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En este ensayo, más allá de la biografía, Carmelo Di Gennaro aborda la figura del genial pianista de un modo crítico, considerándolo y juzgándolo en profundidad no sólo a través de la escucha consciente de los testimonios discográficos y videográficos de que disponemos, sino también del estudio de los numerosos escritos ?entrevistas, ensayos y artículos? que nos ha dejado el artista. Su objetivo es arrojar luz sobre lo novedoso y extraordinario de su trabajo como intérprete, la coherencia interna de su sistema de pensamiento riguroso, más profundo y auténtico en su núcleo, pero muy especialmente a través de una reconsideración radical de la propia profesión.

Forcola

Glenn gould

El cuarteto de cuerda es, sin duda, uno de los principales géneros musicales. Desde su creación en el siglo XVIII, todos los grandes músicos se han enfrentado a él como un campo de experimentación en el que abordar y poner a prueba sus ideas musicales más avanzadas. Y es sin duda esta razón la que ha hecho que, como ningún otro género musical, mantenga su vigencia hasta nuestros días. Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Se incluye la reproducción y comentario de numerosos fragmentos de obras, desde los cuartetos de Haydn o el  Op. 132 de Beethoven hasta las sonoridades extremas de Lachenmann  (Gran Torso) o Stockhausen (Helikopter-Quartett). Un texto que quiere convertirse en referencia obligada en la bibliografía musical en castellano, además de consulta imprescindible tanto para estudiantes y profesores de Musicología como para aficionados en general.

Historia del cuarteto de cuerda

Este libro del ensayista Blas Matamoro intenta ser la breve y articulada partitura de lo que, tal vez, componga la única posible biografía íntima del escritor: la historia de un hombre que llevó el verbo al extremo de sus contrasentidos, hasta que se volvió grito -cuando no llegó a ser canto- y culminó en silencio cuando cesó de cantar, sosegado por la locura.

Nietzsche y la música

Jorge de Persia ensaya en este libro una completa y conceptual introducción a la historia de la orquesta, en la que se describe el proceso de desarrollo de sus elementos no solo instrumentales y musicales, sino también humanos y sociales. Y es que el devenir de la estructura orquestal, así como el de la música que esta interpreta, no puede separarse de las condiciones históricas e ideológicas que van configurando sus formas y composiciones. Este apasionante recorrido, en el que el autor sitúa la orquesta y sus diversas formas en salas de conciertos, teatros y óperas de toda Europa, desde el siglo XVI hasta la actualidad, muestra la evolución y el cambio de la agrupación instrumental pero también, y sobre todo, nos enseña a valorar el privilegio del que somos partícipes cuando nos situamos ante un conjunto orquestal dentro del " ritual " del concierto.

Alianza Música

La orquesta

El presente libro aborda la producción y el consumo de música a lo largo del siglo xvii y principios del XVIII. El texto, que va más allá de una simple historia de los compositores, los estilos o los géneros musicales, explora asuntos relacionados con el mecenazgo, la educación, los rituales civiles y religiosos, el teatro y la cultura visual de la época.La autora se centra no sólo en la naturaleza de la música en el periodo barroco, sino también en los modos tan diferentes en que hombres y mujeres experimentaban la música en sus vidas cotidianas. Al tratar la música como expresión de identidad política y nacional, la examina en el contexto del arte y la literatura de la época, sin olvidarse de los conflictos políticos y religiosos, y de las cuestiones de clase y género.

La música en el barroco

El presente libro explora el sentido de posibilidad abierto por los desestabilizadores conflictos militares, los levantamientos sociales y los avances tecnológicos de la época. El autor muestra cómo la multiplicidad de estilos musicales puso en cuestión

Akal Música

La música en los siglos XX y XXI

Pocos compositores han gozado de la aceptación crítica o la longevidad de Jean Sibelius, que murió en 1957, a los 91 años, después de haber puesto a Finlandia en el mapa de la cultura europea, por mucho que su figura superase con creces los límites nacionales para llegar a ser uno de los pilares centrales de la música clásica contemporánea.A través de un fascinante recorrido que no explora únicamente su vida y su obra, sino también su relación con las artes visuales, la literatura, la arquitectura o la política de su tiempo, Daniel M. Grimley ofrece tanto una introducción accesible y provechosa para el público general como una novedosa y provocadora interpretación de las múltiples facetas de este creador excepcional para aquellos ya familiarizados con su música.

