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Publicacions De La Universitat De València

Crítica de la crítica

Probablemente, el compositor francés Hector Berlioz desaprobaría la publicación de un libro que tratase sobre su propio sistema filosófico, por el sencillo motivo de que él mismo jamás mostró interés alguno por la filosofía. Berlioz fue un hombre de acción y lo que aquí presentamos como posicionamientos estéticos, para él no era más que la aplicación, a través del sentido común y de la creencia en la «música expresiva» como arte superior, de una defensa radical del arte verdadero. Berlioz no sólo es el mejor escritor de entre los compositores de toda época, sino que, a partir del presente trabajo, puede ser considerado un filósofo poseedor de un pensamiento concreto en estética musical y absolutamente digno de pasar a formar parte de los manuales de esta disciplina, junto a Rameau, Rousseau, Kant, Hegel o Wagner.

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La estética musical de hector berlioz a través de sus textos

En 1989, por las calles de Nueva York aparecieron grandes anuncios firmados por las Guerrilla Girls, un grupo de artistas anónimas que representan las puntas mediáticas de un largo período de conflictos y denuncias respecto al silencio y la invisibilidad de las mujeres en las artes. A la tradicional pregunta sobre la escasez de las grandes artistas, una historiadora del arte ha contestado recordando la existencia de una carencia análoga de grandes pianistas de jazz lituanos o de grandes tenistas esquimales. Aparte de la provocación, se trata de entender si y hasta qué punto las asimetrías de género contribuyen a definir lo que es arte y lo que no lo es, quién merece ser recordado o, por el contrario, olvidado. Desplegando una documentación amplia e inexplorada, este volumen pionero se encarga también de desmentir el mito de la creatividad menor y accesoria de las mujeres.

Publicaciones De La Universidad De Valencia

Bajo el signo de las artistas. Mujeres, profesiones de arte y modernidad

¿Puede el arte ser utilizado para desplegar la crítica social? Esta es la pregunta que guía las reflexiones del presente libro, dirigido a personas interesadas en la estética, la filosofía o las ciencias sociales. En la primera parte de esta obra se explican sus hitos más destacados, entre los que se encuentran K. Marx, S. Kracauer, W. Benjamin, M. Horkheimer, T. W. Adorno y J. Habermas. En la segunda parte, centrada en la formulación de la teoría del reconocimiento por A. Honneth, se incorporan no solo sus obras clásicas, sino también su gran aportación de madurez sobre el derecho de la libertad, ofreciéndose así una síntesis completa del autor. Finalmente, se analizan, desde la pluralidad de las artes, los tres modos de reconocimiento (amor, derecho y solidaridad). Estas reflexiones se completan con una selección de textos clásicos.

