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El motivo de la cubierta, de Helios Pandiella, representa el arte como cosa mental e interpretado subjetivamente por el crítico, cuyos textos van por ello firmados en solitario, individualmente, según argumenta este libro. En palabras de Henry Meyric Hughes, Presidente de Honor de Asociación Internacional de Críticos de Arte (aica), «en esta obra el profesor Lorente traza hábilmente un personal compendio de la crítica de arte y sus principales figuras de referencia, desde la Ilustración y la modernidad hasta quienes han sentado las bases de los realineamientos apreciativos de hoy. Este libro de amena lectura responderá por igual a las necesidades del estudiante y del lector general, llenando un vacío bibliográfico, pues apenas existen panorámicas globales que ofrezcan una síntesis con tan amplia revisión histórica y geográfica».

Ediciones Trea

Grandes críticos de arte (1750-2000)

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filósofo, Rohtko fue además un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reúne por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antología de textos, tanto publicados como inéditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, según muchos, había renunciado a la palabra; su profundo interés por la meditación y la espiritualidad; y su relación privada con artistas contemporáneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

Ediciones Paidós

Paidós

Escritos sobre arte (1934-1969)

Nos asomamos a una antología de ensayos que retrata una faceta poco conocida de Virginia Woolf: su predilección por las artes plásticas que tanto le inspiraron para adornar su literatura.

Olañeta, Jose J. De

Olañeta

Cuadros y retratos

Texto e imágenes fundidos para desentrañar la evolución de la arquitectura neoyorquina, descubriendo la historia íntima de los edificios: los entresijos técnicos y teóricos de la construcción junto con la historia política, social y cultural de la metrópoli en la que se incardinan. Los edificios se revelan así como testimonios de los diversos períodos de la historia de Nueva York. Frampton hace convivir los hechos con su contexto y los ilustra con numerosas anécdotas relacionadas con el desarrollo de la capital del siglo xx.

Nueva york. Capital del siglo XX

José F. Durán Velasco (Valladolid, 1967) es doctor en Filología Arabe por la Universidad de Sevilla, donde ha impartido distintos cursos de extensión universitaria. Es autor de El islam frente a las otras religiones y co-autor del Diccionario de las tres religiones, escrito en colaboración con el teólogo cristiano Xabier Pikaza y el &#64257; lósofo musulmán Abdelmumin Aya. Junto a este último también ha publicado Dites del profeta Muhàmmad. Cent quinze hadisos qudsi. Otras obras son Las hijas de Ares (sobre el mito de las amazonas) y El con&#64258; icto árabe-israelí. Una visión no estatolátrica. Entre sus obras no publicadas se encuentran Orígenes de los judíos: diáspora y proselitismo y El ateísmo en el mundo islámico.

Espiritualidad Almuzara

Tratado de demonología

Turner Publicaciones S.l.

40 años en el arte neoyorquino

Ma Non Troppo

Cómo montar un espectáculo teatral

Una de las obras clave para comprender la historia de las ideas estéti cas y de la teoría del arte.Publicado por primera vez en 1982 y Prem io Nacional de Ensayo en 1983, Lo bello y lo siniestro es una de las o bras clave para comprender la historia de las ideas estéticas y de la teoría del arte, una obra en la que Eugenio Trías, a través del anális is de obras de arte diversas, especialmente dos de Botticelli, y la cé lebre película Vertigo, de Alfred Hitchcock, valorará la evolución his tórica de dos categorías estéticas opuestas, lo bello y lo siniestro, para descubrir lo que ambas tienen de sublime...Esta nueva edición de Lo bello y lo siniestro ha sido revisada y actualizada por su autor y analizada, en un magnífico prólogo, por Vicente Verdú...«Ha sido esa r uta vital en pos de hallar una solución al problema de la verdad, la q ue ha situado a Trías en la vanguardia del último pensamiento europeo. ».El Mundo

Lo bello y lo siniestro

Hasta hace poco tiempo existía un notable contraste entre los estudios de literatura y los de cine. En el primer campo abundan los estudios científicos y acdémicos que tratan de aplicar a los textos los métodos elaborados por la crítica y la teoría literarias, mientras que en el terreno de los estudios y de la investigación cinematográfica son mucho más frecuentes los manuales del tipo ?Hágase rico escribiendo guiones de cine? o ?Hágase guionista en diez lecciones?. El presente texto pretende aplicar al estudio del guión cinematográfico (que es tanto como decir a los aspectos literarios de la película) las teorías más recientes de la narratología (Gérard Genette y sus seguidores) y de la hermenéutica (principalmente Paul Ricoeur), de manera que sirva tanto para aumentar la fruición estética del aficionado al cine como para ofrecer nuevos recursos a quienes deseen profundizar en el estudio del guión.

