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¿Por qué, en el apogeo del arte griego, los filósofos proponen razones para despreciarlo? ¿Por qué la prohibición bíblica de la imagen ha sido interpretada de modo tan distinto por judíos, musulmanes y cristianos? ¿Por qué la querella de las imágenes cobró tal gravedad en Oriente y en Occidente hizo caso omiso y multiplicó las imágenes sagradas y profanas? Este libro responde a estas preguntas y plantea otras. Se interroga sobre la nueva iconoclasia que se desarrolla en Occidente ;Calvino que expulsa la imagen del templo, los jansenistas que la desdeñan, Kant que la juzga inútil, Hegel anticuada; y la transformación que estas corrientes imponen al arte europeo.Alain Besançon desvela en esta historia el desarrollo de una lógica espiritual enemiga de la imagen, que se consuma de siglo en siglo hasta llegar al nuestro. Destaca los momentos clave siguiendo el hilo que recorre la reflexión estética desde Platón hasta Malevich. E interpreta en la explosión del arte abstracto, el eco de antiguas concepciones iconoclastas. Toda su faceta del arte contemporáneo se ve iluminada por esta larga investigación sobre la imagen divina, aunque la nueva iconoclasia olvide a menudo los argumentos de la antigua.

La imagen prohibida

A lo largo del siglo XX han sido muchas las voces femeninas que han reclamado para las mujeres la ciudadanía del mundo: Wollstonecraft, Beauvoir, Friedan, Millett, Firestone, Cixous e Irigaray serán algunas de las congregadas en estas páginas. El poder evocador de sus discursos fue tal que consiguieron franquear los dominios de la ética para propagarse al ámbito de la estética. Arte feminista y arte femenino serán los frutos de tan arriesgado cruce, y Judy Chicago, Martha Rosler y Ana Mendieta algunos de los nombres propios que materializan este proyecto.

Ediciones Trea

Mujeres de ojos rojos

Ensayo dirigido a todos aquellos que disfrutan con la creación artística en cualquiera de sus formas. ¿Por qué los creadores que se consideran modernos tienden a elegir formas expresivas más simples? ¿Qué lleva a las vanguardias a creer que siguiendo ese camino llegarán a la esencia del arte? Para entender esa búsqueda del mítico punto cero, de la elocuencia desnuda, µlvaro Delgado-Gal pone diferentes obras de arte y de la literatura vanguardistas en conexión con sus predecesoras para intentar comprender qué piezas se mueven en el engranaje de la expresión cuando se pasa de un estilo a otro. Compara a Rubens con Matisse, a Galdós con Valle-Inclán, o a Mark Twain con Hemingway y desentraña la mecánica que subyace a los cambios de estilo que se producen en el arte y la literatura.

Buscando el cero. La revolución moderna en la literatura y en el arte

A lo largo de la historia, algunos libros han cambiado el mundo. Han transformado la manera en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás. Han inspirado el debate, la discordia, la guerra y la revolución. Han iluminado, indignado, provocado y consolado. Han enriquecido vidas, y también las han destruido. Taurus publica las obras de los grandes pensadores, pioneros, radicales y visionarios cuyas ideas sacudieron la civilización y nos impulsaron a ser quienes somos. Poeta, esteta y hedonista, Baudelaire fue además uno de los más revolucionarios críticos de arte de su época. Aquí profundiza en la belleza, la moda, el dandismo, el propósito del arte y el papel del artista, y describe al pintor que, en su opinión, expresa de un modo más pleno el drama de la vida moderna.