Jean sibelius vida musica silencio

A finales de los años cincuenta, tras la muerte o la caída en desgracia de algunos de sus mayores referentes, se oía proclamar a voces la muerte del rock and roll. Pocos podían imaginar cómo resurgiría de sus cenizas en menos de cinco años, añadiendo a su función de entretenimiento juvenil numerosas innovaciones que consiguieron el respeto de quienes hasta entonces lo habían considerado un mero juego de niños.    Algunos de los responsables de la madurez artística del rock son hoy bien conocidos: The Beatles, Yes, Pink Floyd, Genesis, The Velvet Undergroundà Otros no tuvieron tanta suerte. Este libro, en una importante labor de síntesis, pretende recoger las principales tendencias que osaron romper las fronteras del buen gusto durante las décadas de 1960 y 1970, barajando unos ochocientos artistas y analizando en detalle más de doscientos discos. Comenzará por la psicodelia y sus precursores, para luego adentrarse en el rock progresivo y sinfónico, el krautrock, el RIO, el jazz fusión y otros estilos cuyas idas y venidas nos depositarán a las puertas de una década donde todo cambiará de tono: la de los ochenta.

Malas hierbas

¿En qué consiste entender la música? ¿Tiene el hecho musical algún significado? Compositores, intérpretes, melómanos y académicos podrían ofrecernos respuestas distintas a estas preguntas, pero ¿qué idea de la música comparten? Cuando una pieza musical no nos resulta familiar, o no se asemeja a nada que hayamos escuchado antes, es posible que digamos que no nos «gusta», pero ¿existe relación entre el deleite y la comprensión? En estos tres lúcidos y amenos ensayos, Charles Rosen explora éstas y otras cuestiones relacionadas con la composición, la interpretación y la escucha de la obra de distintos compositores, y nos ofrece así una aproximación a la música en la que tan importantes como las piezas musicales son las tradiciones en las que éstas se inscriben y se concretan como experiencia auditiva.

Otro

Las fronteras del significado

El filósofo e historiador Wilhelm Dilthey (1833-1911), uno de los más significativos exponentes de la escuela hermenéutica, que inspirará a pensadores tan diversos como Heidegger o Gadamer, dedicó incontables estudios a la historia cultural alemana. Entre su monumental obra, dejó breves aunque hondas páginas sobre la música alemana del siglo XVIII, tan deudora de la Reforma protestante ?luterana?, y que abarca el universo cultural que va de Leibniz a Goethe; es decir, desde las Pasiones de Bach hasta la Novena Sinfonía de Beethoven.

La gran música alemana

Recurriendo a un análisis imaginativo pero sin perder un ápice de rigor, el presente libro reconstruye el repertorio de la música medieval recurriendo a un amplio abanico de fuentes, que suple, en muchos casos, la carencia de fuentes primarias. Además de destacar las funciones ceremoniales y dramatúrgicas de la música medieval tanto en las esferas sacra y profana, la autora pone especial atención en el intercambio de idea musicales, el desarrollo de la notación musical y otros medios de fijación y transmisión, y el papel de las mujeres en la cultura musical de la época.Del mundo escandinavo a la península Ibérica, del canto gregoriano a los trovadores, el lector descubrirá un panorama rico y lleno de matices, muy alejado de la imagen plana y gris que, por desconocimiento, se suele tener de la Edad Media.El volumen incluye al final un manual básico de música medieval, en la que se incluyen fuentes y conceptos clave para su estudio y práctica interpretativa.

La música en el occidente medieval

El presente libro se ocupa de la creación musical en uno de los periodos más fértiles y populares de su historia, el que va del Congreso de Viena en 1815 a la irrupción de la modernidad en los años noventa del siglo. A lo largo de sus capítulos, el autor traza una compleja red de relaciones en las que están implicados compositores, intérpretes, editores, tradiciones orales, el público (o, mejor, los públicos), ciudades y naciones.Entre los temas a los que dedica especial atención se cuentan la implicación de la clase media en el ámbito musical, el rico pero esquivo concepto de Romanticismo, el culto al virtuosismo interpretativo y el equilibrio, en continua transformación, entre intereses musicales y comerciales. Todo ello pone de relieve, frente a visiones reduccionistas y simplificadoras, la naturaleza poliédrica y la riqueza de análisis de una época sin la que no podríamos entender el modo en que hoy concebimos la práctica y el consumo de música.

