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Un repaso exhaustivo, hito a hito, de un movimiento artístico rompedor  Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retrataban la vida cotidiana y huían de la influencia del círculo tradicional de galeristas organizando sus propias exposiciones.   Una vez superados los principios academicistas, nada les podía detener. En un constante deseo de desafiar, innovar e inspirar, los nuevos estilos artísticos se fueron sucediendo: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, arte abstracto, realismo renovado, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, arte minimalista y arte conceptual.   Este compendio imprescindible ilustra la energía incontenible del arte moderno (desde 1870 a 2000) a través del análisis introductorio y la enumeración, año a año, de las más revolucionarias obras de arte, aquellas que, rompiendo barreras, pusieron en jaque a los cánones establecidos. Con descripciones detalladas de las obras y sus artistas y reseñas sobre los movimientos más relevantes e influyentes.

Bibliotheca Universalis

Arte moderno

Desde la explosión de las vanguardias, las prácticas performativas han acompañado el desarrollo del arte como una suerte de «laboratorio experimental para algunas de las más originales y radicales formas artísticas», en palabras de RoseLee Goldberg. La performance no surge de una manera inopinada, bajo unas condiciones irrepetibles que le imprimieran el sello de un tiempo concreto. En tanto elemento transversal a los distintos contextos de producción que han jalonado la historia del arte de los últimos 110 años, la performance se puede considerar como ese «exceso» que ha desbordado los márgenes de inteligibilidad de cada uno de ellos. Este libro ofrece una perspectiva lo más generosa posible sobre el camino transitado por la performance desde las vanguardias hasta hoy, pero, al mismo tiempo, dejar abierta la posibilidad de un número indefinido de estrategias alternativas de narración.

Akal / Arte Contemporáneo

Arte y performance

El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. &quot; Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto &quot; arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.

Ediciones Catedra S.a.

Catedra

Breviario de diseño industrial

Todo está hecho de algo: desde los objetos cotidianos hasta los materiales que parecen anticipar el futuro. Se trata del milagro de la creación: la destreza, el diseño, la ingeniería y el ingenio que nos rodean cada día. Desde la taza de té hasta el avión, desde el chip de silicio a la suela de los zapatos, desde la fabricación de tejidos hasta los implantes biomecánicosà este libro está pensado para sorprendernos y maravillarnos ante el prodigio de las creaciones materiales humanas.

Noema

Cosas (y) materiales

"Es el tipo de libro que solo puede escribir un maestro." Christian Lorentzen.Un afamado pintor de mediana edad nos cuenta cómo se ha librado del peso de un secreto que no le permitía vivir. Un secreto lleva a otro y a otro hasta que la comunicación con los más cercanos resulta imposible. El protagonista cuenta su viaje juvenil a El Salvador atravesado por la muerte y la violencia, un affair amoroso en París y su fracturada vida familiar en los Estados Unidos.Una historia actual contada con una sencillez de lenguaje llamativa y que alcanza una gran profundidad.Junto al secreto aparecen temas tan actuales como las diferencias sociales, los problemas de comunicación en la familia, el arte y la vida cotidiana, y, sobre todo, la necesidad de abandonar el desdoblamiento para tener una vida digna.¿Nos damos cuenta de que las decisiones que tomamos están condicionadas por nuestros secretos?Un libro en el que la amistad aparece al mismo nivel que el amor. ¿Qué podemos llegar a hacer por una amistad?La acción transcurre en una vida cotidiana como la nuestra, aunque el protagonista-narrador sea un pintor afamado. De manera que leemos la historia con suma atención.Desde el punto de vista ideológico, resulta muy interesante la salida de la ironía postmoderna del personaje hacia un deseo de vida más humanista.

Cuánto azul

Disfruten con la fantasía de los creadores latinoamericanos y observenlas nefastas consecuencias del ensueño de los políticos. Y cómo a vecesambos delirios han ido de la mano.

Delirio americano

La arquitectura es más que una ?poética casual? y este libro busca ahondar en sus rimas. Para ello, mediante un recorrido por las principales corrientes arquitectónicas con espíritu inconformista, Lorenzo Rocha busca darle el peso funcional y teórico que merece. A través de la obra de Le Corbusier, Giancarlo de Carlo, Lacaton , Vassal, Alejandro Aravena y los principales ejemplos de la Costa este de Estados Unidos, este libro recorre las principales tendencias de los últimos años para encontrar los cimientos que comparten los espíritus más libres.

