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Especie fugitiva

Saló Diana (1977-1978) recupera la experiencia singular e iniciática de una sala de teatro que, durante poco más de un año, marcó un punto de inflexión en la escena cultural de Barcelona. A través del testimonio oral de sus protagonistas y de materiales de archivo, el mítico Saló Diana se revela como una institución antes de la institucionalidad de la producción artística de los años ochenta.

Saló diana (1977-1978)

La Decimasexta parte es uno de los impresos teatrales más misteriosos y fascinantes de Lope de Vega. Misterioso por la historia de su composición y publicación: con los trámites legales cumplimentados desde 1620, algo alteró los planes y el volumen salió a finales de diciembre de 1621, cuando ya la siguiente parte estaba a la venta. Tal vez un atasco en las atareadas prensas madrileñas, ciertas dificultades de orden personal del dramaturgo y, sobre todo, la muerte de Felipe III en marzo de 1621 afectaron al proceso de edición. Y es fascinante por su contenido: Lope ofrece al lector obras mitológicas que se habían representado en la corte con gran despliegue escenográfico, piezas históricas, comedias genealógicas y palatinas, alguna reliquia de juventud y la espléndida Lo fingido verdadero, híbrido de drama histórico y comedia de santos y el mejor ejemplo de «teatro en el teatro» de todo el Siglo de Oro. En suma, la corte y el corral, los dioses y los hombres, y un teatro que se hace vida en el momento mismo en que la vida se vuelve teatro.

Comedias. Parte XVI (2 vols.)

José Moreno Arenas, nascut a Albolote ùa dotze quil.metres de Fuente Vaqueros, el poble del poeta i dramaturg més universal de La Vega de Granada, i ben a prop també de Valderrubio, lÆAsquerosa de les tragèdies andalusesù i del tot familiaritzat amb lÆobra i la biografia de Lorca, podria semblar predestinat a seguir la seva estela, per. no va ser fins fa relativament poc que va tenir una mena de revelació en sentir-se de sobte transportat o immers dins un autèntic escenari lorquià, i aix. el va portar a escriureEl inframundo (2014). Aquesta peça, sorgida com una reivindicació del teatre surrealista de Lorca i un apropament a lÆhome en detriment del mite, seria el germen i inequívoc antecedent de lÆobra que aquí presentem. En totes dues es contraposa lÆestètica costumista amb aquella altra decididament avantguardista i experimental.&nbsp;

Federico, de viu en viu

De la introducción: «Aunque siempre lo segui&#769; muy de cerca, jama&#769;s llegue&#769; a imaginar que el Certamen de Teatro Dramaturgo Jose&#769; Moreno Arenas pudiera proporcionarme tantas satisfacciones como lo ha he- cho. Lo he repetido una y otra vez, y hasta la saciedad: desde fuera se vei&#769;a distinto; no se&#769;, quiza&#769;s fuese por la ausencia de res- ponsabilidades directas. Me lo he preguntado de continuo. Pero una vez dentro -hace ya cuatro an&#771;os-, la complicidad me ha lle- vado tan lejos que hoy veo el teatro como algo muy cercano. Lo recuerdo, en sus ori&#769;genes, vagamente, como algo distante, como una actividad cultural ma&#769;s de tantas como se celebraban en el Centro Sociocultural Fernando de los Ri&#769;os. De hecho, era una actividad ma&#769;s. Pero no nos engan&#771;emos: ¡Que&#769; actividad! ¡Una actividad que ha disparado el Albolote Cultural hasta cotas impensables!: ¡Albolote, marca teatral en Andaluci&#769;a, en Espan&#771;a, en Ame&#769;rica! ¡Albolote, por fin, marca teatral en el mundo!».&nbsp;

XIV certamen de teatro dramaturgo jose moreno arenas

Debido a la importancia de sus contenidos y a la transcendencia del evento, nos ha parecido oportuno dedicar el segundo volumen de la Colección ?DraMaula Karma Teatro. Biblioteca crítica José Moreno Arenas? a las conferencias incluidas en el panel Miscelánea indigesta, dedicado al dramaturgo granadino, con programación en el congreso ?New Harmony International Conference on the Contemporary Theather of Spain: Stages of Utopia, Dystopia and Myopia? (Teatro Español Contemporáneo: Escenarios de Utopía, Distopía y Miopía), organizado del 9 al 12 de octubre de 2018 en New Harmony / Evanscille (Indiana, EE.UU.) por la University of Southern Indiana.Adelardo Méndez Moya

