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Licenciado Verdad narra la historia de una generación de artistas y curadores que modificaron sustancialmente la escena del arte contemporáneo en México al final de la década de los ochenta y principios de los noventa. El título hace referencia al icónico edificio, ubicado en la calle Licenciado Verdad del Centro Histórico de la Ciudad de México, que durante aproximadamente diez años fue la cuna del movimiento, convirtiendo este espacio en un referente de la producción y circulación del arte contemporáneo de la ciudad.

Licenciado verdad

El artista Nicolás Combarro utiliza la fotografía para capturar las intervenciones que realiza en espacios arquitectónicos singulares. A través de diversas prácticas artísticas (pintura, escultura, instalación), estos lugares se modifican para generar nuevos espacios, que el artista luego documenta en grandes formatos fotográficos, lo que permite al espectador apropiarse del espacio inicial.

Interventions

Una de las iniciativas más importantes que cambiaron las prácticas artísticas en México fue el Salón Independiente, a través del cual un grupo de artistas manifestaron su postura antioficial y antiacademicista, así como su constante búsqueda de nuevos lenguajes estéticos, promoviendo la experimentación y la libertad de creación.  Este libro, además de recuperar la historia del Salón, estudia las actividades de ese grupo heterodoxo de artistas y permite reconstruir los sucesos que las motivaron y sus importantes repercusiones durante los años posteriores.

Salón independiente

Frontalismo surge como proyecto en 2010 cuando Facundo de Zuviría tiene la oportunidad de viajar por las 23 capitales de la Argentina y empieza a fotografiar esos frentes que por algún motivo le resultaban atractivos y representativos de cada ciudad. Su propuesta no es realizar un inventario exhaustivo de tipologías urbanas, sino plantear su existencia mostrando algunos rasgos distintivos y sus diferencias. Se trata de una idea poética armada sobre la intención de documentar, de modo subjetivo, nuestra arquitectura urbana y exponer así sus rasgos esenciales.

Frontalismo

Desde la Edad Media, la riqueza de los tapices marcaba la diferencia entre sus poseedores. El oro, la plata, las joyas, y también los paños, no solo mostraban la riqueza sino la magnificencia del poseedor, por lo que atesorar tapices fue obsesión de los principales nobles y clérigos, y por supuesto de los monarcas. Se utilizaban en todas las ceremonias importantes y colgaban tanto en el interior de los palacios como en las calles cuando se trataba de dar la bienvenida a un invitado ilustre. La magnificencia no era considerada pura ostentación, sino una virtud siguiendo la definición que de ella hace Aristóteles en su Ética a Nicómaco. Mas la fortuna es cambiante y si el gusto por los paños fue común a toda Europa, también lo fue el rechazo propiciado a partir del siglo xviii cuando los tapices comenzaron a ser relegados frente a las pinturas. Pero mientras se extendía el desinterés y muchas colecciones se destruyeron o mutilaron, algunos potentados estadounidenses se afanaban en comprar tapices con los que decorar sus lujosas mansiones. Muchas piezas se han perdido irremediablemente y solo en las últimas décadas se ha producido un cambio importante en cuanto a la apreciación de estas obras de arte que en ningún caso pueden tacharse de menores, aplicadas o decorativas. Los ensayos que aparecen en esta publicación, realizados por profesores universitarios, conservadores de museos y miembros de instituciones científicas que se han preocupado por los paños, muestran el interés que suscitan entre algunos estudiosos, a la vez que son un esfuerzo por darlos a conocer a un público que hasta ahora ha mirado los tapices con recelo, y a aquellos interesados que por falta de información no se han percatado de la belleza ni de la importancia que tuvieron en otras épocas.

