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«No van a pillarnos», arenga Dan Aykroyd, enfundado en el papel de Elwood Blues, a su hermano Jake, inmortalizado por John Belushi. «Esta es una misión del Altísimo, Dios lo quiere». Así arranca la comedia musical de acción The Blues Brothers [Granujas a todo ritmo] que llegaría a la gran pantalla el 20 de junio de 1980, si bien del nacimiento de ambos personajes (1974) se cumple ahora el cincuentenario.Su misión divina en el guion tenía inicialmente por objeto salvar de la ruina el orfanato de Chicago en el que crecieron los hermanos Elwood; pero Aykroyd, acaso el más iluminado de tan ferviente pareja de conversos al rhythm &amp; blues, y que escribió gran parte de la película, concibe una misión para mayor gloria, si cabe: rendir tributo al, por aquel entonces, olvidado acervo del rhythm and blues, algunos de cuyos más grandes artistas ùAretha Franklin, James Brown, John Lee Hooker, Cab Calloway, Ray Charlesù convirtieron el largometraje, con sus actuaciones, en un extático delirio tanto o más inolvidable que las salvajes persecuciones encoche que jalonan la comedia. Con más retraso del debido, puliénd

The Blues Brothers

El espectacular éxito de Easy Rider en 1969, una película de moteros de escaso presupuesto, marcó el inicio de una nueva era en Hollywood. Una generación de jóvenes directores, Martin Scorsese, Francis F. Coppola y Steven Spielberg entre otros, comenzaron a filmar con actores aún poco conocidos, como Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson, y en pocos años se convirtieron en los nuevos y poderosos señores de Hollywood, artífices de clásicos modernos como El padrino, Chinatown, Taxi Driver y Tiburón.

Crónicas - Anagrama

Moteros tranquilos, toros salvajes

Capitan Swing Libros

Entrelíneas

Ciudadano welles

Con más de cuarenta y cinco películas dirigidas y una larga carrera como actor, cómico, escritor y músico de jazz, Woody Allen es uno de los artistas más polifacéticos de nuestro tiempo. Desde sus inicios con El dormilón, hasta su último estreno Café Society, todas las películas de Woody Allen tienen una inconfundible sensibilidad que es solo suya. En esta biografía nueva y completa, David Evanier analiza sus principales obras en paralelo con la agitada vida personal de Allen. Para ello ha entrevistado largamente a sus colaboradores, familia y amigos, entre ellos a la primera esposa de Woody, Harlene Rosen, que nunca había hablado de él desde su divorcio en la década de 1960.   El sexo, el amor, la suerte, la moral, el judaísmo, la eterna lucha entre la cabeza y el corazón son los temas que han obsesionado a Woody Allen y que permean toda su obra y muchos episodios de su vida. David Evanier habla de todo ello, y no elude el relato completo y objetivo del largo litigio que le enfrenta desde hace décadas con su expareja Mia Farrow tras emprender una relación con la hija adoptiva de esta y ser acusado de abusos a la pequeña que adoptaron en común.   Esta es la biografía definitiva, la más actualizada y personal: con todos ustedes, la vida y la obra de Woody Allen.

Turner Libros

Woody. La biografía

Clint Eastwood representa, a la vez, el Hollywood clásico y una presencia como director totalmente moderna, sin concesiones ni prejuicios. Ninguna figura de la industria opera con tanta libertad al margen de las restricciones de la presión comercial. Y, sin embargo (o tal vez por eso mismo), consigue crear un éxito tras otro.Separar al actor del director es casi imposible. Están intimamente relacionados, se polinizan mutuamente, pero en la segunda mitad de su carrera ha llegado a ser considerado uno de los artistas más grandes del cine de todos los tiempos. Aunque este libro nos conecta con su trabajo como actor y con los que han influido en él, también celebra su identidad como uno de los mejores directores del medio.No es una retrospectiva, es una panorámica.

Libros Cupula

La Cupula

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SBS ENCALADA

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SBS SAN.MIGUEL

SBS LOS OLIVOS

Clint eastwood

David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico.Un libro magnético y particular.

Reservoir Books - Penguin Random House (Prh)

Espacio para soñar

Polanski (París, 1933) es uno de los cineastas más importantes del siglo XX y principios del XXI. Superviviente del Holocausto, fue estudiante en la famosa escuela de cine de Lodz. Su primer largometraje, 'El cuchillo en el agua', fue seleccionado para competir por el Oscar a mejor película en habla no inglesa. Vivió en el Reino Unido, donde realizó los largometrajes 'Repulsión', 'Callejón sin salida', que ganó el Oso de Oro, y 'El baile de los vampiros'. El apabullante éxito de 'La semilla del diablo' le confirmó como uno de los directores más importantes de su generación.