Miscelánea indigesta

Este libro gira en torno a las artes escénicas como método efectivo de Conocimiento y vía preparatoria de acceso a los misterios y la metafísica: una forma eficaz y operativa de aprehensión y difusión de la Gnosis en perfecta consonancia con nuestras características culturales. Se presenta al Teatro como una función sagrada en la que el Verbo abraza toda forma, gesto, palabra, tiempo y lugar para envolver al actor en una atmósfera trascendente donde ser sacrificado en aras de un reconocimiento mayor. El actor se convierte entonces en el intermediario del plan divino y en el intérprete de la gran obra cósmica. Y lo bueno de todo esto es que para encarnar tan alta función no hay que alistarse en esta o aquella asociación o agrupación "cultural". El libreto lo tiene el lector-actor entre sus manos, aquí se recogen las emanaciones divinas prestas a ser actuadas en el gran teatro del mundo. Se trata pues, de un vehículo liberador en el que apoyarse para salir de la mediocridad y desesperanza y ascender a estados de la conciencia más sutiles.

Teatro sagrado

David J. Skal, autor de estudios fundamentales como Monster Show: una historia cultural del horror, centra en esta ocasión su incisiva mirada y su talento investigador en los orígenes, la historia y la infinidad de lecturas de uno de los iconos más universales del terror y la cultura popular, trazando su evolución a partir de la novela original de Bram Stoker mediante su paso al teatro y, por último, la pantalla.La imagen primordial del conde Drácula se ha convertido en una presencia continua e indeleble en el imaginario colectivo moderno. Siempre moldeable, el rey de los vampiros se ha ido adaptando paulatinamente a los roles más variados: pesadilla sexual victoriana, presencia habitual en el teatro, icono cinematográfico, marca registrada, peluche, helado y hasta cereales para el desayuno. A estas alturas, ha sido recreado en el cine en más ocasiones que prácticamente cualquier otro personaje de ficción (con la única excepción posible de Sherlock Holmes) y ha acabado infiltrándose de tal manera en el mundo da las comunicaciones y la publicidad que hace tiempo que dejó de ser necesario leer la novela o incluso ver una de sus adaptaciones fílmicas para estar completamente familiarizado con el conde y sus hazañas.En esta celebrada excursión por la vida de uno de nuestros grandes iconos culturales, David J. Skal traza la implacable trayectoria del más arquetípico de los vampiros, desde sus orígenes literarios hasta su última reencarnación como moderno producto cultural y de consumo, raspando el barniz populista para sacar a la luz todo cuanto este complejo, contradictorio y desconcertante príncipe de las tinieblas revela sobre todos nosotros.

Hollywood gótico

La publicació dels resultats del VI Seminari dÆHumanitats i Cultura Visual de la Universitat Aut.noma de Barcelona, centrat en el teatre i les muses.

Les muses I el teatre

Comedia de enredos ideológicos del artista mexicano Pedro Reyes, en la que a través del formato narrativo del teatro de marionetas, investiga las tensiones entre dos grandes ideologías que aún permean la cultura contemporánea: el socialismo y el capitalismo .  A través de los diálogos que se entrelazan entre una serie de marionetas representando personajes clave como Vladimir Lenin, Ernesto "Che" Guevara, Karl Marx, Adam Smith, Milton Friedman, León Trotsky, David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo, Diego Rivera, Steve Jobs y Julian Assange, se abordan temas que hoy en día son de urgencia, como la ideología radical, la transparencia y el control de la información. La Revolución permanente es una sátira política, una comedia de enredos ideológicos, que pretende exponer un mapa general de las doctrinas político-económicas de los últimos doscientos años. El espectáculo discursivo de Pedro Reyes nos recuerda que la vida contemporánea tiende a distraernos y confundirnos, pero el cuestionar la cultura actual y revisar las grandes ideas del pasado, aún puede ofrecernos nuevos caminos.  La obra se enmarca dentro de labor editorial llevada a cabo por la Fundación Jumex. Fundación Jumex Arte Contemporáneo fue creada para promover la producción, la reflexión y el conocimiento del arte contemporáneo, así como para generar nuevas propuestas de apoyo a la cultura.

