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Las memorias del añorado Carlos Saura, uno de los grandes del cine español. Premio Nacional de Cinematografía (1980), Goya de Honor (2022) y nominado a los Oscar y a los Globos de Oro. «Con el estado de ánimo de quien reconoce que la vida ha sido amable con uno y sabiendo que sería un desagradecido si no reconociera que, hasta ahora, los momentos placenteros han superado con creces a aquellos otros dominados por la amargura y la desesperación, me encuentro, con noventa años a las espaldas y en un siglo distinto a aquel en que nací, en condiciones de reflexionar sobre lapersistencia de ciertas imágenes en la retina. Esas imágenes me han acompañado para recordarme que sí hay una respuesta a las grandes preguntas: ¿De dónde vienes y adónde vas? Vengo de allí, de la guerra. Voy allá, hacia la muerte, y, entre medias, la vida de cada día». Carlos Saura, nombre clave de la historia del cine español, falleció el 10 de febrero de 2023, días antes de recibir el Goya de Honor a toda su carrera. Tenía noventa y un años y dejaba atrás siete décadas repletas de películas, premios, reconocimientos yexperimentos estéticos de muy diversa índole por supuesto en cinematografía, pero también en teatro, fotografía, ópera y literatura. También dejó el manuscrito casi terminado de unas memorias que alguna vez dijo que nunca escribiría. De imágenes también se vive es el testimoniode una vida y una obra extraordinarias por el que desfilan muchos de los grandes nombres del cine y la cultura del último siglo.

De imágenes tambien se vive

Esta edición, que ha sido preparada por Eugenio Castro y Julián Lacalle, presenta por primera vez en castellano, en un solo volumen, una selección de escritos de èvankmajer los cuales suponen un acercamiento a los motivos, impulsos, circunstancias y obsesiones de tan singular creador. Además, los textos vienen acompañados de un centenar de imágenes de su trabajo, de una extensa entrevista realizada por Peter Hames y de una pormenorizada introducción de Jesús Palacios.

Para ver, cierra los ojos

En "Conversaciones con Billy Wilder" el legendario director, ya nonagenario, accedió por primera vez a hablar extensamente sobre su vida y obra. Entrevistado por Cameron Crowe, en sus páginas habla de su experiencia en el mismo corazón de Hollywood, así como sobre guiones, fotografía y escenografía, sus colegas y sus películas, y el cine de hoy. En este largo coloquio de director a director -similar al sostenido por Truffaut y el maestro del suspense en "El cine según Hitchcock"- conocemos cómo fue la colaboración de Wilder con estrellas de la talla de Audrey Hepburn, Jack Lemmon, Marilyn Monroe, Marlene Dietrich o Charles Laughton, entre muchos otros, y nos asomamos a las curiosas y divertidas historias ocurridas entre bastidores durante el rodaje de "Perdición", "Berlín Occidente", "El crepúsculo de los dioses", "El gran carnaval", "Traidor en el infierno", "Sabrina", "La tentación vive arriba", "Ariane", "Testigo de cargo", "Con faldas y a lo locoö o ôEl apartamentoö.

Conversaciones con billy wilder

La obra de Pier Paolo Pasolini conforma un archipiélago de poesías, relatos, ensayos, intervenciones, films y documentos que invitan a una constante indagación. Para quien quiera emprender un viaje de exploración así pueden ser de ayuda, al menos, un mapa y una brújula.En forma de alfabeto (que su autor entiende como un «instrumento ágil, sintético, esencial»), este libro ofrece conceptos y lemas (un mapa) y orientaciones críticas (una brújula) para entrar en la vasta y compleja producción literaria y cinematográfica pasoliniana. Al intentar trasladar el movimiento característico de esa producción (de una obra a otra, de un género a otro, de una forma expresiva a otra distinta), pone al descubierto un andamiaje que crece con el tiempo, articulado en nociones como «sagrado» o «muerte», en figuras como la del padre o imágenes como el cabello, la rosa, las luciérnagas, el cuervo... Un andamiaje que en su movilidad atraviesa y subvierte cualquier idea preconcebida.