Editorial Taurus

El pintor de la vida moderna (serie great ideas 28)

La historia de las mujeres artistas ha sido, hasta hace pocos años, sistemáticamente ignorada por el discurso oficial. Tirar del hilo de esa historia olvidada no supone tan sólo reparar una omisión intolerable, sino también cuestionar muchas de las categorías fundamentales (como las de &quot; genio artístico &quot; , &quot; calidad &quot; o &quot; influencia &quot; ) sobre las que asienta la disciplina de la historia del arte en su conjunto. Los orígenes del movimiento feminista se remontan al menos al siglo XVIII, pero habrá que esperar a que surja el llamado Movimiento de Liberación de la Mujer, a finales de la década de 1960, para que algunas artistas e historiadoras señalen la necesidad de intervenir, desde un punto de vista feminista, en el campo de la práctica y la teoría artísticas. Este libro es la historia de esas intervenciones, con frecuencia polémicas, no sólo en el ámbito académico e institucional sino en el del propio pensamiento feminista: la situación de las mujeres artistas, la afirmación de la diferencia sexual, la representación del cuerpo femenino, la mirada como instrumento de poder o el impacto de las nuevas tecnologías en el arte hecho por mujeres son algunos de los temas de debate que han marcado la relación entre el feminismo y la historia del arte. El resultado de esa relación entre el feminismo y la historia del arte es, sin duda, una de las renovaciones más profundas que ha conocido la disciplina histórico-artística en el siglo XX. Al tiempo que se reescribe la vieja historia, se crean otras nuevas: nuevas historias de mujeres y, por supuesto, nuevas historias del arte.

Cátedra

Historias de mujeres, historias del arte

En la estela de su admirado Marcel Duchamp, que nos legó un extraordinario volumen de conversaciones, en Fuera de aquí, Enrique Vila-Matas, incitado por su traductor al francés y amigo, André Gabastou, repasa la gestación y el inagotable anecdotario que se esconde detrás de cada uno de sus libros y traza una inimitable panorámica de su poética singular, desde sus narraciones juveniles hasta su producción última aún pendiente de publicarse. Dotando al diálogo de un sentido nuevo que permite conocer los entresijos de toda su obra, Vila-Matas se nos muestra como el creador de mundos de los shandys o los bartlebys, explorador de nuevos conceptos, como el mal de Montano, inventorde personajes inolvidables como el doctor Pasavento, revisitador de ciudades como París, Veracruz, Lisboa o, tras su salto inglés, de ese Dublín joyciano, que tanto ha marcado el curso de esa enorme aventura que es su obra literaria. Al mismo tiempo, sin perder la solapada ironía siempre presente en sus escritos, nos permite asistir a la galería de escritores que le han influido, de Kafka a Walser, pasando por una extensa lista absolutamente definidora de su particular gusto literario. Y también adentrarnos en los lugares, lecturas e imágenes que han hecho de Vila-Matas uno de los escritores más singulares de nuestro tiempo y un motor inagotable de ideas literarias. Esta especie de autobiografía conversada conforma, pues, un eslabón más en la trayectoria de uno de los grandes creadores de ficciones de la literatura contemporánea, y se erige en un título imprescindible de su bibliografía. Fuera de aquí se completa con una extensa antología de fragmentos escogidos de la obra vilamatiana y con una selección de textos nunca hasta ahora publicados en libro.

Galaxia Gutenberg

Fuera de aquí

El presente relee al pasado. Es desde el hoy desde donde se revisan los sistemas que organizan las series históricas. Es la mirada contemporánea la que redescubre aspectos de otros tiempos que hasta ahora habían quedado ocluidos. A la luz de estas afirmaciones que se derivan del texto de Malraux, cabe preguntarse por qué editar hoy este libro. Vivimos en un mundo inmerso en el flujo infinito de imágenes sin control aparente. Es esta condición la que reactiva el texto de Malraux, no solo por lo que obviamente podría ser advertido como un &quot; antecedente &quot; sino ùy avanzando un poco sobre los mismos presupuestos que subyacen en este libroù por esa cuestión del fluir del pasado en el presente.