La revolución permanente

El rey se divierte

La carrera de Laly Soldevila supuso un verdadero fenómeno en muchos aspectos, no siendo los menores, además de su extraordinaria capacidad como intérprete, la enorme facilidad que tuvo para conectar con el público. Actriz eminentemente teatral, de sólida formación, sería en el cine y la televisión donde cimentó una gran popularidad a través de 250 trabajos entre 1961 y 1979. Sin embargo, no fue ese éxito popular lo que importaba a Laly actriz y, mucho menos, a Eulalia persona. La imagen pública y los personajes interpretados, a los que dotaba de múltiples matices, nada tenían en común con su personalidad. Algo que ella resumía con meridiana claridad cuando afirmaba: ôAcepto lo que me ofrecen en el cine para hacer el teatro que me gustaö. Fue una mujer de gran cultura. Realizó estudios universitarios paralelamente con los seguidos en el Instituto del Teatro de Barcelona; se expresaba correctamente en cinco idiomas, fue especialista en historia del teatro y reconocida experta en literatura bajomedieval, a quien Dámaso Alonso solicitaría, para realizar una antología de poesía religiosa. Una actriz formada

Asociacion Shangrila Textos Aparte

Laly soldevila una biografía artistica

Cinco son los sainetes que componen esta colección.  En esta nueva entrega de José Cedena encontramos cinco originales sainetes de corta duración, alrededor de treinta minutos cada uno, y con elencos variados pero asequibles a las nuevas tendencias del teatro actual. Son piezas breves en las que varios de sus personajes, algunos entrañables, como Lisarda, Teseo, Aniceto, Evarista o Anselmo cobran vida para regocijo de los espectadores.  José Cedena es ya un clásico del sainete pero sigue con la máxima que le llevó a escribir su primera obra: divertir divirtiéndose sin perder el arraigo que mantiene con su pueblo natal, fundamental en el transcurso de su obra, ya que tanto el lenguaje como sus personajes están totalmente identificados con las tierras castellano-manchegas.

Éride Ediciones

5 Sainetes en busca de carcajadas

Un pacto con el tiempo

Actuando en el templo de vesta. Teatro social. Teatro de lxs oprimidos. Teatro foro

ACT FULNESS · Desarrollo personal y técnico del y para el actor/actriz: el libro, con profusión de consejos y ejercicios prácticos, invita al lector a comenzar un viaje, desde las primeras páginas, elaborando su propios Diario de Actor/Actriz. Y se divide en dos bloques complementarios. El primero, el entrenamiento, arranca con el autoconocimiento, algo innegociable para comenzar a trabajar, y desgrana después las destrezas y herramientas necesarias como la Conciencia Corporal y Espacial, la Concentración y Observación, la Atención Distributiva, la Imaginación y la Creatividad, la Memoria, la Escucha Activa y el Impulso. En la segunda parte, se genera un viaje de la Emoción a través del Texto, separando estos dos elementos para desarrollarlos de forma exhaustiva.

Act fulness

Este primer volumen de la Colección ?DraMAula Karma Teatro. Biblioteca Crítica José Moreno Arenas? parte de una necesidad y una planificación largo tiempo abonada. La necesidad de un ensayo monográfico teórico en el que se establezcan los principales ingredientes recurrentes del teatro indigesto de José Moreno Arenas. Un texto en el que se conciten las constantes esenciales de dicha dramaturgia, verificables desde el acceso directo a las distintas piezas, y que sirva como compendio de generalidades.