Trotta

Alfabeto pasolini

Nacido en Brooklyn en 1935, Woody Allen empezó a trabajar en el mundo del espectáculo a los dieciséis años escribiendo chistes para las columnas dedicadas a Broadway de distintos periódicos. Siguió con guiones para radio, televisión y cine, así como con obras de teatro y artículos para The New Yorker. Finalmente, dejó la soledad del despacho del escritor para convertirse, primero, en comediante de locales nocturnos y, posteriormente, en un cineasta mundialmente célebre. Desde las casi seis décadas que lleva haciendo cine, ha escrito y dirigido cincuenta películas, protagonizando muchas de ellas. Ha recibido numerosos galardones nacionales e internacionales, se han erigido estatuas en su honor (lo que él jamás comprenderá) y su obra cinematográfica se estudia en escuelas y universidades de todo el mundo. En A propósito de nada, Allen nos relata sus primeros matrimonios: el primero con una novia de su adolescencia y luego con la maravillosamente divertida Louise Lasser, a quien es evidente que todavía adora. También escribe sobre su romance con Diane Keaton, con quien mantiene una prolongada amistad. Y explica su relación personal y profesional con Mia Farrow, con quien realizó varias películas ahora clásicas, y que terminó con una separación por la que la prensa sensacionalista aún no le ha dado suficientemente las gracias. Él afirma que fue el primer sorprendido cuando, a sus cincuenta y seis años, inició una relación con Soon-Yi Previn, que entonces tenía veintiuno, y que los condujo a un romance dramático y apasionado y a un matrimonio feliz que dura ya casi veinticinco años.En un texto a menudo hilarante, haciendo gala de una franqueza sin límites, lleno de creativas intuiciones y de bastante perplejidad, un icono americano cuenta su historia, aunque nadie se lo haya pedido.

13/20

A propósito de nada

Además de explorar lo que en estos momentos se está produciendo en el ámbito cinematográfico en los cinco continentes, el objetivo principal de &quot; Cine XXI. Directores y direcciones &quot; es plantear cuáles son las obras pasadas que todavía mantienen su actualidad y ver de qué manera el pasado y el presente trazan un posible mapa del cine en el futuro. El criterio de partida ha consistido en incluir a los creadores en activo después del año 2000 (incluso cuando la mayor parte de su obra se realizara durante el siglo pasado), con la única premisa de que tuviesen detrás una obra importante, vigente o prometedora. También se ha procurado que cubrieran los diferentes formatos, contextos e impulsos en los que circulan hoy en día las imágenes en movimiento, desde las salas convencionales hasta los museos, desde el universo analógico hasta el digital... Para ello, se han tenido en cuenta los caprichos y limitaciones del medio, en busca de una nómina de directores donde quedase reflejada la fortaleza de la tecnología, la economía y el gusto mayoritario, aparte de la determinación y el talento de los grandes genios. Cada entrada de este diccionario es fruto de un ejercicio evaluativo antes que compilatorio, porque interesaba más la reflexión que la información. De ahí que no se ofrezcan filmografías completas sino aquellas obras que se consideran significativas o esenciales en la carrera de los autores incluidos (al mismo tiempo que se ofrece una selección bibliográfica y de consulta en páginas web que ayudará al lector a completar la información), algo que convierte &quot; Cine XXI. Directores y direcciones &quot; en algo más que un diccionario, en un canon provisional de la historia del cine tal como se puede experimentar en estos momentos.

Ediciones Catedra S.a.

Signo e Imagen

Cine XXI

Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono. El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.). Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la &quot; Guía del Cine &quot; .

Cine y jazz

Cineasta y hombre de teatro sueco, Ingmar Bergman fue uno de los mayores realizadores del pasado siglo, con diversas obras maestras en su haber, como El séptimo sello, El huevo de la serpiente o la aclamadísima Fanny y Alexander. Menos conocido es que se casara en siete ocasiones, fuera el padre de ocho hijos, o se codeara con personajes como Greta Garbo, Charles Chaplin o Ingrid Bergman. En estas apasionantes memorias, llenas de conmovedora sinceridad, su autor nos confiesa cómo a muy temprana edad el miedo se instaló en su alma, cómo descubrió deslumbrado el cine, a qué problemas tuvo que enfrentarse como artista y realizador, cómo amó a las mujeres a quienes más quiso y cómo la figura del padre, pastor luterano, marcó gravemente toda su existencia y, en gran medida, también su obra.«[Bergman] encontró la manera de mostrar los paisajes del alma.» Woody Allen, New York Times Book Review«Linterna mágica no es una autobiografía convencional ? se trata más bien de un hirviente flujo de conciencia, de la mano de un puritano licencioso.» John Osborne, New York Review of Books«Un libro tan personal y penetrante como cualquiera de sus películas: mordaz, sombrío, austero.» Stanley Kauffmann, New Republic.