Estética del reconocimiento

AL terminar mi recorrido por las melancolías alemanas, publicado en El duelo de los ángeles (2004), se abrió ante mí un canal que comunicaba con otros territorios culturales. No resistí la tentación de continuar el viaje, aunque en forma entrecortada, por ese antiguo río negro que se interna en los territorios de la Modernidad. El resultado fue un conjunto de fragmentos que exploran ficciones e imaginaciones que emanan de la sociedad moderna cuando es inundada por humores sombríos y tristes. (?) Son una señal de que el mundo está entrando en una nueva época, dominada por un extraño capitalismo tardío cuyos signos apenas estamos comenzando a descifrar. A los filósofos con frecuencia les gusta reflexionar sobre la circunstancia que los envuelve. Quieren definir los parámetros de la época en que viven y para ello se apoyan en los estudios de aquellos sociólogos que también están interesados en explicar la mecánica oculta que mueve al mundo. Así, la sociedad actual ha sido definida como postmoderna o líquida. Muchos quieren entender el funcionamiento de la cultura actual y buscan darle un sentido al presente. ¿Qué significa vivir a comienzos del siglo XXI? ¿Dónde estamos? ¿Cómo se entiende nuestra época? ROGER BARTRA  ROGER BARTRA (México, 1942), escritor y antropólogo, se doctoró en la Sorbona de París y es actualmente investigador emérito de la Universidad Nacional Autónoma de México. De origen catalán, hijo de padres perseguidos por el fascismo español que se exiliaron en México, ha realizado prolongados trabajos de investigación en diversas partes del mundo, desde Vene-zuela e Inglaterra hasta España, Estados Unidos y Francia. Ha sido invitado a dar cursos y a realizar in- vestigaciones en las universidades de Londres, California en San Diego, Johns Hopkins, Pompeu Fabra, Rutgers, Stanford, Wisconsin y el Paul Getty Center en Los Ángeles, entre otros lugares. Ha publicado libros sobre las mitologías europeas, como El salvaje en el espejo, El salvaje artificial y Las redes imaginarias del poder político (Pre-Textos, 2010). Es conocido también por sus estudios sobre la crisis de la identidad nacional, como La jaula de la melancolía y La sangre y la tinta: ensayos sobre la condición postmexicana. Ha publicado un estudio sobre las enfermedades del alma en el Siglo de Oro español, Cultura y melancolía. Su libro, El duelo de los ángeles. Locura sublime, tedio y melancolía en el pensamiento moderno (Pre-Textos, 2004), consta de tres ensayos acerca de la melancolía en las vidas de Kant, Max Weber y Walter Benjamin. En esta misma editorial también ha visto la luz una primera versión de Antropología del cerebro. La conciencia y los sistemas simbólicos (2006), a la que ahora el autor agrega una segunda parte sobre el libre albedrío, el determinismo, el juego y la moral; así como Territorios del terror y la otredad (2007), Las redes imaginarias del po-der político (2010) y Antropología del cerebro. Conciencia, cultura y libre albedrío (versión ampliada, 2014).

Editorial Pre-Textos

Pre-Textos

La melancolía moderna

El arte contemporáneo goza de actualidad. Apenas hay ciudad que no tenga un centro dedicado a él. Existen multitud de cátedras y proyectos de investigación destinados a estudiarlo. Pero ¿qué significa exactamente el concepto de arte contemporáneo y a qué contemporaneidad hace referencia? Con este libro, Juliane Rebentisch se propone introducir, desde una teoría del arte entendida como proyecto crítico, un debate aún en curso sobre cuestiones que son fundamentales tanto a nivel teórico-artístico como estético. Sirviéndose de herramientas teóricas que provienen de la filosofía, de las disciplinas particulares de la ciencia del arte, de la crítica, de los curadores y de los artistas, su objetivo es contribuir al desarrollo de un concepto normativo del arte contemporáneo.

Teorías del arte contemporáneo

Este libro da cuenta de uno de los tópicos más controvertidos de la Estética contemporánea: el fin del arte. Para ello, se analizan las transformaciones que sufrió el arte y las teorías filosóficas que condujeron a considerar que podría tener un final. Hegel es referente imprescindible en este contexto pues elevó el arte a la más alta consideración, pero afirmó también que era ya un tema del pasado. Esta sentencia provocó innumerables interpretaciones que el libro recoge y sintetiza. De entre las contemporáneas, la que más divulgación ha alcanzado es la de Arthur Danto. Sin embargo, con frecuencia ha sido comprendida de manera parcial y por ello este libro la contextualiza dentro del desarrollo filosófico del autor, remarcando la coherencia de su pensamiento. El diálogo establecido entre ambos filósofos permite comprender cómo lo que termina es una comprensión sobre el arte nacida en la época moderna, y aporta algunas claves para entender mejor el arte de nuestros días.

El fin del arte

· La gran antología de escritos en prosa del poeta Mark Strand, ganador del premio Pulitzer en 1999. · Auténticas clases magistrales escritas con un lenguaje preciso y concreto, que reflejan las principales preocupaciones del autor. · La naturaleza de la poesía y su historia, las dificultades de la traducción, los misterios de la fotografía, la amistad, vistos por uno de los escritores más exquisitos de nuestra época.

