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Hilma af klint, visionaria

En 2006, mientras hablaba en público en un homenaje dedicado a su padre, Siri Hustvedt comenzó a temblar descontroladamente de la cabeza a los pies. «Mis brazos se agitaban de forma desmedida. Mis rodillas chocaban una contra otra. Temblaba como si fuera presa de un ataque epiléptico. Lo increíble era que no me afectaba la voz en absoluto. Hablaba como si siguiera impertérrita», escribió. Era como si de repente se hubiera convertido en dos personas y no fuera capaz de reconocerse en esa parte de ella que parecía enferma. Cautivada por aquel episodio, decidió ir a la búsqueda de la mujer temblorosa.En estas memorias, Siri Hustvedt trata de encontrar un diagnóstico que resuelva aquella misteriosa transformación. Ahondando en la historia de la medicina y en su propia biografía, y profundizando en disciplinas como la neurología, la psiquiatría y el psicoanálisis, firma un libro único en el que, en la tradición de autores como Oliver Sacks, la ciencia y la literatura caminan de la mano con el objetivo de iluminar aquello que no conocemos de nosotros mismos.áá«La mujer temblorosa es producto de una lectora voraz y de un pensamiento profundo, y es imposible no apreciar la lucidez en cada frase» (The Observer). «Un libro inteligente, culto y apasionante» (ABC). «Un audaz experimento que resultará útil a muchos» (Marie Claire).

La mujer temblorosa o la historia de mis nervios

¿Estamos asistiendo a un fase de nuestra civilización en la que muchos aspectos culturales, artísticos o, simplemente, vitales estarían atrapados en un proceso, más o menos generalizado y voluntario, de adulteración y falsificación?

Sequitur

Falsificaciones y fetiches

Frente a la reducida visión de los especialistas, Rudolf Wittkower pone de relieve en esta obra cómo las diferentes culturas del este y el oeste pueden inspirarse recíprocamente sin por ello perder su originalidad. Esta peculiar «migración de los símbolos» la estudia Wittkower en la difusión mundial del motivo de «el águila y la serpiente» y, sobre todo, en las maravillas, monstruos y portentos que, vistos o imaginados en oriente, según el testimonio de Megástenes, Marco Polo y otros viajeros, pasaron a ser parte de la cultura europea. El otro gran tema del libro es la forma plástica de la que se han revestido en el arte occidental ideas tan significativas como las de Tiempo y Virtud, Paciencia y Ocasión, Muerte y Resurrección, junto con los intentos hechos en los albores del Renacimiento italiano para dar nueva vida a los jeroglíficos egipcios, entendidos como recipientes de una recóndita sabiduría. Rudolf Wittkower fija también su mirada en el «lenguaje gestual» que tanto llama la atención en las figuras de santos y ángeles de El Greco, reconstruye los pasos dados por Tiziano hasta pintar La religión socorrida por España, según puede ser contemplada en el Museo del Prado, y completa el círculo de sus indagaciones esclareciendo, con erudición y agilidad, la relación de la imagen y el concepto, la percepción y la interpretación, así como los diferentes niveles de significación que cabe hallar en los símbolos visuales.

La alegoría y la migración de los símbolos

El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros.    La exposición usa el término playground para proponer una aproximación histórico-artística al espacio de juego y a su potencial socializador, transgresor y político desde los inicios de la modernidad hasta nuestros días.     La idea de «área de juego en descampado» ;propuesta por el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen en 1935; y la de «parque infantil de aventuras» ;impulsada por la arquitecta paisajista Lady Allen of Hurtwood en Londres, y difundida a varias ciudades europeas después de la Segunda Guerra Mundial; sirven para recuperar y significar terrenos residuales o zonas bombardeadas como espacios de juego destinados a la autonomía infantil. En los años sesenta, el niño es reivindicado como sujeto político autónomo, en un contexto dominado por el reclamo del derecho a la ciudad y coincidiendo con el momento álgido de la revuelta del homo ludens ;retomando el ensayo homónimo de Johan Huizinga; en torno a Mayo del 68. Los movimientos de 2011 diseminados por plazas, calles y barrios devolvieron a esos espacios su dimensión pública y democrática. Esta ocupación temporal, articulada por redes virtuales de comunicación, implicaba una reapropiación de lo político y la experimentación de otras formas de organización y vida en común.

