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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música; la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.

El luthier de delft

Ramon Gener, director y conductor del exitoso programa de televisión This is Opera, nos sorprende con un libro imaginativo y distinto, un apasionante viaje por las emociones a través de la música repleto de historias inspiradoras que se convierten en lecciones de vida. «Mi padre murió dos veces. La primera, una mañana soleada en la que el Alzheimer nubló su mente y me olvidó. La segunda, tres días antes de Navidad, cuando, convertido en el Bolero de Ravel, dejó de respirar. »Aislado del mundo entre sentimientos de culpa y alivio, no podía dejar de llorar y soñar con él. Perdido en su enorme ausencia, busqué una explicación a todas las emociones que me abrumaban en las vidas de otros hombres y mujeres que habían pasado por lo mismo que yo. Emprendí un viaje por el espacio y el tiempo para encontrar respuestas. Volé hasta el cuchitril en el que Verdi compuso Nabucco; estuve en la brumosa estación de tren en la que Clara Schumann se despidió para siempre de Johannes Brahms; asistí a la noche mágica en la que Joaquín Rodrigo dio vida al Concierto de Aranjuez... Y recordé la tarde de primavera en la que mi padre llegó a casa con tres pequeños cipreses. Ellos me descubrieron el camino de regreso a la vida. Ellos me ayudaron a evitar que mi padre muriese por tercera vez. Ellos me enseñaron que solo el amor puede hacernos inmortales.» El gran director de orquesta italiano Riccardo Muti, preguntado en cierta ocasión por el verdadero misterio que encerraba su trabajo, respondió que la suya le parecía una de las profesiones más complejas del mundo, pues para extraer los sentimientos que se encuentran ocultos en una partitura había que seguir un camino muy largo, el que lleva hasta el alma de los músicos que van a interpretarla. Cuando perdió a su padre, Ramon Gener necesitó recorrer ese camino en busca de los sentimientos que inspiraron a los más grandes artistas de la historia. El resultado de su viaje es este libro, lleno de fantasía y verdad, en el que asistimos al ocaso inevitable de la mayor diva de su época, Maria Callas; descubrimos cómo del inalcanzable deseo de Hector Berlioz nace la Sinfonía Fantástica y velamos junto a Farinelli el cuerpo de su hermano, el hombre que le convirtió en el castrado más grande la historia, pero que, al mismo tiempo, le arrebató la vida. Una máquina del tiempo emocional en la que la historia de la música y la literatura se representan ante nosotros para despertar nuestras ganas de vivir y celebrar la memoria como manifestación máxima del amor.

El amor te hará inmortal

La imagen de un director de orquesta agitando sus brazos frenéticamente al son de la melodía probablemente sea, al tiempo que una de las expresiones más icónicas de la música clásica en el imaginario colectivo, la figura más enigmática e incomprendida de toda la vida concertística. Aunque todos estamos acostumbrados a esa presencia silenciosa e ineludible que ocupa el lugar protagonista en los auditorios, pocos, incluso entre el público más melómano, podemos enunciar con seguridad los innumerables matices del papel que desempeña.En "El músico silencioso" Mark Wigglesworth, director de orquesta, responde a algunas de las principales preguntas que su labor despierta entre la audiencia («¿acaso la orquesta no puede tocar perfectamente sin vosotros?», «¿realmente se nota en algo vuestro papel en el concierto?», «¿os siguen de verdad los músicos?»). Consciente de los numerosos mitos y prejuicios que rodean su profesión, Wigglesworth proporciona una mirada en primera persona, cargada de sensibilidad, humor y empatía, acerca de su necesidad y de los principales dilemas y dificultades que se ve obligado a afrontar el director de orquestra en su día a día, pero también de los innumerables placeres y satisfacciones que puede proporcionar una relación estrecha y directa con la música.

Alianza Música

El músico silencioso

Un recorrido por la obra fotográfica de Javier Porto en dos volúmenes: La Movida Madrileña y una insólita sesión de fotos en Nueva York con Andy Wahol, Robert Mappelthorpe y Grace Jones.

La Fábrica Editorial

La Fábrica

Los años vividos.