Turner

Sobre nada

«Solamente un hombre modesto y meditativo, como indudablemente fue Zurbarán, pudo pintar así el silencio inabordable que emana de las cosas en sí.»á  Cees Nooteboom  La obra de Francisco de Zurbarán posee una fuerza y una hondura únicas. Podríamos incluso decir que hay en sus cuadros algo implacable. Tal vez sea precisamente esta faceta de su arte la que hace que sus cuadros sean todavía hoy taná apreciados. El reconocido escritor holandés Cees Nooteboom, gran conocedor de España y admirador de la pintura de Zurbarán, ha seleccionado cincuenta cuadros de su producción para esta monografía. Se ha valido de su ojo crítico para introducirnos magistralmente en el mundo y la obra del pintor barroco con un texto sobre las ideas y el mundo pictórico de este enigmático artista.

Tapa dura

Siruela

Zurbarán. El pintor del misticismo

¿Quiénes somos cuando nos narramos? ¿Quién es ;cómo es; el sujeto espectador de la contemporaneidad cuando se refleja en un sujeto artista?   Estas son algunas de las preguntas que surgen frente a los trabajos autobiográficos de un gran número de artistas de las últimas décadas, quizás porque la autobiografía acaba por estar en cada rincón del relato cultural. Se trata de una cuestión en la cual siempre queda una pregunta: ¿de verdad son así, de verdad soy así? La verdad, la autenticidad y todos los malentendidos que genera su puesta en escena podrían ser una de las claves de esta fascinación. Haciendo un recorrido por obras de artistas como Boltanski, Kabakov, Calle, Anderson o Shonibare, entre otros, este libro plantea algunos de los problemas que se generan en torno al texto autobiográfico, las relaciones que la fotografía tiene con la performance y la imposibilidad de mantenerse a salvo del nuevo espectador, quien en  el acto mismo de contemplar desde el punto de vista del objetivo fotográfico se redefine en su subjetividad.

Otro

No soy yo

Más de ciento sesenta escritores, pintores, científicos o inventores desfilan por estas páginas, bajo una luz nueva: la que nos deja ver sus rituales, manías, tics y rarezas a la hora de trabajar (o de no trabajar). El que se encerraba en una habitación forrada de corcho y solo tomaba en todo el día dos tazas de café con leche y dos croissants (¡y a veces uno solo!). El ama de casa que se levantaba a las cuatro de la madrugada para escribir antes de llevar los niños al colegio. El que dijo «soy como un médico en la sala de urgencias y la urgencia soy yo». El que se traga cada día medio bote de anfetaminas encerrado en el estudio, y el que pinta con los hijos jugando alrededor. El buen oficinista («escribo cada día media página, y al cabo de un año eso ya es algo»), y el que pasa meses sin trabajar pero un día escribe ochenta páginas de un tirón, y apenas corrige luego.  Empezado (en forma de blog) un día en que su autor no encontraba las ganas de trabajar, este libro podrá evitarle hacer algo productivo durante muchas horas, y le dará más de una idea para organizarse una vida creativaà o todo lo contrario.

Rituales cotidianos. Cómo trabajan los artistas

Schiffbruch mit Zuschauer (1979), que ahora ofrecemos con el título Naufragio con espectador, es un texto central en la trayectoria de Blumenberg. Analiza la metáfora del naufragio, a través de la cual han entendido los hombres su condición y sus azares. Blumenberg se ocupa de los orígenes de la metáfora y presta especial atención a su figura en el marco de la Ilustración y el Romanticismo, momentos en que adquiere su sentido más radical.

A. Machado Libros S. A.

Antonio Machado Libros

Naufragio con espectador

«Eupalinos o el arquitecto» y «El alma y la danza» son dos de los más conocidos diálogos de Paul Valéry (1871-1945). La arquitectura, la música y la danza son los temas explícitos que el poeta aborda con el máximo rigor y la más intensa belleza. Ahora bien, tal como en él es habitual, las relaciones entre el arte y la naturaleza, entre la creación y el desarrollo natural, la articulación entre el pensamiento y la acción..., «interrumpen» en su reflexión para configurar una verdadera imagen estética del mundo.

