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Visor

El presente libro constituye sin duda un hito en la producción histórico-artística de nuestro país. Más allá de la simple recopilación y escrutinio de fuentes y bibliografía, y fruto del estudio y la investigación in situ, la obra de Eva Fernández del Campo ofrece una visión de conjunto de la creación en India inédita hasta la fecha. No se limita, como suele ser frecuente, a los periodos hindú e islámico, sino que la considera como un continuum que parte de la prehistoria y llega hasta nuestros días, de modo que cada nueva etapa evolutiva se entiende a partir de la asunción (y superación) de los aportes de estratos previos. De este modo, las diferentes manifestaciones artísticas se entienden no como entes aislados sino ubicadas en un contexto amplio que permite comprender todas sus características distintivas, así como sus diversos niveles de significado. Acompañado de un riquísimo corpus gráfico, amplias bibliografías y cuadros cronológicos que constituyen un instrumento fundamental para guiarse por un universo tan complejo y distante de nuestra cultura como es el de la India, y poniendo especial énfasis en una cuidadosa transcripción del sánscrito, El arte de India es una referencia incuestionable (no sólo en el ámbito nacional, sino también en el internacional) para cualquier personas que quiera conocer (y profundizar) una de las culturas más antiguas del planeta que ha mantenido su vigencia hasta nuestros tiempos.

Arte En Contexto

El arte de india

Arte experimental en China: conversaciones con artistas, parte de la voluntad de recoger las reflexiones de varios artistas, críticos y com isarios que participan y han participado en la construcción, evolución y consolidación del arte experimental en China. Este es un tema muy a mplio que puede abarcarse desde múltiples perspectivas, por lo que se ha priorizado profundizar en la obra de determinados autores que compa rten como denominador común la decisión de fundir la experiencia estét ica y ética, el arte con la vida. Bajo tal premisa, la creación devien e un instrumento para observar el entorno, tanto personal como social y político.Los artistas entrevistados trabajan principalmente con el a rte de acción, aunque también con las instalaciones y la fotografía. L a mayoría de ellos pertenecen a una generación que recuerda el impacto de la Revolución Cultural y que, a su vez, han ido desarrollando su t rayectoria artística en un nuevo contexto en transformación continua a partir de la reforma política y económica promovida por Deng Xiaoping .Esta selección de experiencias queda recogida para que podamos aproxi marnos y conversar con los pensamientos expuestos por los propios prot agonistas.

Edicions Bellaterra

Arte experimental en china

Paisaje en las Américas es un intercambio extraordinariamente rico de arte e ideas, resultado de una asociación dinámica entre la Art Gallery of Ontanario, La Terra Foundation for Art y La Pinaccoteca do Estado de Sao Paulo. La convicción de que el arte tiene el potencial tanto para diferenciar culturas como para unirlas queda implícita en este libro. Paisaje en las Américas, constituye un logro único. Es una exhibición largamente esperada, con un marco panamericano que integra las muchas percepciones, perspectivas y expresiones que constituyen América del Norte y del Sur. El proyecto reúne más de cien años de imaginarios locales diversos y prácticas artísticas, y examina de cerca las nociones mismas de estética, identidad y pertenencia. Paisaje en las Américas es el resultado de un profundo compromiso de las instituciones involucradas para producir conocimiento académico y al mismo tiempo accesible, con el objeto de cultivar una mejor comprensión del arte y la cultura panamericanos.