Magnificencia y arte

?¿Para pintores? a pintores, porque estos fragmentos, más que describir o analizar el hecho pictórico, quieren mover al lector hacia la pintura y hacia el pintar. Por tanto, aunque se dedican a la pintura ponen el acento en el pintar, en eso que los pintores hacen, mientras lo están haciendo; y más que a los resultados de esa acción convertidos en cuadro o producto acabado, estos fragmentos quieren referirse a ese hacer e ir haciendo y a lo que de ese hacer e ir haciendo puede quedar vivo e inconcluso aun en el cuadro acabado. La pintura, más como proceso que como fin, más como acontecer que como acontecimiento. Un hacer, más que un hecho.?  José Saborit.  José Saborit (josesaborit.com) pinta, escribe, y trabaja como catedrático en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la UPV, donde enseña pintura. Su obra ha sido expuesta en galerías de arte e instituciones y recogida en diversos catálogos. Entre ellos, Con el aire (Centro del Carmen, Generalitat Valenciana, 2008), Más al Sur (IVAM, 2012) y La misma savia (Galería Shiras, Valencia 2017). Entre sus libros de ensayo cabe destacar La imagen publicitaria en televisión (Cátedra, 1988, con cuatro ediciones), La construcción de la Naturaleza (con José L. Albelda, Generalitat Valenciana, 1997), Retórica de la pintura (con Alberto Carrere, Cátedra, 2000), El sol del membrillo. Una película de Víctor Erice sobre el trabajo del pintor Antonio López (Nau Llibres-Octaedro, 2003), Formas de caminar (UPV, 2009). Entre sus libros de poesía: Flor de sal (Pre-Textos, 2008), La eternidad y un día (Pre-Textos, 2012), La misma savia (XXX Premio de poesía UNICAJA, Pre-Textos, 2016) y Carta al hijo (Banda Legendaria-Veintiúnversos, 2017). También ha escrito textos para catálogos de artes plásticas, revistas y diarios y junto a Manuel Ramírez ha dirigido la colección de libros de arte y literatura Correspondencias (Pre-textos-UPV). Es académico numerario de la Real Academia de San Carlos.

Lo que la pintura da

En la madrugada del 7 de junio de 1525, después de que la Dieta de Nuremberg decidiera apoyar la Reforma luterana, Alberto Durero, que ha asistido a la reunión, padece una pavorosa pesadilla. Recién despierto y bañado en sudor, se apresura a reproducirla en una acuarela, dando cuenta de su significado en unas líneas redactadas al pie de la imagen. Por primera vez en la historia del arte, un pintor reproduce el contenido de un sueño, no una figura soñando, y el resultado es una obra inclasificable y estremecedora, tal vez una de las más fieles representaciones del miedo que experimenta el individuo frente a los acontecimientos de la historia. Con Durero soñando, José María Ridao propone recorrer el mismo camino pero en sentido inverso, comenzando por la tumultuosa historia de la Reforma y llegando al momento en que el pintor advierte la catástrofe en ciernes. Para ello, Ridao establece un sutil paralelismo con la combinación de imagen y escritura que contiene la obra de Durero, y ofrece, por una parte, una novedosa reflexión ensayística sobre las causas de la Reforma, entre las que la conquista de las Indias desempeña un papel decisivo, y, por otra, una ficción dialogada que intenta reproducir el clima emocional en el que se desenvuelve la producción artística del pintor.  El resultado es un libro inclasificable en el que, al trasluz de acontecimientos pasados, aparecen asuntos de nuevo de actualidad como los efectos de la corrupción en la desintegración de las sociedades, la función del arte o la invariable naturaleza falible del hombre.

Durero soñando

La fuerte personalidad del arte español llegó a materializarse durante el siglo XVII, aunque, por diversas circunstancias, nadie se percató, fuera de España, de este fenómeno hasta el siglo XIX. En realidad, hasta el viaje de Manet a Madrid en 1865 no se produjo el arco crítico definitivo que señalaba como los tres puntos culminantes del arte español a El Greco, Velázquez y Goya .A partir de entonces, no hubo un solo movimiento de vanguardia que no estuviera influido por la Escuela Española, por lo menos, hasta fines de esta centuria. Así ocurrió con el romanticismo, el realismo, el naturalismo, y, aunque parcialmente, también con el impresionismo y el simbolismo. El redescubrimiento tardío de El Greco dejó una impronta en la génesis del expresionismo y el cubismo de la primera década del XX. Fueron dos españoles, Picasso y Gris, quienes dieron un impulso más relevante para el cubismo, lo mismo que los expresionistas alemanes o centroeuropeos tuvieron en cuenta la influencia de Zuloaga o Anglada Camarasa, muy estimados, en general, por toda Europa hacia 1900. Tampoco deja de ser sintomático que fueran artistas españoles, como Miró, Dalí, Buñuel u Oscar Domínguez, figuras capitales del surrealismo. De tal manera que, a la fascinación internacional por el arte tradicional español durante el siglo XIX, le siguió otra, en este caso basada en la destacada actividad de los artistas españoles de vanguardia, por lo menos, durante el primer tercio del s. XX.