Tusquets

Linterna magica

Kenji mizoguchi

Hijo de la &quot; nouvelle vague &quot; , del marxismo y del psicoanálisis, pero también de Cocteau, de Renoir o de la poesía más temperamental y romántica, Bernardo Bertolucci supo procesar sus muchas influencias, asumir sus contradicciones y consolidar un estilo propio, convirtiéndose en uno de los grandes directores del panorama internacional y en uno de los indiscutibles estandartes del llamado cine de la modernidad. Antiguo exponente de una asombrosa precocidad fílmica que le llevó a rodar varios títulos de culto a lo largo de los años sesenta, el enorme impacto suscitado por &quot; El último tango en París &quot; popularizó su figura y facilitó su progresiva conversión en un cineasta internacional, en un camino que le llevaría desde la bella y monumental Novecento hasta la ambiciosa &quot; El cielo protector &quot; , pasando por la oscarizada &quot; El último emperador &quot; . En tiempos más recientes el autor ha retornado a un cine más estrictamente intimista, preservando la seducción de su persuasivo y elegante estilo visual y su proverbial capacidad para generar imágenes perdurables.

Bernardo bertolucci

Memoria Mundi

El éxtasis del ser

Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron las estrellas femeninas más importantes de las cinematografías española, italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexiste con el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, la censura ejerció un severo control no solo sobre los contenidos políticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las " stars " femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menos explícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron su filmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendo mensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.  Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y se interroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidad liberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo de sus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación e imaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, Mercedes Vecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española; Clara Calamai, Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en el contexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaum para el caso alemán.

El cuerpo erótico de la actriz bajo los fascismos

El británico Ridley Scott es, sin duda, uno de los más afamados directores del cine comercial moderno. Tras sus dos obras maestras, Alien, el octavo pasajero (1979) y Blade Runner (1982), el resto de su filmografía posterior no está exenta de claroscuros; algo que, en su caso, es mucho más que una metáfora. Desde que dirigiera su corto Boy and Bicycle, en un lejano 1965, su larga carrera se encuentra avalada por un número ya considerable de títulos que, por un lado, aportan una visión de conjunto de esos elementos más recurrentes que dotan de una cierta autoría a su obra, y, de otra parte, le hacen merecedor de un documentado y atento análisis de cada una de sus películas, como es el que Juan Andrés Pedrero Santos le dedica en el presente trabajo. Vigilante siempre Scott de que su obra se sitúe al lado del público, apartada por tanto de onanismos intelectualoides, el futuro le deparará, en opinión del autor de este volumen, un puesto de honor entre los últimos clásicos del cine. Tiempo al tiempo.

Otro

Ridley scott

La biografía más completa jamás escrita sobre uno de los cineastas más admirados e influyentes de los últimos cincuenta años: Georges Lucas. El 25 de mayo de 1977 se estrenó en apenas cuarenta salas estadounidenses un film con todos los números para fracasar. Sin embargo, pronto mereció grandiosos titulares hasta convertirse en un fenómeno de taquilla que cambió de un plumazo la manera de producir, anunciar y rentabilizar películas. La cinta se titulaba Star Wars y su creador era un tal George Lucas. El cineasta aún volvería a dar el golpe con la saga de Indiana Jones y, no contento con ello, llegó a forjar pequeños imperios: Lucasfilm, THX, Industrial Light &amp; Magic, Pixar. En esta biografía, tanto colegas como competidores de Lucas ofrecen una mirada exhaustiva sobre la vida y los métodos de trabajo de un hombre que transformó la manera de hacer cine y de verlo. Reseñas:«Todo en la trayectoria de Lucas en el cine, desde sus inicios hasta su actual estatus de leyenda, todo está aquí. Los retratos que ofrecen colegas, rivales, mentores y amigos son brutalmente honestos. Una biografía indispensable.»Rolling Stone «Un libro adictivo. Jones retrata a la perfección la presión asfixiante del creador, los encontronazos con los estudios y el baile constante con el fracaso que precedieron a obras maestras como American Graffiti o Star Wars.»BBC «Una biografía clara y veraz, donde hasta el más mínimo detalle sorprende.»The New York Times «Como si de un aguerrido arqueólogo se tratara, Jones sale victorioso del reto, llevando bajo el brazo un relato formidablemente completo de la vida y obra de George Lucas.»Washington Post  «Con su prosa hipnótica y sus investigaciones en profundidad, este libro gustará hasta a los seguidores más exigentes de Lucas.»Boston Globe «Incluso los años de formación del director están retratados con maestría. También las reflexiones e interioridades de cómo funciona la industria del cine (y cómo la cambió Lucas) se nos aparecen como una aventura trepidante.»Chicago Tribune

