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Mi vida es el único libro que escribió Marc Chagall. Sus palabras son como sus colores, felicidad y melancolía, verdad o ensueño, que alzan el vuelo con los personajes de sus cuadros, tan concretos como milenarios. Tan rotundos. Aquí se dibujan los años transcurridos en Vitebsk, su humilde ciudad natal, en el seno de una familia entrañable, pobre, que utilizaba sus cuadros para sacudirse la tierra de los zapatos. Allí asoman San Petersburgo y Moscú, los años de aprendizaje y la apertura de un nuevo mundo para el joven pintor. Más allá París y su bohemia, el taller de "la Ruche", luego la Gran Guerra y el retorno a una Rusia en la que estalla la Revolución bolchevique en un telón de fondo rasgado de tristeza.

Mi vida

El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo; es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, que han regido los destinos deEspaña desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismo modo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de sus protagonistas: de sus reyes, esposas e hijos, pero también de personajes ilustres, pintores, amantes y plebeyos.Y de los episodios más emocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros. «Nadie cuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla de sabia erudición, arte narrativo e ironía inteligente suele producir mezclas explosivas» Arturo Pérez-Reverte

Planeta

La familia del prado

«Una educación sensorial es el título de este libro, pero, asimismo, exactamente, lo que en él se narra bajo la doble experiencia de un adolescente que descubre en el arte lo que la vida todavía no le ha ofrecido, y de un adulto que evoca, tras el paso de los años, lo que fue aquel aprendizaje singular y en muchos sentidos mágico. Sin embargo, también el subtítulo es ajustado, puesto que, como se observará, la narración implica a la par una reflexión sobre el erotismo y una auténtica historia del desnudo en la pintura, construida siempre, eso sí, desde la experiencia subjetiva del narrador».   Rafael Argullol

Una educación sensorial

La teoría poscolonial ha influido muy significativamente en la historiografía actual y en la evolución de la crítica arquitectónica contemporánea en particular. Este volumen estudia la contribución de Homi K. Bhabha al discurso y el proyecto de arquitectura. Sus conceptos y sus frecuentes analogías con la arquitectura hacen que su obra resulte atractiva para los arquitectos y los profesionales de otras disciplinas creativas. Centrado en la publicación más aplaudida de Bhabha, El lugar de la cultura, el presente libro explica de manera sencilla parte de la terminología que Bhabha emplea en sus escritos ?traducción, ambivalencia, hibridez y Tercer Espacio, junto con lo performativo y lo pedagógico?.Este libro es una introducción perfecta a las teorías de Bhabha y a su utilidad para desafiar muchos supuestos sobre la arquitectura contemporánea. Nos invita a reflexionar sobre la arquitectura contemporánea en general, no sólo en los contextos colonial y poscolonial.

Editorial Reverte Sa

Pensadores sobre la arquitectura V bhabha

En este libro, el autor hace un completo estudio de la historia de la construcción del Museo Guggenheim de Nueva York. Con numerosas fotografías de la época, en color y blanco y negro, se nos cuenta todas las vicisitudes que tuvo que pasar Frank Lloyd Wrigth para poder llevar a cabo su proyecto original.

Frank lloyd wright y el museo guggenheim

Este libro hace un esfuerzo por buscar herramientas de análisis e interpretación que acerquen la investigación y el conocimiento universitarios a la realidad metropolitana, de manera que, al mismo tiempo, la teoría y la crítica tengan una mayor capacidad para interpretar e integrar las aportaciones de la realidad social, enriqueciendo sus valores y miradas.

Lógicas relacionales. Cultura, ciudad y política

Manfredo Tafuri y Francesco dal Co consideraban que no sólo debemos hablar de las formas de la arquitectura, "sino de lo que éstas ocultan". El ex-obispado de Oaxaca posee una singularidad, inadvertida antes de este trabajo: es el único edificio colonial en México que imita las formas de la arquitectura mesoamericana (si bien de manera imperfecta).Una dilatada, rigurosa investigación permitió a los autores identificar las razones del segundo obispo Español de Oaxaca, Bernardo Alburquerque, para hacer una fachada como la de los Palacios de Mitla en su nueva residencia: perpetuar el recuerdo del auto de fe en que fueron quemados vivos los últimos seis sacerdotes de Mitla.La conclusión quizá más inesperada de este libro, pero documentada de manera puntual e incontrovertible, permite afirmar que en Oaxaca, en México, y sin duda en otros países convertidos en colonias Español Spanishas, la llamada "evangelización" fue sólo otro nombre de la Inquisición.