Eupalinos o el arquitecto, el alma y la danza

Franzini estudia la estética del siglo XVIII mostrando tanto su ruptura respecto del pensamiento anterior como su continuidad. La querella entre los antiguos y los modernos y la crisis del pensamiento cartesiano son, junto con el desarrollo del empirismo, los puntos de partida de las nuevas concepciones estéticas. La complejidad original se prolonga en una complejidad posterior que rechaza puntos de vista unilaterales. Como tantas veces se ha dicho, el XVIII es el siglo de la estética, pero con esto no se aclara mucho si no se añade que esta discurre por caminos diferentes, muchas veces encontrados, que expresan de forma rigurosa la diversidad que la estética, el arte y la cultura posteriores pondrán de manifiesto.

Visor Dist.

La estética del siglo XVIII

«Piezas sobre arte» reúne los textos de Paul Valéry (1871-1945) sobre artes plásticas, textos en modo alguno académicos en los que se cruzan la literatura y la música, y en los que se configura un mundo tan complejo como brillante. Alguno de ellos se ha convertido en un clásico, así sucede, por ejemplo, con el que dedica a Degas, pero no le van a la zaga aquellos que escribe sobre Corot, Manet o Berthe Morisot, sin olvidar los que se ocupan del aspecto material del arte, sea éste la escultura o la cerámica. Con la publicación de «Piezas sobre arte», «La balsa de la Medusa» continúa la edición de la prosa completa del poeta, una obra en la que la poesía, la música y el arte de nuestro tiempo encuentran perspectivas diferentes, aproximaciones inéditas de extraordinarios rigor y pureza.

La Balsa De La Medusa

Piezas sobre arte

«La estética del romanticismo» analiza los diversos aspectos de la estética y la teoría del arte de los románticos, con especial atención a la reflexión de F. Schlegel y, en general, los románticos alemanes. La «nueva mitología», la «relación sujeto-naturaleza», la polémica con los clasicistas, la interpretación de las nuevas categorías estéticas, el genio, la ironía..., son algunas de las cuestiones que centran la investigación de Paolo D'Angelo

La estética del romanticismo

Uno de los aspectos más importantes que el lector puede apreciar en la lectura de ete libro se encuentra en la visión que el autor presenta del comportamiento artístico acontecido durante el siglo XX atendiendo fundamentalmente a las relaciones que los creadores, artistas plásticos y músicos, han generado en torno a la reflexión teórica y práctica del sonido y sus derivaciones poéticas y expresivas. A través de una estructura temporal y temática el liro ofrece una nueva visión del arte del siglo XX atendiendo a su caracter interdisciplinar y la capacidad maleable del sonido como materia prima en la concepción y desarrollo de la obra artística. Esta publicación revela una panorámica amplia de las diferentes estrategias y metodologías que han permitido a un número creciente de artistas considerar las posibilidades creativas de un arte esencialmente acústico, así mismo, su contenido presenta las claves de los nuevos parámetros que condicionan su obra y las relaciones, prácticas y conceptuales, que concilian dos mundos en apariencia opuestos, el visual y el sonoro.

Ediciones De La Universidad De Castilla-La Mancha

Las imágenes del sonido : Una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX

La filosofía nació al aire libre y actualmente vuelve a las calles. Su arrinconamiento institucional, que la expulsa de escuelas y universidades, tiene como contrapartida una nueva vitalidad, un deseo colectivo de cuestionar radicalmente nuestros modos de vivir y de aprender de nuevo a pensar. La filosofía nació de la discusión, de la guerra entre ciudades y de la rivalidad entre concepciones del mundo. Hoy, otra guerra ha puesto en grave crisis nuestras formas de vida y sus presupuestos. Frente a ello, la filosofía es un pensamiento que transforma la vida. Es un sistema de conceptos pero también una actitud. La filosofía es pensamiento vivo. No ofrece fórmulas o recetas, sino que pone a cada cual en la situación de pensar sus asuntos particulares como problemas comunes. ¿Cómo vivir, cómo pensar, cómo actuar? Desde estas preguntas, la filosofía no es útil ni inútil. Es necesaria. Necesaria para la vida concreta de cada uno de nosotros y para nuestras sociedades en crisis. Hay quien piensa que la filosofía debe ser protegida y defendida como si fuera una pieza de museo o una especie en extinción. Todo lo contrario: la filosofía no puede preservarse, tiene que practicarse y exponerse. No se trata de estirar el pasado de una historia moribunda sino de abrirnos al presente de una filosofía inacabada. Filosofía inacabada para un mundo que muestra síntomas de agotamiento: éste es el principal desafío que nos interpela, a filósofos y no filósofos, hoy.