La dramaturgia indigesta de josé moreno arenas: Aspectos gen

Según Evreinov: El instinto teatral determinaba la conducta individual y social del ser humano miles y miles de años antes de los comienzos de lo que se conoce como teatro propiamente dicho; porque el instinto de la teatralidad, idéntico al instinto de la transfiguración, es vivaz en organismos vegetales y animales, muy lejos de formular jamás un pensamiento que tuviera la mínima relación con la estética. Más aún, los animales, cuando más desprovistos del don natural del mimetismo, tanto más obligados se ven en el transcurso de la lucha secular por la existencia y por la perpetuación de las especies, a desarrollar sus métodos de transfiguración; el más alto grado de teatralidad consciente correspondía, en el reino animal, al más alto grado de inteligencia: y en el ser humano y en la sociedad, al más alto grado de civilización. Hay que volver a teatralizar el teatro, a fin de teatralizar consciente e intensamente la vida. El ser humano sabe que la vida es algo de lo cual hay que hacer otra cosa, dejar de ser esclavo y transformarse en su propio dueño. Al ser consciente de la teatralidad, la vida deja de aparecer como una trama de acontecimientos fatales, incomprensibles, insólitos. La vida, nuestra vida, es, a nuestros ojos, lo que conviene que sea: un objeto de transfiguración.&nbsp;

La teatralidad

Convocado por el ayuntamiento granadino de Albolote, y organizado por el Aula de Artes Escénicas de Karma Teatro, con la colaboración de la Asociación de Dramaturgos, Investigadores y Críticos Teatrales de Andalucía (ADICTA), se celebró el VII Seminario Internacional de Estudios Teatrales «Sátira y crueldad en Martínez Mediero y Moreno Arenas», los días 17 y 18 de febrero de 2022, en el Auditorio del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos, de Albolote, recinto seleccionado para la celebración de los actos programados.

Sátira y crueldad en martínez mediero y moreno arenas

Tocar de oído

La profecía de uno de sus contemporáneos, el dramaturgoáBen Jonson, se ha cumplido con total plenitud: "Shakespeare no pertenece a una sola época sino a la eternidad".Benedetto Croce, en Shakespeare, define al escritor como: ôEl poeta cósmico de un mundo de contrastes no resueltos, de una realidad misteriosa y terribleö.Shakespeare no es una biografía al uso, sino un acercamiento a la poética de la creación en donde Benedetto Croce reflexiona sobre la emoción, la temática, los argumentos y los personajes en donde el genio shakesperiano se muestra sin disimulo, sin pretextos.