Paisaje en las américas - pintura desde la tierra del fue

Este libro, nos dice su autor, es fruto de largos años de reflexión en torno a «líneas de pensamiento y experimentación poco habituales». Para él, la fuente es la imagen que mejor representa el misterio de la vida; en arquitectura, los rascacielos serían las fuentes heladas que han ido brotando en las ciudades. La forma, como afirmaba Sullivan, ha de ser siempre fiel a la función, pero, según Bragdon, la función debe expresar y determinar a la vez el significado mismo de la forma, como ocurre en los organismos naturales. Por tanto, la arquitectura ha de ser orgánica y estética, no en el sentido de «acorde con el buen gusto», sino en el más profundo de belleza.Después de repasar el fenómeno, puramente estadounidense, de los rascacielos, que nació de una necesidad práctica y no estética, Bragdon sostiene que un edificio no será una obra de arte si no obedece a una norma armoniosa de sus medidas, como va explicando mediante ejemplos a lo largo de esta obra. Por último, se ocupa de la ornamentación, suprimida de la arquitectura moderna porque, además de no cumplir ninguna función, encarecía la obra; a lo que Bragdon responde afirmando que es una expresión de nuestra singularidad. Y, como los modelos ornamentales se han quedado anticuados, crea nuevos patrones tan rigurosos como originales, inspirados en tres conceptos matemáticos: los sólidos platónicos, los cuadrados mágicos y la cuarta dimensión. En suma, este ensayo es un recorrido completo por el ideario de uno de los diseñadores más interesantes del siglo xx, injustamente olvidado.

Atalanta

Imaginato Vera

La fuente helada

Este libro recoge respuestas distintas a una misma pregunta. La pregunta acerca del lenguaje que, desde cada disciplina y cada experiencia, es capaz de hablar del espacio habitado que compartimos, del espacio de la ciudad, de las ciudades, de los lugares construidos en el pasado y en el presente.

Topología del espacio urbano

Museo Thyssen - Bornemisza

Edvard munch. Arquetipos

Viaje a las islas invitadas

El primer dalí 1918-1929

Editorial Nerea S.a.

Joseph beuys

Las obras y los artistas analizados coinciden en una elección formal -la desmaterialización del objeto artístico- y en una actitud en los planteamientos -la percepción de la obra en tanto que experiencia visual para el espectador. Se utiliza la luz como experiencia plástica que permite dictar un lenguaje de imprecisión y misterio, y superar el límite de la materia.

Artistas de lo inmaterial

Breve ensayo que analiza las claves de la identidad sexual en la representación cultural contemporánea.. Todavía hoy, en los estudios de historia del arte incomoda en algunos sectores que se hable de CUESTIONES DE GENERO, es decir, de los valores en torno

Arte y cuestiones de género. Una travesía del siglo XX

¿Pueden hablar los subalternos?

Una mañana de primavera de 1957, el veterano fotógrafo periodístico David Douglas Duncan hizo una visita a su amigo y a menudo tema fotográfico Pablo Picasso, en la casa del artista cercana a Cannes. Al lado de Duncan, la mascota del fotógrafo, un teckel llamado Lump, hacía las funciones de copiloto en su Mercedes 300 SL «Alas de Gaviota». Fotógrafo y perro eran compañeros inseparables, pero el estilo nómada de Duncan y su otro perro –un galgo afgano enorme y celoso que tiranizaba a Lump– les complicó mucho la vida en Roma. Cuando ese mágico día llegaron a casa de Picasso, Villa La Californie, Lump decidió que había llegado al paraíso en la Tierra y que se trasladaría a vivir con Picasso, tanto si era aceptado como si no. Lump, en Alemania, donde nació, significa «granujilla». Esta alegre historia, inédita hasta ahora, del artista y su perro da una imagen sensible poco común de Picasso. Lump fue inmortalizado en un retrato que Picasso pintó en un plato el día en que se conocieron, pero aquello fue sólo el principio. En una explosión de más de cuarenta pinturas inspiradas en la obra maestra de Velázquez, «Las Meninas», Picasso reemplazó al sabueso impasible del primer plano por vistosas versiones de Lump. En la actualidad, todos esos luminosos lienzos configuran el eje central de la exposición del Museo Picasso de Barcelona, que el artista donó a la ciudad que lo acogió en su juventud. En este libro se reproducen catorce pinturas a todo color, junto con las fotografías de Duncan en blanco y negro de Picasso y Lump, íntimas y cargadas de dramatismo, que completan la odisea de un teckel afortunado que pasó de ser un reacio guerrero de la carretera a un icono peludo y estilizado del arte del siglo XX.