Playgrounds

A pesar de la incesante variedad de prácticas que pueblan el variabilísimo presente, pueden proponerse generalizaciones que permitan agudizar nuestras observaciones y refinar nuestras ideas sobre lo que constituye la singularidad de las artes de estos años. Tales suposiciones están en el punto de partida de este libro.

Adriana Hidalgo

Estética de laboratorio

En el mundo clásico, el pensamiento religioso, los hábitos sociales y la divergencia entre lo masculino y lo femenino dieron lugar a un peculiar arte erótico cuyo estudio ayuda a entender la compleja naturaleza de estas sociedades. Carmen Sánchez no plantea aquí un ensayo sobre la sexualidad en el mundo griego y romano, sino un recorrido por el imaginario visual del erotismo clásico, donde los textos se han tratado como ilustraciones con la intención de entender, explicar y, sobre todo, oír las imágenes.  Este libro explora el erotismo en el arte de la cultura clásica, desde la invención del desnudo público hasta la construcción de las populares escenas de cortejo homosexual masculino, desde la utilización del falo como amuleto hasta la exploración de la alteridad del erotismo sobrenatural y mágico.

La invención del cuerpo

La Fábrica presenta un recorrido a través de la obra de uno de los fotógrafos contemporáneos más relevantes e innovadores, que incluye algunas de sus series más célebres como sputnik, Milagros& Co, Fauna o Desconstructing Osama, entre otras.

La Fábrica Editorial

La Fabrica

Joan fontcuberta

¿ARTE? ¿Por qué? ¿Qué es el arte? ¿Sirve realmente para algo? Eleanor Davis nos sumerge gradualmente en formas absurdas y surrealistas de manifestaciones artísticas, desgranando el concepto de arte de forma crítica y positiva, presentándonos a un grupo de artistas muy particular que, tras organizar una exposición colectiva, tendrá que enfrentarse a una catástrofe que destruirá sus obras y cambiará sus vidas, pero que provocará un intento por iluminar el mayor potencial posible que una obra de arte podría lograr.

Barrett

¿Arte?

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder " saborear " una obra de arte en ausencia de su comprensión. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechas para príncipes ( " La Fiesta de Venus " , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( " La Rendición de Breda " , de Velázquez), y también para el público " people " (las serigrafías de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelación de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de " La Fiesta de Venus " de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Cátedra

Cómo saborear un cuadro

John Berger (Londres, 1926) comenzó escribiendo crítica de arte, pero pronto amplió su registro expresivo a la novela, el ensayo, la poesía, el teatro o el guión cinematográfico. En 1972 recibió el Brooker Prize por su novela G, y en 1991 el premio Petrarca al conjunto de su obra. La combinación de rigor e intuición que ha hecho de sus escritos sobre arte una lectura apasionante queda manifiesta en la presente obra, donde se recogen reflexiones esenciales en torno a la pintura y su función en el final de nuestro siglo.

Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible

Las comparaciones entre la poesía y la pintura constituyen un tema constante de los tratados de arte, y el célebre tópico «Ut pictura poesis» ha sido ampliamente estudiado en relación a las teorías artísticas del Renacimiento. Sin embargo, y a pesar de que su primera formulación se debe a Simónides, faltaba un estudio sobre las condiciones en que dicho ?topos? apareció por primera vez en Grecia, y su desarrollo temprano. De Simónides a Platón, el presente trabajo nos propone un fascinante recorrido desde la primera formulación del tópico hasta su planteamiento teórico.

El Acantilado

Poesía silenciosa, pintura que habla

Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imágenes y, en particular, de la pintura y la fotografía. Tal confrontación de ideas es ciertamente inédita en la bibliografía en lengua castellana sobre la imagen. Fundándose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexión y la profundización de temas ya de por sí sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatía, capacidad de información de la imagen y niveles de atención. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interés entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigación de la imagen a partir de la pragmática moderna.

