Las comparaciones entre la poesía y la pintura constituyen un tema constante de los tratados de arte, y el célebre tópico «Ut pictura poesis» ha sido ampliamente estudiado en relación a las teorías artísticas del Renacimiento. Sin embargo, y a pesar de que su primera formulación se debe a Simónides, faltaba un estudio sobre las condiciones en que dicho ?topos? apareció por primera vez en Grecia, y su desarrollo temprano. De Simónides a Platón, el presente trabajo nos propone un fascinante recorrido desde la primera formulación del tópico hasta su planteamiento teórico.

Tapa blanda

Español

Acantilado

El Acantilado

Poesía silenciosa, pintura que habla

Ediciones El Viso, S.a.

Ediciones El Viso

Frida kahlo. Obras maestras

Sorolla

Desde 1983, el estudio de arquitectura Arquitectoma ha desarrollado varios de los complejos habitacionalesy comerciales más exitosos de México. En este libro, que celebra sus más de treinta años de consolidado liderazgo en la rama de la construcción, la empresa comparte con el lector las historias detrás de sus inmuebles. Una publicación muy ilustrada con fotografías, infografías, reproducciones de maquetas y planos que permitirá conocer las técnicas, las texturas y los detalles que hicieron realidad algunos de los proyectos inmobiliarios de mayor calidad en México, entre las que se encuentra el reciente centro comercial Garden Santa Fe, uno de los más ambiciosos proyectos comercialesel pujante distrito financiero residencial de la capital mexicana.

Tapa dura

Arquitectoma. 30 años de arquitectura en méxico

Picasso. Obras maestras

Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte traeconsigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligerode lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de laligereza es el placer.

Periférica

Editorial Periferica

La ligereza

Hay un refrán ruso que dice que es todavía más difícil predecir el pasado que el futuro. La nostalgia se basa en esta dificultad de predicción. De hecho los nostálgicos de todo el mundo tendrían muchas dificultades para expresar qué es lo que añoran exactamente -otro lugar, otra época u otra vida mejor-. El seductor objeto de la nostalgia es muy escurridizo. Este sentimiento ambivalente se puede detectar en la cultura popular del siglo xx, un siglo en el que los avances tecnológicos y los efectos especiales se emplean a menudo con el fin de recrear imágenes del pasado, desde el hundimiento del Titanic a los gladiadores que mueren en la arena, pasando por los dinosaurios extinguidos. En cierto modo, se puede decir que el progreso no solo no ha curado la enfermedad de la nostalgia, sino que ha hecho que se agrave. Del mismo modo que la globalización ha servido para reforzar el afecto por lo local. El contrapunto de la fascinación que sentimos por el ciberespacio y por la aldea global virtual es una epidemia de nostalgia no menos global, el anhelo afectivo de una comunidad con memoria colectiva, de la continuidad en un mundo fragmentado. Inevitablemente, la nostalgia reaparece como mecanismo de defensa en una época de aceleración del ritmo de vida y de agitación histórica.

A. Machado Libros S. A.

Antonio Machado

Visor

El futuro de la nostalgia

Danto propone una definición de la obra de arte como «símbolo encarnado» que pretende dar cuenta del carácter unitario de la historia del arte desde sus comienzos hasta nuestros días, evitando considerar el argumento vanguardista clásico, de carácter estético y formal, como el único capaz de dar sentido a la producción artística. Según Danto, nos encontramos en una época posthistórica, resultado de la evolución del arte hasta su autoconocimiento como actividad conceptual, más allá del modo formal o estético de representación, donde habría estado encastillado por las teorías filosóficas hasta el momento. Esta compilación de artículos aborda la crítica de Danto a lo estético como definitorio de lo artístico, central en su concepción global del arte, de su producción, interpretación y crítica, y de su carácter histórico y su relevancia para la vida humana. Diversos autores, Danto entre ellos, se aprestan a buscar un nuevo lugar para lo estético en nuestra comprensión de lo artístico, una formulación diferente de conceptos que siguen siendo valiosos, como estilo, procedimiento, crítica o experiencia, y una aproximación diferente a la relación entre arte y naturaleza o arte e historia.