Inquisición y arquitectura

Uno de los proyectos más osados y geniales de todos los tiempos consistió en transformar la mente humana en un organismo artificial infinito haciendo de él un teatro poblado de palabras, imágenes e ideas posibles, una enciclopedia de todos los saberes, una biblioteca capaz de producir mediante una combinatoria relaciones ordenadas y visibles entre aquellas ideas, aquellas imágenes y aquellas palabras. Así, en los primeros años del Cinquecento, en la civilización de un Américo Vespúcio, Copérnico, Ariosto, Miguel Ángel, Erasmo de Róterdam e Ignacio de Loyola, un humanista italiano, amigo de poetas y de médicos, de pintores y de monarcas, Giulio Camillo, soñaba con mutar la propia mente y la de cualquier ser humano en un edificio interior, en una estupenda máquina de memoria y creatividad, capaz de realizar una metamorfosis de sí mismo y del mundo por medio de la concentración, el ejercicio espiritual y el dominio de la abisal red de la Sabiduría.    A principios del siglo XX, estudiando también las obras de Camillo, Aby Warburg, historiador del arte, formidable erudito y antropólogo, inventó una extraordinaria ;ciencia sin nombre;, que hoy se ha convertido en un método de investigación acerca de las relaciones de imágenes y textos. Warburg buscaba en los textos e imágenes de cualquier época las huellas dinámicas (dinamogramas) del imaginario, según un modelo no muy distante del de Jung, reconociendo en cada gesto cultural un síntoma colectivo, revivido por los individuos.

El teatro de la mente

«Voy a contar como testigo la apasionada vida de Amedeo Modigliani, artista angustiado que combatió la desgracia con toda su innata nobleza; la apasionada vida de Amedeo Modigliani, cuyo destino se cumplió en Francia y que en su miserable lecho de muerte susurró: "Cara Italia! "». Artista genial, Amedeo Modigliani llegó a París desde la lejana y luminosa ciudad toscana de Livorno y vivió con intensidad «les Années folles» de Montparnasse, nuevo centro de la bohemia artística. Fallecido con treinta y cinco años a principios de la década de 1920, consumió su vida entregándose con el mismo frenesí a la creación artística y al amor, como si confiara en desafiar a la muerte haciendo que cada instante valiera el doble. El poeta y crítico de arte André Salmon, amigo y compañero de Modigliani, recuerda al pintor en este libro, en el que, como si de una novela se tratara, pinta un magnífico fresco de la extravagante y tumultuosa vida en París a principios del siglo xx.

La apasionada vida de modigliani

Catálogo de la exposición (3 de marzo-22 de mayo de 2016) que, coincidiendo con el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes en 2016, dedica la Biblioteca Nacional de España al insigne autor. La muestra reúne un amplio conjunto de piezas relacionadas con la vida del escritor, contando con el rico fondo cervantino de la propia Biblioteca Nacional, que es considerado el más importante de los conservados en cualquier institución pública del mundo, y con préstamos del Archivo General de Simancas, Archivo Histórico Nacional, Archivo de Indias, Real Biblioteca, Real Academia Española, Museo del Prado, Archivo de la Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Alcalá de Henares y Universidad de SevillaPara desarrollar este proyecto, se ha contado con un equipo encabezado por el catedrático de la Universidad Complutense de Madrid y presidente de la Asociación de Cervantistas José Manuel Lucía Megías, asesorado en su labor por un comité de tres expertos cervantinos de prestigio internaciona: el escritor y catedrático emérito de la Universidad Complutense de Madrid, José Álvarez Junco, el doctor en filosofía, ensayista y filósofo Javier Gomá, y el catedrático de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, Carlos Reyero.La exposición está dividida en tres secciones: Un hombre llamado Miguel de Cervantes; un retrato llamado Miguel de Cervantes y un mito llamado Miguel de Cervantes. Se ofrecen aspectos de la vida familiar, militar y literaria del escritor, desde su infancia a su participación en la batalla de Lepanto, su cautiverio en Argel, su producción novelística, su relación con los escritores de su tiempo, los monumentos en torno a su figura, su físico y su muerte. Se incluye una mirada al cervantismo y un amplio espacio dedicado al Quijote.