Reservor Books

Penguin Clásicos

George lucas

En la mayoría de las personas, México causa una impresión maravillosa. Creo que esto se debe a que el país, con todas sus regiones, pareciera acabado de surgir de las aguas de los dos océanos que lo bañan; como si estuviera en æproceso de formaciónÆ; en ese especial estado dinámico que oponemos al concepto estático de ævida cotidianaÆ.

¡Que viva méxico!

La obra del cineasta Roman Polanski, a pesar de estar formada por solo una veintena de películas (además de varios cortometrajes) a lo largo de más de medio siglo, es una de las más importantes y sugestivas del cine contemporáneo. Director de poderosa personalidad, su concepto cinematográfico siempre se ha colocado muy por encima de modas o tendencias, exhibiendo un prisma que tiene en las estructuras circulares, los universos cerrados, las distorsiones psicológicas, la incomunicación o la íntima fusión entre el sexo y la muerte los elementos más importantes de su estilo. Su dramática infancia, el brutal asesinato de su esposa Sharon Tate y su azarosa vida personal, que le ha provocado no pocos problemas con la justicia, provocan que su obra guarde aspectos internos capitales para entender no únicamente al Polanski cineasta sino, también, al ser humano que se esconde tras él. Este libro, uno de los más completos de todos los publicados sobre el director en lengua castellana, analiza toda su filmografía con la intención de desentrañar su complejo y apasionante estilo.

Roman polanski

Durante estas últimas décadas, los estudios críticos sobre el cineasta Luis Buñuel (1900-1983) han dependido de un número limitado de fuentes primariasá-sus memorias y libros de conversaciones-áque, con mejor o peor suerte, han marcado el estado actual de nuestro conocimiento sobre su obra. Frente a dicha tendencia,á " Correspondencia escogida " ofrece una nueva fuente de información original al presentar casi un millar de cartas escritas y recibidas por Buñuel a lo largo de su extensa trayectoria profesional. Jo Evans y Breixo Viejo no solo han compilado, debidamente anotadas, las cartas del cineasta que hasta ahora se habían publicado de forma dispersa, sino que han seleccionado además cientos de misivas inéditas, procedentes de archivos públicos y privados en España, Francia, Italia, Inglaterra, México y Estados Unidos. A través de su epistolario, la figura de Buñuel reaparece aquí con voz propia y bajo una nueva perspectivaáque se aleja por igual de anécdotas estereotipadas yáfalsas mitomanías. El cineasta se presenta como protagonista principaládel cine poético y transgresor de su tiempo, desdeá " Un perro andaluz " á(1929)áhastaá " Ese oscuro objeto del deseo " á(1977), a través de geografías y sistemas de producción muy diversos. Pero este Buñuel epistolar es, además, interlocutor privilegiado de un grupo de creadoresá-directores ,áproductores, actores, guionistas-ácon los que intercambia esenciales reflexiones sobre el arte cinematográfico: es dichoácarácter polifónico deá " Correspondencia escogida " áel que, paradójicamente, desafíaáel enfoque individualista al que nos tiene acostumbrados la teoría del autor.