La música en el siglo XIX

Con un absorbente grand tour por los grandes centros musicales de la Europa del siglo XVIII, y con el telón de fondo de una Europa dividida entre un espacio católico y otro protestante, el presente libro muestra cómo se desarrollaron y mezclaron los estilos galante y culto. Además de considerar en profundidad la obra de Mozart, Haydn y el primer Beethoven, amplía el foco de su análisis para poner de relieve las contribuciones de figuras menos conocidas, pero sin duda relevantes, como Johann Adam Hiller, François-André Philidor o Anna Bon.

La música en el siglo XVIII

Si, como afirmaban los pitagóricos, la música es un principio de resonancia cósmica que entrelaza cosas distantes en el tiempo, el espacio y la forma, englobándolas en un todo ordenado, debe existir entonces, cosida en el reverso de la música que oímos, otra música oculta que en todo momento suena a nuestro alrededor, sin que la percibamos. La inverosímil noticia sobre el hallazgo de un fragmento de la Ofrenda musical en los anillos de Saturno le sirve al crítico y musicólogo Stefano Russomanno como punto de partida de un atípico recorrido por épocas y compositores diferentes para tratar de elucidar -entre ensayo y relato- los confines y la sustancia de esta «música invisible» que no sólo envuelve los planetas, las estrellas y el cielo, sino todo lo existente, incluidos nosotros mismos. El presente libro, plagado de felices y sorprendentes descubrimientos musicales, es en buena medida el relato de las escuchas, las lecturas y las experiencias que han puesto a su autor sobre la pista de la música invisible.&#8195;

La música invisible

Alfred Brendel, uno de los pianistas más notables de nuestro tiempo, es célebre por sus magníficas interpretaciones de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert y Liszt, así como por haber rescatado del olvido la obra pianística de los últimos años de Schubert. En esta antología de&#64257;nitiva de sus textos sobre música Brendel se nos revela, además, como un ensayista brillante, dotado de la insólita capacidad de otorgar a la prosa la claridad y la originalidad expresiva que caracterizan sus interpretaciones al piano. Sus ideas sobre Bach, Beethoven, Schubert, Schumann, Liszt, Busoni y Schönberg, lúcidas y provocadoras, son un tesoro para músicos y melómanos.

Sobre la música

«Sus orígenes, su evolución y sus transformaciones: todo está en La ópera. Una historia social. Páginas en las que no faltan las extravagancias, el oropel y la pompa».   BLAS MATAMORO, ABC Cultural    «Indudablemente, la más exhaustiva historia de la ópera que se haya escrito nunca. Este magnífico libro se convertirá en una obra de referencia».  SIR CHARLES MACKERRAS, director de orquesta    «Este libro es una obra única dentro de la literatura operística contemporánea y es necesario para entender por qué el público de ópera ama la ópera».   CÉSAR OCTAVIO MORENO ZAYAS, Pro ópera    «Un logro inmenso. Con su sensibilidad para el detalle, su prosa amena y un gran sentido común, este libro cubre la totalidad de la historia de la ópera y nos ofrece una visión equilibrada y muy completa de las diversas formas en que este género se ha ido adaptando a tiempos y lugares diferentes. Libro maravilloso para cualquier amante de la música, es una excelente contribución al mundo de la ópera».  ROGER PARKER, profesor de Música del King;s College de Londres    Desde los inicios de la ópera en diversas cortes del norte de Italia hasta su expansión por Europa y los demás continentes, este libro explora el mundo de los teatros de ópera y los empresarios operísticos, de los monarcas y negociantes, e incluso el de los artistas y el público.    En su Grand Tour operístico, el autor nos traslada a la Mantua y a la Florencia del Renacimiento, al Londres de Händel, al París de Luis XIV y a la Viena del emperador José II. Daniel Snowman sigue los pasos del libretista de Mozart hasta Nueva York, cuando en el siglo XIX la ópera deja de ser monopolio europeo, y nos lleva más lejos aún, a las representaciones que se ofrecían en las fronteras de Australia.Ya en el siglo XX, Caruso cantaba a Puccini en La Habana y Toscanini dirigía en Buenos Aires la música de Wagner. Ninguno de ellos podría haber imaginado el alcance mundial que con el tiempo tendría la ópera.     En nuestros días, se representa, se financia, se escucha, se filma y se retransmite más ópera que nunca.

