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Gardners

The Harry Potter Piano Anthology

Tapa blanda

Español

Dairea Ediciones

Nueve sonatas ineditas

Las cantatas para soprano y continuo que presentamos en esta publicación constituyen los primeros trabajos que conocemos de Giacomo Facco (1676-1753), un compositor, instrumentista y maestro de música italiano que desempeñó una importante parte de su trabajo musical en Madrid al servicio de la corte española. La importancia de la música vocal dentro de la obra del compositor véneto es incuestionable. Facco es el autor de la música de, al menos, quince obras escénicas representadas en las ciudades de Palermo, Mesina y Madrid. Además, varias bibliotecas de Italia, España, México y Guatemala conservan otras quince cantatas del compositor, tanto profanas como religiosas. In grembo ai fiori, Sentimi Amor y Clori pur troppo bella son los títulos de las cantatas incluidas en esta edición crítica, todas ellas fechadas en 1702 y conservadas en la Biblioteca del Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles.

Cantatas para soprano y continuo

Publicado en dos partes en 1753 y 1762, el Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado es una de las fuentes más influyentes para la interpretación del repertorio de la segunda mitad del siglo XVIII, junto con los tratados contemporáneos de Quantz, Agricola y Leopold Mozart. El detalle y la claridad de la información, el rigor científico con que aborda los temas técnicos, además de un sólido planteamiento estético, permiten considerarlo el primer gran método moderno para el teclado, concebido en sus múltiples facetas: clave, fortepiano, órgano y, sobre todo, clavicordio, el instrumento preferido por el autor. La edición de Eva Martínez Marín constituye la primera versión española del Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado. Reúne en un único volumen las dos partes originales de 1753 y 1762 y los añadidos del autor a las ediciones revisadas publicadas en 1787 y 1797. Incluye además la autobiografía que Carl Philipp Emanuel Bach escribió en 1773, junto con el catálogo de sus obras impresas hasta ese momento, así como un original estudio del clavecinista

Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado

La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor. Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto. Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos. Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio. La e

Versos de organo para la misa, regina caeli y te deum

Tonos y villancicos

Pasión segun san juan

Tres lamentaciones a solo

Piezas de estudio del ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado

Los textos reunidos en este volumen a cargo de su biógrafo, Pedro Ignacio López, son una recopilación creada ex novo, bastante completa, de las crónicas y los artículos que sobre el mundo de la música, en general, publicó Camba a lo largo de su carrera en La Correspondencia de España, El Mundo, La Tribuna, ABC y El Sol. Más de la mitad permanecían olvidados en las hemerotecas, siendo prácticamente desconocidos para la mayor parte de los lectores. De este modo, el libro se convierte no sólo en una recopilación temática, sino también en un excelente muestrario general del articulismo inédito de Camba.

Fórcola Ediciones

Tangos, jazz-bands y cupletistas

Rafael Belmonte García, médico de profesión y promotor artístico y cultural de vocación, constituye una pieza clave en la Sevilla del siglo XX. Su condición de hermano de una de las mayores figuras del toreo de todos los tiempos le hizo adentrarse de lleno en el mundo de la tauromaquia y su pasión por las artes le llevó a dejar un amplio legado en ámbitos tan diversos como la radio, el teatro y el flamenco; fue, además, parte activa en la historia de la Semana Santa sevillana y andaluza: conferenciante, pregonero, guionista y poeta. A través de esta biografía, el lector se adentra en las vivencias y anécdotas de un personaje poliédrico narradas en un estilo sencillo y acompañadas de un rico material fotográfico. Asimismo, el libro ofrece la posibilidad de acceder a un importante conjunto de material sonoro gracias a la descarga de los códigos QR que acompañan a la narración.