Malpaso Ediciones Sl

Malpaso Ediciones

Malpaso Editorial

Memorias

*COINCIDIENDO CON EL 50 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE EL PADRINO**COINCIDIENDO CON EL ESTRENO DE THE OFFER, LA NUEVA SERIE DE TELEVISIÓN BASADA EN EL RODAJE DE LA PELÍCULA**TENEMOS UNA OFERTA QUE NO PODRÁS RECHAZAR*Tras una encuesta realizada por la revista Empire en una votación en la que participaron 10.000 cinéfilos, entre ellos algunos de los cineastas y críticos más prestigiosos del mundo, El padrino fue votada como mejor película de la historia. Lo mismo sucedió en las votaciones de El País y The Hollywood Reporter.Rodando El padrino, ninguno de sus implicados pensó que se convertiría en el primer blockbusrer y en la película más taquillera de la historia en su estreno. Ni Mario Puzo pretendía escribir sobre la mafia, ni la mafia quería que se rodase, ni Francis Ford Coppola dirigirla, ni Paramount hacer otra película de mafiosos. Tampoco a Marlon Brando, ni a Al Pacino.Narrado como una trepidante película y basado en una rigurosa documentación histórica, este libro nos muestra el poder empresarial en Hollywood, las luchas de poder en los pasillos de Paramount, las conjuras para despedir a Coppola, las presiones y asesinatos de la mafia de Nueva York, un duro rodaje y finalmente el gigantesco éxito que nadie imaginó.

Rocaeditorial

El hombre que podía hacer milagros

Ampliamente considerado como uno de los directores más imaginativos del cine actual,  Guillermo del Toro ha construido una obra que ha cautivado a los fans del cine con su belleza oscura  y unas películas que te mantienen en vilo.En este libro, el aclamado autor Ian Nathan traza la progresión de una carrera que ha producido algunas de las escenas y personajes más venerados del cine contemporáneo. Desde las ganadoras del Oscar El laberinto del fauno y La forma del agua hasta grandes éxitos de taquilla como Hellboy, El espinazo del diablo o Pacific Rim, y llegando hasta su último filme, Pinocho, este detallado examen analiza cómo los hilos de la carrera de Guillermo del Toro se han unido para crear una de las obras más innovadoras del cine moderno.Con una mirada esclarecedora a través de la mente de un autor bendecido con una visión creativa singular, esta obra analiza los procesos, temas y narrativas que han llegado a ser reconocidos como distintivamente del Toro.Ian Nathan es un prestigioso crítico de cine, guionista, productor y presentador. Ha sido editor ejecutivo de Empire, la revista de cine más importante del mundo. Entre sus biografías más vendidas destacan las de directores de culto como Tim Burton, Los hermanos Coen, Wes Anderson y Quentin Tarantino. Vive actualmente en Londres.

SBS UNIVERSIDAD ESAN

SBS SURCO

Guillermo del toro

Jean-Luc Godard (1930-2022) consagró toda su vida al cine. Primero como espectador y crítico, y después como cineasta, su legado es una de las cumbres del siglo xx. Además de su extensa y heteróclita obra ?entre sus más de doscientas películas se encuentran algunos hitos de la historia de las imágenes en movimiento como "Al final de la escapada", "Pierrot el loco", "Yo te saludo, María", "Histoire(s) du cinéma" o "Film Socialisme"?, fue uno de los cineastas que más y mejor ha pensado el cine, faceta que él mismo consideraba tan importante como la propiamente cinematográfica."Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes" recoge, por primera vez, las ideas que el realizador elaboró y reelaboró a lo largo de multitud de entrevistas, conferencias, conversaciones y presentaciones, y lo hace exclusivamente a través de las palabras de Godard, que, tras un proceso de selección y montaje a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, conforman una constelación de pasajes en orden cronológico en los que el pensamiento en permanente proceso de elaboración del director se presenta al desnudo y en toda su riqueza, complejidad y extensión. La memoria personal, la nouvelle vague, la dirección de actores, la cámara, el montaje, el papel de la crítica, la función e idiosincrasia del cine, la ficción y el documental, entre otros muchos temas, son aspectos que se van entretejiendo en este volumen imprescindible que es tanto unas memorias, como un ensayo y un libro de estética.