Galaxia Gutenberg, S.l.

Galaxia Gutenberg

Filosofía inacabada- rústica

Este es un libro de filosofía de guerrilla, una puesta en práctica de los presupuestos filosóficos que Marina Garcés planteaba en su libro anterior, Filosofía inacabada. Pensar radicalmente provoca que nos relacionemos con lo que somos y lo que hacemos a través de preguntas inesperadas con consecuencias no previstas. De esta manera, la filosofía crea su propio campo de batalla. Los textos reunidos en este libro hacen del pensamiento un lugar de interpelación y de encuentro, abren caminos y el conjunto resultante es un mapa inacabado de pistas para que cada uno de nosotros nos sirvamos de él para transformar la vida. Aquí el pensamiento se nos presenta como una fuerza personal y colectiva, íntima y pública, singular y plural, irreductible y comunicable.

Galaxia Gutenberg Ensayo

Fuera de clase

¿Qué es la realidad? ¿Cómo deberíamos vivir? Estos son los interrogantes que dieron origen a la filosofía y que inquietaban a Sócrates, quien pasó sus días desconcertando a la gente en las plazas y mercados atenienses con sus extrañas preguntas que hacían ver a las personas lo poco que realmente entendían. En cuarenta breves capítulos, Nigel Warburton realiza un apasionante recorrido cronológico por la historia de la filosofía occidental, presentándonos a los grandes pensadores y explorando sus ideas sobre el mundo y cómo vivir mejor en él. Nos ofrece curiosas, y a veces extravagantes, historias de la vida y muerte de los filósofos más destacados, desde Sócrates, que eligió morir envenenándose con cicuta antes que vivir sin la libertad de poder pensar por sí mismo, hasta Peter Singer, con su provocador enfoque ético y filosófico del mundo actual. Warburton no sólo hace accesible la filosofía sino que nos ayuda a pensar, debatir y razonar sobre ética, política, libertad o religión, temas que desde hace siglos ocupan un lugar central en la historia del pensamiento y que siguen siendo claves hoy.

Una pequeña historia de la filosofía- rústica

Esta obra reúne, por primera vez, Cinco meditaciones sobre la belleza y Cinco meditaciones sobre la muerte, es decir, sobre la vida, dos libros canónicos en el pensamiento del autor francés.El primer volumen constituye un breve pero intenso diálogo entre la estética occidental, fundamentalmente la renacentista, y la estética oriental, en especial la china, que nos adentra en el misterio de la belleza como luz y como espíritu. Es la belleza lo que, en estos tiempos de miserias, de violencia y de catástrofes naturales, se sitúa como oposición al mal, en el otro extremo de una realidad a la que debemos hacer frente.Por su parte, en el segundo volumen el autor indaga en la dualidad que integran la muerte y la vida para mostrarnos un «doble reino de la vida y de la muerte»; en él, la primera, elevada a su más alta dimensión, supera y engloba a la segunda. Así, François Cheng no pretende en esta obra darnos un «mensaje» sobre la vida después de la muerte ni elaborar un discurso dogmático, sino ofrecer su testimonio de una visión de la «vida abierta». Una visión en movimiento ascendente que invierte nuestra percepción de la existencia humana y nos invita a observar cómo la muerte transforma cada vida en un destino singular y la hace partícipe de una gran aventura por venir.