Correspondencia escogida

- ¿Tendría tanta emoción el final de la película de Steven Spielberg E.T, el extraterrestre sin la música de John Williams?  - Y qué decir si Audrey Hepburn pasease por la 5ª Avenida de Nueva York mirando el escaparate de Tiffany en la comedia de Blake Edwards Desayuno con diamantes sin la canción "Moon River" escrita por el genio incomparable de Henry Mancini.  - Alfred Hitchcock tuvo que claudicar para que la terrorífica escena de la ducha de Psicosis acabase teniendo música en forma de violines asesinos y nunca perdonó a Bernard Herrmann por ello.  Estos son algunos ejemplos de cómo hay directores que necesitan, se apoyan y cultivan la unión con un compositor concreto. Cineastas que consideran la banda sonora como una de las partes claves en el resultado final del film, notándose el cariño procesado a sus músicos, en realidad sus "alter egos" en la creación de melodías que logran que sus imágenes salgan favorecidas. En este libro se comentan 100 colaboraciones entre otros tantos directores y sus compositores favoritos. Aquí, el lector encontrará cómo se conocieron David Lynch y Angelo Badalamenti, declaraciones del porqué Danny Elfman necesita y comprende a Tim Burton, las películas que hicieron a lo largo del tiempo Billy Wilder y Miklós Rózsa, o los encuentros y desencuentros entre James Horner y Ron Howard. En suma, un completo y ameno recorrido por la música y el cine, repleto de anécdotas e historias desconocidas hasta el momento, que ayudará a conocer mejor la visión que los directores tienen de las bandas sonoras que ambientan sus películas.

Música & cine

La presentación en salas del western Django desencadenado devuelve a la primera línea cinematográfica a Quentin Tarantino, sin lugar a dudas, uno de los cineastas más sobresalientes, y personales, del panorama estadounidense contemporáneo. Firmante de una de las películas clave del cine norteamericano de las últimas décadas, Pulp Fiction, y autor de una obra, en conjunto, apasionante y rabiosamente cohesionada, continúa, filme tras filme, sin dejar indiferente a ningún espectador. Adorado y detestado con vehemencia a partes iguales e imitado con insistencia desde el sonado triunfo de su segundo largometraje, este precoz cinéfago, convencido autodidacta, educado en innumerables salas de cine y graduado en los pasillos del mítico Video Archives, construye, armado de una feroz y desprejuiciada cinefilia, ajeno a cualquier tipo de moda o transformación artística, y flanqueado por una pandilla de fieles colaboradores, una filmografía, en esencia, fabricada a partir de innumerables retales sustraídos, con descaro, de las más diversas obras. Virulento maestro del collage fílmico light, fascinado por el spaghetti western, el wusia, el exploit a la mediterránea, la obra de Godard, Fuller o John Woo, niño mimado del todopoderoso productor Harvey Weinstein y del Festival de Cannes, y realizador de la poliédrica Malditos bastardos, una de las reescrituras de la historia más alucinantes exhibidas en el cinematógrafo, o la, todavía hoy, injustamente poco valorada, Jackie Brown, una de sus piezas mayores, después de sobrevivir a la caída del cine indie USA de los noventa, autoimpuesto movimiento inmejorablemente encarnado en la Generación Sundance del noventa y dos, se transforma, definitivamente, en una de las individualidades artísticas más marcadas, reconocibles y deslumbrantes de los últimos años.

Quentin tarantino

En esta obra se realiza un análisis de la obra del compositor norteamericano que, a mitad del pasado siglo XX, abrió las puertas de la modernidad a la música cinematográfica con la introducción del jazz en la estructura dramática de las partituras con su

Alex north

Los castings cinematográficos están llenos de milagros. De eso trata este libro. De milagros como el de "Eva al desnudo". Porque si Claudette Colbert no se hubiera lesionado, Bette Davis jamás habría encarnado a Margo Channing. Trata de los criterios que seguían los actores para aceptar o rechazar papeles, y de cómo esas elecciones configuraban sus carreras y el destino del cine en su era dorada.