JEAN-LUC GODARD

Las esperadas memorias del gran actor de Hollywood.«Estaba ahí, tumbado junto a un callejón en White Plains Road, en el Bronx, y me dolía mucho el tobillo. Me dije que así no podría seguir con la película. Solo llevábamos grabando un par de semanas y no podía interpretar el papel y, además, ahora tampoco podía caminar.Francis Ford Coppola me había mostrado antes algunas tomas de mi interpretación, solo para decirme ?Al, la estás cagando aquí?. Yo miré las tomas, y pensé, ¿qué hago yo en esta película? Tenía el aspecto de un don nadie. No tenía ni idea de lo que pretendía hacer.Pensé que estaba fuera de lugar. En realidad, no me querían mucho por aquí y empezaba a darles la razón. Era un chico de 29 años con solo dos créditos cinematográficos y una cabeza no muy bien puesta sobre los hombros.Ahora tendrían que echarme de El padrino. Y allí tendido en la calle aquella noche, no podía sentir más alivio. Miré al cielo, me santigüé y dije: estoy fuera de esto. Gracias, Dios mío. Gracias.»

Sonny boy

Tras el estreno de Pulp Fiction, Quentin Tarantino se convirtió en una estrella mediática, sobrevalorado por algunos, pero amado por casi todos. La película confirmaba que tras la cámara se encontraba un cinéfilo empedernido que ya había jugado con el homenaje, rozando lo ilegal, en su ópera prima Reservoir Dogs. Sorteando las críticas en referencia a su gusto por la violencia gratuita y por, precisamente, copiar los logros de otros directores y cinematografías desconocidas en occidente, Tarantino supo construir su propio mundo ensamblando piezas a veces provenientes de material de derribo. No se puede negar que el americano se convirtió en una figura de la cultura popular de nuestros días, siendo tan influyente como para que la expresión tarantiniana se utilice ahora para describir un cierto tipo de secuencias fílmicas con sus particulares muy definidos.Pero Tarantino también sufrió el declive de la industria y, sobre todo. el cambio a la hora de enfocar el tiempo de ocio emprendido por las nuevas generaciones. La llegada de redes sociales como Facebook o Twitter, la irrupción de los móviles inteligente y tabletas, y el boom de los blogs personales, provocó, aunque parezca mentira, que la cultura digiriera una transformación donde no había cabida para el ensalzamiento total de por ejemplo figuras de cine de culto.

Dolmen

Quentin tarantino - cineasta desencadenado

John Carpenter, es uno de los grandes referentes del cine de terror, sobre todo a raíz de haber filmado la transcendental La noche de Halloween ( Halloween , 1978), filme de bajo presupuesto que cambió el subgénero protagonizado por asesinos en serie. Pero, este director americano entró en la industria con la intención de imitar a Howard Hawks o John Ford, de los cuales recogió lo mejor de sus recursos técnicos para presentar su propio estilo, un talante único y propio que lo ha servido para enfocar cualquier género como si fuese una película del Oeste. Enfrentando de forma constante con los grandes estudios, el maestro representa la figura del outsider que ha sabido exprimir escasos recursos para sacar adelante proyectos que necesitaba de un gran presupuesto, haciendo del minimalismo artístico una virtud.

John carpenter. El maestro del terror

First advertised as a “mind-stretching experience,” Nicolas Roeg’s 1976 The Man Who Fell to Earth stunned the cinema world. A tour-de-force of science fiction as art form, the movie brought not only hallucinatory visuals and a haunting exploration of cont

David Bowie In The Man Who Fell To Earth. 40Th Ed.

Reedición actualizada sobre el genial cineasta Tim Burton incluyendo su última creación, Miércoles.A este iconoclasta director de cine se le reconoce rápidamente por su estilo impactante y peculiar, que sabe combinar magistralmente con tramas argumentales únicas. Responsable de obras como Eduardo Manostijeras, Pesadilla antes de Navidad, La novia cadáver, Alicia en el País de las Maravillas o Dumbo, Burton nunca deja de sorprendernos con su desbordante creatividad, a la vez que describe el mundo con trazos tan personales que le delatan y que son un ejemplo de la luz con la que este cineasta retrata la oscuridad.En esta obra, el periodista Ian Nathan explora en profundidad las raíces de la rica imaginación de Tim Burton a través de magníficos textos, fotografías realizadas entre bastidores y singulares tomas de películas para desvelar los secretos de una de las personalidades más creativas en la historia del cine.