Estética después del fin del arte. Ensayos sobre arthur danto

Su investigación se ha desarrollado en la intersección entre la ética y la estética, en particular la relación entre racionalidad práctica y racionalidad estética. En Las razones del arte, Gerard Vilar propone entender el mundo del arte como un mundo de razones, es decir, defiende que son las interpretaciones, los argumentos críticos, las discusiones estéticas... los que hacen posible la existencia de obra de arte. Incluso el pluralista y aparentemente arbitrario o irracional arte actual existe en el seno de prácticas comunicativas que permiten comprender cada propuesta. El autor mantiene que la especificidad de las razones estéticas estriba en que la inteligibilidad de cada obra de arte está acompañada del reconocimiento de otras posibilidades, del carácter abierto de la experiencia estética.

Las razones del arte

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba «arte» a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo XV. Este libro, en último análisis, podría ser descrito simplemente como una deriva sobre los vínculos entre el «arte» y la «vida». A lo largo de la historia, la evolución de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocarlas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilación de cualquier «arte» y cualquier «artesanía», tal como la entendía la Edad Media. También los medios de masas modernos sitúan a la par el arte y la vida, especialmente la televisión. En otras ocasiones el «arte» se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizás todavía predominante. El proceso empezó socialmente: los pintores, los escultores, los músicos, los autores de teatro, reivindicaron para sí mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. «Nosotros somos intelectuales», «la materia que utilizamos es simplemente un vehículo para expresar nuestras ideas», "La pittura è cosa mentale" -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconoció sus aspiraciones, "porque antes había reconocido su arte" como cosa "excelsa" entre las demás cosas.

Escrito, pintado

En su Estética de la arquitectura, Masiero analiza históricamente las diversas aproximaciones al fenómeno arquitectónico en el marco de los planteamientos estéticos generales y en relación con las demás actividades artísticas. Presta especial atención al pensamiento estético y arquitectónico que se ha producido en el siglo xx, en torno al arte de vanguardia y tras él, a los problemas teóricos, pero también a los sociales, tecnológicos y políticos.

Estética de la arquitectura

El cuerpo es el sueño de la razón está integrado por tres apuestas diferentes, encadenadas. Una, en tanto que la reflexión avanza y el contenido del libro se desliza para afirmarse en la intersección de la estética filosófica con una crítica del arte que

E.p.r. Murcia Cultural, S.a.

Cendeac

El cuerpo es el sueño de la razón y la inspiración una serpiente enfurecida. Marcel lí antúnez: Cara

Hasta hace pocos años, hablar de arte era sencillo: el pintor pintaba, el escultor esculpía, el músico componía, el cineasta rodaba. Pero hace ya tiempo que echamos en falta palabras nuevas para describir el arte actual, y el asunto se volverá más y más urgente hasta resultar indispensable. ¿Qué hace un artista que enciende y apaga una luz, que guisa una cena para cien personas, que firma un urinario o dispara a un avión en vuelo, que acuna una liebre muerta o encarga un tiburón en formol? «Hace Arte»: por ahora tenemos que conformarnos con ese verbo tautológico y decepcionante. No solo productos, no solo gestos: gustos, procesos, humores e ideas se vuelven hoy arte. Quizá el arte contemporáneo sea ya, más que nada, una actitud compartida por artistas y espectadores, que consistiría en aceptar que ese arte puede esconderse para proporcionar estímulo y placer y reflexión en todas las manifestaciones de la vida: un bote de detergente, una comunidad de vecinos, una idea nunca dicha en voz alta, un no presentarse en la inauguración de nuestra propia retrospectiva. Pasan por aquí escritores que hacen arte y artistas que escriben; escritores que escriben sobre arte y escritores fundamentales para entender el arte que les es contemporáneo. Hay artistas-dandis y hay artistas raros, que van por libre o se obstinan en rondar los márgenes hasta que ese margen resulta ser el lugar central de todo un territorio en el que nadie había reparado antes. Y están, para bien o para mal, quienes han modelado la imagen colectiva del artista actual de éxito en la era de la hipercomunicación de masas.El lector no tardará mucho en darse cuenta de que en estas páginas, a lo mejor por pura deformación profesional, se suele ir dando a parar sin remedio a esos sitios donde se encuentran el arte y el lenguaje. Quizá el libro mismo resulta de un intento sostenido en el tiempo por satisfacer la necesidad de nuevos verbos y nuevas palabras para describir nuevas formas de creación. Y para darles cuerpo, incluso.