Arquitectura crítica

Descubra a Fernando Botero, la figura más ilustre del arte colombiano, famoso por su estilo figurativo y voluptuoso. Sus corpulentas creaciones han cautivado a coleccionistas e instituciones públicas y privadas de todo el mundo. Desde las caricaturas de animales de su primera etapa hasta las más recientes esculturas de bronce de gran formato, esta introducción esencial recorre la visión crítica, la ironía y exuberancia del boterismo.

Editorial Taschen

Botero

Los 400 anuncios publicitarios de la colección Jim Heimann que conforman esta historia ilustrada de la moda no sólo analizan las tendencias y siluetas que marcaron el siglo XX, sino también la evolución del mercado y el público al que se dirigía. De exclusivo negocio limitado a los salones parisienses la moda pasó a convertirse en la gran industria global que conocemos hoy.

20Th-Century Fashion. 100 Years Of Apparel Ads

En este libro de ensayos, Oscar Tusquets, diseñador, pintor y arquitecto, se presenta, por encima de todo, como un fino observador alejado de prejuicios que nos ofrece una generosa mirada sobre el hecho artístico entendido en su más honda humanidad: aquello que, huyendo de lo engolado, destila oficio, amor y conocimiento. Su aproximación al arte, a la arquitectura o al oficio es siempre un acercamiento alejado por sistema de cualquier juicio previo o cualquier actitud preestablecida: de ahí su radical y profunda iluminación. Los personajes que le sirven de punto de partida y que configuran este friso son, tal como afirma el autor en su título, «dignos de ser amados».

Amables personajes

Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta histori

Editorial Taurus

Que estas mirando

Una aproximación indispensable a la obra pictórica completa de Salvador Dalí (1904-1989), sus influyentes ideas y su impacto en la historia del arte. Pintor, escultor, escritor, cineasta, el prolífico artista fue uno de los grandes exhibicionistas y excéntricos del siglo XX.

Dalí. La obra pictórica

Desde los relojes blandos hasta la célebre jirafa en llamas, esta obra celebra el fantástico mundo y la extravagante personalidad de Salvador Dalí, uno de los artistas más visionarios y prolíficos del siglo XX. Provocador, excéntrico y de gran destreza técnica, Dalí revolucionó el concepto de creador con su arte de consumo y su controvertido personaje. Un libro imprescindible sobre el hombre con el bigote más icónico del mundo.

Dalí

Las distintas facciones del surrealismo sintieron siempre una gran fascinación por los diccionarios y explotaron sus posibilidades poéticas. El más fascinante de todos ellos es el presente volumen, publicado por primera vez en 1938 con ocasión de la Exposición Internacional del Surrealismo: los poetas André Breton y Paul Eluard proponen una suerte de diccionario-collage en el que los términos próximos al movimiento son definidos con gran humor y agudeza por escritores o artistas plásticos muy diversos.   Por sus páginas desfilan las extraordinarias «definiciones» del propio Breton y de Eluard, pero también las de Louis Aragon, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Benjamin Péret, René Crevel o de mentores más o menos remotos del movimiento como Lautréamont, Rimbaud, Lenin, Marcel Duchamp o Pablo Picasso, entre otros.

Libros Del Tiempo

Diccionario abreviado del surrealismo

Esta publicación, monografía del artista visual Fernando García Correa, forma parte del proyecto de exposición retrospectiva que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (13 de diciembre de 2012 al 14 de abril de 2013), en el que se revisó la producción desarrollada por el artista en los últimos 12 años.  El trabajo de Fernando García Correa discurre en el contexto de la pintura abstracta posminimalista. A través de elementos gráficos elementales, como la línea y el punto, desarrolla un complejo entramado de series en el que no se establece ni una secuencia temporal concreta, ya que han sido desarrolladas de manera alterna a lo largo de los años, ni un cierre o final para las mismas, dado que el autor sigue trabajando algunas de ellas.  Por medio de la seriación y la secuencia de estos elementos gráficos, se construye un entramado pictórico en el que la mano del artista aporta la distorsión a la pauta, la corrupción a la norma, generando así nuevas posibilidades de desarrollo.