Ediciones Paidós

Paidós

Arte, percepción y realidad

Durante una serie de conferencias que dio en Sudamérica en medio de su exilio, el 29 de octubre de 1940 el escritor austriaco Stefan Zweig se presentó en Buenos Aires ante mil quinientas personas. Dicen que otras mil quinientas quedaron afuera. El ensayo que leyó, y que da el nombre a este libro, es una exploración hacia el proceso que hay detrás del surgimiento de una obra de arte. Tomando como ejemplo la producción de grandes creadores, como Mozart o Poe, Zweig busca los mecanismos para acceder al momento mágico en que lo imperecedero se manifiesta en este mundo a través de las manos de un mortal como cualquier otro. En la misma línea de esa reflexión, este volumen se completa con perfiles de escritores y artistas que Stefan Zweig publicó a lo largo de su vida, en forma de columnas y discursos fúnebres. Así, para la aventura que emprende en su intento de develar el misterio de la creación artística, se apoya profundizando con agudeza en la vida, obra y muerte -o trascendencia- de Balzac, Dickens, Nietzsche, Teresa Fiodorovna Ries, Lord Byron, Tolstoi, Proust, Arthur Schnitzler, Joseph Roth, Toscanini, Ro

La Pollera

El misterio de la creacion artistica

¿Hay que obligar a los museos a devolver sus mármoles? ¿Es posible "descolonizar" nuestras galerías? ¿Debe caer Rodas?Desde el arte robado de Wakanda en Black Panther, pasando por el reciente compromiso de Emmanuel Macron con la restitución de obras de arte, hasta el provocador vídeo musical de Beyoncé y Jay Z filmado en el Louvre, la cuestión de descolonizar nuestra relación con el arte que nos rodea está ganando terreno rápidamente. La gente se está dando cuenta de la sórdida historia de las colecciones de arte de todo el mundo y está empezando a plantearse preguntas difíciles sobre cómo debería ser el futuro de los museos.En ?El cuadro completo', Alice Procter, historiadora del arte y guía del Uncomfortable Art Tour, ofrece un manual para deconstruir todo lo que creíamos saber sobre el arte y rellena los huecos con las historias que han quedado fuera del canon de la historia del arte durante siglos.El libro se divide en cuatro secciones cronológicas, bautizadas con los nombres de cuatro tipos diferentes de espacios artísticos: el Palacio, el aula, el memorial y el patio de recreo. Cada sección aborda las fascinantes y a menudo chocantes historias de cinco obras de arte diferentes, entre ellas el cuadro propagandístico que la Compañía de las Indias Orientales utilizó para justificar su control en la India; los cráneos maoríes mokomokai que fueron objeto de comercio y coleccionados por los europeos como "objetos de arte"; y la controvertida escultura contemporánea de Kara Walker Una sutileza, que planteó cuestiones sobre las interacciones "apropiadas" con el arte. A través de estas historias, Alice saca a la luz la narrativa colonial subyacente que acecha bajo la industria del arte actual y sugiere diferentes formas de ver y pensar el arte en el mundo moderno.?El cuadro completo' es una provocación muy necesaria para analizar de forma más crítica las narrativas aceptadas sobre el arte, y repensar y alterar la forma en que interactuamos con los museos y galerías que lo exhiben."Indagador, sin jerga y escrito con el ritmo de una novela policíaca... [Procter] disecciona la cultura museística occidental con tal furia forense que al lector le resultará difícil volver a ver esas instituciones de la misma manera." Financial Times'Una obra inteligente, accesible y brillantemente estructurada que anima a los lectores a ir más allá de la gran arquitectura de las instituciones culturales y ver las problemáticas historias coloniales que hay detrás de ellas.' - Sumaya Kassim

Capitán Swing

El cuadro completo

&quot; La imaginación en la jaula. Razones y estrategias de la creación coartada &quot; es un estudio que se rinde a la evidencia de que ya no resulta lícito hablar de la imaginación y la creatividad como se ha venido haciendo hasta ahora. Diversas revoluciones simultáneas son la causa. Aquí se examinan y contextualizan para que el lector tenga la última palabra. En este siglo xxi de incertidumbres, desazones y obsolescencias, las certezas nacen y mueren en el terreno del arte a excesiva velocidad. Internet ha acelera¡do el proceso creativo. Ha eliminado intermediarios a través de los blogs o las Plataformas de Autoedición Digital, que in¡yectan la ansiedad de la inmediatez en creadores que ni siquiera deseaban serlo. Ha democratizado la legitimidad creadora proscribiendo cualquier escala de valores. Ha convertido con frecuencia a los artistas en &quot; creadores de contenidos &quot; a los que ayuda a reciclar y a producir pero a los que vigila a través de sitios web que actúan como laboratorios que monitorizan y adocenan la creación. Todo está previsto para que todos produzcan más y produzcan más rápido. Pero lo periférico o aparente suplanta lo seminal y lo verdadero, y la creación se desvirtúa o se menoscaba.

Catedra

Ediciones Catedra S.a.