Bookland Press Editores

Bookland Press

En busca del reparto perfecto

la presente obra de consulta se circunscribe única y exclusivamente a autores que desarrollan o desarrollaron su actividad profesional, de forma habitual, en hollywood durante lo que llevamos de siglo xxi. la nómina de artistas es muy variada y va desde

Diccionario de directores de hollywood del siglo XX

El estreno del primer capítulo de "Twin Peaks", el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Desde aquel momento, "Twin Peaks" se convirtió en una obsesión constante para quienes vieron sus dos primeras temporadas ?ni la exégesis más tenaz ha sido capaz de desentrañar todas sus claves simbólicas?, y a día de hoy sigue siendo un referente absoluto de la cultura popular de nuestro tiempo. Sin embargo, tal y como argumenta Pac"me Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de "Twin Peaks" no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla.El primero de estos tres ensayos, «La mano izquierda de David Lynch», analiza la serie a partir de sus ingredientes más esotéricos y de sus múltiples referencias fílmicas y literarias. El segundo ensayo, el más breve de los tres, se adentra en uno de los espacios más emblemáticos de la televisión: la Logia Negra. El tercer ensayo, «La sustancia de este mundo», aborda de forma exhaustiva y brillante la tercera temporada, estrenada en 2017, aportando nuevas claves de interpretación y de análisis. Además, la presente edición incorpora a modo de epílogo un cuarto ensayo en el que Pac"me Thiellement repasa el cine de David Lynch después de Twin Peaks, y en el que se constata, una vez más, que todo cambió después de la muerte de Laura Palmer.

Tres ensayos sobre twin peaks

"Uno siempre se pregunta si no existirá vida o inteligencia sobre otros planetas, en alguna parte en las estrellas... pero jamás nos planteamos la pregunta sobre lo infinitamente pequeño... Tal vez porque eso puede venir de ese lado, de un universo aún más pequeño que los átomos, los electrones, los quarks."  Si bien escribió muy poco sobre cine, Félix Guattari era cinéfilo. Le interesaban particularmente las apuestas y desafíos políticos que implicaba en tanto máquina de subjetivación, se trate de los films radicales post-1968 como de las producciones a gran escala de Hollywood. "El cine es político cualquiera que sea su objeto (...) En cada producción, en cada secuencia, en cada encuadre, se elige entre una economía conservadora libidinal y un quiebre revolucionario." De modo que, por más inesperado que sea, no resulta extraño que en un intento de pasar a la acción haya probado suerte con la realización de un film de ciencia ficción, un género que en los años ochenta había logrado capturar el anhelo por una forma de vida alternativa que alimentaba los proyectos contraculturales, en la posibilidad mesiánica de la vida en otras galaxias. Así, entre 1980 y 1987, Guattari trabajó junto al cineasta norteamericano Robert Kramer sobre el guión de Un amor de UIQ, un film en el que se narra el primer contacto humano con una entidad subatómica llamada "Universo Infra-Quark" que trastocará, primero, la vida de una comunidad de squatters y, luego, el paisaje planetario en su totalidad. Pese a que tras numerosos intentos fallidos el film nunca pudo realizarse, el guión en sí, influenciado a la vez por el trabajo clínico de Guattari, su activismo político, su pasión por los cómics y las radios libres, ofrece un prototipo de cine popular subversivo, un cine que remueve los códigos semióticos de los géneros al capturar fragmentos de un repertorio ecléctico de referencias fílmicas que van de Encuentros cercanos del tercer tipo a Blade Runner y reinsertarlos como componentes de una máquina desterritorializadora más rebelde, un mundo en el que Godard, Tarkovski, Pasolini y Antonioni intercambian ideas con Cronenberg y Carpenter.

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Un amor de uiq

De imágenes tambien se vive (2023)

Para ver, cierra los ojos (2011)

Conversaciones con billy wilder (2012)

Alfabeto pasolini (2023)

A propósito de nada (2021)

Cine XXI (2013)

Cine y jazz (2014)

Linterna magica (2022)

Kenji mizoguchi

Bernardo bertolucci (2017)

El éxtasis del ser (2022)

El cuerpo erótico de la actriz bajo los fascismos (2018)

Ridley scott (2012)

George lucas (2017)

¡Que viva méxico! (2016)

Roman polanski (2018)

Correspondencia escogida (2018)

Música & cine (2012)

Quentin tarantino (2013)

Alex north (2016)

En busca del reparto perfecto (2018)

Diccionario de directores de hollywood del siglo XX (2018)

Tres ensayos sobre twin peaks (2020)

Un amor de uiq (2016)