Paidos

El guión clásico de hollywood

La danza es la más frágil y la más efímera de las artes, pues vive en el continuo movimiento de los cuerpos y se transmite únicamente a través de la memoria física y visual. Consciente de la importancia de contar y revisar su historia, y movida por la intención de fomentar el deseo de ver aquellas obras de las que trata, Ana Abad Carlés aborda en este libro un conciso pero completo recorrido cronológico en el que, sin olvidar en ningún momento evoluciones técnicas, obras escénicas e intérpretes, se dedica especial atención a los creadores de ayer y hoy que, iniciando y desarrollando nuevos principios coreográficos, consiguieron y han conseguido que la danza avance y refleje las inquietudes de su tiempo. Obra de lectura amena y rica en contenidos, esta nueva edición de la &quot; Historia del ballet y de la danza moderna &quot; no sólo actualiza fechas y contextos, sino que da cuenta de los importantes cambios relacionados con la danza que ha traído consigo la expansión de internet y con ella el acceso y la divulgación, insospechados hace sólo unos años, de contenidos tanto bibliográficos como visuales.

El Libro De Bolsillo

Historia del ballet y de la danza moderna

México: Stencil: Propaganda es el primer libro editado a nivel internacional sobre el desarrollo del arte político-urbano en México. Ampliamente documentado durante más de diez años en toda la república mexicana, representa una pieza única por su riqueza visual y por su importancia histórica. La investigación iconográfica se complementó con la asesoría de artistas dedicados al arte urbano, quienes aportaron sus conocimientos sobre el tema y sus propios registros de obra. El libro respeta el anonimato de los artistas y ofrece una visión callejera, una mirada sin dogmas ni prejuicios, como podría ser la de cualquier individuo que recorra las calles de enigmáticas ciudades. Considerando la permanencia efímera de estas manifestaciones, este libro será la única forma de conservar el arte político-urbano realizado en México durante los últimos años, para su observación, estudio y desarrollo.

Propa. El Arte Político Urbano

Editorial Rm

México: Stencils

La pintura no surge en un mundo aislado. Está siempre en consonancia con los movimientos sociales e intelectuales de su época y forma parte de su pensamiento. Se trata de una relación de doble sentido: los artistas se impregnan del espíritu de su tiempo, que sin embargo transforman y enriquecen. En el siglo xviii, el movimiento de la Ilustración cambiará radicalmente el orden social. El resultado es la modernidad. La pintura de la Ilustración coloca al ser humano en el centro de la representación. Se niega a representar a superhombres (dioses, personajes mitológicos y héroes legendarios) y se centra en personajes corrientes dedicándose a sus actividades cotidianas. La pintura de género excluye la pintura histórica. Pone en escena la humanidad en toda su variedad, hombres y mujeres, niños y ancianos, ricos y pobres, personas de todas las profesiones, incluidas las que se encuentran en los márgenes de la sociedad, como los locos, los delincuentes y las prostitutas. Representa todas las facetas de la vida humana, las múltiples formas del amor, pero también la violencia, la alegría y la desesperación, las actividades religiosas y políticas. Personas, objetos y acciones se muestran ahora por lo que son, no por lo que significan. Esta pintura no representa ni lo puramente real, ni la belleza ideal. Aspira a captar la verdad del mundo. La presente obra, ilustrada con un centenar de cuadros en color, dibujos y grabados, analiza la pintura de la Ilustración en dos series de capítulos. Parte de ellos están dedicados a cuatro grandes pintores europeos: Antoine Watteau, Alessandro Magnasco, William Hogarth y Francisco Goya. Los demás abordan diversos temas sugerentes: personajes situados en los márgenes de la vida social (niños, mendigos y extranjeros), actividades que ilustran los márgenes de la mente (fantasmagorías, erotismo y disfraces) y también determinados géneros menores de la pintura, como el retrato,el paisaje y la naturaleza muerta.

