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Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Gabriel orozco

Español

Museo De Arte Reina Sofía

Iceberg tropical. Luis gordillo. Antológica 1959-2007

Ministerio De Educación, Cultura Y Deporte. Área D

Principio potosí ¿cómo podemos cantar el canto del señor en tierra ajena? La economía global y la pr

Catálogo de la exposición de este pintor argentino realizada en el Palacio de Velázquez. Repasa su trayectoria recorriendo algunas de sus series más importantes. Se incluyen también sus conocidas plantas de apartamentos, sus mapas de ciudades y de carrteras, así como dibujos que constituyen el contrapunto o preludian otras obras. Además, el catálogo da cumplida cuenta del entramado cultural que subyace en su arte.

Aldeasa

Guillermo kuitca. Obras 1982/2002

Catálogo de la gran exposición antológica que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicó a este gran artista mexicano, dibujante, escultor y grabador. Se complementa con escritos del propio autor, y con los que le han dedicado grandes figuras de la literatura.

José luis cuevas

Catálogo de la exposición celebrada en la Biblioteca Nacional, febrero-mayo 2008. Muestra obras que proceden de las colecciones conservadas en la Biblioteca Nacional de España relativas a la Guerra de la Independencia. Se complementan con el préstamo de estampas procedentes de la Bibliothèque Nationale de France, la National Gallery of Scotland, el British Museum, Hamburger Kunsthalle, la Calcografía Nacional y el Museo Nacional del Prado que aporta dibujos de Goya fundamentales para la comprensión de los Desastres de la Guerra.

Biblioteca Nacional De España

Miradas sobre la guerra de la independencia

Nueva york y el arte moderno. Alfred stieglitz y su círculo (1905-1930)

Este libro, nos dice su autor, es fruto de largos años de reflexión en torno a «líneas de pensamiento y experimentación poco habituales». Para él, la fuente es la imagen que mejor representa el misterio de la vida; en arquitectura, los rascacielos serían las fuentes heladas que han ido brotando en las ciudades. La forma, como afirmaba Sullivan, ha de ser siempre fiel a la función, pero, según Bragdon, la función debe expresar y determinar a la vez el significado mismo de la forma, como ocurre en los organismos naturales. Por tanto, la arquitectura ha de ser orgánica y estética, no en el sentido de «acorde con el buen gusto», sino en el más profundo de belleza.Después de repasar el fenómeno, puramente estadounidense, de los rascacielos, que nació de una necesidad práctica y no estética, Bragdon sostiene que un edificio no será una obra de arte si no obedece a una norma armoniosa de sus medidas, como va explicando mediante ejemplos a lo largo de esta obra. Por último, se ocupa de la ornamentación, suprimida de la arquitectura moderna porque, además de no cumplir ninguna función, encarecía la obra; a lo que Bragdon responde afirmando que es una expresión de nuestra singularidad. Y, como los modelos ornamentales se han quedado anticuados, crea nuevos patrones tan rigurosos como originales, inspirados en tres conceptos matemáticos: los sólidos platónicos, los cuadrados mágicos y la cuarta dimensión. En suma, este ensayo es un recorrido completo por el ideario de uno de los diseñadores más interesantes del siglo xx, injustamente olvidado.

Tapa dura

Ediciones Atalanta, S.l.

Atalanta

Imaginato Vera

La fuente helada

El arte español del Siglo de Oro ùafirma una tradición historiográfica ya centenariaù puso la imitación del natural al servicio de la religión. Su exacerbado naturalismo es el resultado de la apasionada fe de aquel lugar en aquella época. Crimen e Ilusión defiende lo contrario: sostiene que el problema fundamental de los artistas del Barroco español no era la imitación, sino la verdad, y que una parte, tal vez la mejor parte, de la imaginería de nuestro Barroco se entiende mejor como un complejo ejercicio destinado a disipar las dudas de sus espectadores. Sobre el horizonte de un emergente empirismo, los artistas crearon sus imágenes como evidencias, como argumentos para creer. Crimen e ilusión aborda este aspecto judicial o forense de las imágenes de la Alta Edad Moderna en el interior de un triángulo político, religioso y científico. Por último, explora la reflexión escéptica de pintores y escultores ante el problemático vínculo que liga a las artes figurativas con la verdad.

Tapa blanda

Marcial Pons

Marcial Pons Ediciones De Historia, S.a.