Para comprender mejor la música de Mozart hoy, dos tareas historiográficas parecen esenciales: en primer lugar, situar la obra del compositor en la cultura de su tiempo, es decir, la Ilustración tardía; en segundo, considerar la relación entre ciertos aspectos de sus composiciones y la estética del primer Romanticismo alemán. Este enfoque resulta particularmente pertinente en el estudio del Réquiem de Mozart, cuya historia no sólo es fascinante, rica y compleja, sino que también está llena de espejismos, trampas y malentendidos. Miguel Ángel Marín los analiza y explica magistralmente con el fin de desbrozar el camino para entender el impacto que supuso en España (y en algunos lugares de América Latina) la audición del Réquiem a lo largo del siglo xix. Un estudio tan exhaustivo como lúcido y ameno sobre una de las contadas obras musicales que han alcanzado popularidad universal en la milenaria historia de la música.

El requiem de mozart

Partiendo de seis historias paralelas, el presente libro constituye una historia plural y original de la nueva música, que muestra cómo se ha producido un cambio de paradigma mediante un desplazamiento del núcleo: estamos pasando de una cultura musical centrada en la tonalidad a una cultura del sonido. Cada capítulo se centra en una de esas historias: el timbre, una categoría central en la composición musical; el potencial musical del ruido; la escucha, cuyo conocimiento da acceso al sonido en el sentido más amplio del término; la inmersión sonora; la sustitución de la composición del sonido por la composición con sonidos, y el espacio, que progresivamente se percibe como algo componible. De Debussy a la música de los comienzos del siglo XXI, del rock a la electrónica, de los objetos sonoros de la primera música concreta a la música electroacústica actual, este libro ofrece una original y novedosa perspectiva de la emergencia del sonido como eje vertebrador de la creación musical.

De la música al sonido

Robert Schumann (1810-1856) no sólo fue un importante compositor, sino también un atento testigo de su tiempo que simpatizaba con la Revolución de 1848. Víctima de frecuentes desequilibrios nerviosos y alucinaciones, sufrió a causa de la fama de su esposa, Clara, y, tras un intento de suicidio, se fue apagando en un hospital para enfermos mentales. Apasionado poeta y audaz precursor musical, Schumann supo reunir genialmente sensualidad e intelectualidad, realismo y ensoñación, y sigue figurando en los programas de conciertos del mundo. Martin Geck arroja nueva luz sobre la vida de este genio del Romanticismo y su polifacética obra, al tiempo que presenta un apasionante panorama social y cultural de la época.

Robert schumann

Probablemente casi todo el mundo haya escuchado, en una versión u otra, la cadencia plúmbea de los acordes que abren la célebre Marcha fúnebre de Chopin. Sin embargo, la historia que rodea a la composición de la Sonata para piano n.º 2, opus 35, de la que la marcha forma parte, va mucho más allá del cliché al que la melodía se ha visto reducida en nuestros días.En este libro, Annik LaFarge sigue los pasos de Chopin entre 1837 y 1840, los años que dedicó a la composición de su pieza más famosa, para trazar un retrato íntimo y original de un creador inigualable: su compromiso con la Polonia que le vio nacer, su complicada relación con la escritora George Sand, su inestimable labor pedagógica, el desarrollo del piano y su consolidación como un instrumento clave en el canon musical europeo, el bullicio político, artístico y científico de una Europa que daba sus primeros pasos en una modernidad deslumbrante...Todos estos elementos confluyen en un viaje que nos lleva desde Polonia, a través del París revolucionario, hasta el invierno de Mallorca y de vuelta a Francia, a la finca de George Sand en Nohant, en la que escribió las últimas notas de su carismática creación, para presentarnos la obra y la vida de un artista y una música que siguen interpelándonos después de casi dos siglos.

Alianza Ensayo

En busca de chopin

A finales de los años cincuenta, tras la muerte o la caída en desgracia de algunos de sus mayores referentes, se oía proclamar a voces la muerte del rock and roll. Pocos podían imaginar cómo resurgiría de sus cenizas en menos de cinco años, añadiendo a su función de entretenimiento juvenil numerosas innovaciones que consiguieron el respeto de quienes hasta entonces lo habían considerado un mero juego de niños.    Algunos de los responsables de la madurez artística del rock son hoy bien conocidos: The Beatles, Yes, Pink Floyd, Genesis, The Velvet Undergroundà Otros no tuvieron tanta suerte. Este libro, en una importante labor de síntesis, pretende recoger las principales tendencias que osaron romper las fronteras del buen gusto durante las décadas de 1960 y 1970, barajando unos ochocientos artistas y analizando en detalle más de doscientos discos. Comenzará por la psicodelia y sus precursores, para luego adentrarse en el rock progresivo y sinfónico, el krautrock, el RIO, el jazz fusión y otros estilos cuyas idas y venidas nos depositarán a las puertas de una década donde todo cambiará de tono: la de los ochenta.