Tim burton (nueva edicion)

Stephen king

Un libro ilustrado que recrea el inquietante y tenebroso universo de Tim Burton, uno de los directores de cine más rompedores de su generación. A través de sus inconfundibles ilustraciones, Irene Mala nos transporta a escenarios llenos de misterio, poblados por criaturas bizarras y oscuras, y nos permite repasar la carrera única de este cineasta mítico.

El universo tim burton

En la constelación de estrellas que figuran en este libro están algunos de los actores más populares de nuestro cine. Manuel Gutiérrez Aragón los retrata a la vez que se retrata a él mismo a lo largo de unas reflexiones sobre qué es la representación y la vida de cine. Desde la realidad hasta la imaginación y la fantasía, el director de algunas de las películas de las que se habla en este libro convoca a sus personajes para construir un magnífico relato. Relato no exento de crítica, pero, en cualquier caso, lleno de pasión por los actores, «esos seres imprevisibles e imprescindibles». «El primer conocimiento de una película es un acontecimiento carnal, la cara y el cuerpo del actor o la actriz, vistos ya en otras películas, en otras historias, convertidos poco a poco en amigos. A veces con amistad más íntima que los de la vida real.» Esta carnalidad se reivindica en el libro frente a la mera consideración del cine como lenguaje, según se puede apreciar en las reflexiones sobre el desnudo en el arte, especialmente «el desnudo femenino, tantas veces retratado y tantas veces bajo sospecha». «No hay desnudo inocente, porque no hay filmación inocente.» Ángela Molina, Clara Lago, Fernando Fernán Gómez, José Coronado, Ana Belén, Óscar Jaenada, Eduardo Noriega, Alfredo Landa Éstos son algunos de los intérpretes que pasan por las páginas de A los actores, libro destinado a servir de referencia sobre la belleza y el mito del cine, que publicamos el mismo año en que Manuel Gutiérrez Aragón ha sido elegido miembro de la Real Academia Española.

Anagrama S.a.

Narrativas Hispánicas

A los actores

En 1990, durante un congreso cinematográfico en La Habana, Román Gubern conoció a un sacerdote catalán llamado Enrique Planas que resultó ser el dirigente de una institución que desconocía: la Filmoteca Vaticana. Cuando Gubern se instaló en Roma como director del Instituto Cervantes, el sacerdote catalán lo contactó y le propuso participar en las preparaciones vaticanas para celebrar el centenario del cine. Esta propuesta le permitió indagar en la Filmoteca Vaticana, su colección de películas religiosas y las leyendas en torno a otro tipo de materiales; elaborar una propuesta de lista de mejores películas con valores ejemplares (en el libro hay tres listas vaticanas oficiales, donde las películas se clasifican según sus valores religiosos, sociales y humanos y artísticos) y participar en la designación del santo patrono del cine.

Nuevos Cuadernos Anagrama

Un cinéfilo en el vaticano

Atormentado por una idea a la que no logra darle forma, o una forma a la que no logra darle expresión, se lanza entonces en busca de una misteriosa mujer que conoció hace años. Jean-Luc Godard construye una delicada trama que invierte pasado y presente para explorar la Resistencia francesa a la ocupación nazi, el avance de Hollywood sobre la memoria, y la sombra constante del Holocausto. Inaugurando prácticamente un nuevo tipo de adaptación literaria, el autor toma el diálogo de su película, lo versifica, juega con el texto en la página y configura un proyecto tan inasible como lo que está tratando de elogiar. Entre el cine y la literatura, Elogio del amor inquieta con un encanto extraño: el de lo discretamente inaudito.