Editorial Universidad De Sevilla-Secretariado De P

Rafael belmonte garcia

Carlos Paniagua se adentra en el fascinante mundo del laúd árabe, su origen, evolución y difusión, analizando las anécdotas que corrían sobre los músicos, especialmente sobre Ziryab en la corte del sultán de Bagdad y las peripecias del viaje que lo llevó a Alándalus.  Los autores árabes medievales describen el laúd por su forma, sus proporciones, el sonido, la forma de sujetarse y de tañer, los materiales para su construcción, las cuerdas, los trastes que ha tener, su situación exacta y hasta los cuidados para su buena conservación. Este trabajo es una recopilación comentada de multitud de datos dispersos que dichos autores dejaron, así como un estudio de las imágenes que sobre el instrumento se conservan en miniaturas, pinturas y esculturas medievales. Cuando todo este material se ordena y se encaja en su contexto se pueden contestar algunas cuestiones interesantes como: ¿usaban trastes en el laúd?, ¿cuándo y dónde empezó a construirse la caja con tablillas encoladas?  Cuando los árabes quisieron dar forma a la nueva Escuela de Música Árabe en el siglo VII no tenían ninguna herramienta que les permitiera fijar los sonidos y tuvieron que recurrir a un instrumento musical foráneo, el barbat persa, que por entonces causaba furor en La Meca y Medina. Con el tiempo se transformó en el ?ud al-shabbut o laúd árabe y desde entonces hasta hoy se utiliza para explicar las notas y los intervalos, llegando a ser el instrumento medieval mejor conocido de su cultura. Como luthier e investigador, hace mucho tiempo que Carlos Paniagua busca y reúne datos sobre los antiguos instrumentos musicales de cuerda en general y del laúd en particular, con el propósito de mejorar sus conocimientos y que las reproducciones que se realizan en su taller sean coherentes con la época que se pretende recrear. Cuando leyó al arabista Julián Ribera, quien afirmaba en 1922: ?... luego comenzaron a usarse los instrumentos que se tañían en las comarcas conquistadas por los árabes, especialmente el laúd, que quedó como principal y clásico. De éste se podría escribir un libro, recogiendo los datos que los historiadores de la música árabe nos han conservado?, se preguntó: ¿cómo es posible que nadie lo haya hecho todavía? Este libro es su respuesta.

Tapa dura

Ediciones Polifemo

El laúd árabe medieval. Historia y construcción

Estas páginas analizan el papel que la experiencia, la acción y la improvisación jugaron en las interacciones entre el jazz y las artes, fundando así nuevos modos articulados de pensar y hacer el arte y de afrontar la vida. Dichos procedimientos se desarrollaron en entornos urbanos alternativos (Harlem, Greenwich Village, Saint-Germain-des-Pr és, Haight-Ashburyà) y en diversas comunidades reflexivas y creativas (Black Mountain College, New School for Social Research, Hollywoodà), construyendo nuevos cauces simbólicos que contribuyeron a superar la tradicional antinomia entre la alta cultura y la cultura popular. Igualmente, esas interrelaciones tuvieron lugar en un contexto internacional caracterizado por la génesis de la sociedad posindustrial, la lógica geopolítica de la Guerra Fría, el impacto de la migración intelectual y artística Europa - EE. UU. (1930-1960), la pujanza global de la cultura afroamericana y la emergencia de los nuevos movimientos sociales y culturales, entre otros procesos relevantes.

Ediciones La Bahia

El jazz y las artes

Libros Discos Crudos

Unknown pleasures

Anton Lopez Alvarez

Las serenas y delicadas canciones de Another green world suenan prácticamente contemplativas, pero el álbum en sí fue un experimento propulsado por adrenalina, pánico y pura fe. Se trataba del primer disco de Brian Eno compuesto casi totalmente dentro de un estudio de grabación, a lo largo de unos escasos meses de verano de 1975, y sirvió como campo de pruebas de las incipientes ideas de Eno acerca del concepto de «el estudio como instrumento musical», convirtiéndose en modelo a seguir para una nueva y atrevida forma de pensar la música.En este libro, Geeta Dayal desenmaraña los abundantes misterios de Another green world, aventurándose en sus densos matorrales sonoros. ¿Cómo pudo un álbum tan coherente y refinado realizarse, aparentemente, tan sobre la marcha? ¿Cómo se utilizó la electrónica y las capas de efectos sintéticos para crear un disco tan evocador de la naturaleza? ¿Cómo encaja una baraja de cartas en todo esto? A través de entrevistas e investigación de archivo, Dayal desentierra la extraña historia de cómo en Another green world se formuló el vínculo hacia el futuro de Eno, anunciando su metamorfosis de imprevisible rockero glam a pintor sónico.

Another green world

La imaginación sonora se inicia en la aurora del occidente europeo y concluye en la época en que empieza a perder su indiscutible hegemonía en el marco de un mundo nuevo (planetario, global, ecuménico). Desde los orígenes de la escritura musical y de la polifonía contrapuntística, y el final de esta aventura occidental en dirección hacia latitudes ecuménicas, planetarias, globales, con figuras tan enigmáticas como Giacinto Scelsi, este libro traza un arco musical de aproximadamente un milenio: Orlando di Lasso, Palestrina, J. S. Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Wagner, Bruckner, Mahler o Sch"nberg. 'Al igual que en El canto de las sirenas -afirma Eugenio Trías- la filosofía está siempre presente en todo el libro. Y en particular lo está mi propia filosofía, la propuesta filosófica que he ido elaborando durante años. Pero interviene al modo de la orquesta wagneriana: de forma invisible (aunque omnipresente).'

