Edición completa y anotada de un texto fundamental, en una disciplina que viene así definida por Hegel: Estas lecciones se ocupan de la esté tica. su objetivo es el vasto reino de lo bello, y, más precisamente, su campo es el arte, vale decir, el arte bello. Por supuesto, a este o bjeto, propiamente hablando, no le es enteramente adecuado el nombre d e estética, pues estética designa más exactamente la ciencia del senti do, del sentir, y con este significado nació como una ciencia nueva o, más bien, como algo que en la escuela wolffiana debía convertirse e n una disciplina filosófica en aquella época en que en Alemania las ob ras de arte eran consideradas en relación a los sentimientos que debía n producirse, por ejemplo, los sentimientos de agrado, de admiración, de temor, de compasión, etc. A la vista de lo inadecuado o, mejor dich o, de lo superficial de este nombre, se intentó forjar otros, como por ejemplo, calística. Pero también éste se muestra insuficiente, pues l a ciencia que propon

Tapa blanda

Otro

Español

Ediciones Akal, S.a.

Akal

Akal / Arte y Estética

Lecciones sobre la estética

El Renacimiento meridional y El gran taller de Italia se publicaron por vez primera en 1965 en la prestigiosa colección «El Universo de las Formas». Los dos textos, que se ocupan del mismo periodo, el final del Quattrocento, fueron concebidos por su autor como un todo, y su publicación supuso una auténtica revolución en el conocimiento que, del Renacimiento del país transalpino, se tenía hasta ese momento. De hecho, en la actualidad siguen considerándose libros de referencia. En los distintos capítulos, André Chastel nos descubre una Italia que se impone a toda Europa como el lugar donde la exigencia artística, llevada a lo más alto, constituye una auténtica voluntad de cultura. Fue, sin duda, el gran taller de Occidente ? o más bien, una multitud de pequeños talleres (las botteghe) repartidos por los grandes focos artísticos (los centros) que eran entonces Urbino, Florencia, Roma..., dominados por personalidades tan excepcionales como las de Lorenzo el Magnífico, Federico da Montefeltro, Lodovico el Moro o el papa Sixto IV. De estos talleres salieron las obras maestras de Piero della Francesca, Botticelli, Bellini, Ghirlandaio, Verrocchio o Leonardo da Vinci, entre otros. Cuadro, fresco, palacio, iglesia, escultura, marquetería, elementos decorativos: los mayores talentos, en competencia, no dejaron de lado ningún género. Y para ofrecer una visión completa y fiel de este rico panorama, Chastel aplica con rigor su métodos de análisis, que marcaron profundamente la disciplina histórico-artística: proximidad al detalle, circunstancias del encargo, textos que alimentaron la inspiración del artista. De este modo, las obras más enigmáticas desvelan su sentido en su extrema complejidad. En la presente edición se han mantenido los cerca de 300 documentos gráficos de la original, acompañados de comentarios inéditos realizados para la ocasión por un equipo de historiadores del arte.

Ediciones Akal

El renacimiento italiano, 1460-1500

Del arte objetual al arte de concepto

La filosofía antigua, tanto en su contenido y en cada una de sus figur as importantes como en su significado en cuanto modo específico de dec ir y preguntar.

Fuentes De Arte

Teorías del arte contemporáneo

Teoría e historia de la producción ideológica

Editorial Cendeac

Cendeac

El desorden necesario (filosofia del objeto surrealista)

Llega la noche. El sol de los sueños sale y con él empieza la diversión. ¿Te apuntas tú también a este carrusel de la ilusión? Igual que una niña en pijama llamada SIRA, que daba palmitas sentada en su cama. Delicioso cuento-nana para los más pequeños cuando se van a dormir.