Siruela

Crimen e ilusión

«Si hay un pintor en el universo que tenga sex appeal para todas las especies imaginables de autores de libros es ciertamente Goya», afirmaba Ortega y Gasset en su libro de 1958 dedicado al artista aragonés. Efectivamente, la obra plástica y la biografía de Goya han atraído a pensadores, historiadores, críticos de arte y creadores literarios que han reflejado su admiración en innumerables páginas de sentida admiración estética. Goya en las literaturas repasa los textos que en forma poética, dramática, narrativa o cinematográfica reflejan la fuerza y genialidad de Francisco de Goya en la creación literaria de muchas lenguas. El libro describe la dinámica trayectoria literaria que abrieron escritores contemporáneos del artista y que sigue activa en una inagotable recreación del universo goyesco.

Astiberri

Goya en las literaturas

El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.

Superrealistas

Circulo De Bellas Artes

Editorial Círculo De Bellas Artes

Ciento veinticinco años de historia

Editorial Circulo De Bellas Artes

Palabra de corsario

Catálogo de la exposición homónima comisariada por Martín Azúa y organizada por la Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación ûddiû y el Círculo de Bellas Artes, A la mesa! se centra en la presencia activa del diseño en la adquisición, preparación y presentación de la comida.Uno de los rasgos distintivos del animal culturizado que es el ser humano es la atención y el cuidado que pone en el comer, transformando una necesidad, una función vital indispensable para su supervivencia, en un acto ritual sofisticado y, en ocasiones, de gran complejidad. La importancia que se concede a este ritual como instrumento de ocio, de socialización y de regulación de la rutina diaria es algo común a las culturas más diversas y se pierde en el origen de los tiempos.Nuestra época no sólo ha incorporado una mayor flexibilidad en nuestra relación con el comer sino que también ha ampliado de forma casi ilimitada el abanico de utensilios, procedimientos y productos a disposición del cocinero y del comensal. Comemos solos o en compañía, calentamos comida preparada en el microondas o trabajamos con paciencia y lentitud en la elaboración de platos gustosos, seguimos recetas familiares o improvisamos variaciones aprendidas fugazmente en un restaurante o en casa de amigosà El ritmo frenético de la vida laboral ha devuelto una práctica del comer más cercana a su carácter de necesidad vital, pero entre tanto cada vez se sale más fuera a comer, se frecuentan cocinas exóticas, se siguen y se discuten las invenciones de los cocineros mediáticos y se busca convertir la comida en un placer a la vez individual y colectivo, un disfrute de los sentidos así como una experiencia decible, compartible.A la mesa! recoge esta nueva dimensión del comer gracias a un formato de tríptico (comprar, preparar, servir) que permite la compilación y ordenamiento de las herramientas, presentaciones y productos de todo tipo que podemos encontrar en supermercados, restaurantes o tiendas de menaje. Productos, en fin, que contribuyen a satisfacer nuestra exigencia estética a la vez que nuestros sentidos, en línea con la vieja costumbre del ser humano de sublimar el imperativo fisiológico del comer.

A la mesaí diseño y comida

Juan Agustín Ceán Bermúdez (1749-1829) fue un personaje clave de la historiografía artística española, cuya vida y cuyos escritos estuvieron estrechamente ligados a los de otros ilustrados de su tiempo como Jovellanos, para quien trabajó durante muchos años, o Goya, a quien frecuentó y del cual tuvo numerosas obras, entre ellas buena parte de los dibujos con copias de Velázquez que el aragonés había hecho para después grabarlos.  Partiendo de fuentes inéditas y de una nueva lectura de las que ya se conocían, el presente estudio ofrece una amplia y renovada visión de un personaje mucho más complejo e importante de lo que hasta ahora se creía. A través de cinco artículos, un catálogo de más de 150 obras y una completa cronología, distintos especialistas analizan el legado de Ceán en una doble faceta: como historiador del arte (puesto que sentó las bases científicas de su disciplina mediante obras pioneras y escritos fundamentales sobre arquitectura, arqueología, pintura, coleccionismo, grabado y dibujo) y como coleccionista de dibujos y estampas.  Este volumen constituye el catálogo de la exposición del mismo título celebrada en la Biblioteca Nacional de España.  Elena M.ª Santiago Páez, doctora por la Universidad Complutense, es bibliotecaria emérita de la Biblioteca Nacional de España (BNE), donde dirigió la Sección de Geografía y Mapas (1966-1982) y el Servicio de Dibujos y Grabados (1983-2004). Entre las muchas exposiciones que ha comisariado se cuentan «Ydioma universal», Goya en la B.N. (junto con J. Wilson, 1996); El gabinete de Ceán Bermúdez (1997); Del Amor y la Muerte. Dibujos y grabados de la B.N. (2001); o La luz de la sombra. Grabados de Rembrandt (junto con G. Lambert, 2004-2005).