Machado

Antonio Machado Libros

Visto y no visto

«En estas páginas estoy recorriendo, recordando y dialogando, mi visita a la muestra retrospectiva de Francis Bacon que el Museo del Prado realizó con motivo del centenario de su nacimiento. Después de atravesarla más de una vez, muchas veces, e invirtiendo el orden histórico, pasé a otras de las muestras exhibidas en las salas del Prado: Entre dioses y hombres, sugerente y algo pretencioso nombre de la colección de obras del Mueso Albertinum de Dresde». De este choque estético e inesperado Hugo Mújica reflexiona sobre las distintas formas de mirar que ha desarrollado Occidente, sobre «lo uno y lo múltiple, la identidad y la diferencia, la luz y la sombra, la pasión y la razón, la carne y el espíritu".

Vaso Roto Ediciones

Vaso Roto

La carne y el mármol

El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shod? o «camino de la escritura»; un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía.  De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.

Editorial Kairos Sa

Kairos

Mano de mujer

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder " saborear " una obra de arte en ausencia de su comprensión. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechas para príncipes ( " La Fiesta de Venus " , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( " La Rendición de Breda " , de Velázquez), y también para el público " people " (las serigrafías de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelación de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de " La Fiesta de Venus " de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Ediciones Cátedra

Cátedra

Cómo saborear un cuadro

De la misma manera que somos la única especie a la que constantemente le crece el pelo, somos también el único ser que cocina. Tras El mono gastronómico, el lector escuchará la resonancia de dos obras conocidas: El mono desnudo y El mono gramático, de Desmond Morris y Octavio Paz, respectivamente. De este doble eco surge el título de este libro, como un cruce, un híbrido, de preocupaciones de variado pelaje, relacionadas con dos habilidades del ser humano que le han permitido evolucionar, mejorar la especie: el arte y la gastronomía. El hecho de que una herramienta, unos guijarros de filo cortante con los que filetear la carne, haya podido ser más determinante en la evolución humana que el uso del fuego y la cocción en agua, es un asunto discutible que, paralelamente a la recuperación de la artesanía como el dominio de los procedimientos, se aborda aquí. Se intenta entender la gramática oculta de la gastronomía; comprender la inspiración y la creatividad que puedan encerrarse en una receta o en un objeto que sirve para beber, como el porrón o el botijo: «objetos primigenios». De la poesía se ocupa en el capítulo dedicado a «La última cena», que descubre el menú de Jesús y sus discípulos en el cuadro de Leonardo, pero, sobre todo, valora el gesto de las últimas cenas de los condenados a muerte y de los mismos grandes chefs. El mono gastronómico aborda, además, esa tendencia ecuménica de reconciliación entre Oriente y Occidente, que se ha impuesto, a veces con manifiesta superficialidad, en la cocina global o en la cocina de vanguardia. Igualmente, trata la confusión entre arte y gastronomía, al analizar las expresiones «cocina de vanguardia» y «muerte del arte», y al ponerlas en relación con las vanguardias artísticas históricas y su fracaso. Y analiza también el intento de la cocina de vanguardia de encontrar su propio relato legitimador en la alta cultura. Lo que se llama «gastronomía de vanguardia», «cocina de autor», «creatividad», «arte de la gastronomía»..., no son más que auténticos memes (declaraciones formuladas con éxito, que se reproducen y extienden con facilidad entre la población) ocultos bajo las entretenidas máscaras de la esferificación, la deconstrucción o el «japonismo», que El mono gastronómico desenmascara o contextualiza en diversos lugares, entre otros asuntos de indudable interés que el lector encontrará en los ensayos que constituyen este volumen.