Galaxia Gutenberg

Círculo De Lectores

La pintura de la ilustración

Las mujeres detrás de Picasso pone el foco en las protagonistas tanto de la vida como de la obra del célebre pintor. Olga Khokhlova, Dora Maar, Françoise Gilot o Jacqueline Roque son solo algunos de los nombres que inspiraron al malagueño, le ayudaron a promocionar su obra y le cuidaron en todas las etapas de su vida. ¿Cuánto sabemos de él y cuánto de ellas? Mujeres de talento desbordante, todas tuvieron que superar innumerables obstáculos y enfrentarse a las violencias que sobre ellas vertieron tanto el artista y el entorno en el que les tocó vivir como, más tarde, la historiografía y sus sesgos de género. Este libro nos acerca a las biografías de quienes hicieron que Pablo se convirtiera en Picasso y de quienes existieron no gracias al pintor, sino a pesar de él.ááEugenia Tenenbaum, historiadora del arte y experta en perspectiva de género, traza los perfiles de cada una de las protagonistas. A través de diversos géneros y recursos literarios, reconstruye fragmentos de las vidas de estas mujeres fascinantes para devolverlas al lugar en el que siempre deberían haber estado.Tanto la portada como las ilustraciones interiores corren a cargo deánueve artistas de gran relevancia: Naranjalidad, María Hesse, Laura Agustí, Esther Gili, Lady Desidia, María Herreros, Ana Santos, Isa Muguruza y Sara Herranz.ááLas mujeres detrás de Picasso es una obra para cuestionar la historia, descubrir y comprender mejor algunos capítulos esenciales de nuestro pasado más reciente y acercarnos al arte de una manera inclusiva y justa, que entienda la creación artística como un esfuerzo colectivo en lugar de como un trabajo individual.

Las mujeres detras de picasso

Michel de Nostradamus está considerado como el profeta más famoso de t odos los tiempos. Desde que sus cuartetas vieron la luz en el siglo XV I han despertado la intriga y la curiosidad, tanto de investigadores y eruditos como del lector profano El lenguaje críptico y simbólico de estas cuartetas no ha impedido que muchas de ellas hayan anticipado co n sorprendente precisión episodios que posteriormente el tiempo se enc argó de verificar, y es tal vez por ello por lo que, ante la presencia de acontecimientos candentes, se vuelva la mirada a las profecías del médico de salón para tratar de encontrar alguna luz sobre el futuro t anscurso del devenir de la historia. Esta edición nos brinda una tradu cción de la que se ha eliminado todo tipo de comentarios, que habitual mente solo sirven para restar claridad al texto. Conjuntamente, se ha incluido el texto original francés de Nostradamus, que permite al lect or acceder a su redacción original, y por ello mismo se ha omitido cua lquier interpretació

Edaf

Tabla De Esmeralda

Las profecías de nostradamus

Museo Thyssen - Bornemisza

El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de picasso

Los restos arqueológicos arquitecturales y los paisajes histórico-arqu eológicos, descontextualizados de su mobiliario, actividad y usos antr ópicos pretéritos, pueden resultar de difícil interpretación cuando se procede a su observación directa in situ. Como sucede con cualquier f uente primaria, en historia los problemas de interpretación son invers amente proporcionales al grado de contextualización, conservación o in tegridad que posean. En este sentido, su interpretación y comprensión puede requerir un alto grado de abstracción.Para superar esta problemá tica, desde la museografía se han ensayado diferentes tipos de estrate gias didácticas, y sobre ellas reflexiona el presente manual. Los arte factos museográficos de intermediación, colocados in situ, en espacios y yacimientos históricos y arqueológicos, con recursos iconográficos, cartográficos y textuales, y con propuestas interactivas, pueden cont ribuir a una mejor comprensión a partir de la observación directa.Esta obra plantea toda la problemática existente en torno al diseño de la museografía de intermediación al aire libre, en sus aspectos formales y en referencia a la presentación de contenidos. Las propuestas se bas an en casos reales y en experiencias empíricas desarrollados por el gr upo de investigación de didáctica del patrimonio Didpatri, de la Unive rsidad de Barcelona.

Trea Ediciones

Museografia didactica. E interpretación de espacios arqueológicos

La historia de los museos ha pasado por numerosas etapas en las que, dependiendo del momento, se ha dado prioridad a la educación, la recolección, la conservación o el ocio. Durante varios siglos los museos desempeñaron un papel esencial en la conservación del patrimonio cultural, pero fue a mediados del siglo xx cuando comenzó a surgir un nuevo tipo de institución centrada en la comunidad. Con la llegada de las nuevas tecnologías de la comunicación y la información, este ha seguido evolucionando y respondiendo a diferentes circunstancias sociales y culturales. La idea de herencia común de la humanidad comienza a madurar en un momento en el que la privatización y la especu¬lación se imponen en todos los ámbitos. En este contexto, el potencial cívico del procomún lo convierte en una herramienta ideal para revitalizar la única institución capaz de proporcionar teorías para la comprensión de los seres humanos como seres sociales, gracias a sus contenidos materiales e inmateriales.