Centro De Estudios Europa Hispánica

Ceán bermúdez. Historiador del arte y coleccionista ilustrado

http://www.ceeh.es/coleccion.cfm?idCatPubli=32&idPublicacion=605

Las últimas obras de velázquez. Reflexiones sobre el estilo pictórico

El art brut fue definido por el artista francés Jean Dubuffet como toda práctica artística, intermitente o permanente, realizada por una persona «indemne» de cultura. Aunque Dubuffet redefinió con los años la naturaleza de este concepto, el art brut permitió desde un principio reevaluar obras y artistas que habían quedado tradicionalmente fuera de los márgenes del arte "oficial". Este volumen, que recoge la totalidad de las intervenciones del ciclo En torno al Art Brut, celebrado entre los meses de febrero y abril de 2006 en el Círculo de Bellas Artes bajo la dirección de Serge Fauchereau, historiador del arte y comisario, aborda las claves de un movimiento artístico cuyas raíces históricas se remontan a mediados del siglo XX pero que a veces se interpreta en un sentido mucho más amplio. Esta extensión plantea numerosos interrogantes: ¿Hacen art brut los niños, los locos o los místicos? ¿Qué relación hay, por ejemplo, entre Adolf W"lfi, encerrado de por vida en un hospital psiquiátrico, y el minero Lesage, que obedecía a las voces de los espíritus? Los textos recogidos en estas páginas exploran el fenómeno del art brut combinando el debate conceptual, la revisión histórica y el acercamiento detallado a algunas de sus figuras centrales. El libro incluye artículos de Serge Fauchereau, Dolores Durán Ocar, Joëlle Pijaudier-Cabot, Lucienne Peiry, Guillermo Solana, Juan Manuel Bonet, Josette Rasle, Emmanuel Guigon, Carlos Pérez.

Sexto Piso Editorial

Art brut

Elmyr de Hory (nacido Hoffmann Elemér, Budapest, 1906 Ibiza, 1976) es uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que colgó en museos y colecciones de todo el mundo, atribuidos a Picasso, Modigliani, Matisse, Derain y otros pintores consagrados. Protagonista del libro Fake!, de Clifford Irving, y del célebre documental F for Fake (1973), de Orson Welles, historia de engaños que reflexiona sobre los conceptos de autoría, realidad y falsedad en el mundo de la creación artística, de Hory fue un personaje novelesco cuyo historial de engaños sigue suscitando fascinación y controversia.  Proyecto Fake! Elmyr de Hory reúne una selección de sus trabajos a la manera de (Picasso, Matisse, Dufy, Vlaminck, van Dongen) junto con obra que firmó como propia y que sólo al final de su vida, cuando ya su actividad como falsificador le había hecho célebre, pudo exponer en galerías, algunas de ellas españolas. La producción artística de Elmyr de Hory plantea, en última instancia, cuestiones fundamentales sobre la esencia de la obra de arte y el concepto de autoría y nos permite debatir sobre las verdades y las mentiras del arte -creación, apropiación, autenticidad- dentro de un mundo no ajeno al negocio y el interés crematístico.  Completa el catálogo el documental Historias como cuerpos, cristales como cielos, reflexión cinematográfica que reúne materiales de muy diversa procedencia, «desprovistos momentáneamente de su firma», para, desde su fragmentación y su anonimato, iluminar el concepto de autoría en el arte y en la vida.

Otro

Proyecto fake! Elmyr de hory

La siesta del fauno presenta una selección de los más de doscientos dibujos realizados por el artista español Francisco Bores (Madrid, 1898-París, 1972) para una edición del célebre poema de Stéphane Mallarmé LÆAprès-midi dÆun faune, programada por E. Tériade en 1943 como una de las primeras entregas de las «éditions de luxe» de Verve, el sello editorial que creó y en el que se produjeron algunos de los libros de artista más extraordinarios del siglo XX. El trabajo para aquella edición del poema de Mallarmé quedó en un estado muy avanzado de realización pero no llegó a completarse. Los dibujos preparatorios del inconcluso libro de litografías se dan a conocer ahora por primera vez y revelan una maestría cautivadora en la interpretación de un tema que hace excepción en su obra.  Este libro, publicado con motivo de la exposición de tan valiosa obra inédita, se presenta a los lectores como restauración imaginaria del poema de Mallarmé ilustrado por Bores. A esta recreación impresa de un libro que no llegó a existir, en la que los dibujos de Bores encuentran su expresión más propia -es decir, junto a los versos de Mallarmé y en una secuencia completa- acompaña en este volumen una traducción del poema al castellano realizada para la ocasión por Amelia y Antonio Gamoneda, así como un estudio del profesor y crítico de arte Javier Arnaldo sobre este proyecto de edición de Tériade y sobre los dibujos de la serie.