La imaginación en la jaula

Las semillas del tiempo explora en tres movimientos la situación del presente cultural, intentando abrir una perspectiva de futuro de un mundo en el que es imposible predecir con algún grado de certeza. El primero de los ensayos, Las antinomias de la postmodernidad, trata de iluminar algunas de las irresolubles paradojas entre las que se mueve el debate intelectual de nuestra época. En lugar de solucionarlas desde una perspectiva superior, propone, de modo experimental, un exterior irrepresentable para las posiciones insertas en este debate, y en el que se halla articulado un futuro donde el pensamiento de la utopía vuelva a tener lugar. El segundo ensayo, Utopía, modernismo y muerte, presenta una reflexión sobre la novela Chevengur, del escritor soviético Andréi Platónov. Este terrible relato de una utopía comunista, recientemente descubierto en Rusia y en Occidente tras permanecer inédito durante decenios por motivos políticos, permite a Jameson esbozar una reflexión de lo violento y descarnado de la utopía vista desde el «segundo mundo», rescatada, sin embargo, de las dulcificaciones a que se la somete en Occidente. Por último, Las restricciones del postmodernismo examina las tendencias actuales dentro del pensamiento arquitectónico, intentando mostrar los límites del postmodernismo y enlazando con el «exterior irrepresentable» propuesto en la primera parte. Ajeno a todo sentimentalismo y optimismo ingenuo, Las semillas del tiempo imagina tentativamente alternativas a la situación actual del pensamiento.

Trotta

Las semillas del tiempo

" Activismo en el mundo del arte: hacia una ética del comisariado artístico " parte de un principio básico: el mundo del arte como institución jerárquica y hegemónica (integrada por historiadores, museos y salas de exposiciones, mercados de subastas, editoriales, periodistas, críticos y, también, comisarios de exposiciones, etc.) privilegia determinados modos de hacer arte y a ciertos artistas, por lo general blancos y occidentales, a costa de excluir y silenciar el resto de artistas y propuestas creativas procedentes de países y colectivos marginados. Este libro es, al mismo tiempo, un manual de Historia del Arte, relatada a través de las exposiciones más transgresoras y reivindicativas organizadas desde la década de 1970 hasta la actualidad, y un Manifiesto de alcance ético y cultural, formulado con la intención de promover entre todos los agentes implicados, especialmente entre los críticos de arte y los comisarios de exposiciones, un cambio profundo en el mundo del arte que permita y garantice la expresión de la diversidad.

Activismo en el mundo del arte

En el quinto centenario de la muerte del Bosco, Siruela publica este ensayo profusamente ilustrado del escritor e hispanista Cees Nooteboom.    En plena polémica por la autoría de algunas de las obras catalogadas del pintor, Cees Nooteboom nos invita a repasar las pinturas del genial neerlandés a través de los recuerdos que el escritor ha ido atesorando en los últimos sesenta años. La importancia del pintor en la memoria de Nooteboom es notable, como demuestran los viajes que realizó para conocer y estudiar siete de sus pinturas en Lisboa, Madrid, Gante, Róterdam y Bolduque, la ciudad holandesa donde El Bosco vivió y trabajó. Esta obra literaria está profusamente ilustrada con detalles tomados de las pinturas del Bosco e incluye también siete obras completas.

El bosco

Comobien detectó en su momento Walter Benjamin, Charles Baudelaire (1821-1867)encarnó todas las tensiones y contradicciones de la modernidad, época (en elsentido lato de la palabra) de la cual fue uno de los principales alumbradores.Obra clave para la historia cultural del mundo contemporáneo, El pintor dela vida moderna (1863), objeto de múltiples interpretaciones desde elmomento de su publicación, toma como pretexto la labor del «Sr. G.» (el hoyolvidado Constantin Guys) para poner sobre el tapete de forma sutil lasnumerosas tensiones aludidas tanto en el ámbito de la sociedad, como en los delarte y de la estética. Otras obras de Baudelaire en esta colección: Lasflores del mal, El esplín de París y Los paraísos artificiales. Traduccióne introducción de Silvia Acierno y Julio Baquero Cruz

El pintor de la vida moderna [edición bilingue]