Galaxia Gutenberg, S.l.

La imaginación sonora- rústica

The Cambridge Companion To Metal Music

Continta Me Tienes (Errementari S.l.)

Tocar de oído

Texto fundamental para entender la génesis y práctica de la música de creación actual, escrito por un artista único en el actual panorama musical español.Topologías sonoras es un intento por descifrar el complejo pero apasionante mundo de la música de creación. El autor, amparado en su amplia experiencia en todos los campos musicales (composición, improvisación, interpretación -piano y dirección-, programación y edición, pedagogía, ensayo), propone un desentrañamiento del hecho musical contemporáneo en base a una docena de temas escogidos. A modo de topología en estrella, aquella que muestra una red en torno a un nodo central, cada capítulo se centra en una matriz común, que se disecciona para estudiar sus múltiples manifestaciones y formas sonoras.Algunos temas son de naturaleza tan inasible y poética como la primera entrega (las veinticinco formas del silencio), mientras que otros destacan por su mera fisicidad (las trece cualidades del sonido o los seis sonidos orquestales). Hay estudios tímbricos y canoros (las 22 voces de la voz) o de ámbito estrictamente técnico (acordes para el flamenco). Hay también lugar para perderse en los dédalos de la historia (cuatro claves para fechar el nacimiento del flamenco), en la desconcertante historiografía moderna (singularidades de las aportaciones cósmicas) o en la exploración de las cuestiones colindantes con la también laberíntica sociología musical (las cualidades del intérprete de música contemporánea) o de los terrenos de la estética (los sambenitos con que ha cargado el lenguaje musical de vanguardia). Los tres apéndices, de indudable carácter autobiográfico, hacen un balance retrospectivo de la música matérica del autor (motivo ya de media docena de tesis y trabajos fin de máster, así como de innumerables artículos sobre su música), de sus rupturistas aportaciones escénicas y de su respuesta artística como crítica a la sociedad.Así como es de versátil y caleidoscópico el lenguaje musical, así de disímiles y contrastadas resultarán las propuestas de cada capítulo, pudiendo perderse el melómano, musicólogo, profesional o aficionado a la lectura sin más, en discursos que navegan por la abstracción, la reflexión, el análisis, el ensayo estético, la exactitud de la técnica creativa, la ambigüedad de la metáfora o la subjetividad de lo autobiográfico. Sin renunciar a sondear el lenguaje de la pasión y del intelecto, el texto discurre con naturalidad por la disección más fría, rigurosa y analítica, junto a la ironía y el humor más comedido, la crítica más corrosiva con la sensibilidad y la poesía, la escucha del mensaje más sutil e intelectualizado con la voz popular. Siempre por la sorpresa y fascinación del lenguaje sonoro.