El museo imaginario

En 1937, cuando apenas tenía veinte años y estudiaba en Londres, Leonora Carrington conoció a Max Ernst, se fugó con él a Francia y entró en contacto con los círculos surrealistas de París. Dos años después, en 1940, Max fue declarado enemigo del régimen de Vichy y trasladado a un campo de concentración. Leonora, con evidentes signos de trastorno psicológico, se vio obligada a huir a España, donde, por mediación de su padre, fue ingresada en un sanatorio de Santander. Memorias de abajo, escrito originariamente en francés en 1943, es el recuerdo, en forma de dietario, de aquellos días de confinamiento en que Leonora fue asediada no solo por sus propios delirios, sino también por los métodos poco ortodoxos de su médico, el sádico doctor Morales. Un calvario descrito con una precisión sorprendente, sin rastro de autocompasión, por quien ha sido consciente de su descenso al abismo de la locura, de su recuperación, y de cómo los estratos más hondos del subconsciente pueden ser un material válido en la práctica artística.

Ediciones Alpha Decay

Héroes Modernos

Memorias de abajo

Argentina

* presentación (por Hernán Borisonik)* *prólogo (por Renato Rezende)01 BLANCO ENCIMA, BLANCO ABAJO (mayo de 1960)02 INTERRELACIÓN DE LAS ARTES (1960)03 EL FIN DEL CUADRO (16 de febrero de 1961)04 SOBRE EL PROYECTO pERROS DE CAZA (28 de agosto de 1961)05 NÚCLEO IMPROVISADO (27 de diciembre de1961)06 SOPORTE (6 de febrero de 1962)07 EL PROBLEMA DE LOS OPUESTOS (8 de febrero de 1962)08 COLOR TONAL Y DESARROLLO NUCLEAR DEL COLOR (17 de marzo de 1962)09 EN EL PENETRABLE (3 de junio de 1962)10 LA TRANSICIÓN DEL COLOR DEL CUADRO HACIA EL ESPACIO Y EL SENTIDO DE CONSTRUCTIVIDAD (1962)11 BÓLIDES(29 de octubre de 1963)12 BASES FUNDAMENTALES PARA UNA DEFINICIÓN DEL PARANGOLÉ (noviembre de 1964)13 LA DANZA EN MI EXPERIENCIA (12 de noviembre de 1965)14 LA DANZA EN MI EXPERIENCIA (continuación) (10 de abril de 1966)15 POSICIÓN Y PROGRAMA (julio de 1966)16 ESQUEMA GENERAL DE LA NUEVA OBJETIVIDAD(1966)17 BALANCE DE LA CULTURA BRASILEÑA(1968)18 CRELAZER (1969)19 LA OBRA, SU CARÁCTER OBJETUAL, EL COMPORTAMIENTO (1969)*** Epílogo. Apuntes sobre mi experiencia con el parangolé (por Dany Umpi)

Miño y Dávila Editores - Esp

El museo es el mundo (textos 1960-1969)

* Introducción: en modo etc (por Juliana Gontijo)** Presentación al Manual del artista01 Haciendo visible el arte contemporáneo (con la colaboración de Eduardo Coimbra)02 Cerebro cremoso al caer la tarde03 La crítica de arte como campo privilegiado de la ficción contemporánea04 agora (con la colaboración de Eduardo Coimbra y Raul Mourão)05 Post-galerías06 ¿Debatir o debatirse?07 Gestos locales, efectos globales08 El artista como curador09 Mezcla + Confrontación10 El rol del artista como agente de eventos y fomentador de la producción frente a la dinámica del circuito del arte11 ¿Y ahora?12 Viva Vaia Zumbi13 Circuito de arte en desplazamiento14 Amo a los artistas-etc15 regiones de sombra de los 80 (& diamantes)16 Perspectivas para el museo en el siglo XXI17 El artista como investigador18 conversaciones (con la colaboración de Bojana Piskur)19 4br20 Desplazamientos rítmicos: el artista como agente, como curador y como crítico21 Sur, Sur, Sur, Sur como diagrama: mapa + marca22 desplazamiento-entre-autonomías-sonido*** Fuentes de los textos

