» de Verve, el sello editorial que creó y en el que se produjeron algunos de los libros de artista más extraordinarios del siglo XX. El trabajo para aquella edición del poema de Mallarmé quedó en un estado muy avanzado de realización pero no llegó a completarse. Los dibujos preparatorios del inconcluso libro de litografías se dan a conocer ahora por primera vez y revelan una maestría cautivadora en la interpretación de un tema que hace excepción en su obra.  Este libro, publicado con motivo de la exposición de tan valiosa obra inédita, se presenta a los lectores como restauración imaginaria del poema de Mallarmé ilustrado por Bores. A esta recreación impresa de un libro que no llegó a existir, en la que los dibujos de Bores encuentran su expresión más propia -es decir, junto a los versos de Mallarmé y en una secuencia completa- acompaña en este volumen una traducción del poema al castellano realizada para la ocasión por Amelia y Antonio Gamoneda, así como un estudio del profesor y crítico de arte Javier Arnaldo sobre este proyecto de edición de Tériade y sobre los dibujos de la serie.

Mundo escrito. 13 derivas desde walter benjamin

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, septiembre-diciembre de 2012. Esta exposición explora cómo el deseo de Antonin Artaud de transcender los límites del lenguaje -tanto hablado como escrito- perduró en el trabajo de una serie de creadores vinculados a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX. Incluye alrededor de trescientas obras de artistas procedentes de tres espacios geográficos principales -Francia, Estados Unidos y Brasil- y sugiere que el proceso de apropiación, recontextualización y traducción del polifacético legado de Artaud forma parte de una historia intelectual más amplia que no puede desligarse de la emergencia, a un lado y otro del Atlántico, de un conjunto de prácticas artísticas interdisciplinares que plantearon la necesidad de desarrollar modelos alternativos de modernidad.

Espectros de artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta

Un libro que se adentra por primera vez en la relación de Picasso con la cocina.

La cocina de picasso

Un volumen exhaustivo sobre un periodo clave en la vida y la obra de Marc Chagall

Chagall. Los años decisivos, 1911-1919.

Art brut (2006)

Formas biográficas. Construcción y mitología individual (2013)

Miradas sobre la guerra de la independencia (2008)

Eugeni bonet. Escritos de vista y oído (2014)

Posada. (2014)

Amat lliure (2015)

Atomic ed (2019)

Mitos oficiales (2014)

Proyecto fake! Elmyr de hory (2013)

De caravaggio a bernini. Obras maestras del seicento italiano en las colecciones reales (2016)

Fenónemo fotolibro (2017)

Draw (127)

Luis barragán (2013)

Bruno taut. Arquitectura alpina (2011)

El sabotaje de lo real (2009)

El teatro guiñol de bellas artes. Epoca de oro (2010)

Iceberg tropical. Luis gordillo. Antológica 1959-2007 (2007)

Gabriel orozco (2005)

Las últimas obras de velázquez. Reflexiones sobre el estilo pictórico

Manuel felguerez

Mundo escrito. 13 derivas desde walter benjamin (2012)

Espectros de artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta (2012)

La cocina de picasso (2018)

Chagall. Los años decisivos, 1911-1919.0