Miguel de cervantes: De la vida al mito. 1616-2016

En este libro, basado en las conferencias que dictó en Roma en 1976, Iris Murdoch examina la visión de Platón sobre el arte y, en particular, las razones de la manifiesta hostilidad del filósofo hacia él.   Para ello la autora, al tiempo que realiza un sintético recorrido por los elementos que fundamentan las teorías platónicas sobre la Belleza, busca una explicación al hecho de que el pensador griego atribuyera tanta importancia en su obra al papel que desempeña la Belleza, pero, paradójicamente, denigrara a los artistas. Apoyándose en el contraste entre las engañosas sombras del fuego de la Caverna y la luz del sol, iluminadora de la Verdad, Murdoch pone de relieve la labor primordial que desempeñan los creadores en la revelación de lo trascendente.   Su certero examen se ve además enriquecido con las ideas sobre esta inagotable y apasionante cuestión de figuras tan destacadas como Kant, Kierkegaard, Freud, Tolstói o Jane Austen.

Biblioteca De Ensayo - Serie Mayor

El fuego y el sol

Catálogo de la exposición celebrada en el MNCARS del 12 de noviembre de 2008 al 16 de febrero de 2009 sobre Carl Einstein, historiador, crítico del arte y una de las figuras clave de la vanguardia artística del siglo XX. En la exposición se muestran obras significativas de los artistas más importantes de las vanguardias, a quienes Einstein conoció y sobre cuyas trayectorias reflexionó y escribió.

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Ministerio De Cultura

La invención del siglo XX. Carl einstein y las vanguardias

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, junio-septiembre de 2010. Muestra imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad.

Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente

En 1538, Francisco de Holanda, joven pintor de veinte años y humanista en ciernes, viajó a Italia por orden de Juan III de Portugal para ilustrar «las fortalezas y obras más insignes» de aquella tierra. Esta misión diplomática le permitió visitar varias ciudades italianas y conocer, en Roma, a Miguel Ángel, que entonces tenía sesenta y tres años y se había convertido en el artista más influyente de Europa. Los diálogos recogidos en este volumen recrean literariamente las conversaciones sobre arte que Francisco mantuvo con el maestro en las reuniones que organizaba la poetisa Vittoria Colonna? gran amiga de Miguel Ángel y destacada figura del Renacimiento italiano?, en las que también participaron otros artistas de la época. Esta cuidadosa edición no sólo nos ofrece una original pieza literaria en que las voces y opiniones singulares de un buen número de personajes ilustres suenan plenamente vivas, sino también una obra de un gran interés histórico, pues contribuyó a la difusión de la novedosa idea de creación artística que se impondría en Occidente durante los siglos venideros.

Diálogos de roma

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias

Peter o Piter, como llaman familiarmente sus ciudadanos a San Petersburgo, ha sido y es una ciudad importante en el desarrollo de los acontecimientos políticos e intelectuales de Rusia. San Petersburgo está recuperando su viejo esplendor tras años de abandono gubernamental. La ciudad desborda belleza y riqueza; sin embargo, los jóvenes parecen hoy sumidos en el escepticismo más profundo, mientras en sus austeras periferias se entremezclan los nuevos bloques habitacionales con la voraz especulación urbanística. La carencia de casas, el bajo poder adquisitivo y un fuerte renacer del fervor religioso marcan la vida de sus gentes.

Peter

Esta monografía es una edición facsímil del primer libro dedicado al gran ilustrador y grabador mexicano José Guadalupe Posada (1852-1913), publicado en 1930.  En este volumen se reproducen unos 400 grabados de la vasta producción de Posada recopilados por Paul O'Higgins, los que entonces se pudieron localizar y reunir.  Las imágenes de las alegres -y a veces macabras- hojas volantes del artista son parte de las miles que integran su obra, entre ellas las "calaveras", los corridos o las ilustraciones de canciones y oraciones religiosas, que con su gran calidad plástica engrandecieron la tradición del grabado popular mexicano.  Además de las imágenes, el libro incluye una introducción de Frances Toor, legendaria editora de la revista Mexican Folkways, y un ensayo de Diego Rivera sobre el grabador.  Según Diego Rivera, la importancia de esta publicación consistía en no dejar que Posada cayera en el olvido. Es entonces una "primera piedra de este monumento, porque es el primer documento permanente de la obra de José Guadalupe Posada". Sus ilustraciones, a pesar de apreciadas y todavía en uso en la época, circulaban desunidas de su nombre y faltaba un merecido reconocimiento.