Shakespeare

Vajtángov está considerado como uno de los grandes innovadores del arte del teatro. Este libro nos acerca exhaustivamente una buena parte de su pensamiento creador.El nombre de Vajtángov evoca siempre para mí la primera toma de contacto con el arte del teatro.El arte del teatro tal como lo concebía Vajtángov, era un trabajo de un colectivo de personas, cuyos miembros estuviesen unidos por una misión y un fin comunes: servir al pueblo.Vajtángov creaba sus puestas en escena siguiendo el principio de una comunidad de artistas que constituían una gran familia, en la cual, la tarea de cada uno sería inseparable de su propia existencia. Esta idea presidía nuestra formación en el arte del teatro.Vajtángov nos enseñaba el arte del teatro y era también el educador que nos hacía entender la vida.Al decidir dedicarme al arte del teatro, tomé la resolución de estudiar, junto a otros compañeros, dirección escénica.Estudiábamos además el método de Stanislavski. Nos lo enseñaban actores del Teatro de Arte de Moscú y adeptos al método que a veces no tenían relación directa con el arte del teatro, por ejemplo, psicólogos y hasta médicos.Lo que no enseñaban esos maestros ûcuyas clases no habían sido muy satisfactorias para nosotros- se evidenció confuso, arduo y hasta emparentado casi con la mística.Nos ejercitábamos, entre otras cosas, en el prana, es decir, a emitir, con las manos extendidas, una irradiación a través de los extremos de los dedos. Era necesario, que el compañero sobre el cual señalábamos con los dedos sintiera esa irradiación.Nosotros teníamos la intuición de que ôesoö no era el verdadero método que preconizaba Stanislavski.En esa época, Vajtángov era en el ambiente teatral uno de los directores más populares; siempre estaba buscando nuevos caminos para el arte del teatro. Por todas partes se repetía lo que Stanislavski había dicho de Vajtángov: ôMi método lo enseña mejor que yoö.Fui elegido por mis compañeros para dirigirme a Vajtángov y pedirle que accediera a darnos clases.&nbsp;Vajtángov me recibió en su camerino, después de la representación de El diluvio, donde encarnaba el personaje de Frazer.Lo que pude haber dicho a Vajtángov durante los diez o quince minutos que hablé con él, ya no lo recuerdo. Su rostro, extremadamente móvil, sus manos quitándose el maquillaje, sus ojos alegres y un poco burlones fijos sobre mí desde el fondo del espejo, es lo único que se ha grabado en mi memoria.&nbsp;Esa noche, Vajtángov estaba de buen humor y aceptó darnos clases.Vajtángov experimentaba sin cesar. Nos enseñaba a los que éramos sus alumnos, a trabajar una puesta en escena recurriendo a los procedimientos más diversos y complejos.Si le proponía, en La princesa Turandot, al actor que encarnaba el personaje de Timur que se apoyara no en un bastón, sino en un trozo de madera con el cual se apuntalaba la escenografía, era porque quería subrayar con eso, el hecho de que el argumento se desarrollaba no en una China real, sino en un cuento puesto en escena.Si proponía que algunos personajes se cubrieran con una media en lugar de ponerles sobre la cabeza el pequeño gorro que llevan en la Comedia del Arte; si aconsejaba no esconder el hecho de que el vestuario estuviese puesto por encima de fracs, quería decir a los espectadores: ôNo estamos reconstruyendo las viejas formas de la representación teatral, sino que buscamos nuevos elementos para el teatro popularö.Cuando se evocan las últimas creaciones de Vajtángov: El milagro de San Antonio, de Maeterlinck; Eric XIV, de Strindberg; El dibuk, de Ansky; La boda y El aniversario, de Chéjov; La princesa Turandot de Gozzi; se ve netamente que logró alcanzar el punto culminante de la expresión escénica, aquel que denominó grotesco.En la concepción de Vajtángov, el grotesco no tiene nada que ver con la exageración grosera, con la caricatura vulgar y arcaica.Vajtángov defendía el derecho que tienen el director y el actor a recurrir a las imágenes más audaces.Vajtángov buscaba un arte del teatro lleno de poesía, de emociones dinámicas y conflictos muy definidos.Trabajando con los actores en la creación de sus personajes, trataba de mostrar formas reales y acontecimientos verídicos, aunque las situaciones parecieran inverosímiles. Durante los ensayos, creaba a menudo las situaciones más increíbles, para justificar el juego de los actores. Ayudaba al actor a encontrar la verdad, en lo que parecía algunas veces, imposible de motivar.&nbsp;Vajtángov conocía a la perfección la naturaleza del actor, y sabía sugerir la acción o el matiz emocional que ayudarían al actor a resolver por el camino más corto el objetivo planteado. Para eso, si era necesario, participaba él mismo en el juego del arte del actor.&nbsp;Nos decía Vajtángov: ôEn el escenario el actor se desenvuelve en un ambiente de ômentirasö. Su compañero lo llama su padre, hace pasar por suyas palabras que no le pertenecen, toma paisaje pintados por paisajes auténticos; y los instantes en que el actor hace de su mentira una verdad, son los instantes de creación. La fe del actor en la realidad de lo que no existe se comunica a los espectadores. El espectador vive con el actor mientras el actor continúa creyendo en lo que hace. A partir del momento en que el actor deja de estar convencido de que todo lo que sucede a su alrededor de él es verdad, el espectador lo siente y comienza a separarse de él. Se asombrará tal vez de su trabajo, pero ya no creerá en él. ¿Qué quiere decir creer? El actor no puede creer que tiene en la mano una caja de bombones si tiene un cuaderno; pero puede aprender a comportarse con ese cuaderno como lo haría con una caja de bombones. Eso es suficiente para hacer de la verdad escénica su propia verdad. El actor sabe que delante de él no está Lear, sino su compañero. Por consecuencia no puede creer que es Lear, pero puede comportarse con su compañero como lo haría con Lear. Ese cambio voluntario de actitud es lo que llamamos fe. Creer que hay gente sentada en sillas vacías no quiere decir: Ver esa gente. Esto último sería exigir alucinaciones, y no fe de actor. Hay que decir: Sepan comportarse con respecto a esas sillas, como se comportarían con respecto a las personas que se sientan en ellasö.Del director solo reclamaba una cosa: Comportarse con cada una de sus nuevas realizaciones como con su primera puesta en escena. No hay que temer introducir elementos nuevos. Hay que atenerse siempre a las particularidades de la obra. Tener como colaborador a un escenógrafo que no sea un ilustrador de la obra, sino el coautor de la puesta en escena; que sea un compañero que comparte sus ideas sobre el arte del teatro. Hay que respetar al autor, pero no hay que ponerse de rodillas frente a él. No hay que olvidar que el arte del teatro debe enriquecer al dramaturgo mediante el talento de los actores, del director, del escenógrafo y de todos los componentes del colectivo creador. La puesta en escena debe conmover a los espectadores, porque ante ellos se desarrolla una vida donde sufren y se alegran los seres humanosö.&nbsp;En las puestas en escena de Vajtángov todo vivía.Nikolai Gorchakov