Plot Ediciones, S.l.

Picasso & lump. La odises de un teckel

Descubra la brillante y sensual obra de Gustav Klimt, el pintor simbolista austríaco que combinó el arte decorativo con el erotismo. De las pinturas de paisaje a sus deslumbrantes representaciones del cuerpo femenino, el miembro fundador de la Secesión de Viena sigue fascinando con sus obras en las que abundan los patrones parecidos a mosaicos, las curvas y los colores radiantes.

Klimt

Conozca al surrealista belga sumido en la búsqueda eterna de la magia y el misterio. Esta introducción a Magritte presenta obras clave del amplio repertorio de humor visual, paradoja y sorpresa del artista, que aún hoy nos impulsa a examinar repetidas veces no solo la pintura, sino nuestra condición de individuos y el mundo que nos rodea.

Magritte

Descrita por Goethe como &#x0201C;una ciudad universal, donde cada paso dado en un puente o en una plaza hace recordar un gran pasado&#x0201D;, París fascina tanto por sus dos mil años de historia como por su belleza, su energía y su arte. Es la ciudad de Marcel Proust y de Coco Chanel, de Edith Piaf y de Jean-Paul Sartre, del impresionismo, el cubismo y el surrealismo, de la Rive gauche, tan cool, y de las noches iluminadas por las luces centelleantes de la Torre Eiffel.Fue también en las márgenes del río Sena donde Niépce y Daguerre crearon oficialmente el nuevo arte de la fotografía, y con este tapiz de evocadoras imágenes rendimos homenaje a la historia fotográfica, pero también cultural, arquitectónica y social de la ciudad. Las 300 imágenes incluidas en este libro reúnen el pasado y el presente, la monumentalidad y la vida cotidiana, las caras y las vistas de la capital francesa, y se muestra el talento de fotógrafos maravillosos como Daguerre, Marville, Atget, Lartigue, Brassaï, Kertész, Ronis, Doisneau y Cartier-Bresson. El apéndice final, que contiene alrededor de 100 referencias sobre libros, películas y canciones relacionados con París, complementa esta selección fotográfica sobre la ciudad de la luz.

París. Retrato de una ciudad

Hasta su muerte a los 104 años, Oscar Niemeyer (1907-2012) fue una suerte de fuerza arquitectónica imparable. A lo largo de siete décadas proyectó en torno a 600 edificios y transformó el horizonte urbano de ciudades como Bab-Ezzouar, en Argelia, o Brasilia, obra maestra en su país natal.Con sus líneas fluidas, Niemeyer confirió dinamismo a las formas contenidas del Movimiento Moderno. En lugar de la austeridad de las líneas rectas, sus estructuras lucían trazos sinuosos y seductores. Llenó la jungla de hormigón de curvas gracias a edificios como el Museo de Arte Contemporáneo Niterói, el Edificio Copan o la catedral de Brasilia. En la futurista capital federal proyectó casi todos los edificios públicos, convertidos en parte esencial de la imagen que el mundo tiene de ella.Con un gran número de ilustraciones y descripciones de los proyectos más destacados de su prolífica carrera, este libro presenta la visión única de Niemeyer y muestra cómo su trabajo transformó la concepción de los edificios comerciales, religiosos y culturales, y hasta la propia imagen pública de Brasil.

Niemeyer (cas) (basic art)

Actar Editorial (Font I Prat Associats,

Culturas del cambio. Átomos sociales y vidas electrónicas

Fritz Kahn (1888?1968) fue un médico alemán, pedagogo, autor de textos de divulgación científica y pionero de la representación gráfica de la información. Obligado a salir de Alemania por los nazis, quienes prohibieron y quemaron sus libros, Kahn emigró a Palestina, Francia y finalmente a Estados Unidos para continuar con el trabajo de su vida.En esta edición revisada de la colección Bibliotheca Universalis, TASCHEN rinde homenaje a Kahn como genio creativo especialmente adepto a la visualización de ideas científicas complejas. En obras como Man as Industrial Palace (El hombre como palacio industrial), observamos cómo Kahn desarrolla vívidas metáforas visuales para desmitificar la ciencia y cómo sus conceptos han influido en generaciones de ilustradores científicos, especialistas de la comunicación visual y artistas infográficos hasta hoy.El libro incluye más de 350 ilustraciones con completos comentarios, tres textos originales del autor, un prólogo escrito por Steven Heller y un ensayo sobre la vida y obra de Kahn.