Manual del artista-etc

PRÓLOGO. Antizoo, antivivo: la otra vida en la vidapor Gabriel Giorgi INTRODUCCIÓNEl cambio de sigloExperiencias políticasUmbrales, retornos, desbordesLo viviente afuera de marcoDespués del hombre y el animalCuerpo, materia, escrituraEngranajes de lectura1. UMBRALESI. Nuno Ramos: el fósil como umbral Inscripción fósil: aparecer mediante huellas y huecosPlacas de fósiles: la nueva vidaEl fósil: ¿un viviente muerto?El hacer del ahí sin serMaterias y suelos actuantesDel viviente muerto al fósil parlanteII. João Gilberto Noll: cuerpos a la intemperieA cielo abiertoCuerpos-umbralHacia el umbral del sueloUmbrales de visibilidadUmbrales de lenguajeAfuera de marco, superficies2. RETORNOSI. Vacío, materia y memoria: formas de dar sepultura en 111VacíoDel documento vacío al documento hápticoResistencia y sepulturaUn decir de tulII. Del lixo al junco: un pathos material Una coreografía de gestos (vegetales) Agencias mineralesFlujos y restosIII. El zombi en BerazachussettsQué monstruo es el zombiEl terror de la zombi: el mundo al que llegaDel ya muerto al muerto-vivo: retornos subjetivantesRevolución zombi3. DESBORDES I

¿Qué está vivo?

Persistencia de la pregunta por el arte

El gesto criptográfico

AgradecimientosIntroducciónI. El legado de ApollinaireII. Dadaísmo y surrealismoIII. Una mitología modernaIV. OnirokitschV. Arsenal de máscarasVI. La negación del arteVII. Más allá de la pinturaVIII. El ojo surrealIX. Chaplin contra HitlerX. Apariencia y juegoXI. Iluminación profanaXII. Materialismo antropológicoÍndice de nombres

Miño Y Dávila Editores

Belleza sin aura

Introducción. Cuadros políticos> Vías de propagaciónPARTE I. Los cuatro biotipos> Ascensos políticos> Aluvión zoológicoPARTE II. El timón del EstadoPARTE III. Clima de guerraPARTE IV. La Nación incalculable> Tempestades de informaciónBIBLIOGRAFÍA

El don de la ubicuidad

La vida de Francisco de Goyaá(1746-1828) coincidió con una época de transformaciones en la historia de España que desató turbulencias en la política del país y en la corte de la que formó parte el artista, así como cambios sociales, la devastación de la península ibérica en la guerra contra Napoleón y un posterior periodo de inestabilidad. En esta reveladora biografía, Janis Tomlinson se sirve de un amplio rango de documentos (incluyendo cartas, escritos de la corte y un cuaderno de bocetos usado por Goya en los primeros años de su carrera) para ofrecer un matizado retrato del complejo y multifacético artista, cuyo arte es sinónimo de las cautivadoras imágenes de las gentes,álos acontecimientos y la revolución social que definieron su vida y su era.áTomlinson cuestiona la imagen popular del artista como una figura obsesionada con la oscuridad y la muerte, al mostrar cómo la simpatía y la ambición de Goya contribuyeron a su éxito dentro de la corte, y al ofrecer también nuevas perspectivas sobre su juventud, rica vida familiar, amplios viajes y duraderas amistades. Tomlinson explora todo el potencial de la imaginería goyesca, desde escenas inspiradas por la vida en Madrid hasta visiones de mundos irracionales, pasando por retratos reales y atrocidades de guerra. La autora arroja luz sobre los problemas personales del artista, incluyendo la muerte de seis de sus hijos y su pérdida de audición en la mediana edad, pero también reexamina la interpretación convencional de que los últimos años de vida de Goya fueron un período de desilusión y los muestra,áen cambio, como una época de liberación artística, que se plasma especialmente en las famosas pinturas murales de su quinta, conocidas popularmente como las pinturas negras.