Ediciones Trea, S.l.

Ediciones Trea

El mono gastronómico

Historia cronológica de la creación de la Capilla Sixtina, uno de los espacios pictóricos más famosos de la historia del arte. Desde su primera impulso, con el papa Sixto IV, para responder a la puesta en cuestión de su liderazgo planteada por Mohammed II, y posteriormente con Julio II, la Capilla Sixtina muestra cómo la política se aprovecha plenamente del potencial comunicativo y propagandístico del arte.Si la decoración de la parte inferior de la Capilla Sixtina muestra la máxima expresión del dominio de los talleres toscanos durante el siglo XV; desde en 1505, es Miguel Ángel quien señala la evolución hacia la idea de genio creativo moderno, cuando la obra de arte comienza a ser reconocida como producto de puro ingenio. Con un enfoque doble, de historiador y de restaurador, con detalle pero también con la intención de llegar a todos los lectores interesados en el Renacimiento, Antonio Forcellino nos hace revivir el prodigioso proyecto de pintar la Capilla Sixtina, reconstruyendo las voluntades y las intenciones de sus artífices -los papas y los artistas- y la historia material, las técnicas y los estilos que reúne esta extraordinaria obra maestra.

Alianza Editorial

Alianza Forma

La capilla sixtina

La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana; puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.

Elba

La belleza

Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mun do visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe d e Braque, Léger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inic io del siglo xx cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso s entimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve e l amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pin tada.	Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiro shima; desde el Bósforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pue blo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias per sonales de amor y pérdida hasta el más importante levantamiento políti co de nuestros días, este libro nos incita a mirar con la misma tolera ncia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.

El sentido de la vista

de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una variantes formales; una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

Las vanguardias artísticas siglo XX

A lo largo del siglo XX han sido muchas las voces femeninas que han reclamado para las mujeres la ciudadanía del mundo: Wollstonecraft, Beauvoir, Friedan, Millett, Firestone, Cixous e Irigaray serán algunas de las congregadas en estas páginas. El poder evocador de sus discursos fue tal que consiguieron franquear los dominios de la ética para propagarse al ámbito de la estética. Arte feminista y arte femenino serán los frutos de tan arriesgado cruce, y Judy Chicago, Martha Rosler y Ana Mendieta algunos de los nombres propios que materializan este proyecto.

Mujeres de ojos rojos

La experiencia estética, elaborada con la teoría de los «ámbitos», el encuentro, los niveles de realidad y de conducta, presenta un poder formativo sorprendente porque nos permite ver la vida de forma profunda y penetrante, dinámica y relacional. Esta visión nueva nos capacita para comprender la condición relacional de la obra de arte (superando, así, el subjetivismo sin caer en el objetivismo), determinar con precisión el tipo peculiar de realidad que presentan el arte y la literatura.

Universidad De Deusto

La experiencia estética y su poder formativo

Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesannuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julian Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturalezadel medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representaciónvisual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.

Poesía silenciosa, pintura que habla

Frida kahlo. Obras maestras

Sorolla (2024)

Arquitectoma. 30 años de arquitectura en méxico (2014)

Picasso. Obras maestras

La ligereza

El futuro de la nostalgia (2015)

Estética después del fin del arte. Ensayos sobre arthur danto (2005)

Las razones del arte

Escrito, pintado

Estética de la arquitectura

El cuerpo es el sueño de la razón y la inspiración una serpiente enfurecida. Marcel lí antúnez: Cara (2009)

Visto y no visto (2022)

La carne y el mármol (2018)

Mano de mujer (2024)

Cómo saborear un cuadro (2019)

El mono gastronómico (2014)

La capilla sixtina (2021)

La belleza (2017)

El sentido de la vista

Las vanguardias artísticas siglo XX

Mujeres de ojos rojos (2010)

La experiencia estética y su poder formativo (2004)

¿Que es la pintura? (2020)