T&B Editores

Malas hierbas

Pocos compositores han gozado de la aceptación crítica o la longevidad de Jean Sibelius, que murió en 1957, a los 91 años, después de haber puesto a Finlandia en el mapa de la cultura europea, por mucho que su figura superase con creces los límites nacionales para llegar a ser uno de los pilares centrales de la música clásica contemporánea.A través de un fascinante recorrido que no explora únicamente su vida y su obra, sino también su relación con las artes visuales, la literatura, la arquitectura o la política de su tiempo, Daniel M. Grimley ofrece tanto una introducción accesible y provechosa para el público general como una novedosa y provocadora interpretación de las múltiples facetas de este creador excepcional para aquellos ya familiarizados con su música.

Jean sibelius vida musica silencio

El presente libro explora el sentido de posibilidad abierto por los desestabilizadores conflictos militares, los levantamientos sociales y los avances tecnológicos de la época. El autor muestra cómo la multiplicidad de estilos musicales puso en cuestión

Akal Música

La música en los siglos XX y XXI

¿En qué consiste entender la música? ¿Tiene el hecho musical algún significado? Compositores, intérpretes, melómanos y académicos podrían ofrecernos respuestas distintas a estas preguntas, pero ¿qué idea de la música comparten? Cuando una pieza musical no nos resulta familiar, o no se asemeja a nada que hayamos escuchado antes, es posible que digamos que no nos «gusta», pero ¿existe relación entre el deleite y la comprensión? En estos tres lúcidos y amenos ensayos, Charles Rosen explora éstas y otras cuestiones relacionadas con la composición, la interpretación y la escucha de la obra de distintos compositores, y nos ofrece así una aproximación a la música en la que tan importantes como las piezas musicales son las tradiciones en las que éstas se inscriben y se concretan como experiencia auditiva.

Otro

Las fronteras del significado

Partiendo de la figura del gran Niccolò Paganini, esta obra irrumpe decididamente en el campo de la interpretación históricamente informada y arroja luz sobre algunas de las cuestiones clave del pensamiento musical de la segunda mitad del siglo XIX: discute la tradicional clasificación estilística de los intérpretes en términos de escuelas nacionales, analiza su papel como transmisores de las ideas musicales del compositor y reivindica, finalmente, la estética interpretativa bajo la cual fue concebida la música romántica.  Basándose en valiosísimos documentos sonoros que se han conservado, el autor presenta un estudio de los principales rasgos expresivos de los violonchelistas tardorrománticos: el carácter prosódico, el vibrato y el portamento, los recursos más importantes en los instrumentos de cuerda. Desde esta perspectiva romántica, se presta especial atención a Pau Casals, el violonchelista que marca el fin del período de estudio.

Antoni Bosch

La interpretación del violonchelo romántico

Mozart padecía el síndrome de Tourette, por lo que solía expresarse en términos escatológicos compulsivamente; las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que fueron utilizadas como código durante la gran guerra europea; Rossini era capaz de leer una partitura de derecha a izquierda y de abajo a arriba; Wagner embaucó a Luis II para que le construyera un teatro en Bayreuth, adonde debía llegar desde Inglaterra un inmenso dragón de cartón-piedra para el estreno de Sigfrido... Pero arribó íen Beirut!... Hay anécdotas como éstas por decenas, pero ninguna pasa de eso, del puro cotilleo.  Este libro aspira a dar otro tipo de respuestas a los claroscuros de algunos grandes compositores, y a hacer comprensibles muchas de las cuestiones que rodean a la música llamada clásica. ¿Es conveniente tener alguna noción previa para comprender el contenido de una melodía? ¿Es éste un arte ideado por las elites para consumo de minorías? ¿Monteverdi, Bach o Schoenberg son hoy como marcianos en un planeta ávido de inmediatez y ajeno a discursos de auténtica penetración intelectual? Pero, ¿acaso los compositores no tuvieron que padecer algo semejante en su tiempo, aun por otras razones? ¿Se ha convertido la música clásica en una industria cultural sin fundamento? ¿Comprensión y disfrute son conceptos incompatibles cuando se escucha música culta? ¿A qué autores hay que escuchar? ¿Todos son igual de recomendables? ¿Hay ´tops´ como en el mundo del rock? Son éstas preguntas, todas ellas y otras más, que encierran diversos e interesantes compromisos. Pero hay respuestas, siempre. Este libro, escrito por un reputado experto en la materia, pretende arrojar luz, de forma tan rigurosa como divulgativa, sobre esa gran desconocida que es la música clásica, pero fundamentalmente sobre los secretos de su escucha.   ¿Sabía qué sucedió en el estreno de La traviata o que Bach murió ciego y que Stravinski sufría de hipocondría severa?... Este libro gira en torno a prodigiosos creadores y a algunas de sus obras indispensables, echando una ojeada a la trastienda de sus muchos acordes y desacuerdos.