Ediciones Catedra

Catedra

Goya. Retrato de un artista

Ninguna existencia iguala el modo de «ser» obstinado y terco que tienen los muertos. Mientras mantenemos la vida, mientras estamos con vida, existimos en el modo de la huida, de la fuga, de la escapada hacia adelante. La muerte, en cambio, nos fija en la consistencia, en la identidad, en la permanencia, nos fija en «el único parecido» posible (Blanchot) que cada uno guarda consigo mismo, pues los muertos «ya no huyen, ya no nos huyen ni huyen de sí mismos». A este ser del desaparecido o de la desaparecida, escribe Nancy, solo le compete su imagen, «es decir, la espera infinita, la petición siempre renovada de un milagro de existencia y de sentido que solo puede tener lugar en la disipación de la imagen».  Tomando como leitmotiv el retrato pintado por Valerio Adami a Jacques Derrida unos meses antes de su muerte, ocurrida en 2004, Jean-Luc Nancy entrega en este pequeño libro, con la estremecedora belleza de su escritura, una emotiva elegía que no solo tiene la virtud de hacer partícipe al lector del amor incondicional que Nancy le profesaba a su amigo y que todo el texto rezuma. Su retrato, además, le sirve de excusa para, mediante una minuciosa lectura de los diferentes motivos que aparecen en el cuadro, hacer una alegoría de la filosofía y de la literatura, puesto que aquí filosofía y literatura confluyen tanto como divergen. «Retrato alegórico» de la escritura y del pensamiento de Jacques Derrida en lo que podría considerarse una singularísima, conmovedora y muy personal introducción a su pensamiento.

Trotta

A título de más de uno. Jacques derrida

En este volumen se reúnen cuatro conferencias del curso impartido por Erwin Panofsky en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952. Estos textos muestran su talento para complementar el puro análisis iconográfico (la descripción de las imágenes, historias o alegorías que contiene el cuadro) con la interpretación iconológica del significado intrínseco y los valores simbólicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios históricos de sensibilidad y mentalidad).

Renacimiento y renacimientos en el arte occidental

Toda imagen fotográfica es siempre un &quot; registro obtenido &quot; a partir del &quot; proceso de creación &quot; del fotógrafo, un &quot; binomio indivisible &quot; que se establece por la relación &quot; registro/creación &quot; , una relación que está en el origen mismo de la fotografía. A lo largo de ese proceso, la imagen es elaborada, construida técnica, cultural, estética e ideológicamente. Se trata de un sistema que debe ser desmontado para que comprendamos cómo se da esa elaboración, cómo sus elementos constituyentes se articulan. Para tal propuesta, debemos percibir la complejidad epistemológica de la imagen fotográfica como representación y documento visual. Este volumen reúne los mejores momentos de las investigaciones teóricas de Boris Kossoy: &quot; Fotografía e historia &quot; , &quot; Realidades y ficciones en la trama fotográfica &quot; y &quot; Los tiempos de la fotografía: lo efímero y lo perpetuo &quot; , trilogía teórica que, al proponer conceptos de un modelo metodológico de investigación y análisis crítico de las fuentes fotográficas ùliberados de las amarras convencionales desde siempre pensadas para los documentos escritosù, proporciona nuevos y productivos modos de abordar el estudio del fenómeno fotográfico.

Ediciones Catedra S.a.

Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica

«En adelante, a mis ojos, Francis Bacon iba a encarnar la pintura más que ningún otro artista. [à] Desde esos tiempos de juventud, su pintura ya nunca me abandonaría. Porque se engancha a ti, vive en ti, contigo. Un tormento que se aferra y no te suelta más. Sus "personajes en crisis generalizada"ùcrisis moral, crisis físicaù, como escribe el crítico inglés John Russell, viven a tu lado y te recuerdan sin cesar que la vida es esa cuerda tirante tendida entre el nacimiento y la muerte. Esa vida que te aporta visiones exacerbadas, un vecino de hospital, de asilo [à]. La pesadilla está cerca: dolores, gritos, un cuerpo replegado sobre sí mismo, concentrado en las contorsiones, en el sufrimiento incluso. El terror se mantiene ahí, instalado en esos personajes que aúllan en silencio. Una crueldad desplegada y visible, revelada por esos hombres tapiados en un cuadro espacial».