Mundo escrito. 13 derivas desde walter benjamin

La obra de Eva Lootz (Viena, 1940) gira en torno a los problemas que surgen de la imbricación entre materia y lenguaje. Sus últimos trabajos buscan poner en juego, en sus palabras, la «fricción entre el nombrar y el mostrar» a fin de hacer aparecer (hacer presente) ese territorio velado por la sombra de la racionalidad occidental.  Nudos nos lleva al territorio de los hilos, las marañas, los tejidos, los vacíos, los nudos, los flujos, las circulaciones y los bloqueos. Tomando como punto de partida el Seminario 23 de Jacques Lacan, Lootz presenta un nuevo vídeo, Entre manos, que pretende revelar el papel que el juego de hacer nudos, el juego de los cordeles, ha desempeñado en todas las sociedades llamadas «primitivas» como forma de socialización y aprendizaje del lenguaje y del trabajo en común: los hilos van pasando de una pareja de manos a otra formando figuras complejas y variadas, mientras unas voces en off permiten establecer conexiones entre el juego y los nudos y trenzados de la teoría lacaniana.  Se incluyen, además, una obra realizada en vidrio (Mostrar/ Nombrar, 2011) y dos vídeos, No es más que un pequeño agujero en mi pecho (2004) y Blind Spot (2005), que hacen un poco de curvas de nivel de las inquietudes y obsesiones recientes de la artista. Nudos, así, se nos aparece como un work-in-progress tan coherente como lleno de incitaciones reflexivas.

Nudos

Destacado exponente del informalismo europeo, Pierre Alechinsky (Bruselas, 1927) fue miembro del grupo CoBrA, junto con otros artistas como Asger Jorn o Karl Appel. Profundamente influido por el surrealismo y por el expresionismo, sus trabajos engranan también con esa corriente que, bien representada por Jean Dubuffet, creyó descubrir en el folklore tradicional, en ciertas formas de artesanía o en las creaciones plásticas de niños y enfermos mentales, una pureza incontaminada capaz de revitalizar el esclerótico mundo del arte institucional.  Tintas, acuarelas y grabados conforman esta gran retrospectiva de su obra Sobre papel, a la que el CBA dedica dos de sus salas de exposiciones. La muestra ofrece una amplia aproximación a casi cincuenta años de trabajo -o tal vez habría que decir de juego, pues la vertiente lúdica está siempre presente en el proceder de Alechinsky-. El presente catálogo, por su parte, da prueba de las excelentes relaciones del artista belga con el universo de habla hispana: colaborador de Alberto Gironella, buen amigo de Antonio Saura y Eduardo Arroyo, Julio Cortázar, el mismo Saura y Octavio Paz le dedicaron textos que aquí se reproducen, junto con un apasionante análisis de su obra a cargo de Javier Arnaldo.

Sobre papel

Escenografías

Catálogo de la exposición celebrada en la Biblioteca Nacional, octubre 2008-enero 2009. Reune por primera vez algunos de los ejemplares más importantes para la difusión del Amadís de Gaula y de los libros de caballerías.

Amadís de gaula 1508. Quinientos años de libros de caballerías

Catálogo de la exposición celebrada en la Biblioteca Nacional, de noviembre de 2012 a febrero de 2013. Desde hace más de un siglo, el jazz y los estilos musicales que le precedieron han dejado huellas de todo tipo en nuestra cultura. Buena parte de esas huellas, en forma de documentos, se conservan en la Biblioteca Nacional: artículos en periódicos y revistas, manuales, catálogos, literatura y ensayos, cómics, partituras, folletos publicitarios, rollos de pianola, fotografías, grabados, carteles, discos, casetes, vídeos y DVD entre otros. "El ruido alegre" reconstruye el devenir del jazz en España a través de una selección de esos materiales.

Gabriel orozco (2005)

Iceberg tropical. Luis gordillo. Antológica 1959-2007 (2007)

Principio potosí ¿cómo podemos cantar el canto del señor en tierra ajena? La economía global y la pr (2010)

Guillermo kuitca. Obras 1982/2002 (2003)

José luis cuevas (1998)

Miradas sobre la guerra de la independencia (2008)

Nueva york y el arte moderno. Alfred stieglitz y su círculo (1905-1930) (2005)

La fuente helada (2024)

Crimen e ilusión (2017)

Goya en las literaturas (2016)

Superrealistas (2017)

Ciento veinticinco años de historia (2005)

Palabra de corsario (2005)

A la mesaí diseño y comida (2010)

Ceán bermúdez. Historiador del arte y coleccionista ilustrado (2016)

Las últimas obras de velázquez. Reflexiones sobre el estilo pictórico

Art brut (2006)

Proyecto fake! Elmyr de hory (2013)

Mundo escrito. 13 derivas desde walter benjamin (2012)

Nudos (2012)

Sobre papel (2015)

Escenografías

Amadís de gaula 1508. Quinientos años de libros de caballerías (2008)

El ruido alegre. Jazz en la bne (2012)