Posada monografía

Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española.  Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad.   Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.

Juan caramuel y la probable arquitectura

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

Libros Una

La mediación cultural

Este libro constituye la primera monografía sobre la escultura más extraña y más atípica de Giacometti: el Cubo, considerado como el único objeto «abstracto» del artista. Inexplicable, a este respecto, en una obra que parece abocada a la «búsqueda de la realidad». Pero el conjunto de cuestiones, hipótesis y análisis formales con que este libro literalmente rodea al objeto abrirá al lector toda una serie de nuevas perspectivas.

El cubo y el rostro

Entre México y Nueva York, Gloria Cortina es una de las más celebres diseñadoras actuales de interiores. Prácticamente todos los muebles, telas, revestimientos para el suelo, y la iluminación que utiliza para decorar esos interiores son piezas únicas diseñadas por ella, y realizados por sus equipos de artesanos colaboradores. Este libro aborda el diseño de una manera peculiar. A Gloria Cortina lo que menos le interesa es mostrar su obra simplemente como una marca; ella piensa que el diseño deber ser una expresión contemporánea de arte y cultura. Por ello, las imágenes y los textos en sus páginas descubren, sutil y exquisitamente, muchas de sus ideas esenciales y el carácter de sus diseños y composiciones excepcionalmente sensuales, donde la estética de la herencia cultural de México se revela bajo la mirada de una creadora del siglo XXI.

Gloria cortina. México

Vicente Rojo (Barcelona 1932), después de estudiar en l'Escola Elemental del Treball, viaja a México para encontrarse con su padre, exiliado político de la Guerra Civil. Será allí donde desarrolle su obra pictórica, hasta el punto que se le considera uno de los artistas más influyentes de la corriente abstraccionista mexicana, así como su faceta como impulsor de numerosas empresas culturales.  Escrito/Pintado ofrece un recorrido por la obra de Vicente Rojo y reúne una destacada selección de obras de diseño gráfico y editorial, libros de artista, series de escultura y pintura, bocetos y grabados, en los que se despliega una multitud de negociaciones entre la letra impresa, el signo como gesto y la pintura como proceso.

Vicente rojo. Escrito/pintado

En el libro E.CO presentamos los proyectos que veinte colectivos fotográficos de América Latina y Europa realizaron por encargo del Ministerio de Cultura de España. Cada grupo recibió la propuesta de plantear un ensayo visual que reflejara sus inquietudes y preocupaciones en torno a uno de los temas más candentes de nuestra actualidad: el Medio Ambiente. Los resultados que aquí se presentan, responden a los intereses que cada grupo ha querido destacar. Los temas trabajados y el tratamiento formal de las imágenes, son el reflejo del quehacer de cada colectivo. De esta forma, la publicación establece un recorrido virtual que ofrece al espectador distintos niveles de lectura: por un lado, el que se refiere a las problemáticas plasmadas en cada proyecto; por otro, el que evidencia las formas de organización de cada grupo participante. Los colectivos ofrecen una plataforma de reacción ante la modificación de los paradigmas habituales del sector y son el reflejo de una situación en la que se hace necesario sumar esfuerzos para conseguir resultados. En muchas ocasiones actúan tanto como agencia (banco de imágenes), como plataforma de acción común y posicionamiento ante el mercado, o como mecanismo de creación conjunta, generando interesantes sinergias y foros de discusión entre los miembros de cada grupo.

E.co

Mi vida (2012)

La familia del prado (2018)

Una educación sensorial (2012)

Pensadores sobre la arquitectura V bhabha (2024)

Frank lloyd wright y el museo guggenheim (2011)

Lógicas relacionales. Cultura, ciudad y política (2017)

Inquisición y arquitectura

El teatro de la mente (2017)

La apasionada vida de modigliani (2017)

Miguel de cervantes: De la vida al mito. 1616-2016 (2016)

El fuego y el sol (2016)

La invención del siglo XX. Carl einstein y las vanguardias (2009)

Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente (2010)

Diálogos de roma (2018)

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias (2016)

Peter (2016)

Posada monografía (2014)

Juan caramuel y la probable arquitectura (2014)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

La mediación cultural (2026)

El cubo y el rostro

Gloria cortina. México (2015)

Vicente rojo. Escrito/pintado (2015)

E.co (2011)