Bibliotheca Universalis

Fritz kahn

Criticado en vida tanto por su estilo como por sus temáticas, el francés Édouard Manet (1832-1883) es considerado en la actualidad una figura crucial de la historia del arte: el pintor que posibilitó la transición del Realismo al Impresionismo.En su obra, Manet combinó una gran técnica pictórica con imágenes asombrosamente modernas de la vida contemporánea, centradas en el París más urbanita. Retrató los parques, bares y cabarés de la ciudad, a menudo recreándose en aspectos provocadores y clandestinos. El Salón de París rechazó su Almuerzo sobre la hierba, donde hombres completamente vestidos aparecen junto a una mujer desnuda. Y la pose descarada de una prostituta de mirada inmutable, Olympia, versión moderna de la Venus de Urbino, de Ticiano, escandalizó a la sociedad de su tiempo.Repleto de ilustraciones, este libro presenta la obra de Manet y descubre la manera única en la que el pintor combinó Realismo e Impresionismo, reinterpretando también a los antiguos maestros, en un estilo que se convertiría en paradigma para las generaciones modernistas venideras.Sobre la serieCada libro de la Serie Básica de Arte de TASCHEN incluye: un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;una concisa biografía;aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Manet

La anarquía del silencio. John cage y el arte experimental

La instalación es una nueva forma de expresión que viene a reconsiderar las condiciones espaciales de presentación de las propuestas artísticas. Surge en la confluencia de ideas, acciones, contenidos, proyectos y manifestaciones plásticas de finales de los sesenta y principios de los setenta, y sus planteamientos se nutren de esas corrientes transformadoras.

Instalaciones

Hasta la década de los 60, el arte de acción no se desarrolla tal como lo entendemos hoy. Es en los 70 cuando es aceptado como medio artístico con derecho propio y los museos empiezan a patrocinar festivales, las escuelas de Bellas Artes introducen cursos de performance y surgen algunas revistas especializadas. Así, el happening, la acción y la performance se encuentran entre las expresiones artísticas más fructíferas de la segunda mitad del siglo XX. Gracias a ellos el estatuto tradicional de obra de arte se ha desmoronado y el artista ha asumido nuevas funciones, más próximas al papel de mediador que al de creador.

El arte de acción

Artista polifacético -grafista, diseñador, pintor, cineasta, fotógrafo, promotor de grupos musicales y escritor-, se instaló en Nueva York a principios de los años cincuenta y, tras un período en el que su tarea estuvo relacionada con el diseño, empezó a pintar. Pronto se hizo muy famoso y su obra ha influido de manera decisiva en los artistas de generaciones posteriores.

Andy warhol

El arte de india (2013)

Arte experimental en china (2011)

Paisaje en las américas - pintura desde la tierra del fue

La fuente helada (2024)

Topología del espacio urbano (2014)

Edvard munch. Arquetipos (2015)

Viaje a las islas invitadas (2005)

El primer dalí 1918-1929

Joseph beuys

Artistas de lo inmaterial

Arte y cuestiones de género. Una travesía del siglo XX

¿Pueden hablar los subalternos? (2009)

Picasso & lump. La odises de un teckel

Klimt (2018)

Magritte (2018)

París. Retrato de una ciudad (2017)

Niemeyer (cas) (basic art)

Culturas del cambio. Átomos sociales y vidas electrónicas (2009)

Fritz kahn (2017)

Manet (2020)

La anarquía del silencio. John cage y el arte experimental (2009)

Instalaciones (2001)

El arte de acción

Andy warhol