¿De quien es ese rembrandt? Reflexiones en torno a la singularidad del procomun y los museos

El libro que tienen en sus manos es fruto del V Seminario de Investigación Internacional «El reverso de la Historia del Arte. Conventos, desamortizaciones, exposiciones y coleccionismo en los siglos XIX y XX», celebrado en el Centro Cultural del Carmen de Valencia en junio de 2012. En la línea de trabajos anteriores como La dispersión de objetos de arte fuera de España en los siglos XIX y XX (Universitat de Barcelona, 2011), Nuevas contribuciones en torno al coleccionismo de arte hispánico (Trea, 2013) y El arte hispánico en las exposiciones internacionales. Circulación, valores y representatividad (Hugony Editore, 2014), la presente publicación dibuja el panorama cultural del arte hispánico de los siglos XIX y XX a partir de diversas aportaciones en torno a las desa¬mortizaciones, las colecciones, el comercio, la difusión y el tráfico de obras de arte, tratadas por acreditados investigadores. En conjunto, los diversos estudios aquí recopilados forman un rico entramado de información de gran interés y relevancia para profundizar en el mundo del arte desde esa otra cara no tan tratada por la historiografía del arte. A su vez, permiten crear un espacio de reflexión y debate para avanzar en el conocimiento del universo del coleccionismo y determinar la influencia que este ejerce en los avatares del patrimonio artístico.

El reverso de la historia del arte / el revers de la historia de L'art

Celeste

Teoría de los colores

Picasso. Caballos

Alfonso Reyes fue poeta, ensayista, narrador, dramaturgo, investigador, diplomático y crítico de arte y está considerado como uno de los humanistas más profundos y completos de la cultura hispánica y figura esencial en la historia literaria y cultural de Hispanoamérica. Este libro representa una minuciosa revisión sobre los temas de arte encontrados en los ensayos, relatos, poemas y artículos escritos por Alfonso Reyes. De la amplia literatura, se han entresacado valiosos momentos de contemplación que el escritor hiciera sobre el arte de Goya, Caravaggio y Vermeer, o sus evocaciones de Velázquez, El Greco, Zuloaga, Matisse, Modigliani, Picasso, El Bosco y Rembrandt, y otras referencias universales que el escritor apreció intensamente durante su labor diplomática en París y Madrid, a partir de 1913. En el libro se dibuja un panorama que va desde el advenimiento del espíritu moderno en las creaciones de finales del siglo XIX, al nacimiento de nuevas corrientes y estilos durante el XX, y traza un itinerario artístico que llega hasta los acercamientos que el escritor publicara en medios españoles sobre cine, una más de sus numerosas pasiones.

Alfonso reyes y los territorios del arte

La Fábrica Editorial

Geometrías

En el marco de la crisis socio-ecológica global, la figura de la tierra se presenta como un paradigma alternativo al modelo antropocéntrico. Los ensayos reunidos en este volumen exploran manifestaciones materiales, discursivas, culturales y literarias relacionadas con la tierra en América Latina desde el siglo xix hasta la actualidad. Focalizando la atención en un espacio geopoético específico y, a partir de una epistemología situada, en estos ensayos se debaten imaginarios alternativos frente al sistema de la modernidad occidental.

Iberoamericana

Estéticas de la tierra en américa latina

De todas las alteridades americanas, la indígena fue siempre la más compleja por sus múltiples y contradictorios sentidos para el ojo occidental, lo que ha dificultado históricamente su representación estética. A pesar de todo, ha habido una permanente y tenaz búsqueda de instrumentos artísticos para construir imágenes de su vida y su historia. El presente volumen reúne una serie de estudios sobre cómo ha sido representado artísticamente el indígena de la región hispanoamericana, desde principios del siglo XIX hasta las últimas décadas, en sus matices más recónditos.

Representaciones artísticas del indigena en america latina

Grandes críticos de arte (1750-2000) (2017)

Escritos sobre arte (1934-1969) (2007)

Cuadros y retratos (2022)

Nueva york. Capital del siglo XX (2005)

Tratado de demonología (2013)

40 años en el arte neoyorquino (2009)

Cómo montar un espectáculo teatral (2013)

Lo bello y lo siniestro

El guión clásico de hollywood

Historia del ballet y de la danza moderna (2011)

México: Stencils (2008)

La pintura de la ilustración (2014)

Las mujeres detras de picasso (2023)

Las profecías de nostradamus (2011)

El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de picasso

Museografia didactica. E interpretación de espacios arqueológicos (2012)

¿De quien es ese rembrandt? Reflexiones en torno a la singularidad del procomun y los museos (2015)

El reverso de la historia del arte / el revers de la historia de L'art

Teoría de los colores (1999)

Picasso. Caballos (2010)

Alfonso reyes y los territorios del arte (2010)

Geometrías (2009)

Estéticas de la tierra en américa latina (2024)

Representaciones artísticas del indigena en america latina (2024)