La invención del arte español

Paloma o Soledad nace de la colaboración entre el pintor Ramón Gaya y el escritor y crítico literario Antonio Sánchez Barbudo a raíz de la amistad que entablan en el seno de las Misiones Pedagógicas, como se sabe, una de las empresas culturales más entusiastas de la II República. Se trata de un texto breve que explora, con una buena mezcla de humor farsesco y espíritu decadente, las posibilidades dramáticas de uno de los iconos finiseculares y del arranque del siglo XX: Pierrot. En esta edición no sólo perfilamos las condiciones en que el texto se fraguó, sino también el diálogo que establece con otras fuentes europeas y españolas, en especial, con Picasso.

Paloma o soledad

Tot va començar el 2009, en concloure l'actuació de Bruce Springsteen i la E Street Band a la mitja part de la Super Bowl. Va ser tan estimulant que en Bruce es va decidir a escriure sobre el que havia experimentat i així, sense saber ben bé què en sortiria de tot plegat i amb força discreció, posà fil a l'agulla i va anar filant-se aquesta monumental autobiografia. Ens descriu com va ser la seva infantesa a Freehold, Nova Jersey; una colpidora barreja de foscor, perill i poesia que va anar conformant l'imaginari de les seves cançons, tot conduint-nos al moment que ell defineix com el seu «Big Bang» particular: la primera vegada que va veure l'Elvis Presley al programa televisiu d'Ed Sullivan. També, amb sinceritat i humor, ens relata la seva lluita per convertir-se en músic, els seus inicis com a líder d'una banda, la formació de la E Street Band i tot el que s'amaga darrere la cançó «Born To Run», el seu himne personal.

Born to run

Los años de infancia y de primera juventud de Clara han pasado muy deprisa. En 2013, cuando abandona la casa familiar para estudiar biología en Lovaina, su madre, Charo Crego, se da cuenta de que no ha tenido tiempo de compartir con ella sus reflexiones sobre todas esas cosas que, a lo largo de los años, han sido el entramado de su propia vida: aquella exposición sobre Meliès, ese libro recién recibido dedicado al arte español, aquel candelabro de 1900 o aquellas fotos encontradas en la basura de Nueva York.

Lo que no te conté de francis bacon

El presente libro conforma, junto con La arquitectura del patio (2005) y La arquitectura compuesta por partes (2009), una trilogía en la que se analizan los tres grandes sistemas de hacer arquitectura, vigentes durante muchos siglos, incluido el XX, y que cobijaron distintos modos de entender la arquitectura, aunque fieles siempre a determinados principios. Son dichos principios los que nos permiten comprender estos sistemas como tales, haciéndonos ver que la arquitectura, aunque no cuenta con métodos completamente exactos y que estos cambian con el tiempo, no ha de verse como una disciplina azarosa, sino presidida por la razón, el buen sentido y una notable continuidad.

La arquitectura de la forma compacta

En este libro se reúnen las conferencias de la tercera edición de la Cátedra Museo del Prado, dirigida por Jonathan Brown. Al hilo de su biografía y de su experiencia personal en el ámbito de la historia del arte, el autor reflexiona sobre pintores como Ribera, el Greco o Velázquez, ocupándose además de cuestiones relacionadas con la historiografía, la noción de taller, el arte de corte de los Austrias o el contexto artístico de los territorios de Nueva España.

Reflexiones de un hispanista a la sombra de velázquez

Este libro parte de la consideración de que el hilo conductor del cuerpo dispensa unidad a toda la combinación de fuerzas vivientes del individuo y en torno a él. También de que el sentimiento de estilo es una sensibilidad de carácter fisiológico que, a su vez, tiene que ver con el deseo de un cierto vagabundaje. La aspiración del arte es que suceda lo que en todo verdadero paseo: que nos devuelva al aprendizaje de la infancia, cuando las cosas se muestran por primera vez, sin las presiones o perversiones que acarrean la rutina y la costumbre.