Procurada corrupción. Fernando garcía correa

Con sus escaleras imposibles o sus mosaicos hechos de pájaros, el artista holandés M.C. Escher (1898-1972) creó un lenguaje gráfico único de rompecabezas, patrones singulares y pautas matemáticas. Denso, complejo y construido sobre principios intrincados, su trabajo, decorativo y lúdico al mismo tiempo, juega continuamente con las ilusiones ópticas y las limitaciones de la percepción sensorial. Para matemáticos y científicos, Escher fue un genio. Para los hippies, un pionero del arte psicodélico.Nacido en Leeuwarden (Holanda) en 1898, las primeras obras de Escher se centraron en la naturaleza y los paisajes, que expuso regularmente en Holanda y con las que obtuvo un cierto reconocimiento internacional. Sin embargo, fue durante un viaje al palacio de la Alhambra, en Granada (España), en la década de 1920, cuando Escher encontró el camino a seguir. Dibujando los motivos decorativos nazaríes, Escher quedó cautivado por la composición e interdependencia de sus formas.Trabajando principalmente con litografías y xilografías, Escher pasó a explorar la relación entre forma, figura y espacio con un entusiasmo casi obsesivo. Se recreaba en los puntos de vista peculiares, la variedad de perspectivas, en la transición de la bidimensionalidad del papel al volumen ilusorio y en intricados rompecabezas matemáticos, como la cinta de Moebius, un bucle aparentemente infinito que se retuerce y vuelve sobre sí mismo en una contorsión de imposibilidad física.Este libro introductorio de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN se adentra en la brillante mente de Escher a través de sus obras clave, fruto de su continua investigación acerca de la imagen y la percepción. En el camino esperan peces mutando en pájaros, lagartijas que parecen escaparse de la página, reflexiones magistrales, laberintos infinitos y algunas de las imágenes más alucinantes del arte del siglo XX.

M. C. Escher

El poeta Paul Eluard describió Expresiones de la locura como «el libro de imágenes más bello que ha existido». Su autor, Hans Prinzhorn, fue poeta amateur, músico, dibujante aficionado, historiador del arte, filósofo y psiquiatra. Su personalidad entusiasta se ve reflejada en el texto, que tiene su correlato en la configuración de una gran colección de obras que vienen de manicomios de todo el mundo.  Desde su publicación en 1922, el volumen fascina a artistas como Paul Klee, Max Ernst, Pablo Picasso o Salvador Dalí: algunos lo han considerado uno de los manantiales secretos de donde beben las vanguardias. Se trata, además, de uno de los primeros textos en realizar un análisis artístico de piezas realizadas por «locos», y resulta fundamental para la posterior configuración de categorías como el «art brut» o el «outsider art». Entre sus páginas aparecen relatos de personas que pintan sobre papel higiénico o esculpen con miga de pan. El libro es también la historia de la irrefrenable necesidad creadora del ser humano, a pesar de todo, y en las circunstancias más adversas.

Cátedra

Grandes Temas - Cátedra

Expresiones de la locura

Retratos implacables y una precisión propia de un laboratorio. Explore la obra del famoso pintor figurativo Lucian Freud, maestro de la forma humana que retrató con el mismo estilo sincero y rigor psicológico a modelos tan variopintos como la reina de Inglaterra, Kate Moss y una supervisora de una oficina de empleo voluminosa y desnuda. Directos y sinceros, los retratos de Freud van más allá de los defectos y los pliegues de la carne para revelar qué hay en el interior.

Lucian freud

Freud sobre la arquitectura explica qué ofrece Sigmund Freud para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura, con ejemplos que van desde el Movimiento Moderno hasta la actualidad.Las observaciones de Freud sobre la mente humana y su influencia en la cultura y el comportamiento social han generado numerosos debates desde el siglo XIX. Sin embargo, lo que las ideas fundamentales de Freud ofrecen para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura ha recibido muy poca atención directa. Esto se debe, en parte, a que Freud abrió la puerta a un lugar en el que la investigación convencional sobre arquitectura tiene poca fuerza: el inconsciente. Para complicar aún más las cosas, la obra de Freud es vasta y abrumadora. Freud sobre la arquitectura examina las ideas clave de Freud y cierra la brecha entre la arquitectura y la teoría psicoanalítica.En el libro se destacan las ideas de Freud sobre los cambios fundamentales en la infancia, cambios que modelan la psique adulta. También se explica cómo y por qué las fases del desarrollo pueden influir en las preferencias e inquietudes arquitectónicas del adulto, la intuición espacial y las creencias sobre lo que es adecuado y correcto en el proyecto de arquitectura. Por ello, Freud sobre la arquitectura será de gran interés para estudiantes, profesionales e investigadores de disciplinas tales como la arquitectura, el psicoanálisis y la filosofía.