Vajtangov

Las representaciones de los grupos aficionados realizadas en Castelló son el objeto de estudio de esta obra: las funciones religiosas, desde el siglo XIV, y las del aula de gramática, pasando por el auge de compañías del siglo XIX i de las primeras décadas del XX; la pervivencia de estas agrupaciones aficionadas durante la guerra civil y la postguerra; la reconversión que algunos jóvenes de grupos anteriores realizaron para que Castelló también tuviera grupos de teatro independiente a finales de los años sesenta i los setenta del siglo XX i la fundación, a partir de la década de los ochenta, de una serie de grupos que todavía van naciendo. En estos veinticinco años del Certamen Castelló a Escena se han ampliado repertorios, grupos, actores y actrices que, sobretodo, en el caso de autoras, regidoras i directoras, han ido incorporándose a la escena. Actualmente, cada vez más jóvenes, a partir de la actuación en grupos de aficionados, han optado por continuar estudios superiores de arte dramático i dedicarse al teatro profesional.

Universitat Jaume I. Servei De Comunicació I Publi

25 Anys de castelló a escena

«Este volumen es una butaca en primera fila en los mejores teatros del mundo. Divertido, riguroso y documentado, nada desafina en él. Luis Poyo ha hecho el libro definitivo de musicales.»Carlos del AmorEste libro presenta un vibrante recorrido por los musicales más importantes de la historia. Encontramos aquí los revolucionarios, que pusieron los cimientos del género o variaron su rumbo gracias a sus innovaciones (West Side Story, Cabaret); los clásicos, que forjaron la edad de oro de Broadway (My Fair Lady, Sonrisas y lágrimas); los taquillazos, que siguen gozando del favor del público décadas después de su estreno (Cats, El fantasma de la ópera, El rey león); los originales, fruto de la creatividad excepcional de artistas únicos (Jesucristo Superstar), y los puro espectáculo, que entretienen el público a lo grande, sin escatimar en medios (Grease, Billy Elliot). Embriagado por la magia de estas páginas, el lector no podrá evitar tararear y bailar los números musicales más memorables.

50 Musicales

Especie fugitiva (2014)

Saló diana (1977-1978) (2020)

Comedias. Parte XVI (2 vols.) (2017)

Federico, de viu en viu (2023)

XIV certamen de teatro dramaturgo jose moreno arenas (2023)

Miscelánea indigesta (2024)

Teatro sagrado (2021)

Hollywood gótico (2020)

Les muses I el teatre (2025)

La revolución permanente (2014)

El rey se divierte (2014)

Laly soldevila una biografía artistica (2024)

5 Sainetes en busca de carcajadas (2019)

Un pacto con el tiempo (2020)

Actuando en el templo de vesta. Teatro social. Teatro de lxs oprimidos. Teatro foro (2020)

Act fulness (2020)

La dramaturgia indigesta de josé moreno arenas: Aspectos gen (2022)

La teatralidad (2023)

Sátira y crueldad en martínez mediero y moreno arenas (2023)

Tocar de oído (2020)

Shakespeare (2020)

Vajtangov (2022)

25 Anys de castelló a escena (2018)

50 Musicales (1980)