Cuerpos a la deriva

La obra de Gaudí solo puede comprenderse plenamente cuando se percibe el papel fundamental que el símbolo juega en ella, el cual revela no solo su profunda relación con la tradición hermenéutica que funde el cristianismo con el romanticismo, sino también los sutiles hilos que lo unen con el sentimiento estético presente en las obras de coetáneos suyos como Marcel Proust, Oscar Wilde, Nietzsche o Thomas Mann.     El símbolo en Gaudí no solo sirve como medio para sintetizar arquitectónicamente, con una voracidad infinita, múltiples niveles de significado: religiosos, históricos, naturales, literarios, metafóricos, populares, numerológicos, mitológicos, biográficos, científicos... sino también como un armonizador de contrarios: la razón constructiva y la decoración, la naturaleza y el arte, la geometría y la imaginación, la carne y el espíritu, el dolor y el castigo de crear y el éxtasis redentor de alumbrar la forma de una arquitectura que, a través de la mediación simbólica, supere la inanidad de la materia para participar plenamente de la vida.

Gaudí. Símbolos del éxtasis

Revisión de la obra del artista cubano a través de una conversación en la que los recuerdos de su infancia en Cuba, donde estuvo hasta los dieciocho años, se mezclan con sus primeras experiencias profesionales en Nueva York, ciudad en la que se formó en la School of Visual Arts y donde residió durante tres décadas, y su madurez profesional en Nueva Orleans.  Luis Cruz Azaceta es un "pintor de las zonas extremas de la vida moderna", como dijo de él Iván de la Nuez. Su imaginario, que va de la figuración a la abstracción, está plagado de angustia, dolor, naufragios, violenciaà Su pintura refleja su medio ambiente, el de un exiliado en Estados Unidos, que pinta y plasma temas contemporáneos.

No exit

Catálogo de la exposición de mismo nombre que albergará el Centro Pompidou de Málaga del 11 de julio al 25 de septiembre de 2016

El nuevo realismo / new realism

Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antídotos frente a la saturación visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.

Manifiesto de la mirada

A medio camino entre la narración, la poesía y el ensayo, La danza de la muerte no pretende sino retomar esa idea de la «Danza macabra» para, desde ella, reflexionar acerca de esos modos y maneras de llevar a la escena el último baile. Miguel Angel Ortiz Albero escribe cerca de una literatura mixta o mestiza, de una literatura en la que los límites se confunden y la realidad puede «bailar» en la frontera con lo ficticio.

La danza de la muerte

Una imagen ya no vale más que mil palabras: en una sociedad saturada de iconos, La Menina ante el espejo aborda las relaciones peligrosas entre el espacio poético y el espacio artístico. En estas páginas, en las que la historia del arte, la crítica literaria y la teoría cinematográfica intercambian sus papeles, el lector paseará por las salas de un museo sin paredes, cuya distribución remite a las sucesivas pantallas de la posmodernidad líquida.

La menina ante el espejo

El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada. La deconstrucción óptica, el vértigo visual, la aceleración histórica expresan el alcance de los nuevos códigos de representación caracterizados por la simultaneidad perceptiva. Expresando un nuevo ámbito de la mirada y usos de la imagen en ese contexto, Patiño analiza aspectos críticos vinculados a la imagen como mediación instrumental y las posibilidades que nos ofrece el arte para ampliar la percepción, del mero entretenimiento a desarrollar nuestra sensibilidad. Vivimos inmersos en una excitada visualidad hegemónica, una iconosfera dominante postula un régimen de la mirada. La imagen-poder en la economía de la atención. Es necesaria una resistencia poética y artística que active el resorte de la duración frente a la disipación (propiciando un reencantamiento del mundo). Patiño traza metáforas del presente convulso (una instantaneidad incesante), y analiza cómo el «efecto actualidad» satura los poros de la realidad construyendo un mundo-imagen. De las máquinas de amnesia a la pantalla omnipresente, vivimos en un entorno narcótico donde la meta parece el olvido programado, el hechizo audiovisual, el embotamiento perceptivo. Se postula la dialéctica de la mirada a través del proceso artístico, una resistencia creativa en imágenes dialécticas que surgen de la duración e indagaciones de la introversión creadora como silencio activo.