Editorial Reverte Sa

Freud sobre la arquitectura

Las fotografías tienen una forma extraña y potente de modelar el modo en que vemos el mundo. Las imágenes con más éxito se han incorporado a nuestra conciencia colectiva, definiendo épocas, haciendo historia o simplemente captando un detalle tan humano y universal que se han convertido en iconos planetarios. Para estudiar esta influencia única, Photo Icons analiza los hitos más importantes de la historia de la fotografía.Desde las primeras imágenes, como la fotografía con una exposición de ocho horas desde un tejado tomada por Nicéphore Niépce en 1827 o la famosa escena callejera de Louis Daguerre de 1838, hasta la obra de Martin Parr, este volumen es una historia de la disciplina y, a su vez, un análisis del impacto social, histórico y artístico de cada obra en particular. Incluimos las instantáneas surrealistas experimentales de la década de 1920 y el crudo fotorrealismo de la década de 1930, entre ellas, la Madre emigrante, de Dorothea Lange.Contemplamos a figuras poderosas (Che Guevara) y otras que rompen corazones (Marilyn Monroe), así como un amplio espectro de emociones y experiencias humanas de las que la fotografía es testimonio vívido: desde la eufórica imagen de El beso del Hôtel de Ville, de Robert Doisneau (1950), al horror de Napalm contra civiles, de Nick Ut, que muestra a una niña de nueve años, Phan Thi Kim Phúc, corriendo desnuda hacia la cámara en su huida de un bombardeo con napalm.

Fotografías míticas

Vicente Rojo (Barcelona 1932), después de estudiar en l'Escola Elemental del Treball, viaja a México para encontrarse con su padre, exiliado político de la Guerra Civil. Será allí donde desarrolle su obra pictórica, hasta el punto que se le considera uno de los artistas más influyentes de la corriente abstraccionista mexicana, así como su faceta como impulsor de numerosas empresas culturales.  Escrito/Pintado ofrece un recorrido por la obra de Vicente Rojo y reúne una destacada selección de obras de diseño gráfico y editorial, libros de artista, series de escultura y pintura, bocetos y grabados, en los que se despliega una multitud de negociaciones entre la letra impresa, el signo como gesto y la pintura como proceso.

Vicente rojo. Escrito/pintado

Explore la era moderna del diseño en esta edición de Bibliotheca Universalis sobre los movimientos y tendencias clave del siglo XX. Con innumerables obras de todo el mundo, este es un compendio esencial para los aficionados al diseño donde quiera que estén, con actuaciones estelares de figuras como De Stijl, Dieter Rams, Charles y Ray Eames, y Philippe Starck.

Diseño del siglo XX

En 1538, Francisco de Holanda, joven pintor de veinte años y humanista en ciernes, viajó a Italia por orden de Juan III de Portugal para ilustrar «las fortalezas y obras más insignes» de aquella tierra. Esta misión diplomática le permitió visitar varias ciudades italianas y conocer, en Roma, a Miguel Ángel, que entonces tenía sesenta y tres años y se había convertido en el artista más influyente de Europa. Los diálogos recogidos en este volumen recrean literariamente las conversaciones sobre arte que Francisco mantuvo con el maestro en las reuniones que organizaba la poetisa Vittoria Colonna? gran amiga de Miguel Ángel y destacada figura del Renacimiento italiano?, en las que también participaron otros artistas de la época. Esta cuidadosa edición no sólo nos ofrece una original pieza literaria en que las voces y opiniones singulares de un buen número de personajes ilustres suenan plenamente vivas, sino también una obra de un gran interés histórico, pues contribuyó a la difusión de la novedosa idea de creación artística que se impondría en Occidente durante los siglos venideros.

El Acantilado

Diálogos de roma

Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española.  Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad.   Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.

Juan caramuel y la probable arquitectura

Arte moderno (2015)

Arte y performance (2022)

Breviario de diseño industrial (2016)

Cosas (y) materiales (2017)

Cuánto azul (2019)

Delirio americano (2022)

Arquitectura crítica (2018)

Botero (2017)

20Th-Century Fashion. 100 Years Of Apparel Ads (2016)

Amables personajes (2014)

Que estas mirando (2013)

Dalí. La obra pictórica (2013)

Dalí (2015)

Diccionario abreviado del surrealismo (2015)

Procurada corrupción. Fernando garcía correa (2013)

M. C. Escher (2015)

Expresiones de la locura (2012)

Lucian freud (2015)

Freud sobre la arquitectura (2025)

Fotografías míticas (2019)

Vicente rojo. Escrito/pintado (2015)

Diseño del siglo XX (2012)

Diálogos de roma (2018)

Juan caramuel y la probable arquitectura (2014)