Interzona

Elogio del amor

Caja Negra Editora

Cuaderno de los sesenta

Durante años circularon rumores sobre la existencia de unas cintas que contenían las conversaciones de Orson Welles con el joven cineasta Henry Jaglom mientras almorzaban. Las grabaciones no eran una mera leyenda, existían y se habían registrado entre 1983 y 1985, al final de la vida del legendario cineasta, pero pasaron años acumulando polvo en un garaje. Ahora ven por fin la luz editadas por Peter Biskind. Son un documento excepcional, en el que el enfant terrible de Hollywood, el genio postergado que sobrevive con lo que gana como actor, habla a calzón quitado de cine -considera a Hitchcock sobrevalorado, no soporta las películas «terapéuticas» de Woody Allen-, de literatura y de política. Welles rememora su propia carrera -la recepción de Ciudadano Kane, su participación en El tercer hombre...- y a las personalidades del viejo Hollywood a las que conoció. Y así, aparecen el ego de Laurence Olivier, la ropa interior de Dolores del Río, Bogart refunfuñando sobre Casablanca, Katharine Hepburn hablando de sexo, Charles Laughton angustiado por su homosexualidad, Charles Chaplin, Rita Hayworth, Marlene Dietrich... «Es evidente que a Welles no le cohibía la presencia de la grabadora. El libro es un tesoro de chismografía sobre el Hollywood clásico, pero si sólo fuese eso sería como mucho un divertimento. Por suerte es además una fuente para entender a Welles, el director y el ser humano» (Richard Brody, The New Yorker). «Una inmersión maravillosamente fluida en la mente de Welles. Repleto de observaciones mordaces sobre el cine, el teatro, los cineastas, los actores, la política y la esencia del arte de contar historias» (Eric Kohn, Indiewire). «Un hombre cuyos vastos conocimientos y experiencia probablemente no serán jamás igualados en la industria. La buena noticia es que sus declaraciones sobre cada uno de los temas que aborda son alternativamente penetrantes, iluminadoras, impactantes, groseras, divertidas, honestas o todo a la vez. Me he leído el libro de una sentada y no me puedo imaginar a nadie haciéndolo de otra manera» (Steven Soderbergh).

Mis almuerzos con orson welles

El productor accidental relata las peripecias de un productor novel que se enfrenta a las dificultades de financiar, organizar y distribuir una película. Utilizando como hilo conductor su propia experiencia como productor de La plaga, una película dirigida por Neus Ballús que fue estrenada en la Berlinale y cosechó un amplio reconocimiento internacional, el autor se adentra en los pormenores de un oficio bastante desconocido por el gran público, al tiempo que él mismo va aprendiéndolo sobre la marcha. Con un estilo ágil, fluido y lleno de humor, Pau Subirós compone una narración trepidante que nos lleva desde las primeras reuniones de guión hasta el estreno de la película en los cines y su circulación por los festivales de medio mundo; una sucesión de acontecimientos inesperados y variopintos que el autor aprovecha para examinar con agudeza los engranajes, los porqués y los agujeros negros de la creación cinematográfica. Según el propio Pau Subirós afirma, El productor accidental es el libro que le hubiera gustado leer antes de emprender la aventura de producir una película. Un libro imprescindible para todo buen lector, para todo cinéfilo y, en especial, para los jóvenes inquietos que intentan adentrarse en los complicados vericuetos cinematográficos de nuestros días.

El productor accidental

Pier Paolo Pasolini, uno de los creadores más inquietantes del siglo XX, nos ha legado una inmensa obra literaria y cinematográfica, así como certeras intervenciones críticas en las que denunció problemas sociales que en nuestros días se han revelado cruciales. El comunismo, el sexo, la religión o la textura etnológica de las sociedades tradicionales son algunos de los temas que más asiduamente ocuparon a Pasolini. No obstante, la matriz común de su heteróclita producción intelectual es la poesía entendida como un espacio privilegiado para la reflexión. De este modo, Manual corsario ofrece una extensa revisión del corpus pasoliniano, con especial atención a la obra poética y a su extensa producción periodística y epistolar. El libro se completa con una serie de ensayos de expertos y estudiosos de la obra de Pasolini.

Altamarea

Manual corsario

The Blues Brothers

Moteros tranquilos, toros salvajes

Ciudadano welles

Woody. La biografía (2016)

Clint eastwood

Espacio para soñar (2022)

Memorias (2017)

El hombre que podía hacer milagros (2022)

Guillermo del toro (2022)

JEAN-LUC GODARD

Sonny boy (2024)

Quentin tarantino - cineasta desencadenado

John carpenter. El maestro del terror

David Bowie In The Man Who Fell To Earth. 40Th Ed.

Tim burton (nueva edicion) (2024)

Stephen king (2024)

El universo tim burton (2020)

A los actores

Un cinéfilo en el vaticano

Elogio del amor (2017)

Cuaderno de los sesenta (2017)

Mis almuerzos con orson welles (2015)

El productor accidental (2015)

Manual corsario (2022)