Celebrar el arte y la interpretación como prácticas capaces de abordar los desafíos sociales es lo que propone Doris Sommer en este libro. Para refrescar el compromiso de las humanidades con el mundo más allá de las aulas, a lo largo de los capítulos ofrece muestras de proyectos reformistas que inspiran fe en lo posible porque logran metas que hubieran sido inalcanzables sin arte. Los casos incluyen iniciativas de arriba hacia abajo -como los de Antanas Mockus, ex alcalde de Bogotá, Colombia y movimientos de abajo hacia arriba como el Teatro Oprimido creado por el brasileño Augusto Boal-. Asimismo, la propia iniciativa de Sommer, Pre-Textos, es un proyecto de alfabetización en zonas de pocos recursos materiales, que cuenta con las artes populares para interpretar cualquier texto; de este modo desarrolla destrezas tanto intelectuales como cívicas.Con la consigna 'todos somos agentes culturales', "El arte obra en el mundo" demuestra la urgente actualidad de la educación estética propuesta por Friedrich Schiller para evitar la violencia y lograr la ilustración. El libro de Sommer es un llamado a la acción y una invitación a jugar.

Arte obra en el mundo cultura ciudadana y humanidades publi

Chilean edition of the exhibition of Alfredo Jaar (b. Chile) in Sweden at the Fine Arts Museum of Lausanne from june to september of 2007. The present edition gathers the translations of the essays into Spanish. Contains an essay by Adriana Valdés.

La política de las imágenes

Una clase magistral sobre diseño, arquitectura, forma, objetos y consumo en el siglo XXI. Con la A de Auténtico. Así empieza este libro, que es algo más que un diccionario: una guía esencial para entender el mundo moderno. Por qué Warhol es auténticamente falso, cómo se crean las identidades nacionales, y qué es esa extraña manía de coleccionar. También explica por qué Grand Theft Auto es un gran invento o por qué los apartamentos de Hitchcock no podrían existir. Y no es una autobiografía, pero brinda al lector la visión personal de uno de los más reconocidos expertos del mundo en el diseño y sus manifestaciones.

B de bauhaus

La obra ensayística de Pilar Pedraza conforma una suerte de historia de la misoginia en la cultura occidental, y se sirve de las figuras de lo fantástico femenino para reflexionar sobre los miedos y deseos que la cultura patriarcal proyecta sobre las mujeres. Tenebrarium no es una mera colección de textos y artículos, sino que propone un recorrido a través de estas proyecciones de lo fantástico, con sus luces y sombras, fragmentado como nuestra propia vivencia posmoderna. El presente volumen está dividido en cuatro partes. Cadáveres y osamentas expone la fascinación de Pedraza por la muerte y el cuerpo muerto, recalando en los cráneos y osamentas de los mitos y fiestas de la cultura mexicana. Engendros, locos e íncubos nos recuerda que más acá de nuestras más siniestras fantasías «existen monstruos reales de carne y hueso», seres anómalos producto de la genética y las enfermedades que la cultura y la sociedad convierten en arte y espectáculo. Lo femenino siniestro, una reflexión acerca de las viejas, las vampiras o las muñecas de compañía, donde la autora retoma uno de sus temas predilectos, la representación del fantástico femenino en el arte, ampliando lo expuesto en sus ensayos Máquinas de amar (1998) o Espectra (2004). Y Derivas fantásticas, en la que partiendo de los mitos antiguos llegaremos a los nuevos terrores, encarnados en pesadillas de hoy como ?la cámara vampira? o ?la nueva carne?. «No hay en este recorrido monstruos híbridos de estirpe divina como el Minotauro o la Esfinge, sino humanos anómalos, deformes y atroces como algunos freaks de feria en su deriva desde el mito al espectáculo, ya sea de circo o de cinematógrafo», concluye Pedraza.

Intempestivas

Tenebrarium

Hilma af klint, visionaria (2023)

La mujer temblorosa o la historia de mis nervios (2020)

Falsificaciones y fetiches (2010)

La alegoría y la migración de los símbolos

Playgrounds (2014)

Estética de laboratorio (2010)

La invención del cuerpo (2015)

Joan fontcuberta (2017)

¿Arte? (2019)

Cómo saborear un cuadro (2019)

Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible

Poesía silenciosa, pintura que habla

Arte, percepción y realidad (2007)

El misterio de la creacion artistica (2023)

El cuadro completo (2024)

La imaginación en la jaula (2015)

Las semillas del tiempo

Activismo en el mundo del arte (2019)

El bosco (2016)

El pintor de la vida moderna [edición bilingue] (2021)

Arte obra en el mundo cultura ciudadana y humanidades publi (2020)

La política de las imágenes (2008)

B de bauhaus (2014)

Tenebrarium (2025)