El Acantilado

Cuadernos del Acantilado

El olor a sangre humana no se me quita de los ojos

En este arriesgado ensayo, Michael Fried realiza una lectura de La cámara lúcida de Roland Barthes, descubriendo afinidades entre ésta y algunos motivos centrales de su propio pensamiento (principalmente, los formulados en su célebre Arte y objetualidad, de 1967). Cuestionando la recepción más extendida del texto barthesiano, que se ha centrado casi siempre en el punctum como catalizador de una respuesta subjetiva en el espectador, Fried reenmarca este concepto en una tradición de antiteatralidad que se remonta hasta Diderot y de la que él mismo es su principal exponente contemporáneo. De hecho, según Fried argumenta en estas páginas, el punctum funcionaría como una garantía ontológica de la anti-teatralidad de la fotografía. Partiendo de este punto, Fried arriba a algunas conclusiones últimas de La cámara lúcida que el propio Barthes no se aventuró a formular. El punctum de Roland Barthes es un texto imprescindible para todos aquellos interesados en la fotografía contemporánea, en la obra de Barthes y la teoría del arte más fecunda del siglo XX.

Cendeac

El punctum de roland barthes

El desorden necesario (filosofia del objeto surrealista)

Los años sesenta han quedado fijados en nuestra memoria colectiva como una era de subversión política y experimentalismo cultural. Los artistas visuales, que trabajaban en un medio volátil, respondieron a través de distintas vías a la confusion que imperaba en la esfera de lo público y lucharon por dejar su huella en un mundo preocupado por las crisis sociales. En este convincente relato sobre el arte que se produjo entre los años 1955 y 1969, Thomas Crow contempla el amplio espectro de artistas que trabajaron en Europa y América durante este periodo, explorando las relaciones entre arte y política, y mostrando como la retórica de ésta a menudo determinó ?o trastornó? la otra. Crow traza la aparición de un nuevo clima estético que desafió las nociones establecidas de contenido, estilo, medios y público, y desarrolla una idea de los sesenta mucho más orgánica de lo habitual: se trata de una nueva definición del concepto de este arte tal como lo siguen empleando, por una parte, los críticos conservadores de hoy día, que continúan considerándolo la fuente de todos los escándalos contemporáneos, y, por otra, los de izquierdas, que lo aprecian como un caso poco frecuente de feliz radicalismo estético.

El esplendor de los sesenta

Escrito y publicado en 1985, cuando Albania, el país del autor, soportaba los últimos años de un régimen férreo, este ensayo, ampliamente revisado y aumentado para la presente edición, es ante todo un himno audaz a la libertad y a la magnificencia del arte. Esquilo. El gran perdedor, que empieza como una indagación sobre la desaparición de unas trescientas tragedias de la Antigüedad griega, en buena parte de Esquilo, no solamente se hace eco de la angustia o del terror de los escritores de todos los tiempos ante el rapto y el asesinato de sus obras, sino que abre además una reflexión consagrada a las relaciones del creador con los poderes, con su época, con su pueblo y, finalmente, con la humanidad entera. Al final del ensayo se sugiere al lector una teoría nueva del nacimiento de la tragedia griega, teoría que viene a contradecir o a corregir todos los análisis e interpretaciones vigentes desde hace unos dos milenios.

Esquilo

La imagen prohibida

Mujeres de ojos rojos (2010)

Buscando el cero. La revolución moderna en la literatura y en el arte

El pintor de la vida moderna (serie great ideas 28) (2013)

Historias de mujeres, historias del arte (2003)

Fuera de aquí (2013)

El museo imaginario (2017)

Memorias de abajo (2017)

El museo es el mundo (textos 1960-1969) (2022)

Manual del artista-etc (2023)

¿Qué está vivo? (2023)

Persistencia de la pregunta por el arte (2022)

El gesto criptográfico (2022)

Belleza sin aura (2020)

El don de la ubicuidad (2021)

Goya. Retrato de un artista (2022)

A título de más de uno. Jacques derrida (2015)

Renacimiento y renacimientos en el arte occidental (2014)

Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica (2014)

El olor a sangre humana no se me quita de los ojos (2012)

El punctum de roland barthes (2008)

El desorden necesario (filosofia del objeto surrealista) (2005)

El esplendor de los sesenta

Esquilo