Todas las pantallas encendidas

Para Giacometti, ser artista es fracasar como nadie se atreve a hacerlo, mientras que para Goethe, el no poder acabar su obra es lo que engrandece a un escritor. La obra perfecta está únicamente en la cabeza del artista. La insatisfacción es la esencia y la naturaleza íntima del talento, y la obra, el poema o el libro, sean como fueren, siempre podrían haber sido diferentes de como han llegado a ser.  Miguel Ángel Ortiz Albero rastrea en la obra de escritores como Baudelaire, Cioran, Kafka, Sebald o Vila-Matas, y de artistas como Boltanski, Cézanne o Delacroix, la posibilidad de reflexionar acerca de cuándo podía darse por finalizado, si es que esto fuese posible, el proceso de un trabajo creador. Todos aquellos que han cogido una máquina de escribir o un pincel, quienes han esbozado un gesto en el aire o han esculpido la roca, o aquellos que han decidido hilvanar un discurso, todo ellos han soñado al inicio con el resultado perfecto, con la obra ideal que habría de ajustarse a sus anhelos e intenciones. Pero el camino, lo saben, es tortuoso y el proceso es cambiante.  Ahí están las dudas y las vacilaciones. Ahí surgen la demora, la digresión y el retardo; la imposibilidad o el arrepentimiento; la imprevisión o el azar; las ataduras o las repeticiones. Todo se sitúa, tal vez, entre el grito y el callar. La voluntad de permanencia y el deseo de duración se encuentran frente a frente con el temblor de la mano, y es entonces cuando acechan el hastío, la desilusión, la renuncia o el abandono; incluso, la aniquilación, la destrucción o el borrado. Sea como fuere, es preciso, dicen, seguir pese a la imposibilidad, porque incluso en la putrefacción hay fermentación y hay vida y día logrado.  Estas Variaciones no son sino una personal lectura de algunas de las muchas reflexiones que sobre la imposibilidad del terminar se han escrito, conformando un trenzado de historias que, como la vida, habrán de quedar inconclusas.

Variaciones sobre el naufragio

Detrás del Muro 2 documenta la segunda edición de un ambicioso proyecto artístico llevado a cabo durante la Bienal de La Habana, en el que el Malecón de la ciudad se transforma en un museo a pie de calle. Este libro reúne las esculturas, pinturas, murales, instalaciones y performances creadas por más de 50 artistas procedentes tanto de Cuba como del extranjero, subrayando la interacción entre las obras y el público.

La Fabrica

Detrás del muro 2

Esta publicación, editada con motivo de la exposición Chromosome Damage en el Drawing Room de Londres, documenta la serie completa de 100 dibujos del artista Daniel Guzmán.  La obra de Guzmán se enmarca dentro de un contexto prehispánico y mexicano. La serie expone el simbolismo e iconografía de las diosas-madres de tierra azteca. Cada dibujo representa a una figura femenina voluptuosa de ojos saltones, que muestra los dientes y pasa por transformaciones místicas e inquietantes al ir agrandando sus extremidades, múltiples pechos y manos: los pies se convierten en troncos de árboles y serpientes se enroscan alrededor de éstos. Las obras, hechas a tinta, al pastel y carboncillo, utilizando cafés, rosas y rojos terrosos, son fascinantemente ricas y provocadoras.

Licenciado verdad (2017)

Interventions (2018)

Salón independiente (2018)

Frontalismo (2019)

Magnificencia y arte (2018)

Lo que la pintura da (2018)

Durero soñando (2016)

La invención del arte español (2013)

Paloma o soledad (2015)

Born to run (2016)

Lo que no te conté de francis bacon (2015)

La arquitectura de la forma compacta (2016)

Reflexiones de un hispanista a la sombra de velázquez (2015)

Cuerpos a la deriva (2017)

Gaudí. Símbolos del éxtasis (2017)

No exit (2016)

El nuevo realismo / new realism (2016)

Manifiesto de la mirada (2018)

La danza de la muerte (2015)

La menina ante el espejo (2016)

Todas las pantallas encendidas (2017)

Variaciones sobre el naufragio (2017)

Detrás del muro 2 (2017)

Cromosome damage (2015)