La ópera

Luciano Berio (Oneglia, 1925 ? Roma, 2003) fue uno de los mayores compositores italianos del siglo xx. Criado en el seno de una familia de músicos, estudió composición y dirección musical en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán. Desde la década de 1950 destacó como uno de los principales representantes de la vanguardia musical europea y pionero de la música electrónica. A lo largo de su carrera recibió múltiples permios y distinciones, entre ellos el León de Oro de la Bienal de Venecia de 1995 por el conjunto de su trayectoria, así como el prestigioso Premio Imperial de Japón.

Un recuerdo al futuro

El tema fundamental del presente libro, uno de los monumentos músico-literarios del siglo XIX, es la práctica musical. En él, Berlioz imagina una orquesta de ópera de mediados del siglo XIX, cuyos componentes, en el foso, se dedican a charlar y leer historias durante la representación de obras mediocres. A través de sus relatos, y de la mano de un estilo claro y directo, trufado de ironía, lleva a cabo una mordaz crítica de la realidad musical de la época y del arte de baja calidad que triunfaba en los escenarios parisinos del momento

Las tertulias de la orquesta

Nadie pone en duda que Stravinski fue uno de los mayores compositores del siglo xx. En este volumenùunas memorias en forma del diálogo que mantuvo los quince últimos años de su vida con Robert Craft, su más cercano amigo y colegaùhace repaso de su vida intelectual. En él ocupan un lugar primordial los recuerdos de su juventud en Rusia, su etapa de aprendizaje con Rimski-Kórsakov, su colaboración con los Ballets Rusos, su etapa americana, así como su relación con diversos poetas, pintores y escritores, todos ellos fundamentales en la historia cultural del siglo xx: Diáguilev, Debussy, Ravel, Valéry, Gide o W. H. Auden, entre otros. El libro presenta, además, documentos de gran valor: las reflexiones de Stravinski sobre la música de compositores capitales, que iluminan tanto al estudiado como a la música del propio compositor. Editado de nuevo en 2002, el presente libro nos muestra un vivo panorama de la vida musical de la primera mitad del siglo xx.

Memorias y comentarios

Si las canciones conforman la banda sonora de una vida, las que aquí nos presenta Mauricio Wiesenthal engarzan la suya con la de las personas y los lugares de su camino entre dos continentes. Veremos aparecer, en un friso mágico, los grandes hoteles, los legendarios barcos que hacían la travesía del océano, las amistades y un mundo europeo lleno de amables sombras. Los recuerdos hilan este libro, y hacen su aparición luminosa en las soirées, las máscaras y los escenarios que entretejen poesía y realidad en una visión esperanzada de la vida y el tiempo. Un paisaje inmenso, unido por la vida de los emigrantes, las canciones del recuerdo y el espíritu conciliador de la cultura.

Siguiendo mi camino

España

Bulos, noticias falsas, medias verdades han existido desde que el mundo es mundo y parece que van unidas inseparablemente al ser humano. La música, y sobre todo su historia, no podía ser ajena a este aspecto tan señero de nuestra naturaleza, y para desmentir, aclarar y puntualizar muchas de estas "fake news" de la historia de la música, de los compositores y músicos Roberto L. Pajares Alonso, de la mano de Visión Libros, ha hecho una amplia recopilación de estos hechos intentando poner, como diría un castizo, los puntos sobre las íes. El libro está organizado por orden alfabético de los apellidos de los compositores de los que se comentan anécdotas, bulos o rumores. Por tanto se puede leer perfectamente transversalmente pasando de un músico a otro sin tener que seguir un orden concreto. La extensión y atención que recibe cada autor depende mucho tanto de su importancia como de la diversidad de historias que se han entretejido a su alrededor. Por poner un ejemplo, del polaco Federico Chopin, Pajares Alonso comenta hasta dieciocho puntos que tienen que ver con su vida y su obra (desde su origen francés hasta

Leyendas y cotilleos sobre los grandes compositores.