Tapa dura

Amigos De Papel

Sira y sol

La escuela vaciada no es un diario de la emergencia sanitaria que ha cerrado las puertas de colegios y universidades, sino una reflexión sobre cuál será el futuro de la enseñanza como actividad pedagógica y de la escuela como institución y espacio de aprendizaje. La pandemia ha marcado un punto de inflexión que entraña evidentes oportunidades de cambios y de innovación, pero también riesgos de gran calado tanto en el sector educativo como, en un sentido más amplio, en el ámbito social. ¿Son, por ejemplo, los recursos digitales una herramienta al servicio de alumnos y docentes, o son en cambio un agente encubierto que amenaza el concepto de igualdad sobre el que se tiene que regir la educación? ¿Qué espacio ocupan las humanidades en esta sociedad tecnocrática? ¿Y cuál es el papel profesional y humano que debe desempeñar el profesor? A todas estas preguntas tratan de dar una respuesta los cuatro ensayos recogidos en este volumen, que reflexionan, con diferentes enfoques, sobre el pasado reciente de la enseñanza, y plantean escenarios y líneas de trabajo para un futuro que se revela extremadamente incierto. Lejos de ser una lectura para especialistas, estos textos incumben al conjunto de la sociedad, cuyo porvenir depende en gran medida de la orientación y de las prioridades de su sistema educativo.

Altamarea Ediciones

Altamarea

La escuela vaciada

Los asuntos de los que se ocupa la estética (el gusto, la contemplación, la producción artística, la relación entre arte y naturaleza o la belleza) siguen suscitando el interés no solo de los filósofos, sino también de los artistas, arquitectos, diseñadores o escritores.  En este libro se presenta lo que los filósofos han pensado sobre estos temas, redescubriendo en esta tradición las cuestiones que siguen abiertas en la actualidad.

Ediciones Universidad De Navarra, S.a.

Consideraciones filosóficas sobre la belleza y el arte

En 1961, Hannah Arendt publicó por primera vez ¿Qué es la libertad? como uno de sus «ocho ejercicios sobre la reflexión política», con los que la pensadora alemana, ya instalada en Estados Unidos, se proponía destilar la esencia vital de varios conceptos tradicionales del pensamiento político y emplearlos para calibrar la posición del zoon politikón occidental y establecer un marco de referencia de cara al futuro. Rico en matices, preciso y cortante como un arpón, según lo define el filósofo Vicente Ordóñez en el prólogo, este opúsculo, que originalmente se proponía llenar el vacío en torno a la huella que dejaron las convulsiones del siglo XX en la concepción de la libertad, nos lleva a cuestionarnos si hoy, más de medio siglo después, indagar en esta idea sigue siendo «una empresa sin esperanzas».

Altamarea Edicion De Libros Sl

¿Qué es la libertad?

Este volumen corresponde a la séptima entrega de la Obra completa de Walter Benjamin, edición realizada a partir de la publicada en Alemania por la prestigiosa Suhrkamp Verlag, en edición de Rolf Tiedemann. Corresponde a la Obra de los Pasajes 1.

Abada Editores

Obras. Libro V / vol. 1 (benjamin)

La investigación en torno al tema de la creatividad es emergente tanto en las ciencias sociales como en las ciencias puras. Este libro rastrea su posible origen, y para ello se adentra en las fuentes biológicas (cerebrales, corporales), psicológicas (traumas, enfermedades y medios de sanación) y socioculturales (míticas, religiosas, filosóficas, científicas, económicas, educativas?) que permiten que surjan y se desarrollen las personalidades, las culturas, las sociedades, la propia ciencia y las civilizaciones creativas. Asimismo, se tienen presentes los aspectos que condicionan a la propia creatividad humana, y se identifican también las ?falsas creatividades?. La idea, en definitiva, es mostrar desde un enfoque interdisciplinar el complejo prisma de aquello que sustenta al fenómeno creativo. Porque la creatividad ?como la propia vida humana? está llamada a trascender los límites, los perímetros y las fronteras existentes entre polos aparentemente opuestos, como lo sagrado y lo profano, lo libre y lo normativo, o lo económico y lo político.

Los Libros De La Catarata

Libros De La Catarata

Bases biologicas, psicologicas y socioculturales de la creat

El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje.  Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma.  La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.

Teoría del acto icónico

Suspensiones de la percepción analiza la naturaleza paradójica de la atención en la cultura moderna, en tanto ha constituido tanto una condición fundamental de la libertad individual, la creatividad y la experiencia, cuanto un elemento central para el funcionamiento eficiente de las instituciones y de la economía. El autor sostiene que nuestra manera de contemplar y escuchar al otro es el resultado de un cambio crucial que se produjo en la naturaleza de la percepción en la segunda mitad del siglo diecinueve.