Edictoràlia Llibres I Publicacions

Topologias sonoras

Una amplia selección de 300 escritos musicales que hablan de la creación electroacústica, la improvisación libre, el arte sonoro y las músicas experimental en España.EMOCIONES SONORAS contribuye a restituir una parte de lo vivido, a enmarcar unas vivencias, unos sentimientos, unas inquietudes y unas emociones compartidas en una época particularmente intensa. Una época llena de incertidumbres y caracterizada por un convulso cambio de milenio. Se trata de una amplia selección de alrededor de trescientos escritos musicales que hablan de la creación electroacústica, la improvisación libre, el arte sonoro y las músicas experimentales en España. Testigo de cómo las nuevas generaciones de músicos y artistas sonoros se han comprometido con las últimas propuestas estéticas y nuevas formas de hacer música, Josep Lluís Galiana describe situaciones sonoras concretas y reflexiona sobre determinados acontecimientos artísticos en un asequible tono divulgativo. EMOCIONES SONORAS recoge críticas, entrevistas, reseñas y artículos, en su mayor parte publicados en el periódico Levante-EMV, pero también notas a discos y programas de conciertos, así como alguna conferencia, trabajo de investigación o monográfico inéditos o publicados en otros medios de comunicación.Todos estos escritos nos remiten a una larga etapa de actividad profesional del autor en sus diversas facetas como periodista, gestor cultural, músico y docente, comprendida entre los años 1992 y 2015, y a un espacio geográfico circunscrito principalmente a la ciudad de Valencia. Habitadas por centenares de compositores e intérpretes y las poéticas de creadores sonoros procedentes de todos los rincones del planeta, las páginas del presente volumen transitan a lo largo de casi un cuarto de siglo marcado por una urgente (r)evolución musical que afectó a lenguajes, estéticas y formas de hacer y escuchar las nuevas creaciones sonoras. Una revolución que dio como resultado impensables hibridaciones, inusitados juegos interdisciplinares e increíbles cambios tecnológicos aplicados a la creación sonora. Emociones sonoras nace de la firme creencia en el «compromiso de hacer historia, recalando en aquellas músicas más imaginativas que nos hacen ampliar horizontes y las ganas de vivir compartiendo emociones», señala el crítico Rogelio Pereira. En palabras del autor, «la música es pura fisiología, se aferra a nuestras vísceras, nos hace vibrar, nos golpea el pecho y nos pone en movimiento, y la emoción es una reacción ante cualquier estímulo que va a condicionar nuestra conducta, y se activa de muy diversas maneras. Es verdad que los sonidos, afirma Galiana, tienen una fuerza física, inconsciente, pre racional y quasi animal que nos aleja del pensamiento para entregarnos a la emoción en su estado más puro».Del prólogo del compositor y pianista Carlos D. Perales: Casi sin pretenderlo me he visto lujosamente acompañado por maravillosos colegas de viaje, de un lado y del otro, o de los dos, como el autor de este libro. Es una de las pocas personas con las que puedo estar hablando en ningún idioma, esto es, improvisando libremente. No pretendo ponerme conativo ni poético. Es un regalo que he recibido. Personas así han propiciado lo bueno que pueda tener, lo malo es solo culpa de la genética. Es por todo esto y sin otro particular que, pese a que tendemos a enroscar ampulosos biopics debajo de nuestras fotos en los programas de concierto, en realidad deberíamos apostillar: fulano, solo pretende emocionar y ser emocionado. Y este libro es una valiosa muestra de ello.

Emociones sonoras

Cuatro estudios en torno a la imbricación entre la represión política y la propaganda musical en los regímenes nazi y franquista.Los escenarios por los que transitan los cuatro estudios contenidos en el presente volumen muestran la estrecha relación existente entre diferentes modelos propagandísticos, de naturaleza musical, implementados en la Alemania nazi del III Reich de Adolf Hitler, y los llevados a cabo en España durante la dictadura del general Francisco Franco. Dichos estudios se ven completados con la aportación artística de obra gráfica reciente (2020).Ambos regímenes otorgaron un papel relevante a la música como expresión artística que debía contribuir a moldear una determinada sensibilidad política de signo autoritario, así como a impulsar una concepción patriótica basada en la exclusión del discrepante y en la eliminación del adversario. Los límites que separaban ambas categorías siempre fueron extremadamente difusos y, por tanto, su concreción solo respondía a interpretaciones arbitrarias, generalmente ajenas a toda norma legal.La creación de un nuevo corpus musical durante el período que es objeto de estudio, tanto en Alemania como en España, favoreció la edición urgente de cancioneros, poemarios, hojas volantes y discos, principalmente, como soportes en los que fijar los mensajes contenidos en canciones e himnos de guerra, contestados desde el campo opuesto con obras de lucha y resistencia.En las décadas de los años 30 y 40 del siglo xx, distintas fronteras europeas colapsaron, violentadas por fuerzas militares de ocupación que las atravesaron entonando alegres canciones populares, como si de una excursión juvenil se tratara; canciones cuyas melodías recordaban a los soldados sus orígenes pero no su destino, unido este, indefectiblemente, al del continente europeo.

The Harry Potter Piano Anthology

Nueve sonatas ineditas (2022)

Cantatas para soprano y continuo (2021)

Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado (2024)

Versos de organo para la misa, regina caeli y te deum (2025)

Tonos y villancicos (2025)

Pasión segun san juan (2023)

Tres lamentaciones a solo (2023)

Piezas de estudio del ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado (2022)

Tangos, jazz-bands y cupletistas (2016)

Rafael belmonte garcia (2024)

El laúd árabe medieval. Historia y construcción (2018)

El jazz y las artes (2023)

Unknown pleasures (2020)

Low (2020)

Another green world (2020)

La imaginación sonora- rústica (2014)

The Cambridge Companion To Metal Music (2024)

Tocar de oído (2020)

Topologias sonoras (2022)

Emociones sonoras (2020)

Musica y represion política (2021)

Historia de la música en 6 bloques (2012)

Sergei Rachmaninov (2025)