En esta obra, que se ha convertido ya en un clásico moderno de la literatura musical, la agente de conciertos Sonia Simmenauer relata el día a día con ?sus? cuartetos, formaciones tan famosas como el Cuarteto Alban Berg o el Cuarteto Guarnieri. Para algunos, el cuarteto de cuerda es la agrupación instrumental capaz de expresar la forma musical más pura; para otros, una estructura abstracta que se contempla con reverencia. Simmenauer nos ofrece un punto de vista distinto y privilegiado sobre esta realidad excepcional: nos muestra a cuatro personas que hacen música, que viven, trabajan, viajan y actúan juntas; que se pelean y se aman. Un campo de batalla ideal para las neurosis y los problemas de pareja, además de para la interpretación musical más exigente. El lector encontrará unas páginas repletas de anécdotas, mucha música y las opiniones de algunos de los intérpretes más prestigiosos de la actualidad. En definitiva, una descripción tan conmovedora como amena de lo que significa vivir en cuarteto. Es muss sein!?Un texto que revela todo cuanto ocurre entre bastidores, lo que se ?cuece', literalmente, entre algunos intérpretes famosos. Un libro apasionado, implacable, casi violento?, Die Zeit

Antoni Bosch

Vivir en cuarteto

James Rhodes es autor del bestseller «Instrumental» y uno de los concertistas de piano más reconocidos. Ahora te enseña a tocar el Preludio nº1 en Do Mayor de Bach en seis semanas.  Solo necesitas dos manos. Un simple teclado o un piano Steinway. Unos 45 minutos al día durante seis semanas. Y ganas. Ganas de lograrlo. Olvida el móvil, cierra el ordenador, apaga la televisión. Silencio.  Toca el piano.  «Rhodes es la prueba de que el arte y la belleza ayudan. De que la vida se conquista día a día.» ROSA MONTERO

Toca el piano

En El lenguaje del espíritu, el reconocido misicólogo y compositor Jan Swafford que, a lo largo de los siglos, la música clásica ha sido cosas muy distintas, y dentro de su rica historia todos podemos encontrar algo con lo que conectar. Swafford traza aquí la historia de toda la música occidental, convirtiéndose en un guía cómplice y experto que nos introduce en los compositores y sus obras, y comparte con nosotros las ideas y percepciones que confieren a la música sus cualidades universales y su capacidad única para transmitir amor, esperanza, entusiasmo o desesperación. De paso, nos anima a ver nuestra propia vida y nuestros sentimientos reflejados en los extraordinarios sonidos creados por artistas como Mozart, Brahms, Debussy o Stravinsky. Una lectura esencial para cualquiera que quiera saber más sobre la más sublime de las artes. ?Jan Swafford consigue algo muy difícil: capta el espíritu de la música con palabras. Sus breves retratos de los compositores y sus obras resultan muy convincentes y, más importante aún, nos impulsan a ir corriendo a escuchar esa música de la que nos habla.? Emanuel Ax, pianista ?Cualquiera que sienta curiosidad por la música pero no haya tenido la suerte de contar con un maestro con Swafford, debería leer esta introducción a la música clásica. íEste libro debería ser de lectura obligatoria en todos los colegios!? John O?Conor, exdirector de la Real Academia de Música de Irlanda ?En el centro de este libro se encuentra un genuino amor por la música. Es un viaje hacia lo que significa a un nivel muy personal y nos recuerda a los que estamos en la profesión por qué nos hicimos músicos.? Leonard Slatkin, director de la Orquesta Sinfónica de Detroit

Música (Antoni Bosch)

Por amor a la música

Glenn gould (2018)

Historia del cuarteto de cuerda (2018)

Nietzsche y la música (2015)

La orquesta (2018)

La música en el barroco (2017)

La música en los siglos XX y XXI (2017)

Jean sibelius vida musica silencio (2024)

Malas hierbas (2014)

Las fronteras del significado (2017)

La gran música alemana (2018)

La música en el occidente medieval (2020)

La música en el siglo XIX (2018)

La música en el siglo XVIII (2019)

La música invisible (2017)

Sobre la música (2016)

La ópera (2016)

Un recuerdo al futuro (2019)

Las tertulias de la orquesta (2015)

Memorias y comentarios (2013)

Siguiendo mi camino (2013)

Leyendas y cotilleos sobre los grandes compositores. (2019)

Vivir en cuarteto (2023)

Toca el piano (2016)

Por amor a la música (2018)