Suspensiones de la percepción

¿Qué son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas ?la Historia del arte, la Estética, la Teoría fílmica, los Estudios culturales, la Teoría de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de género ??, responden a la necesidad de analizar un ámbito de importancia creciente en las sociedades contemporáneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de producción de significado cultural que tienen su origen en la circulación pública de las imágenes. Podríamos, así, describirlos como aquellos estudios que tratan de «la vida social de las imágenes», analizando los procesos de la construcción cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitución del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las políticas identitarias condicionadas por las prácticas de producción de visualidad, en el marco de la globalización. Con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente de estudios ?Susan Buck-Morss, Nicholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T Mitchell entre ellos?, ofrecen una muy completa introducción al tipo de problemas tratados por los Estudios visuales y una puesta a prueba efectiva de sus potenciales críticos.

Estudios Visuales

Estudios visuales

El pensamiento visible

En una época en que la obra de arte era expresión no sólo de sensibilidad estética por parte de quien la encargaba, sino también de riqueza, posición social y política, y creencias religiosas, la figura del patrono tenía que resultar una pieza clave del proceso creativo. El presente libro ofrece un completo análisis de su influencia en el desarrollo de las artes, su cambiante relación hacia el artista, y las formas diferentes ?o similares- que adoptó la comitencia en los principales focos del arte italiano del primer Renacimiento, de la república de Florencia a la Roma papal o la Ferrara de los Este.

El patronazgo artístico en la italia del renacimiento

Desde la explosión de las vanguardias, las prácticas performativas han acompañado el desarrollo del arte como una suerte de «laboratorio experimental para algunas de las más originales y radicales formas artísticas», en palabras de RoseLee Goldberg. La performance no surge de una manera inopinada, bajo unas condiciones irrepetibles que le imprimieran el sello de un tiempo concreto. En tanto elemento transversal a los distintos contextos de producción que han jalonado la historia del arte de los últimos 110 años, la performance se puede considerar como ese «exceso» que ha desbordado los márgenes de inteligibilidad de cada uno de ellos. Este libro ofrece una perspectiva lo más generosa posible sobre el camino transitado por la performance desde las vanguardias hasta hoy, pero, al mismo tiempo, dejar abierta la posibilidad de un número indefinido de estrategias alternativas de narración.

Akal / Arte Contemporáneo

Arte y performance

Esta obra presenta una visión del arte del siglo XX, a mitad de camino entre el ensayo y la historia. Constituye una trama, por ser un conjunto de apreciaciones, consideraciones y reflexiones sobre el fenómeno de la modernidad artística. El contenido se divide en dos secciones: la primera presenta una narración continua estructurada en capítulos, y la segunda, a modo de diccionario, constituye un complemento y guía de la anterior. Es un instrumento fundamental para comprender los porqués y los cómos de las manifestaciones artísticas del siglo XX.

La trama de lo moderno

Giovan Pietro Bellori (1615-1696), bibliotecario de Cristina de Suecia y responsable de las antigüedades romanas, fue uno de los personajes cruciales en la vida cultural y artística de la ciudad durante la segu nda mitad del siglo XVII y el impulsor de un mito de Roma que se mante ndrá vivo durante los dos siglos siguientes.Su obra más importante, la s 'Vite de'Pittori, Scultori ed Architetti moderni', aparecida en 1672 , inicia un nuevo tipo de biografías de artistas que se apartan radica lmente del modelo establecido por Vasari en el siglo anterior. A difer encia de las que se habían escrito hasta ese momento, en sus 'Vidas', basadas en informaciones muy exactas, Bellori selecciona, por razones de gusto, una serie de nombres no sólo italianos sino también francese s y flamencos, reflejando el ambiente cosmopolita de la Academia franc esa en Roma y poniendo a prueba, con total éxito, un nuevo método para describir y analizar las obras de arte. Enemigo del naturalismo y de l manierismo, escribe su obra con una clara voluntad polémica en defen sa de los mismos principios clasicistas que se encuentran en la pintur a de su gran amigo Nicolas Poussin.En la presente edición se han selec cionado el discurso sobre 'La idea de la Pintura, Escultura y Arquitec tura', que sirve como prólogo a la obra, y las biografías de los arti stas más importantes que aparecen en las 'Vidas': Annibale Carracci, M ichelangelo Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Nicolas Po ussin, que se ofrecen traducidas por primera vez al castellano en vers iones íntegras y anotadas.