Meditaciones sobre la belleza y la muerte

«Marina van Zuylen explora con rara elegancia uno de los temas más ignorados tanto en la vida como en la literatura: las virtudes de todos los que no somos héroes». Daniel MendelsohnLa mayor parte de nuestra existencia transcurre en mitad de una discreta penumbra: acciones y pensamientos que nos dejan solo medianamente satisfechos y que a menudo guardamos para nosotros mismos. Sin embargo, igual que ocurre en las obras de ficción, hay personajes secundarios esenciales, reveladores de sentimientos ordinarios y experiencias banales que constituyen, sin embargo, la esencia misma de nuestra vida interior. Siguiendo los pasos de autores como Marcel Proust, Antón Chéjov o el Samuel Beckett de «Inténtalo de nuevo. Fracasa otra vez. Fracasa mejor», la autora construye un ensayo verdaderamente lúcido, personal e inspirador, en el que al afán de perfección ?que tan a menudo nos ciega y nos extravía? opone el poder de las pequeñas virtudes, invitándonos así a examinar y poner en valor, con una mirada matizada y comprensiva, nuestros defectos y cualidades ocultas.

Elogio de las virtudes minúsculas

¿Por qué, en el apogeo del arte griego, los filósofos proponen razones para despreciarlo? ¿Por qué la prohibición bíblica de la imagen ha sido interpretada de modo tan distinto por judíos, musulmanes y cristianos? ¿Por qué la querella de las imágenes cobró tal gravedad en Oriente y en Occidente hizo caso omiso y multiplicó las imágenes sagradas y profanas? Este libro responde a estas preguntas y plantea otras. Se interroga sobre la nueva iconoclasia que se desarrolla en Occidente ;Calvino que expulsa la imagen del templo, los jansenistas que la desdeñan, Kant que la juzga inútil, Hegel anticuada; y la transformación que estas corrientes imponen al arte europeo.Alain Besançon desvela en esta historia el desarrollo de una lógica espiritual enemiga de la imagen, que se consuma de siglo en siglo hasta llegar al nuestro. Destaca los momentos clave siguiendo el hilo que recorre la reflexión estética desde Platón hasta Malevich. E interpreta en la explosión del arte abstracto, el eco de antiguas concepciones iconoclastas. Toda su faceta del arte contemporáneo se ve iluminada por esta larga investigación sobre la imagen divina, aunque la nueva iconoclasia olvide a menudo los argumentos de la antigua.

La imagen prohibida

Caminar es una evasión de la modernidad, una forma de burlarse de ella, de dejarla plantada, un atajo en el ritmo desenfrenado de nuestra vida y un modo de distanciarse, de aguzar los sentidos.   David Le Breton mezcla en Elogio del caminar a Pierre Sansot y a Patrick Leigh Fermor, pero también hace que Basho y Stevenson dialoguen sin preocuparse por el rigor histórico, pues el propósito de este exquisito libro no radica ahí, se trata solamente de caminar juntos, de intercambiar impresiones, como si estuviéramos en torno a una mesa en un albergue al borde del camino, por la tarde, cuando el cansancio y el vino nos hacen hablar.;

Crítica de la crítica (1997)

La estética musical de hector berlioz a través de sus textos (2013)

Bajo el signo de las artistas. Mujeres, profesiones de arte y modernidad

Estética del reconocimiento (2015)

La melancolía moderna (2019)

Teorías del arte contemporáneo (2021)

El fin del arte (2020)

Sobre nada (2015)

Zurbarán. El pintor del misticismo (2011)

No soy yo (2011)

Rituales cotidianos. Cómo trabajan los artistas (2014)

Naufragio con espectador

Eupalinos o el arquitecto, el alma y la danza

La estética del siglo XVIII

Piezas sobre arte

La estética del romanticismo

Las imágenes del sonido : Una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX (2008)

Filosofía inacabada- rústica (2016)

Fuera de clase (2016)

Una pequeña historia de la filosofía- rústica (2013)

Meditaciones sobre la belleza y la muerte (2025)

Elogio de las virtudes minúsculas (2025)

La imagen prohibida

Elogio del caminar (2015)