Eso no estaba en mi libro de historia de la música

Desde la importancia del papel jugado por la música en la Revolución francesa hasta la "Séptima sinfonía" de Shostakovich, la música clásica y el nacionalismo han mantenido a lo largo de la historia una relación simbiótica que ha definido buena parte de nuestro imaginario a través de la creación de comunidades nacionales y todo el andamiaje cultural que las sostiene, la puesta en valor de las tradiciones folclóricas, etc. Escrito desde la privilegiada perspectiva aportada por el cruce de caminos entre la musicología y la sociología, "Nacionalismo y música clásica" presenta un análisis riguroso y brillante de la relación entre estos dos elementos fundamentales de la historia contemporánea y de los productos de su encuentro, explorando el modo en que la música ha participado en la gestación de las naciones occidentales y la forma en que esta vinculación definió a su vez los caminos seguidos por la música clásica.

Nacionalismo y música clásica

El cuarteto de cuerda es, sin duda, uno de los principales géneros musicales. Desde su creación en el siglo XVIII, todos los grandes músicos se han enfrentado a él como un campo de experimentación en el que abordar y poner a prueba sus ideas musicales más avanzadas. Y es sin duda esta razón la que ha hecho que, como ningún otro género musical, mantenga su vigencia hasta nuestros días. Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Se incluye la reproducción y comentario de numerosos fragmentos de obras, desde los cuartetos de Haydn o el  Op. 132 de Beethoven hasta las sonoridades extremas de Lachenmann  (Gran Torso) o Stockhausen (Helikopter-Quartett). Un texto que quiere convertirse en referencia obligada en la bibliografía musical en castellano, además de consulta imprescindible tanto para estudiantes y profesores de Musicología como para aficionados en general.

Historia del cuarteto de cuerda

Jorge de Persia ensaya en este libro una completa y conceptual introducción a la historia de la orquesta, en la que se describe el proceso de desarrollo de sus elementos no solo instrumentales y musicales, sino también humanos y sociales. Y es que el devenir de la estructura orquestal, así como el de la música que esta interpreta, no puede separarse de las condiciones históricas e ideológicas que van configurando sus formas y composiciones. Este apasionante recorrido, en el que el autor sitúa la orquesta y sus diversas formas en salas de conciertos, teatros y óperas de toda Europa, desde el siglo XVI hasta la actualidad, muestra la evolución y el cambio de la agrupación instrumental pero también, y sobre todo, nos enseña a valorar el privilegio del que somos partícipes cuando nos situamos ante un conjunto orquestal dentro del " ritual " del concierto.

La orquesta

La música tiene la extraordinaria cualidad, entre otras, de ayudarnos a configurar nuestra idea del mundo. Por más que los puristas insistan en que lo personal, lo político, lo social y lo artístico no deben mezclarse, Daniel Barenboim recuerda en este inspirador texto que la escucha y el conocimiento de las músicas más variadas indica precisamente lo contrario. Apelando a su inquebrantable compromiso con la paz entre Israel y Palestina, examina el increíble potencial de la música para acercarnos, tender puentes y comprender al otro. La música despierta el tiempo revela así el fascinante poder del fenómeno musical no sólo para arrojar luz sobre la condición humana, sino también para dar respuesta a algunos de los mayores retos a los que hacemos frente.