Hieroglyphica

Articulado en tres bloques la propuesta de este libro es hacer un repaso de los enfoques, tanto de los teóricos como de los artistas más relevantes en la actualidad, frente al viejo problema de la relación entre el arte y la política, desde después de la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, para poder revisar el debate en el contexto de un mundo saturado de imágenes.No se trata de revisar las prácticas artísticas de los «modernos» desde una mirada política que no tenga que ser forzosamente destructiva. Se trata, más bien, de revisar la posibilidad de una mirada política desde el arte hacia nuestro contexto. El arte no es la política, efectivamente, pero quizá sí tiene algo que ver con lo político, quizá todavía tiene algo que decir en ese terreno, sin prisas.

Miradas políticas en el país de las fantasías

Malos nuevos tiempos

¿Cómo imaginar no sólo un nuevo arte o arquitectura sino un nuevo yo o sujeto iguales a ellas? En 'Dioses prostéticos' Hal Foster explora esta cuestión a través de las obras y escritos de artistas modernos clave como Gauguin y Picasso, F. T. Marinetti y Wyndham Lewis, Adolf Loos y Max Ernst. Todas estas diversas figuras sintieron la fascinación por las ficciones del origen, bien primordiales y tribales, bien futuristas y tecnológicas. De este modo, sugiere Foster, dos formas llegaron a dominar el arte moderno por encima de todas las demás: lo primitivo y la máquina.  Foster comienza con las fantasías primitivistas de Gauguin y Picasso, que examina a través de las lentes freudianas de la escena primordial. Luego pasa a ocuparse de las obsesiones puristas del arquitecto vienés Loos, que aborrecía todo lo primitivo. A continuación Foster considera los sujetos tecnofílicos postulados por el futurista Marinetti y el vorticista Lewis. Estos «nuevos egos» se contrastan más tarde con las «máquinas celibatarias» propuestas por el dadaísta Ernst. Foster también explora extrapolaciones procedentes del arte de los enfermos mentales en los modelos estéticos de Ernst, Paul Klee y Jean Dubuffet, así como manipulaciones del cuerpo femenino en la fotografía surrealista de Brassaï, Man Ray y Hans Bellmer. Finalmente, examina el impulso a disolver las convenciones del arte sin más en los cuadros por goteo de Jackson Pollock, las piezas esparcidas de Robert Morris y las earthworks de Robert Smithson, y rastrea la evocación de objetos del deseo perdidos en la obra escultórica de Marcel Duchamp y Alberto Giacometti hasta Robert Gober.  Aunque el título está extraído de Freud, 'Dioses prostéticos' no impone la teoría psicoanalítica al arte moderno; por el contrario, pone ambos en una relación crítica e investiga el ampliado campo histórico que comparten.

Dioses prostéticos

El derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha suscitado un asombroso repertorio de respuestas artísticas y críticas. Los veinticinco ensayos que recoge Arte después de la modernidad proporcionan una perspectiva general de las direcciones más interesantes que han seguido el arte y la crítica recientes, al abordar temas como el declive de la ideología moderna en las artes o la emergencia de una amplia gama de prácticas artísticas posmodernas. las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía. las investigaciones de artistas pertenecientes al ámbito de las artes plásticas en torno a los medios de comunicación y el tipo de imágenes que emplean. o la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación es una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que animan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance que se ha dado en llamar posmodernidad.

Lecciones sobre la estética

El renacimiento italiano, 1460-1500

Del arte objetual al arte de concepto (2012)

Teorías del arte contemporáneo

Teoría e historia de la producción ideológica (2016)

El desorden necesario (filosofia del objeto surrealista) (2005)

Sira y sol

La escuela vaciada (2020)

Consideraciones filosóficas sobre la belleza y el arte (2017)

¿Qué es la libertad? (2025)

Obras. Libro V / vol. 1 (benjamin) (2013)

Bases biologicas, psicologicas y socioculturales de la creat (2022)

Teoría del acto icónico (2014)

Suspensiones de la percepción (2008)

Estudios visuales (2005)

El pensamiento visible (2017)

El patronazgo artístico en la italia del renacimiento

Arte y performance (2022)

La trama de lo moderno (1993)

Hieroglyphica

Miradas políticas en el país de las fantasías (2019)

Malos nuevos tiempos (2017)

Dioses prostéticos (2008)

Arte después de la modernidad