La música despierta el tiempo

Johann Sebastian Bach es uno de los compositores más enigmáticos y complejos de la historia de la música. ¿Cómo es posible que un hombre aparentemente tan común, opaco y, en ocasiones, irritable, fuese capaz de crear una obra tan sublime? Gardiner ha interpretado y estudiado a Bach desde su primera juventud hasta la actualidad, y es hoy uno de sus intérpretes más reconocidos. Este libro nos presenta los frutos de su dilatada experiencia como director, y no sólo nos descubre las principales claves para entender y apreciar las composiciones de Bachùlas ideas que las orientaron, sus estructuras y los efectos que producen en los oyentesù, sino también todo lo que es posible saber del hombre que fue. Con este extraordinario ensayo, John Eliot Gardiner nos invita a profundizar en la obra y en el espíritu de uno de los creadores más geniales de todos los tiempos.

La música en el castillo del cielo

La música en el renacimiento

El presente libro se ocupa de la creación musical en uno de los periodos más fértiles y populares de su historia, el que va del Congreso de Viena en 1815 a la irrupción de la modernidad en los años noventa del siglo. A lo largo de sus capítulos, el autor traza una compleja red de relaciones en las que están implicados compositores, intérpretes, editores, tradiciones orales, el público (o, mejor, los públicos), ciudades y naciones.Entre los temas a los que dedica especial atención se cuentan la implicación de la clase media en el ámbito musical, el rico pero esquivo concepto de Romanticismo, el culto al virtuosismo interpretativo y el equilibrio, en continua transformación, entre intereses musicales y comerciales. Todo ello pone de relieve, frente a visiones reduccionistas y simplificadoras, la naturaleza poliédrica y la riqueza de análisis de una época sin la que no podríamos entender el modo en que hoy concebimos la práctica y el consumo de música.

La música en el siglo XIX

Alfred Brendel, uno de los pianistas más notables de nuestro tiempo, es célebre por sus magníficas interpretaciones de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert y Liszt, así como por haber rescatado del olvido la obra pianística de los últimos años de Schubert. En esta antología de&#64257;nitiva de sus textos sobre música Brendel se nos revela, además, como un ensayista brillante, dotado de la insólita capacidad de otorgar a la prosa la claridad y la originalidad expresiva que caracterizan sus interpretaciones al piano. Sus ideas sobre Bach, Beethoven, Schubert, Schumann, Liszt, Busoni y Schönberg, lúcidas y provocadoras, son un tesoro para músicos y melómanos.

Sobre la música

El tema fundamental del presente libro, uno de los monumentos músico-literarios del siglo XIX, es la práctica musical. En él, Berlioz imagina una orquesta de ópera de mediados del siglo XIX, cuyos componentes, en el foso, se dedican a charlar y leer historias durante la representación de obras mediocres. A través de sus relatos, y de la mano de un estilo claro y directo, trufado de ironía, lleva a cabo una mordaz crítica de la realidad musical de la época y del arte de baja calidad que triunfaba en los escenarios parisinos del momento

Las tertulias de la orquesta

Cuando se habla de pianistas es necesario hablar de Glenn Gould.  Dotado de una memoria excepcional, una mente con una impresionante organización lógica, destreza manual y una increíble capacidad de análisis, sus grabaciones de Bach ocupan un lugar privilegiado en la historia de la música y, sin embargo, son escasos los estudios biográficos que sobre él se han publicado.  Kevin Bazzana dedicó veinte años a investigar y documentar la vida de Gould y ha tenido acceso a los papeles privados del músico, así como a personas de su círculo de amistades que no habían sido entrevistadas hasta ahora. El resultado arroja nuevos y apasionantes datos sobre el pianista canadiense: su vida sentimental, sus antecedentes familiares; el misterioso mal que afectó sus manos durante los últimos años de su carrera o su fallido intento por convertirse en compositor.

Vida y arte de glenn gould

El luthier de delft (2013)

El amor te hará inmortal (2016)

El músico silencioso (2021)

Los años vividos. (2013)

El requiem de mozart (2024)

De la música al sonido (2025)

Robert schumann (2014)

En busca de chopin (2024)

Malas hierbas (2014)

Jean sibelius vida musica silencio (2024)

La música en los siglos XX y XXI (2017)

Las fronteras del significado (2017)

La interpretación del violonchelo romántico (2016)

Eso no estaba en mi libro de historia de la música (2018)

Nacionalismo y música clásica (2020)

Historia del cuarteto de cuerda (2018)

La orquesta (2018)

La música despierta el tiempo (2023)

La música en el castillo del cielo (2015)

La música en el renacimiento (2018)

La música en el siglo XIX (2018)

Sobre la música (2016)

Las tertulias de la orquesta (2015)

Vida y arte de glenn gould (2016)